社会现实的说说

Joel-Peter Witkin：赏心悦目的事很容易做，但就像用自动相机，我无法得到满足。我的作品是出于光明的需要，但必须经过黑暗。

Witkin从小成长于纽约布鲁克林贫民区，他在6岁时目睹过一场车祸，被碾的小女孩的头颅滚到他的脚边，这个童年经验影响了他日后的创作。他的所有作品都是在探索暴力、痛苦、死亡，指向畸形人和人类的病态。

说起当代摄影，美国当代摄影艺术家Joel Peter Witkin的作品一定榜上有名。这位美国艺术家以化妆畸形儿、同性恋、残障、智障、**等等社会黑暗阶层题材，以背德、受虐、血腥的方式呈现。把死亡与性结合，将传说和爱情带进梦魇世界，他被誉为“一半是哥特画派的巨匠，一半是链锯**狂”。 Witkin从小成长于纽约布鲁克林贫民区，他在6岁时目睹过一场车祸，被碾的小女孩的头颅滚到他的脚边，这个童年经验影响了他日后的创作。他的所有作品都是在探索暴力、痛苦、死亡，指向畸形人和人类的病态。有记者问他，为什么不愿意拍些清纯的东西，是觉得那样会滥俗吗。他说，赏心悦目的事情很容易做，但就像用自动相机，我无法得到满足。我的作品是处于趋向光明的需要，但必先经过黑暗。这种对生命过程中追寻的状态使得我不得不对这位美国当代艺术家表示敬仰。这是其一。他在为我们拉开舞台的帷幕时，我们一定在内心深处因极端的恐惧往往闭而不谈或予以回避，这种神秘的体验与经历——在你所感受的视觉中并延伸在你的心灵深处默默地上演着，会使你久久不能*静。人生必经死亡前的恐惧与坦然让你得到极端地品尝。

Witkin的模特大多选自街头流浪汉、医院、收容院、演员。他也公开征询一些貌相古怪的人物。动物、残疾人、畸形人、侏儒、双性人、非伤既死的病患，或干脆是他们的残缺的骨骼或器官，如《静物》、《侏儒肖像》。这都是他戏剧中的主角，他以相当独特的方式来诠释生命过程中这些社会各异的形象。 在他的作品中，那些人已经脱离不幸的阴影，被朔造成神圣化的人，或人性化的神，如《维纳斯向耶苏求爱》个个都好似从宗教或神化的片段中抽离出来似的，以迷一样绚目的姿态展露于观众面前。 艺术家沉迷于将自己的作品置身这一魔幻的领域，他的影象主题多取材于宗教神话故事，或直接引用宗教神话人物的名字，然而随之而来的噩梦是，那其中的圣家族、圣徒和殉道者，却一反常态，弥漫着亵渎过濒死的气息，荒诞然而庄重，不安却又和谐，仿佛要直奔人性的真相。他的作品中流露的这一倾向或许源于自早年的家庭背景，他的父亲是犹太人，信奉希腊***，而母亲是天主教徒。宗教派别的并立也波及到他存在着有别于人的认识。Witkin对艺术中绘画的兴趣很大程度上使他的照片同绘画有着密切的关联，我们很容易并在他的照片上找到魔幻主义、超现实主义、象征主义的影子，除此之外，他还以他的观点重新演绎了一些古典大师的绘画，如模仿波提切利的作品《维纳斯的诞生》，以及模仿委拉斯贵支的《皇家的画像》。 他的大部分作品都摄于自己的工作室内，之所以如此选择，是因为室外的光线、场景的复杂和多变都不易控制，Witkin需要占据最高的支配权，无论场景气氛、灯光、道具、还是模特和化装，于是棚内摄影便成为理想的选择。繁复的前期以后期的底片处理为延续，他对底片会采取生硬的擦刮、漂白、绘制或化学溶液的腐蚀来达到最后照片上自然的肌理与陈旧感，加上对相纸的调色处理，把最终的整合效果营造成似乎是来自久远的玻璃干版上的影象，更加富于古旧和神秘感。这种实验性的体验正是我们当今新摄影过程必经之地，而他早在80年代中期早已经实现，完全拍脱了所谓纪实摄影对现实中具体真实考证的一种局限。 Witkin有时故意让死去的人展露出神采。一个吻被赋予暧昧特意的气质，理智告诉你那颗头颅并无任何感觉，于是视觉的反感消失了。相当于一种联想，这两个半张脸都在重现他们生时的景象，你无法不心生感触。此时生死已经不再对立，死去的人和他已经僵硬的面孔在呼吸，与生者交缠。他的作品中会使你得出一个感觉：在他的每一幅作品中，总有些东西可以抓着你的心，总会使我们无法视而不见的事实真相，也总有一些东西 使我们无法完全接受。这是一种艺术状态给你带来的体验，如果你感受不到，那你一定麻木。生活中那些无法说明事物的尝试，一种与没有办法交流的尝试。他的作品是神的杰作，是一种精神品质。这些丧失温度的器官在他的手中，汲取了生命的勇气，死恢复然，但又神秘地复活着，并让你在这我们当今不确定时代的二十一世纪当下，你依然在经受着生命中不*坦的折磨，卑微的生存。
但你还会经历漂浮的花朵与虚荣的光芒。唯一的结果，只有在信仰中你才能享**神的放松



http://www.zonezero.com/exposiciones/fotografos/witkin/jpwdefault.html

09和10年依然是心情沉重的两年，所以在看到画家Amy Casey的作品的时候，就不禁被那些混乱且带着毁灭感的画面所吸引。也想到了*期的玉树地震还有去年的汶川地震，所以对于这个作品在很大程度上产生了心里的情感共鸣，但对于解读这些作品，没有人能比Amy Casey本人解释得更好：

“在*来的八年里，我经历了一个偶发但连续的有关世界末日的梦。动物们惊慌错乱，我周围的建筑物都变为尘埃。我从惊慌中醒来，心情就好象一切都必将发生般沉重。虽然我不是要在作品中复制这个梦，但我觉得它们非常相像，我的绘画反映了我对于看似正要发生的势态的紧张感：天灾和人祸给了我启发，人类的彻底失败和来自媒体播报的无休无止的噩耗，将绘画中的世界完全颠倒，地面崩溃、天空坠落。随后到来的，是我所创造的世界开始设法跟上复制计划。这让我探究焦虑不安、社会，和伪安全感。但我对于恢复十分着迷，每场灾难后都紧跟着重生，当我们走出遗骸的时候则共同拼凑出下一个重建计划。而我的绘画就是赞美这种魔力，通过我喜爱的城市风景和其中的一切。”

Amy Casey表现了对于现实动荡的不安，但也因为积极向上、绝处逢生的活力而爱上城市风貌。不管怎样，结果还是美好的——用一首歌名来体现，就是《Too young to die》。

转载的插画

巴洛克（Baroque)

巴洛克一词原指不规则的，怪异的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低，但现在，人们已经公认，巴洛克是欧洲一种伟大的艺术风格。古典主义者认为巴洛克是一种堕落瓦解的艺术，只是到了后来，才对巴洛克艺术有了一个较为公正的评价。巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。巴洛克艺术最早产生于意大利，它无疑与反宗教改革有关，罗马是当时教会势力的中心，所以它在罗马兴起就不足为奇了，可以说，巴洛克艺术虽不是宗教发明的，但它是为教会服务，被宗教利用的，教会是它最强有力的支柱。概括地讲巴洛克艺术有如下的一些特点：首先是它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二是它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力;三是它极力强调运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；四是它很关注作品的空间感和立体感；五是它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外，巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象；六是它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位；七是大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，如在一些天顶画中，人的形象变得微不足道，如同是一些花纹。当然，一些积极的巴洛克艺术大师不在此例，如卡拉瓦乔、贝尔尼尼的作品仍然和生活保持有密切的联系。

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洛可可

洛可可风格起源于18世纪的法国，最初是为了反对宫廷的繁文缛节艺术而兴起的。因于路易十五统治时期风行，亦称“路易十五式“。被称为洛可可的艳情艺术主宰了18世纪前半期，它以上流社会男女的享乐生活为对象。路易十五的情妇蓬巴杜夫人、杜巴丽夫人的趣味左右这宫廷，致使没话妇女成为压倒一切的艺术风尚。它一方面不免浮华做作，缺乏对于神圣力量的感受；另一方面却以法国式的轻快优雅使绘画完全摆脱了宗教题材。愉快亲切、舒适豪华的场景取代了圣徒痛苦的殉难，从而在反映现实上向前大大地迈进了一步。主要表现在建筑和绘画上，代表建筑为法国巴黎苏比斯府第，代表画家为布歇、弗拉戈纳尔等。 　　洛可可Rococo这个字是从法文Rocaille和意大利文Barocco合并而来。Rocaille是一种混合贝壳与小石子制成的室内装饰物，而Barocco即巴洛克（Baroque）。洛可可后来被新古典主义取代。洛可可为法语rococo 的音译，此词源于法语 ro- caille(贝壳工艺），意思是此风格以岩石和蚌壳装饰为其特色。是巴洛克风格与中国装饰趣味结合起来的、运用多个S线组合的一种华丽雕琢、纤巧繁琐的艺术样式。 　　巴洛克艺术尽管有呆板的礼仪，有形式上的骄矜和夸张，但它毕竟是一个阳刚的时期。而紧随其后的时期，即洛可可艺术，是大约自路易十四1715年逝世时开始的，则显得更为讲究，更为矫饰，更为呆板，因而也更为柔弱。可以认为，这个时期的一个标志是18世纪初欧洲瓷器使用的普及。原先，人们一直是用笨重的银制餐具饮食，用大块的石头创作巨大的雕塑，而现在则是用易碎的瓷器来做餐具，也制作小巧玲珑的瓷塑像，从而反映了这个风流时期的精神。

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哥特

哥特（也称歌特）(Goth)包含多种意思，主要有：1、哥特人的，哥特族的（指曾入侵罗马帝国的一支日耳曼民族）；2、哥特式建筑的（12至16世纪流行于西欧的建筑风格，以尖拱﹑ 拱顶﹑ 细长柱等为特点）；3、哥特派的，哥特风格的（18世纪的一种文学风格，通常描述有神秘或恐怖气氛的爱情故事）；4、指字体，哥特字体的；5、指颜色，红与黑哥特(Gothic)这个特定的词汇原先的意思是西欧的日耳曼部族。在18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，所谓“哥特复兴”（Gothic Revival）将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓穴中挖掘出来。

寄给你的明信片 你还未来我怎敢老去


每一张明星片都是历史 每一段历史都值得我们回忆


寄一封没有地址的信，给不知道在哪的你，和流浪在每一个角落里的我的心，再见，不见。


些事情，当我们年轻的时候，无法懂得，当我们懂得的时候，已不再年轻。世上有些东西可以弥补，有些东西永无弥补。而当我们坐在沙发上看窗台开过的花，用手抚摸过往的灿烂时，天空依旧蓝得耀眼，只是那年的那封情书，早已微微纸张泛黄。


第一封 写给自己

亲爱的自己，如果不开心了就找个角落或者在被子里哭一下，你不需要别人同情可怜，哭过之后一样可以开心生活。亲爱的自己，学会控制自己的情绪，谁都不欠你，所以你没有道理跟别人随便发脾气，耍性子。

亲爱的自己，你可以失望但不能绝望，你要始终相信，tomorrowis another day。

第二封 写给你

假如人生不曾相遇，我还是那个我，偶尔做做梦，然后，开始日复一日的奔波，淹没在这喧嚣的城市里。我不会了解，这个世界还有这样的一个你，让人回味，令我心醉。假如人生不曾相遇，我不会相信，有一种人一认识就觉得温馨，有一种人可以百看不厌。

第三封 写给努力

趁着青春，趁着这刹那的芳华，趁着人生的夏花初始，我们更多的是放眼未来，努力！努力！不要抱怨现实有太多的不如意，就算生活给你的是垃圾，你同样能把垃圾踩在脚底下登上世界之巅。这个世界只在乎你是否在到达了一定的高度，而不在乎你是踩在巨人的肩膀上上去的，还是踩在垃圾上上去的。

第四封 写给成长

岁月无声，静默地伴我们长大，那季节里，如莲花开了落落了开的等待，恒久地抒发着不变的情怀。光阴荏苒，我们都不再是跌了就哭的小孩，现实总让人无奈，而我们只能被迫，去接受和征服这一汪苦海。流年似水，我们的生活不再拘于童真时代，社会才是大舞台，花儿总是要在风雨的洗礼下盛开。

第五封 写给宿命

每一段记忆，都有一个密码。只要时间，地点，人物组合正确，无论尘封多久，那人那景都将在遗忘中重新拾起。你也许会说“不是都过去了吗？”其实过去的只是时间，你依然逃不出，想起了就微笑或悲伤的宿命，那种宿命本叫“无能为力”。

第六封 写给幸福

幸福，是一杯茉莉飘香的清茶。沸腾之后皈依*静，漂浮之后还原沉寂；馥郁的浓烈不再张扬，华丽转身尽洗铅华。幸福，是承欢父母膝下，共享天伦。扶老携幼，看朝阳喷薄，赏残阳似血。山水间，发如雪、爱似颊，温润如旧，犹初月再见……

第七封 写给本真

坚持本真的自我，如顾城《一代人》中，“黑夜给了我黑色的眼睛，我却用它寻找光明”般执着；如《菜根谭》中，“宠辱不惊，闲看庭前花开花落；去留无意，漫随天外云卷云舒”般*静；如海子《面朝大海，春暖花开》里，我只愿面朝大海，春暖花开”般情有独钟。

第八封 写给修为

看别人不顺眼，是自己修养不够。人愤怒的那一瞬间，智商是零，过一分钟后恢复正常。人的优雅关键在于控制自己的情绪，用嘴伤害人，是最愚蠢的一种行为。

第九封 写给来生

如果有来生，要做一棵树，站成永恒，没有悲欢的姿势。一半在土里安详，一半在风里飞扬，一半洒落阴凉，一半沐浴阳光，非常沉默非常骄傲，不依靠不寻找。如果有来生，我希望醒食日月精华，梦寝风露流光，自由而无知觉的活着，任华年苒茬，我自逍遥。

不过才成立2年时间，男女装加起来也没有10个系列，然而英伦设计师J.W. Anderson就像只潜力股一样不断创造佳绩。由一开始做男装被《Dazed & Confused》发掘，却意外获得了女粉丝的喜欢，于是开展女装设计不过是顺理成章的事情，引领时尚的英国IT Girl，像Alexa Chung、Anya Ziourova无不对他喜爱有加。

　　这位有着演员般俊美长相的男设计师，脑子里想的却是叛逆之事，他的基本主张之一是“我们没有必要非让年轻人荒诞的理想主义在**的世俗现实中坍塌”。这听起来相当朋克的情怀，就像20年前的英国时尚教母Vivienne Westwood，却并未被狂暴表达，而是用一种优雅的叛逆来向社会宣战。在他说设计的服装中，常有着“阳刚/阴柔”的对话，在过去几季中，Anderson已经在他男装中使用了这种理念，肯定有很多好心人告诉他“你做女装会更好”。

　　但是这些劝告对于J.W. Anderson来说就是狗屁。他对于男装有着完全不同于常人的理解，和Jean Paul Gaultier一样，他也认为男性有权利表达并且善用自己的脆弱。

　　不出意料，Anderson在2013春夏系列之中依旧坚持着这种反中性化的中性化矛盾理念，在一片善意劝诫之中果断坚持自己的美学实在是难能可贵——男装中闻所未闻的莱卡紧身裤，针织锥形裤，亮片超短裤，包绑头巾，透视蕾丝刺绣套装，松糕楔形鞋；以及异常男性化的、解构版本的拉绒夹克外套、悬垂甩腿裤剪裁的西装长裤以及与怪诞卡通刺绣搭配的正装剪裁的条纹西装长裤——系列的思路看起来就像是在讨论女性时装轮廓展现男性肌肉与力量的可能，而你不得不承认，那些针织长裤和拉绒面料长裤勾勒出的大腿肌肉线条就像禁果一样诱人。

　　对于欧洲大陆的同僚而言，J.W.或许不会被广泛接受，但是这里是伦敦，只有极端的叛逆和守旧能脱颖而出。热爱伦敦时装风格的人会追随J.W.Anderson，因为他就是成衣界新堂吉诃德。

飞鸟集

梦想，是茫茫大海中的灯塔，为迷失方向的航船引导方向。
每个人每个民族乃至每个国家都有梦想，梦想是对美好生活的憧憬，是激励人们奋发向前的动力源泉。
梦是一种欲望，想是一种行动。梦想是梦与想的结晶。
如今的我们，不也是一样的么，都有自己的梦，那为何不去拼搏，不去努力？我们的路很坎坷，可是，路上并没有那么多的荆棘，我们在害怕什么呢？每个人都会失败，每个人都会遇到阻碍，难道我们就该放弃么？
有一种品质，它叫自信。培养自己自信的心态，接纳自己的缺陷，正视自己的不完美。自信的人即使看不见远方，但他心中有远方的模样；即使看不到希望，但他知道只要努力就会慢慢地靠*梦想。苦痛再多，压力再大，我们都要自信，自信的女人最美丽，自信的男人最闪耀。
梦想是伟大的，有了梦想，生活才有了精彩，人生才有了意义。为了梦想，我们拼搏努力，但在实现梦想的过程中，会遇到许多困难，只有做到“肯吃苦、有毅力、有信心”才能披荆斩棘，摘得梦想的桂冠。到那时，你会发现最可贵的不是实现了梦想，而是为了实现梦想的过程中所收获的一切。
独自仰望夜空，从古至今，不知多少人面对着浩瀚的夜空，满天的繁星而放飞梦想，放飞希望、放飞未来。斑斓璀璨的星空又见证了多少伟大梦想的实现，人类就在梦想中一步步从荒蛮走向文明，从过去走向未来……
很多时候，我们富了口袋，但穷了脑袋；我们有梦想，但缺少了思想。
如果你遭受挫折，美丽的梦想可以让你振作起来，尽快走出失意的日子；放飞你那梦想的风筝，你心灵的天空就会变得高远而明净；如果你刚刚步入社会，面对纷繁复杂的社会而无所适从，那就张开梦想的高洁翅膀吧，梦想会带你走出困惑，去书写精彩的人生；如果你雄心万丈去创造伟业，而现实的围墙又让你处处碰壁，你千万不要灰心丧气、轻言放弃；因为只有血汗的浇灌，梦想绿枝结出的果实才会更加剔透晶莹；如果你在物质上很拮据甚至一贫如洗，只要你有梦想，你的精神就不会空洞，你的思想就不会贫穷。
想说、我还喜欢你。想问、你喜欢我不。想懂、你在想什么。想装、所有的痛伤。想忘、美好的过去。想忆、却渐渐逝去。想静、却心烦意乱。想哭、却泪已流尽。曾幻想、你我依然在一起。曾梦想、我会一生有你。
仰望星空，那似乎没有纤瑕的星辰在银河中闪耀，而给了我们无限的遐想。那不染纤尘的星空里，放飞了多少人美丽的梦想。飞上星星的人知道，那里像地球一样，也有灰尘和石渣，于是他们失去了幻想的自由和权利。我们不能一味沉溺于自己的幻想之中，却也不能让自由飞翔的思想湮没在无情的现实里。
穷人并不是指身无分文的人，而是指没有梦想的人。

with a burning desire to achieve the dream as a backing, so that the desire to become enthusiastic, let it become your brain in one of the most important things.用强烈欲望作为达成梦想的后盾，使欲望变得狂热，让它成为你脑中最重要的一件事。

空的快乐是万里无云，阳光的快乐时沐浴大地，我的快乐是你收到我的温馨祝福：愿宝宝健康快乐地成长，美好的童年、快乐的少年、有为的青年、成功之后的中年、舒适的晚年！

只要有梦，我就会不松懈的奋斗下去；只要有点滴进步，我就会更加的努力；只要我永不放弃，成功的希望就会一直陪伴着我。

Marlene Dumas出生在1953年的南非开普敦，20岁左右就来到荷兰，一直在阿姆斯特丹学*
、生活和绘画。

Marlene Dumas 是当前最引人注目的女性画家。常被称为“精神表现主义者 ”， 她的含
有性隐喻的绘画暗示了现实世界的精神混乱。她笔下的人物多是女人、儿童和有色人种，
他们美丽、柔弱。但是对于这些容易受伤的弱势人群，杜玛斯的作品不提供观众任何安慰
，她破坏了图像最根本的叙事、交流功能，剥光了美好的外衣，因而挑起了困惑和恐惧。

Marlene Dumas 的画面通常线条粗重、色彩单纯，而且极少修饰，模糊了再现性和抽象性
、绘画和素描之间的界线，没有任何观念的禁忌。没有细节的描绘，寥寥数笔，绘出生动
的人物形象, 她用对比和模糊的方式表现人物心理和精神状态的不*衡，质疑我们所*以
为常的视觉和心理的定式，挑战普遍性的价值体系。Marlene 作画的过程，居然是把墨泼
在画纸上，然后随着水墨的流转勾勒人体的曲线，再用炭笔点化出五官。一位西方画家对
水和墨的把握如此自如，而用水墨描画的人体能有如此张力。她在2000 年参加上海双年展
后被国人熟知的，并且被认为可能会开拓水墨画人物的新方向，许多国内画家受到她的影
响.

Marlene Dumas 利用杂志、电影等各种摄影图像，她的画面如同社会学研究，坦率地呈现
了种族、性别、宗教等等问题，揭露了“文明的”人类本质中令人难以置信的荒谬，令人
感到既亲密又疏离。杜马斯并不在乎主题的表达，注重的是人物情绪的流露. 她作品中的
人物具有一个共同点：他们都在从不同的角度凝视着我们, 画面中人物对观众坚定的凝视
暗示着他们的生存状态挑战了我们的道德观和社会意识形态, 映射了人性中普遍存在的脆
弱和压抑。在看似不经意的安排下，马琳?杜玛斯所表现的美不在于现时的、表象的感官愉
悦，而存在于希望与失望、被珍爱的被遗弃的永恒裂痕之间。


批评家认为，她将**的愉悦与概念主义批判相结合。Marlene Dumas，用线条和色彩表现
人的本质。作品的魅力其实是由于她人本身的复杂与绝望。她在评价自己的作品的时认为
她是“画家中的画家”，她把愤怒、忧伤、爱和悲凉，从摄影和电影的世界，重新带回到
画笔的世界。她用她的作品蛊惑这个肮脏的世界，她的作品像是披着一件花仙子的外衣，
有时美丽无常，有时肮脏更甚于这个世界。人们既喜欢她又害怕她，因为这个女人总是在
讲真话，不分场合、无论时间，视野遍及世界的每一个角落，所有好的或者不好的生活都
未能逃脱她的猎杀…….

Kazuki Takamatsu1978年生于日本宫城县仙台市。2001年从日本东北艺术工科大学的油画系毕业之后在该校继续进修。从1998年开始至今进行了许多个展与群展。09年他的作品作为永久收藏并出展于山本冬彦系列中。作为新生代的日本艺术家，他的作品用黑白通道给与轮廓，以轮廓讲述新表现主义的又一个新章节。就像他欣赏的乔治修拉思想中对色彩分维和色彩情绪的概括，黑白双色代表了阴影与光线中相互作用的彩色：红黄蓝代表黑，红绿蓝代表白。高度抽象凝结了古典大师和化学家Chevreul对历代画家的影响：艺术画家不必只画物体颜色作为描述，却可用增加颜色和借用调整来达到和谐。这样的原理早在亚里士多德的形而上学中表述过，亚里士多德为此总结道眼睛比其它任何器官都更能向我们揭示出事物之间的诸多不同而使我们有所知。因此也就诞生了与牛顿思想体系中混合光观念有关的色彩排列，一切都为了给视网膜更强烈和美妙的视效，进而导致修拉等诸多艺术家抛弃了将颜料混合的方式而采用排列和并列色彩，这样补色营造出的情绪是更容易辨别的。高松和树从作为一名画家开始就引入了这种对光影的解析方式，也就是他想从作品中传达的距离感主义，色彩之间并列的微小距离从而产生的情绪意义。这些作品是用丙烯酸覆盖到载体上的渐变层版画，他所强调的深度与可靠性展现了通过衡量周围事物的长度，材料长度以及距离所产生的安全感。画面中的女性角色是他观察到的处于社会问题当中扮演无辜角色的个体，题材往往来自他对新闻和网络历史信息的提取，倒映出现实世界的不稳定性，引申出一个新问题，即在世上生存下去的治疗方法。从受到引用的大师思想中，可以借以观察高松和树排列轮廓的各个方向，某些代表着欢乐的上升线，代表冷静的水*线，以及代表了忧郁的下行线。