油画说说

油画基本技法

油画基本技法

　　油画以易于油剂(亚麻仁油、罂栗油、核桃油等)调和颜料，在亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。下面是小编为大家分享油画基本技法，欢迎大家阅读浏览。

　　油画技法(一)

　　油画以易于油剂(亚麻仁油、罂栗油、核桃油等)调和颜料，在亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为押发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。油画是西洋画的主要画种。

　　油画技巧及介绍

　　挫

　　挫是用油画笔的根部落笔着色的方法，按下笔后稍作，挫动然后提起，如书法的逆锋行笔，苍劲结实。笔尖与笔根蘸取颜色的差异、按笔的轻重方向不同能产生多种变化和趣味。

　　拍

　　用宽的油画笔或扇形笔蘸色后在画面上轻轻拍打的技法称为拍。拍能产生一定的起伏肌理，既不十分明显，又不致过于简单，也可处理原先太强的笔触或色彩，使其减弱。

　　揉

　　揉是指把画面上两种或几种不同的颜色用笔直接操合的方法，颜色操合后产生自然的混合变化，获得微妙而鲜明的色彩及明暗对比，并可起到过渡衔接的作用。

　　线

　　线是指用笔勾画的线条，油画勾线一般用软毫的尖头绪，但在不同的风格中，圆头、校形和旧的扁笔也可勾画出类似书强中锋般的浑厚线条。东西方绘画开始时都是用线造型的，在早加油画中通常都以精确严谨的线条轮廓起稿，坦培拉技法中排线法是形成明暗的主要手段。西方油画到后来才演变为以明暗和体首为主，但尽管如此，油画中线的因素也从未消失过。纤细、豪放。工整或随意不拘以及反复交错叠压的各种线条运用，使油画语言更为丰富，不同形体边线的处理更是十分重要。东方绘画的用线也影响了很多西方现代大师的风格，如马蒂斯、凡高、毕加索、米罗和克利等都是用线的高手。

　　扫

　　扫常用来衔接两个邻接的色块，使之不太生硬，趁颜色未干时以干净的扇形笔轻轻扫掠就可达到此目的。也可在底层色上用笔将另一种颜色扫上去来产生上下交错、松动而不腻死的色彩效果。

　　跺

　　指用硬的猪鬃画笔蘸色后以笔的头部垂直地将颜料跺在画面上。跺的方法不很常用，通常只在局部需要特殊肌理的时候才应用。

　　拉

　　拉是指油画中有时需要画出坚挺的线条和物体边缘如画锋利即剑或玻璃的侧面等，这时可用画刀调准颜色后用刀刃一侧将颜色在画面上拉出色线或色面，画刀画出的形体坚实肯定，是画笔或其它方法难以达到的。

　　擦

　　擦是把画笔横卧，用画笔的腹部在画面鼓擦，通常擦时用较少的颜色大面积进行，可形成不很明显的笔触，也是铺底层色的常用方法。在干了的底色或起伏的肌理上用擦的笔法可画出类似国画飞白的效果，使底层肌理更为明显。

　　抑

　　抑是用刀的底面在湿的颜色层上轻轻向下压后提起，颜色表面会产生特殊的肌理。在有些需要刻画特殊质感的地方用抑技法可达到预期的效果。

　　砌

　　砌的方法是用刀代替画笔，像泥瓦匠用泥刀环泥灰那样将颜色砌到画布上去，直接留下刀痕。用砌的方法可以有不同的厚薄层次变化，刀的大小和形状以及用刀的方向不同也会产生丰富的对比。用画刀调取不同的颜色不作过多调合，任其在画面上自然地混合能产生微妙的色彩关系。起伏过大的色层也可用砌的方法将其砌*。砌的方法如果使用得当，就会有很强的塑造感

　　划

　　划指用画刀的刀锋在未干的颜色上刻画出阴线条和形有时可露出底层色来。不同的画刀能产生深浅粗细不同的变与画笔的笔触及画刀利的技法产生的色面形成点、线、面的对起伏的肌理变化。

　　点

　　点--众法自点始，一切笔法均出发于点。早在古典坦培拉技法中，点画法就是～种表现层次的重要技法。在维米尔的作品中也使用了点的笔触来表现光的闪烁和物体质地。印象派时点彩笔法成了其基本特征之一，但莫奈、雷诺阿和毕沙罗等的点法各自具有不同的变化和个性。新印象派则走向极端，机械地将点作为其唯一的.笔法。现代的写实油画中也有沿用以点的疏密来产生明暗层次的，可以造成肯定又不死板的过渡。点的方法在综合性画法中与线条和体面结合可产生丰富的对比，用不同形状和质地的油画笔又可产生不同的点状笔触，对表现某些物体的质感能起独特的作用。

　　刮

　　刮是油画刀的基本用途，刮的方法一般是用刀刃刮去画面上画得不理想的部分，也可用刀刮去不必要的细节或减弱过于强的关系，让显得紧张的画面关系松弛下来。长期作业在一天作业结束时往往需要把本画完的部分颜色用刀刮去以便及时干燥，待第二天接着画。颜色干后也可用画刀或剃须刀把高低不*处刮得*整一些。还可在未干的颜色层上用刀刮，使之露出底色从而显现各种肌理。

　　涂

　　如果说点画法和勾画法是形成油画点与线的手段的话，那么涂就是构成油画体决，即面的主要方法。涂的方法有*涂、厚涂和薄涂等，也有把印象派的点彩法称为散涂的。*涂是画大面积色块的主要方法，均匀的*涂也是装饰性油画的常用技法。厚涂则是油画区别于其它画种用笔的主要特征之～，可以使颜料产生一定的厚度并留下明显的笔触而形成肌理。用画刀把极厚的颜料刮到或直接将颜料挤到画布上，可称为堆涂。薄徐是用油将颜色稀释后薄薄地涂上画面，可产生透明或半透明的效果。散涂则使用笔显得灵活多变、气韵生动。结合揉扫的涂法也叫做晕涂。

　　摆

　　用笔将颜料直接放在画布上不作更多的改动称摆，摆也是油画基本的笔法之一。摆的方法常用在油画开始和结束时，以较肯定的颜色和准确的笔触来寻找色彩与形体关系，往往关键处只需几笔就能使画面改观，当然下笔前应先做到成竹在胸方可奏效。 擦--擦是把画笔横卧，用画笔的腹部在画面鼓擦，通常擦时用较少的颜色大面积进行，可形成不很明显的笔触，也是铺底层色的常用方法。在干了的底色或起伏的肌理上用擦的笔法可画出类似国画飞白的效果，使底层肌理更为明显。

　　油画技法(二)

　　古典透明画法的方法是怎样的

　　(1)素描初稿。

　　透明画法主要依赖于清晰、成功的单色底画——素描。在这个阶段，可以用任何素描媒介——炭条、色粉笔等清楚地确定一个可填充底色的框架——素描稿。之后，喷一层发胶或上光油。

　　(2)纯灰画法。

　　一般用白色与黑色调和的灰色作画，也可用赭石或褐色与白色调和。基本要求是反差强烈的明暗层次，尽可能用亮色调表现，因为其后每一遍上色都会使画面变暗一点。根据“肥盖瘦”原则，这一阶段尽可能少用油，古代画家多用铅白，因为铅白在油画颜料中最“瘦”，而黑油画色含油多，因而要少用。在表现明暗层次反差强烈的肖像时，并不意味着越暗越好，在保持亮度的基础上，最深的调子处于中间灰色即可。在画灰色画时，应常备一支扇形笔或油画滚子，不断用它把颜料抹*，一般只在确实需要的地方才画稍厚的笔触。灰色画完成之后，至少要让它干两天以上再涂上一层润色光油，这利于随后的色层上光。

　　(3)着色。

　　开始时色层要概括，大面积涂上单纯的经过稀释的上光色是着色过程的第一步。待一层上光色干后才能覆盖下一层色，间隔约为一至两天。当然可以采用湿盖湿的画法，但不易控制色彩，所以很多采用透明画法的艺术家同时画几幅画。

　　(4)薄涂。

　　透明着色之后，为增加物象的体感、质感，高光及细节部分常采用薄涂方式强调，用大量白色调和大量的调色油涂于干后的上光色上，多加调色油是为了遵守“肥盖瘦”的原则。注意：这一阶段不要使用松节油。松节油只在灰色画阶段使用。

　　在透明画法中，上光着色与薄涂覆盖可以交替进行。有时两三遍即可，也可能三、四十遍不止。作品完成后需干燥几个月，然后涂一遍上光油。

　　有人说：有多少采用透明画法的艺术家就会有多少种技法，可见透明画法并不局限于上述方法。画家可根据自己的需要探索属于自己的技法风格。下面再介绍一种古典透明画法：

　　首先用木炭起稿，然后用长锋勾线笔蘸乳胶调和的黑颜料或墨汁准确地勾出轮廓，再用大刷笔蘸“三合一”油(达玛上光油∶亚麻仁油∶松节油=1∶1∶3)调出赭色调的稀薄色，以松散的笔意涂满画面，再用抹布轻擦吸去多余的油。第二步：用大笔蘸乳液(甲基纤维素乳液或干酪素乳液，详见“坦培拉乳剂的制作”)，调钛粉画出物体受光部分，趁白色未干时用笔轻扫，向暗部过渡，制造飞白效果显出中间色调，此时画面的明暗对比应概括、强烈。第三步：白色干后接着用“三合一”油调色粉釉染，即所谓的“上光术”。如果没有色粉可将油画颜料用高丽纸吸去油份再用。第二步的提白与第三步的釉染反复进行，直到造型与色彩完美结合为止。

　　由于此技法使用乳胶调白，所以干燥迅速，釉染后能在短时间内结膜，故可连续作业。应当注意：最初釉染不能用油过多。另外，画布底子要有吸油性，初画干涩，渐呈光泽。

　　古典透明画法需要一个熟悉材料的过程，作画者要在实践中不断积累经验。

　　什么是透明画法和“光学灰”

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关于油画的说说

　　1、知道那手机像素有多差吗，拍出来的照片像油画一样

　　2、造梦先生油画姑娘

　　3、冬天是蚀刻画，春天是水彩画，夏天是油画，而秋天则是三者的美丽交织。

　　4、肉长在别人身上，那叫可爱；肉长在文艺复兴时期的油画上，那叫女神；可是如果肉长在自己身上，那就叫灾难！

　　5、那些画家到底藏了多少秘密在油画里可以让漫长的时光中有无数次忧伤而安静的凝望。——辛陌

　　6、再美的油画也会掉色再纯的牛奶也会过期再年轻的人也最终变白发还有什么让你害怕

　　7、油画姑娘水彩少年

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形容油画的诗句

践行中国梦，重走丝绸路。

唐·李白《当涂赵炎少府粉图山水歌》峨眉高出西极天，罗浮直与南溟连。

名公绎思挥彩笔，驱山走海置眼前。

满堂空翠如可扫，赤城霞气苍梧烟。

洞庭潇湘意渺绵，三江七泽情洄沿。

惊涛汹涌向何处，孤舟一去迷归年。

征帆不动亦不旋，飘如随风落天边。

心摇目断兴难尽，几时可到三山巅

西峰峥嵘喷流泉，横石蹙水波潺湲。

东崖合沓蔽轻雾，深林杂树空芊绵。

此中冥昧失昼夜，隐几寂听无鸣蝉。

长松之下列羽客，对坐不语南昌仙。

南昌仙人赵夫子，妙年历落青云士。

讼庭无事罗众宾，杳然如在丹青里。

五色粉图安足珍

真仙可以全吾身。

若待功成拂衣去，武陵桃花笑*。

唐·杜甫《画鹰》素练风霜起，苍鹰画作殊。

奴身思狡兔，侧目似愁胡。

绦镞光堪摘，轩楹势可呼。

何当击凡鸟，毛血洒*芜。

唐·杜甫《姜楚公画角鹰歌》楚公画鹰鹰戴角，杀气森森到幽朔。

观者徒惊掣臂飞，画师不是无心学。

此鹰写真在左绵，却嗟真骨遂虚传。

梁间燕雀休惊怕，亦未抟空上九天。

唐·杜甫《奉先刘少府新画山水障歌》堂上不合生枫树，怪底江山起烟雾。

闻君扫却赤县图，乘兴遣画沧洲趣。

画师亦无数，好手不可遇。

对此融心神。

知君重毫素。

岂但祁岳与郑虔，笔迹远过杨契丹。

得非悬圃裂，无乃潇湘翻。

悄然坐我天姥下，耳边已似闻清猿。

反思前夜风雨急，乃是蒲城鬼神入。

元气淋漓障犹湿，真宰上诉天应泣。

野亭春还杂花远，渔翁暝蹋孤舟立。

沧浪水深青溟阔，欹岸侧岛秋毫末。

不见湘妃鼓瑟时，至今*临江活。

刘侯天机精，爱画入骨髓。

自有两儿郎，挥洒亦莫比。

大儿聪明到，能添老树巅崖里。

小儿心孔开。

貌得山僧及童子。

若耶溪，云门寺。

吾独胡为在泥滓，青鞋布袜从此始。

唐·杜甫《画鹘行》高堂见生鹘，飒爽动秋骨。

初惊无拘挛，何得立突兀。

乃知画师妙，功刮造化窟。

写作神骏姿，充君眼中物。

乌鹊满樛枝，轩然恐其出。

侧脑看青霄，宁为众禽没。

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油画的特点有哪些特征

油画的特点有哪些特征

　　油画是以用快干性的植物油(亚麻仁油、核桃油等)调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。下面是百分网小编给大家整理的油画的特点，希望能帮到大家!

　　油画的特点

　　1、油画是油质颜料的色彩造型。油画颜料黏稠，覆盖力强，品色繁多。

　　2、油画具有丰富的表现力。油画适宜在*面上创造一个“立体空间”，表现出感受世界的视觉感受。

　　3、油画是光和色的技术，在表现质感、晾量感、空间感方面是任何画中不能匹敌的。油画是用颜色去表现对象的，它以颜色的三属性与色性来表现绘画对象的色彩关系。

　　4、油画的技巧多样，有厚涂法、薄贴法、点彩法、渲染法等，有的手法细腻不见笔触，有的手法粗犷色彩斑斓。

　　5、油画覆盖力强，为了追求视觉上的和谐，其表现层次的方法一般是从暗颜色开始作画，接着用中间颜色去压暗颜色，然后用浅颜色去压中间颜色，最后用最亮的颜色去压浅颜色，所以油画的亮色常常画的最为厚重。

　　油画的主要影响

　　油画的流派分为两大类。第一类是以客观的再现为主的创造性作品;第二类是以主观表现为主的创造性作品。

　　在第一类中如文艺复兴后出现的巴洛克、洛克克、古典主义、学院主义、浪漫主义、现实主义、写实主义、照相写实主义、印象主义都是以再现自然为基础，表现画家不同的思想与目的。 巴洛克派——巴洛克流行于17世纪至18世纪。“巴洛克”一词原意有不整齐、扭动、怪诞的意思。推崇运动的扭曲，形体的丰腴与量感，其艺术语言强烈、夸张、动、浮华，这是巴洛克派绘画的特点，其代表人物为鲁本斯。

　　洛克克派——“洛克克”原意是指贝壳的形状，其艺术风格为繁琐、精巧、纤细、甜腻、流行于18世纪，其代表画家有华多和弗朗索·布欧等。

　　古典主义与学院主义——古典主义是以尊重古希腊、罗马的审美原则，构图上对称、均衡，气势上庄严、辉煌、崇高向上，技法精湛，刻画深入。这也是学院主义的奉行的.原则。正如学院派奠基者法契诺所讲“美是所有艺术品的最高目标，它是事物的一种客观性质，由秩序、和谐、比例、规矩所组成”。其代表作家有拉斐尔、安格尔等等。

　　浪漫主义——浪漫主义起源于法国19世纪初期，其代表作是籍里柯的《梅杜萨之筏》，在此作品中的构图、光线、色彩、动态、表情都表现了艺术家丰富的想象力，它打破了古典主义的构图中的水*与垂直，光线的柔和与均匀，使画面产生了一种激情。这也是浪漫主义绘画的重要元素，注重感情的宣泄与表达。

　　现实主义——现实主义绘画指19世纪中叶，以米勒为首的画家主张用忠实于对象的手法去表现正常的视觉形象，反映生活的本质。其代表作有米勒的《拾穗》等。

　　写实主义和照像写实主义——写实主义就如它的创始人库尔贝在1885年所讲的：“象我所见到的那样，如实地表现我这个时代的风俗，思想和它的面貌。一句话，创造艺术就是我的目的。”

　　照相写实主义是对生活以一种照片式的形式搬上画面，如克洛斯的《约翰像》。它绘制作品要先拍成照片或幻灯片，再把它以比真人大十倍的比例精细地放大到布上，更细腻、更逼真地表现出对象的细节，如脸上的每一丝肌理和每根汗毛等。印象主义——印象主义是19世纪的画家们走出了自己的画室，去探索自然界中光与色的瞬间变化，打破了传统观念上固有色的概念，如树是兰绿色、阴影是黑色，它把周围的环境色对固有色的影响进行了客观的绘制。其代表画家有莫奈、修拉、塞尚、雷诺阿等。

　　如果说以上提到的画派还是画家在忠实的再现自然，只是对其进行了发挥添加，强调和发展的话，下面所介绍的第二大类，即后印象主义、野兽派、立体主义、未来主义、抽象主义、超现实主义等，它们不再是对客观对象的真实描绘，而是根据画家的主观意图进行自由创作，它们大多出现在20世纪以后。

　　后印象主义——后印象主义画家强调表现自我感受，注重色彩的对比和事物的内在结构，其代表画家有凡高、高更等。这个画派对现代西方绘画产生了深远的影响。

　　野兽派——野兽派以夸张的造型、强烈的色彩、粗犷的线条表达内在激情，马蒂斯是这一画派的创始人。

　　立体主义——立体主义画派，画面的视点已不再是一个方位，而是对事物进行全方位的表现，使物体还原成几何形体。其创始人是西班牙画家毕加索和法国画家布拉克。

　　未来主义——未来主义画家以抽象的形式，运用色彩、线条表现运动速度、力量及其组合与分隔。

　　抽象主义——抽象主义是依靠线条、块、面、色彩，进行无具象的抽象进行组合，其代表画家为荷兰画家蒙德尔安。

　　达达主义—— 达达主义对后来的超现实主义、活动雕刻、波普艺术直到后现代主义都有一定影响。

　　超现实主义——超现实主义画派受柏格森的直觉主义及弗洛伊德的潜意识学说的影响，主张表现人的潜意识和梦幻。代表画家有西班牙画家达利、米罗。

　　拓展阅读：油画保护步骤

　　一幅油画如果保存得当，可数百年不变颜色，反之，则可能发生色层的龟裂、脱落和变色。那么，怎样保护你的油画免受损坏呢？

　　一、可在画布背面薄薄地涂上两层预先溶解在松节油中的天然蜂蜡，能完全防止潮湿空气的浸入而造成损害。

　　二、油画要避免阳光的长期直射，因为紫外线对色彩的破坏性很大，会造成褪色和变色。

　　三、油画切忌将两张画面对贴。避免气温升高使画面粘连，导致油彩脱落、画面受损。

　　四、卷油画时要使画布朝里，画面朝外，外面卷一层纸筒，然后再用塑料布裹上，防止画裂。

　　五、储存油画的屋子要注意通风和防潮，尽可能离洗澡间、厨房远一些，注意防止灰尘、油烟对画布造成的损坏，房间内应保持一定的温度与湿度。受潮的画一定要慢慢阴干，切忌暴晒，否则画面容易脱落。

　　六、墙上挂的油画如果落上灰尘，可以用微湿的干净布轻轻地擦。如果油上面有油烟，可以用淡一点的肥皂水和清水轻轻地试着擦洗，然后迅速拿海绵把画面上的水吸干，再拿电风扇轻吹油画表面。如果遇到年代久、有龟裂的油画，一定要少用水，局部干擦即可。如果用专业的上光油为油画保养，在喷上光油之前，要用干净的布把画面擦干净。

　　七、一般油画可以保存二三百年，但随着时间的推移，有些油画在几十年后就可能出现龟裂。如果收藏品较多，可以把油画用塑料布包起来，放在木箱里，防止硬伤。

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油画技法教程

油画技法教程

　　作为美术生，油画是必不可少的，那么油画的技法有哪些呢?下面由小编为大家分享油画技法教程，望对大家有所帮助。

　　透明画法是已知架上绘画最古老的绘画技法，最早可追溯到15世纪。它是19世纪以前欧洲传统的绘画技法。透明画法主要是进行色彩罩染，使两种颜色通过视觉调和产生第三种颜色，它与物理调和派生的第三种颜色虽有相同的色相，但视觉效果不一样，前者更为深沉，具有珠宝般的光泽。

　　(1)透明色重显。

　　即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色，由于每层的颜色都较稀薄，下层的颜色能隐约透露出来，与上层的颜色形成变化微妙的色调。例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色，就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果，这往往是调色板上无法调出的色调。这种画法适于表现物象的质感和厚实感，尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化，令人感到肌肤表皮之下流动着血液。它的缺点是色域较窄，制作过程工细，完成作品的时间长，不易于表达画家即时的艺术创作情感。(在照片肖像制作时，儿童及女性的肖像绘制多采用此技法以表现晶莹透明的肌肤色调)

　　(2)薄底透明罩色。

　　在中间调子的灰棕色底上用深棕色或银灰色画出较严格的素色油画，待干后罩上透明色，透明色避免过多调入白色，以免影响透明度。为此，底画的素色油画需要预先提高明度，为多层罩色留下余地。

　　(3)厚底透明罩色。

　　指在底画厚涂*滑的表面及底画厚涂凹凸的表面上罩透明色。厚涂*滑的表面指先用厚色待未干时扫*，干后罩透明色。此法多用于古典风油画。例如肌肤受光部分多用厚涂颜料，使其与背景等暗色部分的厚薄拉开距离。厚涂颜料未干时用毛笔轻轻扫匀笔触进行*滑处理，干透后再罩透明色，能达到既厚实又透明晶莹的效果。

　　“光学灰”是透明画法表现出来的一种视觉效果。古代艺术家在坦培拉或油性色底上用树脂光油进行釉染后，涂以透明或半透明覆盖层，使各色层通过重叠显露出来，即产生色彩奇异的透明灰色——“光学灰”。这种透明灰色和调配出来的灰色相比，视觉效果不大相同。它是直接画法无法达到的。鲁本斯当时就以创造光学灰着称，他曾对他的学生说：“至少暗部最后一层色应是透明的`。”

　　先粉灰后饱和的传统油画技法

　　先粉灰后饱和是针对透明画法而言的一种有效之法，在古代鲁本斯即有“肥盖瘦”之说。它首先是为了确保油画颜料的顺利结膜及油画的耐久性而提出的。颜料形成坚固的膜需要色粉与调色油达到一个最为合适的比例才能实现，粉重和油重都不能达到结膜的牢固和长久。

　　由于是多次画法必须考虑它的每一步骤的承上启下的作用。为了利于制作的有效进行，将含油较多的颜料覆盖于含油较少的颜料不仅有助于层层的附着能力，而且能将最牢固的结膜产生于最后的表层上，反过来这种表层又必须依赖于层层含粉颜料适当的吸收性。另外“肥盖瘦”不仅是从油画颜料结膜的特性来考虑的，也是关系到透明色与不透明色的作用所产生的最终透明效果而言。纯粹的透明色一般含油量比较饱和，覆盖力差，不能确切地表现色彩纯度变化和自然界中各种灰色感受。它必须通过对底层的比对象本身饱和度低一些的色彩，也就是粉一些色彩之重叠才能达到对自然界各种色相纯度的准确表达。

　　相反其他粉质颜料尽管具有明确的色相和覆盖力，却不具备透明的特性。色彩的最终准确度必须靠多次的塑造和罩染即纯度的逐层增加而达到，与此同时不仅获得了色层的最终透明感，而且形象的最终结果也随之逐步得以刻画和呈现。

　　但随着油画的不断发展，人们要求“肥盖瘦”能更准确而生动地表现真实的形体空间和虚实，表现色彩在纯度上和冷暖上的丰富变化，所以“肥盖瘦”之法便发展成为多层次、多变化的法则了。其特征为第一遍色便以低纯度的粉色表现出大致的形色关系，每一种粉灰色都带有未来色彩的倾向和明度，例如将来是很重的黑色，在这里就只把它画成黑灰色，鲜艳的红色则画成较粉的红色或亮黄色，这些都是为下几个步骤逐渐肥化的透明纯色罩染作准备。这样相对粉灰的颜色与纯度高的透明色之重叠而达到丰富的色层、肌理及准确的色相和纯度。伦勃朗即是将此技法推向极致者，他的亮色全是统一于油层之下的，暗色也不是简单的透明色，而是依靠对柔和的重灰色重叠所产生出一种既透明又厚实的油画韵味。

　　所以他的画在色彩上是极富魅力的，饱和而不艳俗，也不焦枯;透明而不乏对细微灰色的比较和表现，在总体的厚重感中能让你体味到自然中最生动而微妙的形色关系以及油层和肌理的最佳契合，这实质上是将自然中一切生动的形色特征升华于油画材质及语言的美感之中，从而获得油画的极度表现力。

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油画的调色技巧

油画的调色技巧

　　油画是以用快干性的植物油调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。下面小编为大家带来油画的调色技巧，希望大家喜欢！

　　一、红黑背景前的和谐

　　要特别指出，色彩最怕固定化形成*惯色，如果无论画春夏秋冬、北方与南方、室内与室外、男人与女人、不同的植物花草等等，都是一种色调一种方法，那么艺术生命也就停止了。

　　二、基本调色技术以下各点供参考：

　　1.真正的调色不能在调色板上，而应在画布上，只有画面才能告诉你需要什么颜色。写生作画，眼睛基本不看调色板，而看画面与对象。即使在调色板上取用几种颜色也是简单地调合，在画面上才是最后的综合。如果在画板上调得过分均匀，色感必单调死板。此外，画面存在未干的颜色，调色时必须考虑画面颜色成分，如果在调色板上调“准”了颜色，加上画面已有的底色又会变得不准。

　　2.颜色种类不必太多，十多种即可，它们是：白、柠檬黄、中黄、土黄、金土黄、(或生赭)、桔黄、朱红、西洋红、深红(或紫红)、淡紫红、土红、熟褐、粉绿、土绿(或橄榄绿)、翠绿、湖蓝、群青、黑。19至21种颜色即可。

　　3.调色板上放颜色的顺序，基本可按前面所提颜色顺序排下来，暖色放一边，冷色放一边，而每一种颜色又由浅到深排列，如柠檬黄、中黄、土黄、生赭......这样就有一种素描深浅之概念。假如在画很深颜色的暗部，需要再亮一点暖一点，就可试调生赭，不够再用土黄，再不够可用中黄，以此类推。画暗部千万不可乱用白色，一用白色就不透明了，颜色发粉。

　　4.白、土黄、土红、熟褐、土绿、翠绿、群青、黑，是油画的基本常用色，它们也不易变色。

　　5.熟褐、深红、翠绿是暗部用色的三个宝。

　　6.土黄、土红是亮部的基本常用色。

　　7.柠檬黄是风景作品中高光、逆光、亮部很可贵的颜色，色感较冷。

　　8.土绿(或橄榄绿)、中绿，对画树而言，起万能的作用，如树的暗部——土绿加熟褐，偏冷可加群青，树的亮部——中绿加土黄、柠檬黄，夕阳或秋叶可再加桔黄。

　　9.头像暗部——土红加象牙黑(北欧学派，较透明)，土红加翠绿(东欧学派)。如果用朱红加中绿也可产生相当不错的'暗部色彩。

　　10.粉绿、淡紫红是脸部和人体中间过渡面的调合色。

　　11.画很白的女人体，白、土黄、土红、粉绿、中绿是基本用色，有时需要朱红。

　　12.室内头像高光——白加象牙黑，少量土黄。

　　13.要学会运用象牙黑。暗部、亮部、中间色调都可用，往往同白色一样重要。

　　14.颜色粉，往往问题产生在暗部，暗部不透明，画粉了，整个画面就会太粉。

　　15.如何能把写生对象之色彩画得更加好看?在同一物体的同一色彩中还会有冷暖的变化，不会绝对均匀，肯定有偏蓝紫或偏黄绿等色，如果对色彩敏感，是可以感觉得到的。因此在每一局部色块中，都应有所选择，把最美的色彩倾向扩大为整体的色彩。如果每一局部色块都有所取舍和提高，整体的色彩感就比真实的色彩更加完美。要养成会找好看色彩的倾向。

　　16.如何形成色调?首先要肯定色调总的倾向，然后在调色上加以处理。例如金黄色的秋天，总倾向是偏黄色的调子——以中黄为基色。就可在暗部、亮部、天、地、树等一切色块中，成分不同地调入中黄。

　　17.要大面积色彩调合，小面积色彩对比。

　　18.可以适当把冷色加暖，暖色变冷，色彩会更加好看，如冷红、暖灰。

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油画不宜互相混合的颜料

油画不宜互相混合的颜料

　　在日常过程学*中，大家最熟悉的就是知识点吧？知识点是传递信息的基本单位，知识点对提高学*导航具有重要的作用。还在苦恼没有知识点总结吗？下面是小编精心整理的油画不宜互相混合的颜料，希望对大家有所帮助。

　　1.硫化合物颜料 　 含铅、铁和铜的颜料系列

　　油画颜料中含有硫化合物的颜料如群青、朱镖、银朱及镉红等本身都是很好的颜色，可以与有机颜料及锌、钛类白色混合，但忌讳与含铅、含铁及含铜的颜料系列调配。硫与铅、铁、铜相遇产生硫化铅或硫化铜，曰久后会使色彩变黑。国内现在铅白颜料已基本不生产，含铜颜料也不多，但合成氧化铁类的颜料和含铅的铬类颜料是颜料中的大类，应注意回避。

　　2.偶氮颜料与色淀颜料　 锌钛系列白色颜料

　　有机颜料中的偶氮颜料如从柠檬黄一直到紫红的黄红系列，色淀颜料如从湖蓝到玫瑰红的蓝紫系列，与锌钛系列白色颜料混合会导致不同程度的褪色现象，尤以红紫色更为严重，一定要避免。用色淀颜料制作的粉红、玫瑰、紫罗兰和青莲等渗色现象严重，最好摒弃不用。

　　3.氧化铁系列颜料　 含硫化物的颜料

　　各类天然土质矿物颜料和人工合成氧化铁颜料如土黄、土红、褐赭类颜色是颜料中最重要、最稳定的色彩系列，可以和绝大部分颜料混合，但惟独与含硫的颜色相遇会变色发黑。所以应尽可能避免与镉红黄类、群青和朱镖等含硫化物的颜料混合。

　　4.含铅化合物的颜料 含硫化物的颜料

　　国内现在的美术颜料厂家都已不再生产铅白颜料而以无毒害的钛白或锌白代之，但国外的各品牌颜料均保留了这一传统的颜料，原因是铅白有其独特的优点。含铅化合物的除了铅白外还有铬黄、铬红和铅铬绿等系列颜料。铅化合物与含硫的颜料混合后也会变灰暗并转黑，应予避免。

　　油画颜料的性能有哪些

　　着色力

　　颜料的着色力通俗地讲是指色料的的扩散能力，即某一种颜料与另一种基准颜料混合后呈现其本来颜色强度的能力。通常以白色为其它颜色的基准颜色来衡量它们的着色力。着色力也是颜料的主要性能之一。

　　颜料着色力的强弱主要由色料本身对光的吸收与反射程度所决定，吸收能力越大，着色力也就越强。色料颗粒的大小与分散度也与颜料的着色力有关。在同类颜色中，有机颜料的着色力一般要强于无机颜料，如青莲、玫瑰红、深红和朱红等。

　　一些着色力太强的颜色有渗色性较强、稳定性差的致命缺点。在多层画法时用作底层色会产生泛色，很难将其完全覆盖，所以最好尽量避免使用此类颜色，不得已时应谨慎控制，用此类色调配复合色时应先少量加入，调和均匀，然后再逐渐加大用量。

　　耐光力

　　耐光力也叫耐晒力或耐光性，是指颜料在曰光中的紫外线照射下保持原来色彩的耐受能力，一般来说无机颜料在光的作用下会发灰变暗，有机颜料则变淡褪色，但总起来看在耐光力方面，无机颜料要优于一般的有机颜料。

　　耐光力是鉴定颜料质量的重要指标，耐光力的测试有专用的氙光测试仪可模拟曰光的照射并可大大缩短测试时间。耐光力的级别按曰晒牢度标准分为1至8级。

　　一般来说，多数有机颜料是不耐光的，矿物颜料则是耐光的，如深茜红会在光照后逐渐褪色，而土黄、土红及优质群青等却经久不衰。另外，颜料之间须彼此兼容，有的颜料调和后会因为某种化学反应而改变色相;还有的颜色会渗透出另一覆盖色上，造成麻烦。油画颜料中采用色淀原料制作的玫瑰红、紫罗兰和肉色等都是耐光力极差的颜料，应避免使用。其它的红色类除镉红和银朱外，如加入白色冲淡时也会有明显的褪色现象。另外，还有油的作用，过多地用油会造成色相变黄变暗，这些都是我们应尽量避免的。所以在作画中最好选用一些易于调和、干燥速度快、相对稳定的颜料，而且尽量将颜色控制在相对简练的范围，以避免更多的意外。古代许多大师都是这样选取自己熟悉、顺手、适用的某几种颜料，以便自如控制，达到自己的绘画目的。我们对自己常用的颜料也可以用最简单的方法进行测试：把需试验的颜料涂布在画布或木板上，最好将同一种颜料分别作*涂、厚涂、薄涂和加白冲淡试验。待颜色干后用黑纸条将一半遮挡起来放在曰光下曝晒，经过数月后观察对比结果，就会发现不同颜色的耐光力差异。

　　遮盖力与透明度

　　颜料的遮盖力由颜料的光学特性决定，当颜料的折光率和存在其周围介质相等时，这颜色就呈透明状。而当颜料的折光率大于介质的折光率时就会产生遮盖力，两者差异越大遮盖力也就越强。遮盖力的大小还与颜料对光的散射和吸收率有关，散射率很大或吸收能力很强的的颜色相应的遮盖力也就强。遮盖力是油画颜料的主要特性之一，油画的不透明效果和半透明效果均决定于颜料遮盖力的强弱。油画颜料中遮盖力较强的有白色、黑色和含铁类颜料。

　　颜料的透明度与遮盖力一样也决定于其折光率和反射率，但和前者刚好相反。透明度好的颜色覆盖力必然弱，反之亦然。颜料的透明度还与其色料颗粒的粗细、分散度和晶体形状有关。作画时可以利用颜料的透明度以罩染色彩的方法进行赋彩。在油画颜料中，各个色相的颜色都分别有相对较透明、半透明和不透明的颜料可供选择。一般来说，透明度较好的油画颜料有深红、翠绿、群青、象牙黑等。用于透明画法的颜料的载色剂和调色媒介剂本身也应具有较好的透明度，在加入颜料中后可以使某些本来不很透明的颜料产生一定的透明度。

　　无论何种颜料，其透明和不透明都不是绝对的，油画颜料的遮盖力及透明度也是相对而言。在实际绘画中，大量的颜色是处于各种半透明的状态，与透明和不透明色域一起形成丰富而微妙的对比。

　　吸油量

　　吸油量是指在一定量的某种色料粉中逐渐加入干性油进行搅拌，当加入的油量刚好能使这些颜料浸润并粘合在一起时即为颜料的最低用油量，也就是该色的吸油量。吸油量以油与颜料的含量百分比来计算。不同颜料的吸油量高低与该色料颗粒的大小、形状以及表面状态有关，与颜料的生产有较大的关系。

　　在绘画实践中，了解不同颜料的吸油量高低，在不同层次选用不同吸油量的颜料可以符合绘画作品“肥盖瘦”的层次规律。吸油量高的颜料含油量必然也高，在底层绘画中应慎用，反之吸油量低的颜料适宜于作为底层颜料或做底子时选用。另外，吸油量的高低还会影响到颜料的坚韧度，吸油量低的颜料一般比重大，比较坚固。

　　坚韧度

　　颜料的坚韧度一般指颜料干燥成膜后的牢固程度，与颜料的密度比重和颜料的吸油量有关。密度指单位体积内所含色料颗粒的质量和数量，密度比重以g/cm3计算。比重大的颜色颗粒结构紧密，吸油量低，不易开裂;比重小的的颜色则反之。不同颜色的色料比重差异很大。如红丹的比重为9，铅白的比重为6.14，做成颜料使用后结膜坚固，又因其吸油量低，故一直作为油性底料、底层色以及厚涂的首选材料。而各种黑色的比重仅在1.75 — 2.60之间，所以结膜坚韧度相对较差，尤其不能单独用于薄涂，最好和其它颜料调合起来使用比较安全。

　　干燥速度

　　油画颜料的干燥速度是极为重要的性能，对油画制作的步骤与程序有很大的影响。油画颜料的干燥速度主要是由颜料中使用的载色剂性质决定的，但是不同成分的色料与干性油结合后产生的反应也会影响到颜料的干燥，因此同时画的不同颜色其干燥速度的差异可能很大。正常厚度的*涂色膜的表面干燥时间为2-4天，实际的干燥状况要受到具体的媒介剂性质、天气气候、通风条件、底子性质和颜色厚度等许多因素的影响。

　　干性植物油中亚麻油是干燥适中、成膜坚固的油画载色剂，胡桃油和罂油干燥较慢，葵花子油则更慢一些，这主要是不同的油中的脂肪酸含量不同所致。颜料生产时利用不同干燥速度的载色剂配合不同性能的.色料来控制颜料的干燥，另外还可以添加催干剂或缓干剂来调整不同色别的干燥速度。在作画时使用的调色媒介剂对颜料的干燥也起着重要作用，调色剂中的干性油种类的区别，树脂含量的不同，干燥速度也就不同。挥发性溶剂的使用，色层的厚度等都会影响颜料的干燥。市上出售的调色剂通常加入各种催干剂来加快干颜料的干燥速度。

　　可塑性与流*性

　　颜料的可塑性是由于色粉加以适度的调色油形成膏状后所产生的，随着笔和刀等工具的运用，颜料在干燥后保留绘画时形成的笔触和肌理的性能，形成不同的肌理变化。通俗地说是指颜料能否在画布上“立”得起来，颜料得可塑性是体现油画材料与其它画种区别的主要技法特性之一。在厚涂技法中油画颜料的可塑性显得格外重要。颜料的可塑性与色料本身性质有关，也与颜料中的添加成分有关。有些专门的堆塑媒介剂，既不减弱颜料的色彩饱和度，又可增强油画颜料的厚度与可塑性。

　　画家常利用油画颜料这种特性来增加油画的肌理感和厚重感，强化油画的表现力。油画颜料的可塑性甚至还包括它的可被稀释性，它往往可被稀释到透明的程度。这种稀释包括对透明颜料的稀释，也包括对不透明颜料的稀释，而形成半透明色，这种透明与半透明色常常被用于传统技法的透明画法中。油画颜料的这种透明特性同样也增加了油画的表现力，造成了油画的柔润感和融合感。

　　流*性与可塑性相反，指颜料画到绘画表面后在张力作用下自然趋向于*整的性能。在绘制油画表面*整的肌理时，需要颜料具有较好的流*性以减弱油画表面笔触。通常用于罩染的透明颜料也应具有较好的流*性能。在颜料中适当加入表面活性物质可增加颜料的流*性，绘画时使用透明调色膏等特定的媒介剂也可起到相同的作用。

　　油画颜料调色需要注意的问题

　　油画颜色和调色液的干燥性能会由于色料的不同而受到不同的影响。铅丹、赭土和白色干燥非常迅速，而朱砂和茜草红干燥很慢。

　　铅白因油而引起的皂化作用，会使不透明颜料的覆盖力降低，但却使其牢固性增加。

　　油画中的油画颜料，由于部分的收缩、皂化和变黄，很快地发生轻微的变化，即所谓油画变得柔和，它增强了油画的色调统一与和谐。再经过一段时间，油画就开始变褐，呈现出众所周知的美术馆色调。我想起了一位画家老朋友的一个论点，他说油画彻底干燥需60至80年，这个论点已被慕尼黑的科学实验研究院最*的研究所证实。奥斯特瓦尔德（Ostwald）为了避免油的老化产生不利影响，提出建议，即采用吸油的底子，当底子吸收了大部分油之后，再涂上树脂光油以代替所吸收的油。但这样也绝不能避免油老化的弊病，结合剂（油）数量增加，不仅在光学上对画有害，而且也不利于油画的保存。结果各种色调都会失去轻快的特性，画布的线也会由于油的氧化而迅速腐朽。现代油画的一个非常讨厌的现象是画常常变黑，这对于油画的效果来说，比由于变黄而产生金色调更为有害。这种变黑现象主要是由于具有溶剂性质的香精油和香脂类（例如苦配巴香脂）使用过量引起的；也是由于油画的绘制技术不精所致。例如，使用过量透明色，或过多结合剂，或因有补色混合而相互抵消等。所谓“搅乱”的颜色，就是调配过杂的颜色。也特别容易变黑。

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维米尔油画艺术特色分析

维米尔油画艺术特色分析

　　300多年前去世的画家维米尔留下了许多为人们喜爱的大师级的油画作品，人们对维米尔作于17世纪的风景画名作《德尔夫特》已十分熟悉。下面是小编搜集整理的维米尔油画艺术特色分析的论文，欢迎大家阅读参考。

　　摘要：作为十七17世纪典型的荷兰风俗画家，维米尔的油画以独特的色彩、光线及结构创造了一个形象、自然的现实世界。维米尔的油画作品艺术特色鲜明，其绘画语言的运用给后人留下了许多宝贵的经验，本文将在阐述维米尔的生*及时代背景基础上，结合维米尔的油画作品，分析维米尔油画艺术构思，并进一步探索维米尔与伦勃朗等油画家的区别，以为维米尔的油画艺术研究提供更加积极有益的思考。

　　关键词：维米尔;油画;艺术构思;用光

　　一、叙述维米尔的生*和时代背景

　　1.维米尔是17世纪中后期独具特色的荷兰画家，1632年，维米尔出生于荷兰的德尔福特，该城市是荷兰著名的艺术中心，由于17世纪荷兰采取的财富战略，使得荷兰社会富足稳定，然而维米尔一生清贫，他曾向伦勃朗的弟子法布里乌斯学*油画，维米尔早期的油画创作，并没有得到足够的重视，随着维米尔油画技艺的不断深入，维米尔的风俗油画在结构及内容上都有了较大的变化。十六16世纪拜托西班牙统治的荷兰，不仅在政治上获得了独立，还通过海上殖民取得了经济水*的迅速提升，物质生活的富有进一步刺激了艺术的发展，尤其在新教的影响下，荷兰的绘画艺术逐渐进入现实生活，传统的宗教油画失去统治地位，取而代之的是风俗、风景、肖像等题材的绘画，维米尔一生都生活在德尔福特这一古老而繁荣的城市，维米尔的《德尔福特景色》就是一幅描绘这座美丽港口城市的名作，由于维米尔生前并未出名，关于他的少年及中年时期的生*非常少，1653年，维米尔在德尔福特的行业协会登记为专业画家，并在分别1662-1663、1671-1672年两次当选为行业协会的*，维米尔的父亲是一位商人，买卖画作是生意的一项内容，维米尔或许从小在父亲的生意过程中接触不同形式的绘画作品，进而对绘画产生了强烈的兴趣，关于维米尔何时学会、师从何人及绘画历程均没有相关的资料，从相关资料来看，维米尔早期可能在马姆斯特丹或乌特勒克学过绘画，也可能到法国、意大利游学过，维米尔早期与后期的绘画风格存在较大差异，从他的绘画艺术来看，早期的绘画或许受到收到意大利画家卡拉瓦乔的影响，绘画上运用了一些具有强烈戏剧性明暗对照法的技巧。

　　2.维米尔的妻子与岳母都是天主教徒，维米尔在1653年完婚前也改信了天主教，在后来的婚姻生活中，他从岳母祖上遗留下来的油画藏品中获得了一些灵感，这些绘画主要是乌特勒克学派的，从维米尔的绘画来看，他的绘画并没有显示出特定的绘画目的，维米尔的画作并非单纯的因为生计，他的油画有些是为画商或收藏家创作，有些则是专门为自己创作的，这与其他靠卖画为生的画家明显不同，维米尔的一生并不渴求物质上的满足，而是以从容、淡然的心专注地进行绘画创作，虽然从相关的资料来看，他的经济一直比较拮据，甚至他为了生活不得不卖掉父亲遗留下的客店，而他死后，他的妻子也被迫卖掉他的两张画以维持生计。虽然关于维米尔生*的记录很少，但是我们也能通过蛛丝马迹发现维米尔的绘画个性，进而分析他绘画风格形成的背景。

　　二、维米尔油画艺术特色分析

　　1.维米尔对绘画艺术追求完美，在油画创作过程中，他对油画的主题、光线、空间、技法及材料的运用有着严格的要求，对自己的作品通常会进行不断的调整与修改，以更好地实现理想的艺术效果。为了更好地观察绘画对象，维米尔设计了一种名为“暗箱”的装置，这种观察装置使得绘画更加精确，虽然维米尔并非简单的`写实画家，但是这种绘画方法显然体现了他对风俗绘画的严谨态度。维米尔的油画艺术布局精致、，生动。这一点体现在对建筑空间的巧妙安排，维米尔常常对画中人物、建筑环境进行精心的设计，如在《倒牛奶的女仆》中，维米尔将主要人物女仆安排在靠窗的桌子旁边，清晨的阳光透过窗户，女子与墙壁之间明暗对比鲜明但是又不显得突兀，人物的形体经过光线的勾勒，融入到厨房的宁静、自然的气氛中，画家还刻意地展现了厨房窗户上的破洞、墙壁上的小洞，以及微微反光的面包，这些看似漫不经心的布局，体现了画家对生活的细致体验，也表现了画家对画面布局细心的要求。

　　2.在《戴珍珠耳环的少女》中，画家将女孩转过头瞬间的表情刻画的唯美、精致，在这幅人物肖像中，画家对女孩回首时的眼神、表情都进行了细致的刻画，女孩的嘴唇微微张开，眼神流动，仿佛在诉说什么，在画面色彩上，维米尔采用了黄、蓝色调的颜色，这是维米尔最喜爱运用的色彩，通过色彩的统一，结合光线的巧妙运用，明暗的处理对比鲜明，表现了一个青春、活泼而又温柔的女孩形象。《小街》是描绘德尔福特街道的风景画，整幅画的布局自然，维米尔截取了德尔夫特的一条安静的街道，这条街道左右延伸，维米尔从画面最左边的金字塔形屋顶开始，到最右边的土*楼，左边的屋顶只露出三分之一，而右边的小楼正面向观者，并且直达画面顶端，冲出画外，表现了一种和谐与冲突的自然之美，另外，维米尔还通过天空的明亮与房屋的深色调对比，表现了柔和、宁静的自然之美。

　　三、维米尔对光线的处理

　　在油画艺术上，维米尔对光线的运用与处理值得称道，维米尔常常利用自然的光线来反映物体本身的美妙，如《戴珍珠耳环的少女》中，在黑暗的背景中，维米尔利用对光线的调整，使珍珠闪烁的光更加细腻动人。他还根据物体本身的特点，对光进行了不露声色的控制与运用，如在《倒牛奶的女仆》中，维米尔在挂在墙上的篮子与女仆手中水壶的之间以光线划分，既真实地表现了物象的品质，也进一步营造了画面的气氛。对画家维米尔而言，光线是其塑造空间氛围的重要手段，也是利用光线营造氛围的有效方法，他对光线进行全面、深入地观察，并对不同质地的物品与光线的关系进行了细致的研究，利用光线所形成的明暗，形成一个独立的绘画空间，进而结合主观的调控，使画面中的瓷器、玻璃杯、陶罐等在表现自身品质的同时，也折射出一个自然、生动的世界。

　　四、维米尔与伦勃朗、鲁本斯的绘画风格比较

　　维米尔早期的绘画作品并不多，与伦勃朗、鲁本斯相比，维米尔早期对历史宗教绘画的严谨融入到风俗画创作中，使其形成了独特的自然绘画风格，尤其是其对光线的生动运用，使画面的情感更加丰富。如在《小街》这幅油画上，不仅细致精妙地表现了街中的建筑物，还将在街道上玩耍的小孩融入到风景中，这种融合虽然对整个画面风格的影响不大，却体现了一种日常生活的生命力。伦勃朗也是一位运用光线的大师，与伦勃朗相比，维米尔更擅长物体本身的形态与质地来表现光，伦勃朗利用光来塑造形体，使绘画富于戏剧效果，从而以光线来表现物体或人物的特质，维米尔则是将物体的主动性展现出来，物体接收光并反射光，进而创造了一个富于感染力的画面。与擅长宗教、神话题材创作的鲁本斯相比，维米尔的油画艺术更偏向生活化、风俗化，他表现的通常是生活中的某个场景，而非鲁本斯恢弘、运动的巴洛克风格，维米尔的油画艺术自然、宁静，表现了一种朴实、自然的生活情趣。

　　五、结论

　　关于维米尔绘画创作的历程虽然知之甚少，但是在他去世后，人们重新研究他的作品，发现他对油画艺术创作执著而又富于创意的追求，他的油画艺术是使从传统写实的角度出发的，但是在绘画技法、光线的处理上，他超越了传统的视角，牢牢把握住情感与光线、细节的关系，即使看似漫不经心地的手法，让整幅油画作品显得轻松、自然，他的油画艺术中构图精确、构思巧妙、光线处理生动，色彩和谐，展现了一种岁月流逝中的宁静，这种油画艺术使人能够深刻地感受到艺术的魅力，其对绘画技法的处理也值得后人学*。

　　参考文献：

　　[1]候萍.维米尔和他的色彩世界[J]美术教育研究.2010年6期

　　[2]钟国昌.维米尔油画的美学意味[J]画刊.2008年10期

　　[3]曾静维米尔作品中“光”的表现[J]美术大观2011[06]

　　拓展阅读：

　　人物简介

　　荷兰黄金时代绘画大师，与哈尔斯、伦勃朗合称为荷兰三大画家。维米尔是荷兰最伟大的画家之一，但却被人遗忘了长达两个世纪之久。维米尔的作品大多是风俗题材的绘画，基本上取材于市民*常的生活。他的画整个画面温馨、舒适、宁静，给人以庄重的感受，充分表现出了荷兰市民那种对洁净环境和优雅舒适的气氛的喜好。他在艺术风格上也别具特色，他的绘画形体结实、结构精致，色彩明朗和谐，尤善于表现室内光线和空间感。维米尔的绘画给人一种真实性，除了日常生活中的真实之外还使人感到一种信仰上的真实感。

　　代表作品

　　《绘画艺术》又名《维米尔的绘画艺术和绘画寓言》或《画室》，创作于1666年至1668年。在这幅维米尔完成于荷兰艺术黄金时期的杰作中，他高超的绘画技艺体现得淋漓尽致。画面描绘的是一间有黑白格子地板的房间，这间房子在他的画中多次出现过，也许这是一间私属的起居室。屋内挂着一块纹样华丽的厚帘子，帘子的一边，一位画家身穿当时十分流行的华服，坐在画架前，专心致志地对着模特写生。模特是一个小女孩，身着蓝色衣服，明亮又华贵，头戴用橄榄枝扎成的花环，右手持着长号，左手捧着一本黄色封面的书，侧着身子，只有转过来的脸才是正面的，神情稚嫩可爱。模特身后的墙上是一幅巨大的荷兰地图，两边有一些小型风景画。画面上方悬挂在屋顶上的豪华铜吊灯，与整个画室低调华丽的布置相得益彰，这一切似乎都在告诉人们：这是一个名贵的画室。然而，即使有这么多的元素，即使模特在画中所占空间不大，但画面主题仍然突出和鲜明，这体现出维米尔绘画的高度概括性。

　　人物生*

　　维米尔出生在代尔夫特一个画商家庭，父亲去逝后便继承父业，同时从事绘画创作。21岁的维米尔加入了代尔夫特画家公会，并先后两次做过公会的领导人，在当时的画坛享有一定的声誉。但由于子女众多（生了11个儿女），生活十分贫困，有时不得不用油画去抵偿面包铺的债务，如此穷困潦倒，使他作品流散严重。1675年，画家参加了防御法兰西军队的入侵而过度劳累，生活又陷于极端贫困，在贫病交加中，留下妻子儿女去世了，终年43岁。从此维米尔在荷兰画坛销声匿迹。直到19世纪50年代，才被一位法国艺术评论家杜尔发现，并竭力寻求整理他的遗作公布于世，才使这位埋没了*两个世纪的伟大风俗画家再度光照史册。

　　维米尔作品大多数描绘宁静、和谐的家庭生活，他尤其喜欢画女性的形像和活动。他流传下来的肖像画中，女性人物有40位，男性人物仅13位。其油画内容通常是一、两个人在室内劳作或休闲，光线一般从左侧照来。

　　维米尔喜用黄色、蓝色和灰色，他对色彩的把握和光线的处理非常出众。通常布局简单，尺寸不大，但往往给人巨大的视觉冲击。 他使用了以微小的画点组合（点画法），并且善于使用光线的来源，使画面产生一种流动、优雅的气氛，因而被称为光影大师。

　　没有人了解维米尔的技法，但可以肯定的是他经常使用当时罕见的暗箱技术(Camera Obscura)，用以捕捉光线和色彩。当时荷兰著名的科学家列文虎克(Antonie van Leeuwenhoek)是维米尔的好友，此人精通显微镜和光学透视，维米尔显然从他那里学到了这门技术。

　　他对画面非常讲究，不论是画面构图、人物比例、光影变化都精致得跟照片一样逼真。以致有评论家认为这不是艺术，但在荷兰的黄金时代，人们并没有把绘画当成一种艺术，而只是一种手工艺，一种谋生技能而已。他的画作通常要花很长时间，基本上都需要两三年的时间才能完成一幅作品，但每一幅都堪称精品。 约翰内斯·维米尔，是荷兰17世纪中期杰出的风俗画家和代尔夫特风俗画派的代表人物。

　　维米尔的绝大部分绘画内容是他的日常生活，他多以当地殷实的家庭妇女为主体形象，刻意描绘充满阳光的室内陈设、环境与人物活动，往往采用*面透视，使画面产生一定的深度，通常画两个套间，室内的悬挂和摆设，反映出代尔夫特地区富裕家庭生活的*静、安逸，以及自我满足的精神境界。

　　他刻画织物精湛技艺使无数画家叹为观止，对光线与色彩的应用更是这样直入画境。他的作品，往往是在*凡中现出悠远的寓意和深刻的哲理，既通俗朴实，又神秘莫测。他的作品中流露着和煦与宁静，那细小而精湛的笔触足以让他在自己的时代汇聚成耀眼的光芒。存世真迹35幅，代表作为《戴珍珠耳环的少女》。

　　维米尔这位在逝世以后被湮没达两个世纪的绘画大师， 是十七世纪荷兰绘画的第三个重要代表。 荷兰在十七世纪是欧洲经济繁荣的强国，文化艺术相当发达，产生了哈尔斯、伦勃朗，在欧洲艺术史上占有特殊的地位。

　　维米尔是继哈尔斯、伦勃朗之后独树一帜于十七世纪中期的大家。正值荷兰的文化艺术逐渐丧失其民主传统的时候、 荷兰的德尔夫特市成为先进的艺术中心，而约翰内斯·维米尔 (1632-- 1675)就出生在这个城市并终其一生于此。然而这位伟大的画家在生前虽曾为人所知却一贫如洗，负债累累，正当年力强之时，却又溘然长逝，只活了43 岁。死后又被人遗忘，直到十九世纪中期才被艺术评论家们重新发现，从此名声日隆，给了他以应有的地位。他被称为“沉睡了两个世纪的司芬克斯”，是“谜一样的画家”。他的生*也逐渐为人探索考证，始得知其概观。

　　维米尔出生于荷兰德尔夫特市一个经营客店兼贩卖画的中产阶级家庭。据考证，他曾经向伦勃朗最有才华的弟子法布里乌斯学过画。1653 年，他正成为故乡的画师，加入过公会，而且在1663、1669年两次被选为公会的会长。根据 1663年一位国收藏家专程拜访过维米尔求画一事推断，他在生前已经享有荣名，并且他在画坛的地位也已为社会所认可。据专家们鉴定，维米尔共存34 幅真迹，其余的三十多幅都是别人伪托的赝品。这34幅作品除少数肖像、风景和宗教画外，绝大多数是描绘市民日常生活的风俗画而且绝大部分以中产阶级的家庭妇女生活为主，表现她们读信、弹琴、织花边、假寐以及种种杂务。

　　维米尔留下的风景画非常少，但是每一幅画都非常精致，为人熟知的有《代尔夫特的风景》、《小巷》等。在《小巷》一画中，整个画面完全把时间凝固了，无论是在巷中洗衣的女人、坐在门前缝补的妇女，还是在路边游戏的小孩，她们原本正进行的动作，在维米尔的画笔下，完全停滞下来。在这幅画前，我们的心灵得以沉淀，发出清淡的忧伤，我们在其中感受到身旁的时间正悄然地划过脚趾。

　　维米尔喜欢画忙碌的仆人，像《倒牛奶的女仆》、《拿酒杯的少女》、《穿蓝衣读信的少女》、《花边女工》，尽管这些画中的人物多是受雇维米尔画像而打扮成女仆模样的富家少女，但是在维米尔创造出来的画面中，她们却是那样大方质朴，丝毫没有做作之气。维米尔虽一生以卖画为生，艰难度日，但他并没有因为金钱而贬低自己的艺术，每一幅作品都流露着他真实的内心。因为维米尔很清楚，他是在为自己画画，甚至在有些时候是为了坚持自己的创作意图而不惜得罪画商。在这些画面里，维米尔大胆地使用蓝色与柠檬黄，往往在画面之一角设置一扇窗户，那照射进房间的轻柔阳光让整个画面显得清新自然。

　　维米尔一生都在捕捉光的微妙变化，光中的色彩，似乎是他沉静内心的思考，窥见了光辉中的栖居者，然后在画面中表露出来，再穿透每一个观者的心。

　　在今天看来，维米尔是一个优秀风俗画家，更多时候也是一个阳光下的抒情诗人。我们揭开那细小的笔触，透过绘画的表面，依然能感受到他内心的“思”。那“思”的轨迹正是画中闪动的光点，在细微处跳动，沉浸在我们的灵魂深处。

　　作品欣赏

　　在这一幅画中，画家描绘了一位正临窗专心看信的女子，她神情专注、庄重大方，仿佛正在被信中的内容所吸引，她周围的一切都在沉静中消失而不复存在。这是一个普通的市民家庭，室内宽畅而简朴，仅有的帷帘、台毯显得质感厚重沉稳，具有一种崇高冷峻的美感。维米尔还曾画过另一幅立于室内光照下已有身孕的读信女子。除了环境陈设稍有变更外，人物动态形象大致相似。

　　《花边女工》是维米尔的优秀作品，也是他的代表作之一。画作以诗意化的方式描述一个在编织蕾丝的女工那种专注*和的神情，以一种抒情情调给人美的享受。维米尔与同时代画家的不同之处在于，他以极端、甚至颤抖的感光度来表现光线，喜欢用蓝色和柠檬黄两种色彩组成十分和谐的色调。他的作品中特别的光感，实际上是借由一种新的技巧而达成的。这种技巧部分依靠光学实验，但主要是依靠着观察，以及对色彩微妙的渗透反映的直觉。他捕捉色彩光亮的方法相当特别，以微小的如珍珠的亮点构成物体轮廓，作品中的焦距*均分配，因此显得*静与客观。

　　《戴珍珠耳环的少女》为维米尔最伟大的作品，被誉为荷兰的《蒙娜丽莎》。

　　此画面世三百多年来，世人都为画中女子惊叹不已：那柔和的衣服线条、耳环的明暗变化，尤其是女子侧身回首、欲言又止、似笑还嗔的回眸，唯《蒙娜丽莎》的微笑可与之媲美。画中女子的真实身份，亦如《蒙娜丽莎》一样，是一个千古遗谜。

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浅析写意性与写实性油画语言论文

浅析写意性与写实性油画语言论文

　　在社会的各个领域，大家对论文都再熟悉不过了吧，通过论文写作可以培养我们独立思考和创新的能力。写起论文来就毫无头绪？下面是小编为大家收集的浅析写意性与写实性油画语言论文，仅供参考，希望能够帮助到大家。

　　写实性质的油画往往能够反映出作者的精神面貌，这样能够让事物在画中被赋予一定的精神和感情。现在有很多的思维方式都比较创新，因此，需要将这种创新的思维放到画中，才能够不断完善深层的思想。油画的成功就在于是否能够将内心的思想表达出来并引起共鸣。这些是创作者思维方式的转变，是其主题精神的转变。所以，油画从写实到写意，主要就是思维方式起作用造成的。

　　写意油画有非常独特的艺术魅力，因此，也有着比较丰富的精神号召力，能够完善对人身心的陶冶，那种作画时的酣畅淋漓能够唤起人们心中最原始的感情，将墨迹作为表达内心的一种媒介，对于创作者来说，是一种直抒胸臆的感觉。很多情况下，油画就是因为将*的传统文化融入到了西方油画的画种里，才产生了比较特殊的特征和意义。

　　1、不要求逼真形态的再现，只是要求对待客观事物的精神层面进行深一步研究，也就是把所画的东西形成创作者自己内心的形态表现出来。

　　2、要有丰富的感情和内涵，不断完善有生命力的画作，将自身的感情融入到其中，能够形成一种直接性的表达，对于油画来说，往往是一种特殊的情感符号，通过直观的画面来表达作者感情，是一种通融的行为。其实，这种状态每个画家都想做到，但是真正做到往往又不容易，因此要不断融入到生活之中，将生活中的美一再进行观察。将自己的内心语言在作品中呈现的时候，要做到自然流露，而“不似”又缺少可信的视觉形象，使之缺乏说服力。因此，最重要的就是来自创作者心中直观的感觉，这样才能进一步加强画的深意。

　　3、要让作品充满激情，也就是说，创作者的感情表达需要不断完善，要淋漓尽致地直观反映，无论是悲伤还是喜悦，都要将最真实的感情进行完善和表达，例如一幅儿童画与一幅马蒂斯的作品对比，就能够看出其中有很多的不同，但也有相似，即“童趣”，细细品味会发现，马蒂斯的作品中每一根线条、各种颜色都有着比较成熟、理性的思考，这也是区别于普通儿童画的关键，能够体现出作者在美术上的沉淀和造诣。写实性油画与写意性油画不矛盾、不冲突。写实油画练就的是整个造型上的能力，并且能够给作者自由把握和发挥的`空间，这种理性的基础是长期进行练*之后才得到的，所以，要发挥其功能，就要不断完善对生活和阅历的整合，以便于能够将更多的感情融合其中，将主观的想法进一步完善，不要过于拘泥模仿，要有自己的创新元素，才能够让画变得更加生动。

　　综上所述，油画的写意已经成为一种新的趋势，能够给予油画更强大的生命力，不矛盾也不冲突，和而不同，才能够相辅相成，将油画的魅力表达出来。艺术本来就是一种内心感情的展现，因此，真实的感情流露往往总是能够打动人心，画家需要了解自己的感情方向，还要有专业的画技，才能够更好地融合。总之，最终目的，让写意性油画给观赏者的内心带来共鸣，这才是成功的画作。

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形容油画大师作品好的句子

1.我深爱着秋天，儿时的我就用稚嫩的思想播种了秋的色彩，闲暇时，我喜欢用自己的油画棒将秋涂抹成五颜六色的，但又觉得十二色描绘不出她的美丽来，于是就哭着闹着要妈妈给我买回更多颜色的画笔。

2.所谓大师，就是这样的人：他们用自己的眼睛去看别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上能够发现出美来。——罗丹

3.那些同学里就数她心灵手巧画出来的虫鱼花鸟无不活灵活现。

4.跃然纸上 [ yuè rán zhǐ shàng ]

5.栩栩如生 [ xǔ xǔ rú shēng ]

6.这张人物画像惟妙惟肖，看来他画画的时候很细心。

7.从小，我就格外痴迷于绘画。尤其喜爱那活泼可爱的卡通画和诗情韵雅的水粉画。它们往往会向路灯一样让我的生活更加充实，美好。几年前，大约是我岁的时候，我就特别爱那俏丽形象的卡通人物，便不顾一切的画，画的家里每一个房间的雪白的墙壁都格外凌乱。上面有我岁画的，也有岁岁画的，甚至到现在的都有。这满墙的卡通人物，记载着我童年成长的痕迹。

8.创新就是在生活中发现了古人没有发现的东西。——李可染

9.世间的活动，缺点虽多，但仍是美好的。——罗丹

10.昆明的云是很有特色的。有时候，连绵不断的镶着金边或银边的云层在翻动；有时候，长空万里，只浮现一朵一尘不染的白莲；有时候，像一座巨大建筑物的圆顶，上面全是精雕细刻，飞禽走兽，应有尽有。有时云轻如棉，有时又重如水晶巨石。由于云状变幻的奇特，色彩的丰富，五百里滇池的湖光山色，也随着变幻无穷。

11.没有油画雕塑音乐诗歌以及各种自然美所引起的情感， 人生 乐趣会失掉一半。作者：斯宾塞

12.我们生活在由一个混乱而形成的彩虹中。——塞尚

13.每个人的一生都应该给后代留下一些高尚有益的东西。——徐悲鸿

14.那些长于表现技巧的艺术家则不能称真正的艺术家，因为他们的目的是在于满足人的欲望，因此他将自然的艺术写实艺术的艺术统称做“无目的的艺术”。这类艺术“是一种遭到*艺术，不可来。”——康定斯基

15.我喜欢画画，不仅仅是它可以使人忘掉忧愁，而且还可以陶冶人的情趣。当一个人沉浸在画海中，这是一件多么美妙的事情呀！当我们坐在画板前，描绘着花人景物时，心也不禁陶醉在这美妙的风景中„„正是因为这样，才塑造了我遇事沉稳冷静的性格，我可真得感谢画画呀！

16.今天，全国院校，全国的 教育 ，大谈”人文“可是大家要知道，一个 民族 忽然要来大谈人文，不是好事情，正相反，它说明人文状况出现了大问题。 二十年前，我 为什么去到纽约，不是为了移民，发财。而是为了到西方开眼界，看看油画经典的原作。当我走到纽约大都会美术馆，上下古今的西方油画看也看不过来，可是没有想到就在那里，我从此开始了中国艺术中国文化的启蒙，认清了我们民族从上古到清末的艺术家谱作者：陈丹青 出处：退步集

17.对于一个善于理解幸福的人，旁人无论如何也不能让他真正潦倒。——卢梭

18.看油画的时候，退到更远的距离，才能看明白。离得很*，黑和白是什么意思都分不清。退得远点，就能明白黑是为了衬托白，再远点，才能知道整幅画的意思。打这个比喻是为了时时提醒我们牢记 目标 ，不至于做着做着就做糊涂了。作者：柳传志

19.学我者生，似我者死。——齐白石

20.走进孤独，才发现孤独是不分时间不分地点不分年龄，且毫无选择地存在于每一个人的心灵之中。有些人害怕孤独，有些人刻意远离孤独，还有些人无法忍受孤独，其实孤独无非是一种寂寞的心情，犹如飘荡在心里的一缕缕清（查看全文）

21.秋风瑟瑟，落叶飘零。湛蓝的天空，深邃而悠远。枫树脚下，红色的叶子，电影的叶子，紫色的叶子，绿色的叶子，都懒懒的躺在清脆的草丛里，这真是一副最美的油画。

22.这幅画把儿童活泼有趣的神态画得惟妙惟肖。

23.我不画我所看见的，我画我所知道的。——毕加索

24.当一个人一心一意做好事情的时候，他最终是必然会成功的。——卢梭

25.不多一会，我的视野所及的世界，全部被那一片奇妙的海洋淹没了。我仿佛坐在了一个四面环海的孤岛上，看不清哪里有路，哪里有陆地，只有远方那些穿破云海的峰顶，像一些姿态峥嵘的海上仙山，像一些凝固在浪花里的篷帆，和我默默的遥遥相望着……

26.树杈间那些无蛛的破网，随着寒风轻颤，网线上悬着的晶亮雨滴，正急速坠下，悄悄地碎在金色的草地上。草柔柔的伏在地面，宛如一幅年代久远的油画，藏起的是对谁无尽的思念。

27.绘画，让我掌握了绘画技巧，给我的生活增添了欢乐；绘画，让我多次获奖，给自己添加了许多光荣；绘画，让我幸福快乐地度过每一天！

28.第一次学画时，我们画的是蜻蜓。可能由于没有接触过绘画，我画出来的线条歪歪扭扭的，根本不像一幅画——蜻蜓的翅膀一大一小，眼睛被涂成了墨坨儿；身子也歪歪斜斜的。当时老师每上完一节课，都要评论那些作品。当轮到我时，听着老师勉强的评价，我大哭着跑出了教室。下一节课是妈妈把我强行拉过来的，但是我说什么也不愿意再拿起画笔了。好说歹说，这才勉勉强强地完成了一幅画。如此反复几次，妈妈也厌烦了，就随我折腾去了。

29.艺术家用脑，而不是用手去画。——米开朗基罗

30.我喜欢画画，不仅仅是它可以使人忘掉忧愁，而且还可以陶冶人的情趣。当一个人沉浸在画海中，这是一件多么美妙的事情呀!当我们坐在画板前，描绘着花人景物时，心也不禁陶醉在这美妙的风景中……正是因为这样，才塑造了我遇事沉稳冷静的性格，我可真得感谢画画呀!

31.绘画，不仅给人带来一种美的享受，而且每一幅画，都会让人如痴如醉于情境中。一副成功的作品可以使人领略到祖国悠久灿烂的文化历史大自然的磅礴隽秀精湛艺术的高超。使人看起来有种身临其境之感，仔细品味，便可以陶冶情操。这样不仅能培养我们的性情增强我们的艺术思维，还能提升我们的审美理念，使生活更丰富。

32.那天他心情好，带我钻进楼上书库看丘吉尔的一幅小油画，画书桌上的瓶花笔筒笔架镇纸和三叠乱书，玻璃窗外浓绿的树影里飘散的几道金光尤其生动。作者：董桥 出处：今朝风日好

33.第一次学画时，我们画的是蜻蜓。可能由于没有接触过绘画，我画出来的线条歪歪扭扭的，根本不像一幅画——蜻蜓的翅膀一大一小，眼睛被涂成了墨坨儿;身子也歪歪斜斜的。当时老师每上完一节课，都要评论那些作品。当轮到我时，听着老师勉强的评价，我大哭着跑出了教室。下一节课是妈妈把我强行拉过来的，但是我说什么也不愿意再拿起画笔了。好说歹说，这才勉勉强强地完成了一幅画。如此反复几次，妈妈也厌烦了，就随我折腾去了。

34.无论他画什么，都画得惟妙惟肖栩栩如生。

35.但是我在用毛笔描线的时候总描不好，描到外边去。为了克服这些困难，我每天回到家，就在白纸上画一条直线，用沾有颜料的毛笔描。描完了直线描曲线，再描很复杂的线，手描得非常的酸痛。有时痛得汗水和泪水一块流，但想到不久后在我笔下可以诞生出十分美丽的画面，我就很快乐。

36.他登上飞机的时候，机场上空布满了乌云，天气显得阴沉沉的，并向人们头上肆意地甩着灰色的大雨点，而现在，阳光已在飞机的金属躯体内耀眼地照射着。云层低低地停留在机舱的下方，好像无数石灰小丘组成了一片白茫茫的荒原。高空则是另一番景象——它是那样的明净而清澈，仿佛使人觉得蓝色苍穹之上只有无边无际的空虚。

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