欧洲建筑风格

加藤彩(Aya Kato) ,女,1982年1月14日出生,现居于日本爱知县濑户市.　 　　加藤彩 (Aya Kato) 2004年毕业于日本爱知教育大学,就读艺术及图形图像设计专业,从2005年开始,就跻身于日本的插画家行列.加藤彩 (Aya Kato)为日本、美国、西班牙等国家的知名杂志绘制插图,并参与电视广告的制作.目前她主要从事印刷及插画设计.

加藤彩作品风格
　　日本插画设计师加藤彩以其独特的诡异华丽古典的画风闻名于国际画坛,加藤彩前期作品多为夸张变形的人体,充满印度式华贵与性隐喻.*期作品色彩张狂炫目,充溢着日式风格,以及对称、和谐、多重的佛教气息. 　　
加藤彩呈现出一种融古典和当代于一体的诡异与古典之美.加藤彩对传统的日本风格和古典的西洋文化的完美结合是现代艺术作品的精髓,她在日本风格上的表现,受到了日本武士道精神的影响.另外一方面,她也对拥有悠久文化和历史的古老建筑情有独钟.这种风格令人联想到19世纪英国的著名插画艺术家比亚兹莱,因此,加藤此被欧美艺术界誉为"东方的比亚兹莱".
从日本传统艺术中萃取精华 　
加藤彩不但从日本的传统文化中萃取精华,又巧妙地将她所热爱的这一切以画的姿态传递给热爱艺术的人们.加藤彩的作品呈现出浓郁的日本文化,画风充满了日本的古典美及现代美,并且添加了现代的华丽感. 　　
加藤彩的画里融入了漫画和时尚的元素,大量运用日本传统的和服.又借童话故事或宗教传说为主题,文化的写照在她的画作里恣意流露.创造了结合东西方绘画特点的加藤彩的图像世界.充满漫画、时尚等元素 　　
加藤彩绘画作品呈现出华丽、梦幻、迷惑众生的,诡异的迷人画面.画作的美除了在色彩和形式上有所体现,更是画面人物气质与感觉的结合.张扬肆意的笔调,姿态华丽的女子,画布上浓烈眩目的色彩带着深入骨髓的妖娆和魅惑,仿佛一幕幕颓废奢华的剪影.这就是加藤彩,一个日本女生展示给世人的奔放和执着.那份奔放笔触,那细致画风,那无人能敌的超然形象表现力.呈现出让人置身于梦幻的,唯美的仙境的图像世界,以及一种融古典和当代于一体的诡异与古典之美.
编辑本段加藤彩绘画创作类型
一、古典.
加藤彩的绘画图案性极强,图像利用古典的形象.如:线描的古装女孩,凤凰,月、云等,有的是从传统绘画中直接引用;　　
二、华丽.　　
加藤彩的作品多用金、红、黄、蓝等的对比或渐进的并置的色彩.有着维也纳分离派艺术家克里姆特(Gustav Klimt)作品的意味;
三、阴郁. 　　
在表现华丽的同时,还有一类作品,具有阴郁的氛围,采用墨色、抽象性因素;
四、扭曲. 　　
她偏爱线性绘画,对线的运用比较纯熟.随心所欲地引出了形象扭曲,画出了画家的心象和情感.作品《新生》(I am Born，2008)结合了中国传统文化中的凤凰涅盘和西方维纳斯的诞生传说,引用了凤凰、青竹和古典仕女形象,以线描勾勒,以*涂手法填充绿、蓝、黄、白等对比颜色,描绘了"我"的诞生的那一刹那,营造了一种神秘、幽深、阴郁的氛围,吸引着观者的视觉,也表现出了一种艰难的痛苦与初生的喜悦的深刻哲理.人生如此,艺术亦如此.《八歧大蛇》(Yamatanoorochi,2004)以日本《古事纪》中记载的一个传统故事,表现了怪物吞噬被献祭女孩的一刹那,采用了黑与土黄、白色的对比,依靠线描的手法,充分地描绘出了怪物的贪婪、女孩的羸弱和气氛的恐怖.
加藤彩作品的色彩运用
加藤彩的插画作品在色彩上有两种趋向:一类是绚丽,含有浓厚的商业广告味道,这其中汲取了日本传统绘画,尤其是浮世绘色彩的营养;另一类是黑白或素雅的色彩,图像变形而具有张力,追求中国画的意境.
加藤彩作品艺术价值
加藤彩用其华丽的作品给人们营造出一种全新的和谐世界,描绘内心灵魂世界的美丽事物,展现出新一代女性的风貌. 　　
加藤彩属于年轻的80后一代,但她的作品风格已趋纯熟,在国际上已崭露头角,并受到众多年轻人的追捧.传统艺术,对加藤彩起到很重要的作用,她想把民族精神传递给下一代,唤醒每一个人身上潜在的热情,她把这一愿望注入了作品之中.使观众想起他们自己的历史、祖先和真实的愿望,就像艺术家本人所说的:"这是我的祈愿,它构成我所有艺术作品的基础."观者可以从她的作品中感受到这种特点,表现出她的内心情绪和对生活的热爱.她通过作品,创造了一个所有人的心灵都和谐统一的梦幻世界.她在艺术作品中以令人震惊的视觉效果,包含了对充满流动着的建筑,迷人的美女,极其明细的植物幻境的形象.而进行了清晰的描绘.

Kukula 出生在特拉维夫北部一个相对孤立的村庄。在那里，生活在她的邻居大多是退休的老人，其中许多大屠杀幸存者。她的童年的想象力就是由公主的幻想和第二次世界大战的恐怖故事这两个基本相当的部分组成。试图用生活的甜蜜与幻想调现实生活中恐怖几乎成为她作品永恒的主题。
2003年，她获得Vital-Shenkar的插画学位后，她来到了现在居住的美国旧金山沿海地区。她曾与CoproNason ， Corey Helford ，Thinkspace ，Shooting Gallery 和 Roq La Rue等艺术馆合作。
Kukula的作品风格偏向于女性化，哥特式娃娃形象的周围经常围绕着与时而清晰，时而模糊的具有象征意义物体，符号。在她的作品中，既可以找到古典欧洲的艺术表现形式，又可以发现当代流行文化的影响————引自jimmylu 博客
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收图自语：因为一边下载一边上传专辑，所以网络很糟的直接把网站给刷掉了。有一些图没有能下完……
分二部份，一部份是手绘图。二部份是木板画。前者都是很大的大图。。后面是小图。
郑重声明：专辑所有图归作者所有。请观者自爱，勿作商用。谢谢。
个人网站：http://www.kukulaland.com/

H. R. Giger于1940出生于瑞士邱尔市。自从孩提时代，他对于一切超现实与阴森的事物即产生一种强烈的迷恋。由于他意欲自我表现，也想与众人分享他那鲜活想像力中的独特看法，因此吸引他投入视觉艺术之中。Giger将之转变成许多外形特异的女性、奇特而令人不安的地形，以及骇人的怪物，紧紧抓住了全球数百万爱好者的心。由于画作内容钜细靡遗，Giger的画作是在大张的油画布上进行，并且由这位喷枪的大师一再地修正改进。当导演RidleyScott在为他即将推出的新电影寻找怪物造形的时候，就是Giger的画作抓住了他的眼光。当然，这个怪物就是“异形”，而Giger为该电影做的纯熟设计，也为他赢得了奥斯卡金像奖。Giger吸引人的生化机械风格，那种肉体与机械的闪耀组合，不只可以透过他的画作来了解，也可以透过雕刻作品、优美的家俱，以及建筑和室内设计来体会。他的画作已经在全球的画廊及博物馆中展出。H.R.Giger已经在国际的艺术界赢得他的地位同时也是科幻作品界赫赫有名的设计大师，对国人而言，他最着名的作品应首推「异形」电影中的外星人造型。上映过的异种Spices也是出於他的手笔。他的作品充满了不同於现实世界的感受，笔下的异星人看来总是冷静而带着令人由衷不寒而栗的杀气。

PS:《异形》电影都看了，看时常常会反胃，我有时恐惧于那种进入身体，只有靠死亡才能摆脱的怪物，我觉得那个面目可憎的怪物也在自己身体里滋生。

Kukula 出生在特拉维夫北部一个相对孤立的村庄。在那里，生活在她的邻居大多是退休的老人，其中许多大屠杀幸存者。她的童年的想象力就是由公主的幻想和第二次世界大战的恐怖故事这两个基本相当的部分组成。试图用生活的甜蜜与幻想调现实生活中恐怖几乎成为她作品永恒的主题。
2003年，她获得Vital-Shenkar的插画学位后，她来到了现在居住的美国旧金山沿海地区。她曾与CoproNason ， Corey Helford ，Thinkspace ，Shooting Gallery 和 Roq La Rue等艺术馆合作。
Kukula的作品风格偏向于女性化，哥特式娃娃形象的周围经常围绕着与时而清晰，时而模糊的具有象征意义物体，符号。在她的作品中，既可以找到古典欧洲的艺术表现形式，又可以发现当代流行文化的影响————引自jimmylu 博客
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分二部份，一部份是手绘图。二部份是木板画。前者都是很大的大图。。后面是小图。
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法国（La France），全称为法兰西共和国，现在是法兰西第五共和国。位于欧洲大陆西部，三面临海，呈六边形。首都巴黎是法国政治、经济、文化和交通中心，卢浮宫博物馆和巴黎圣母院誉满全球，香榭丽舍被誉为世界上最美丽的大街，其地上与地下交通四通八达、非常方便，每天客流量达1300万人。巴黎的标志建筑——埃菲尔铁塔像一个钢铁巨人高高地耸立在恬静的塞纳河畔。在法国最大港口和第二大城市马赛，你可以造访大仲马在小说《基督山伯爵》里描写过的监狱——奇伊夫堡。西南部城市波尔多酿酒历史悠久，其葡萄酒驰名于世。特等“波尔多红葡萄酒”列为世界葡萄酒“皇后”，一瓶百年陈酒在国际市场上可售3万多美元。位于地中海岸边的戛纳，是一座风景秀丽、气候宜人的小城，每年在此举办的戛纳电影节热闹非凡，其颁发的金棕榈奖被公认为电影界最高荣誉之一。法国的时装在世界上享有盛誉，选料丰富、优异，设计大胆，制作技术高超，使其一直引导世界时装潮流。在巴黎有2000家时装店，老板们的口号是：“时装不卖第二件”。而在大街上，几乎看不到两个妇女穿着一模一样的服装。法国人天性率真，浪漫，喜欢大自然，有一半以上的法国家庭饲养各种小动物，总数量在3000万只以上。 法国是个以礼仪著称的国家，谦恭礼貌是法国人一直引以为荣的传统。
　　

Super Model
Name:Lesley Hornby
Nationality:England
Birth Date:September 19, 1949
Height:168cm
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Twiggy是公认的时尚史上第一位名副其实的超模.不管是Twiggy那如小男孩一般的齐短发,还是大大眼睛上的三层睫毛,都在不停的影响着时尚界.
Twiggy代表的中性风格风靡全球.

Twiggy1949年出生于伦敦,"Twiggy"是一个绰号,因为她纤细的身材,看起来好像一个用小树枝拼出来的小假人,Twiggy 真正的名字叫Lesley Hornby.

Twiggy在1966年被Nigel Davies发掘,引入到模特圈.随后,发型师Vidal Sassoon花了八个小时为Twiggy打造了这款至今闻名的短发.摄影师Barry Lategan为她拍摄了第一组大片,他觉得镜头前的女孩子很有趣;非常瘦,没有女人的玲珑曲线,像个小男孩;顶着一个男孩一样的发型;大眼睛上又戴了三层假睫毛,对着镜头有种受惊的表情.很快Barry Lategan拍摄的照片被《每日快报》发现,并评论为"一张能代表1966年的脸".17岁的Twiggy成为当年最具知名度的模特,频频出现在各种报刊杂志上.但是她不走秀,因为她身高只有168cm,体重只有41公斤.Twiggy开始给《Vogue》拍封面,出唱片、推出自己的服装品牌……

Twiggy在20岁时就正式结束了自己的模特工作,短短四年的职业模特生涯使她成为上个世纪60年代最有影响力的模特.Twiggy的出现如同一场革命,彻底改变了人们对美的定义、对眼部的化妆方式.Twiggy那种没有曲线的、雌雄同体的形象风靡了那个时代的欧洲与美国,并且影响至今.

Twiggy是改变女性审美标准、模特身材标准的关键人物.
Twiggy的走红使得整个模特行业的薪水增加.
Twiggy是时尚界的经典传奇.

婚礼蛋糕，据传最早出现在古罗马时代。蛋糕一词则出自英语，其原意是扁圆的面包。同时也意味着“快乐幸福”之意。古代时富家子弟举办婚礼时，都要做一只特制的蛋糕，不仅在婚宴上新郎新娘一起吃，而且也请来贺喜的客人们吃蛋糕。客人们期望自己也能分享新婚夫妇的幸福。因此，那时蛋糕是放在新娘头上被切开的。在欧洲被邀请参加婚礼的客人还有这样一个*惯：把各自带来的放人香料的面包高高地堆在桌子上，让新郎新娘在“面包山”的两侧，隔山交吻。这时的面包山也象征着幸福。


最初蛋糕的做法与面包没有什么两样，把牛奶与面粉揉在一起做成扁圆形就是蛋糕了。现在婚礼蛋糕则做得越来越考究和豪华了。

越来越多的新娘喜欢定制蛋糕并对蛋糕十分讲究。现代的婚礼蛋糕已经不局限于传统的款式，有非常多的选择了。有单层蛋糕和多层蛋糕，有方型、圆型等各种各样。多层蛋糕比起单层蛋糕，给人更加豪华的感觉。即使没有设**台，像这么大的蛋糕在大型会场也能让每位客人看到，给宾客留下很深的印象。

婚礼蛋糕的装饰也十分讲究，比如给蛋糕上盖上巧克力外衣，用上一些橡胶粘合剂或香料添加物、鲜花等，经常需要手工制作。能影响一个蛋糕风格的最好的方法就是用鲜花点缀，鲜花能改变蛋糕所体现的心境，赋予蛋糕一种新的韵味。花越是奇特，价钱越高。


婚礼蛋糕装饰中很重要的一个选择就是装饰顶部，传统的顶部装饰就是一对新郎穿燕尾服，新娘穿着婚纱的雕像，现代人为了标新立异，也会采用一些滑稽搞笑的装饰雕像，给来宾留下快乐和美好的回忆。

婚礼蛋糕，据传最早出现在古罗马时代。蛋糕一词则出自英语，其原意是扁圆的面包。同时也意味着“快乐幸福”之意。古代时富家子弟举办婚礼时，都要做一只特制的蛋糕，不仅在婚宴上新郎新娘一起吃，而且也请来贺喜的客人们吃蛋糕。客人们期望自己也能分享新婚夫妇的幸福。因此，那时蛋糕是放在新娘头上被切开的。在欧洲被邀请参加婚礼的客人还有这样一个*惯：把各自带来的放人香料的面包高高地堆在桌子上，让新郎新娘在“面包山”的两侧，隔山交吻。这时的面包山也象征着幸福。


最初蛋糕的做法与面包没有什么两样，把牛奶与面粉揉在一起做成扁圆形就是蛋糕了。现在婚礼蛋糕则做得越来越考究和豪华了。

越来越多的新娘喜欢定制蛋糕并对蛋糕十分讲究。现代的婚礼蛋糕已经不局限于传统的款式，有非常多的选择了。有单层蛋糕和多层蛋糕，有方型、圆型等各种各样。多层蛋糕比起单层蛋糕，给人更加豪华的感觉。即使没有设**台，像这么大的蛋糕在大型会场也能让每位客人看到，给宾客留下很深的印象。

婚礼蛋糕的装饰也十分讲究，比如给蛋糕上盖上巧克力外衣，用上一些橡胶粘合剂或香料添加物、鲜花等，经常需要手工制作。能影响一个蛋糕风格的最好的方法就是用鲜花点缀，鲜花能改变蛋糕所体现的心境，赋予蛋糕一种新的韵味。花越是奇特，价钱越高。


婚礼蛋糕装饰中很重要的一个选择就是装饰顶部，传统的顶部装饰就是一对新郎穿燕尾服，新娘穿着婚纱的雕像，现代人为了标新立异，也会采用一些滑稽搞笑的装饰雕像，给来宾留下快乐和美好的回忆。

在去年拜访了肯尼亚之后，An Vandevorst 和Filip Arickx似乎很喜欢图尔卡纳和桑布鲁印花的战士形象，他们很乐于将其进行改造并搬上T台。
　　不过，对于自信心的强烈感觉可不是任何去过非洲的设计师都能汲取到的。还有他们的独创性，比如用最简单的方巾裹成看起来很复杂的廓形。还有，相当一部分涡纹图案和几何印花。Vandevorst解释道：“我们如何将他们带回来并将它们设计成适合欧洲人的样子？”他们以优雅的、暗色的、多变的丝绸给出了答案，其中的一些有很丰富的层次感、流苏或是飘带；另一些修身的、垂坠的款式用以搭配紧身的底裤。带有流苏边的印花围巾围成圈形或是像绳索一样绑在上衣上。西方世界里“战士”的似乎还会得到应有的回报。Vandevorst 和Arickx对于军队元素热爱了好久，但这一次拥有最多的装饰性甚至**感觉的变化。他们在裙子上有大量的纺锤形纽扣装饰，或将军人夹克直接做成缩小size，还有手臂上环绕的编织皮革吊带。这些元素的结合看起来非常摇滚风，并辅以莫霍克风格的民族头饰和黑色、哑光深红色皮革。和摇滚风一样，这一次文化和概念的整合有一点儿杂乱。但总的来说，这是A.F. Vandevorst众多秀场中最具直观吸引力的一季。

Francesco Scognamiglio
米兰，2月23日，2011

正在后台忙碌的Francesco Scognamiglio像只小兔子一样兴奋地上蹿下跳。“这是我十年来最满意的系列，”他说。“最*我的生意好得不得了；我为这些作品付出了全心全意。”Scognamiglio一向不是那种将商业性看得很重的设计师，从上个系列的那些镶嵌着珍珠的奶油色乳胶材质服饰大致就能看出他试图将设计推向更加艺术化境界的努力。更何况这一次，有些单品甚至对他自己来说都太过另类。比如那条带有超大菱形镂空的连衣裙几乎将整个正面裸露在人前，另外一条装饰有黑色蕾丝的法国女佣短裙让半个臀部若隐若现。这个系列绝对有实力在这个周末举行的奥斯卡颁奖典礼上捧红诸如Lady Gaga，蕾哈娜这一类已经或希望靠着惊世骇俗的衣着而一举成名的超级巨星。
但是，那并不意味着整个系列都充满了为诱惑明星而制作的超常规单品。虽然Scognamiglio热爱各种令人纠结的古怪念头，但作为一名裁缝，他的手艺仍然非常出色。他为我们提供了时髦的高腰长裤，有的还在臀部嵌入了雕塑感的布料，并搭配以旧式好莱坞风格的丝绸上衣。特别是一套带有建筑感肩部设计的象牙色长裤套装足以让好莱坞巨星Joan Crawford抓狂到放弃Gilbert Adrian为她设计的装饰艺术风格服饰。同样让人爱不释手的还有两条开衩到大腿的长袖晚礼服：Coco Rocha身穿的那条装饰有黄金马甲式胸衣来暗喻“玫瑰和刺”，Saskia de Brauw的那条宝石红色礼服装饰了大串的施华洛世奇水晶。另外有一件大胆的茧型白色长外套使用了特殊的曲线刺绣法，使之看起来全然没有了好莱坞的影子。这件大衣绝对会成为本季时装大片里的常客，更会成为零售商的大衣系列中不可或缺的单品。至此，这场时装秀已经不是单纯地服装展示，更是一次极为成功的商业活动。
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Andrea Pompilio于1973年在佩萨罗出生，自幼便在充满创意的环境中成长。他的父亲是一名建筑师，母亲热爱画画﹐他在祖母开设的时装店中成长，8岁便立志要成为一名设计师。

　　他在佩萨罗的艺术学院修读时装设计文凭后，于1995年在米兰的Marangoni学院取得时装设计硕士学位。毕业后便投身时装界，并启发了他意大利人的敏感特质，开拓了***际视野和成就精巧的设计技术。他曾在一些享负盛名的意大利国际时尚品牌工作，包括Alessandro Dell'Acqua, Prada, Calvin Klein and Yves Saint Laurent，设计出一系列不落俗套且高质量的休闲时装。

　　Andrea Pompilio为意大利新锐设计师，曾在众多一线时尚品牌担任过设计总监一职，其中包括了Prada、Calvin Klein等，有着13年的设计经验。个人首次推出同名品牌是在2010年1月，掐指一算，品牌成立没有多久，至今只有两年的历史。

　　大体了解后，还是让我们说说这次秋冬runway吧，记得《VOUGE》在访问Andrea Pompilio时，让他用三个字来形容自己的风格，他便回答“In-for-mal(非正式）”，而在其处子秀中，这个优点展现得一览无遗，并于 2010年6月份拿下了“Who Is On Next”大奖（由VOUGE主办的设计师大赛），而在秋冬型录中，Andrea Pompilio同样秉承了这个理念，比如西装与cargo pants的组合，便是“非正式”一词的最好体现吧，同时还于装扮中加入了多种小物点缀，或是围巾，或者是皮草挂饰，再融入layer装扮，饶富层次感，不过对于我个人而言，只是推崇系列中的低调色系，因人而异吧。

　　在下之所以推荐Andrea Pompilio，其主要原因便是大部分服饰可穿性较高，均可做日常搭配之用，而在众多时装品牌中，往往都是注重了T台效果，而忽略了可穿度，其实是一件极其不make sense的事情。

Gail Reid由于所学的就是建筑环境，所以对结构以及景物充满了兴趣。经过Gail Reid慢慢的自我琢磨和研究对色彩以及风格也有了很多自己的想法。Gail Reid毕业于澳大利亚昆士兰科技大学美术与时装设计专业。Gail Reid首次发布的以电影《天使与我同桌》为主题的新品系列服装后就一举获得梅塞德斯-奔驰Start-Up奖。Gail Reid 于2005年创办了属于自己的时装品牌Gail Sorronda。


　　2007年，Gail Reid受澳大利亚Target百货连锁店的邀请，她的Gail Sorronda设计师品牌进驻该店。通过这次的合作，之后在全国范围内的Target店我们可以看到Gail Sorronda品牌的专卖店.

　　2009年Gail获得了欧莱雅墨尔本时装节2010最佳设计师奖。Gail Sorronda是一个非常感性的品牌，它的表达方式比较含蓄委婉的而不是直来直去的。也许是Gail喜欢观察同时也比较自我的个性使得她除了常常在自己的世界里游来游去外，也非常喜欢观察别人对于真实的生活的各种反应以及流露的真实情感。所以Gail的许多设计灵感都来自她个人生活里的一些真实触动和感受。

哥特(Gothic)这个特定的词汇原先的意思是西欧的日耳曼部族。在18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，所谓“哥特复兴”（Gothic Revival）将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓穴中挖掘出来。
任何黑色的东西，或其它暗色，如海军蓝、深红。可以透(薄尼龙或渔网状面料)，但不露。银饰。苍白的皮肤。这可能是因为他们需要一种活死人的外表，也可能是因为想体现维多利亚时代关于“苍白的皮肤是贵族的标志”这一审美，也可能是反对沙滩文化里“太阳晒出的古铜色才是美的”健康理论。 　　
黑发、漂白过的极浅的金发、红发或紫发。黑白化妆。白色粉底。黑唇膏，黑眼影，细眉。 　　
自我束缚的装饰和恋物癖的服装。皮革、PVC、橡胶、乳胶都是必不可少的面料。中世纪的束腰也极为常见。宽领带或逞钉子的项圈或紧紧系在脖子上的丝绒绳。 　　
T形十字章(古埃及关于永恒生命的标志)。五角星。这是异教徒关于火、土地、空气、水、灵魂的符号。十字架(基督教的象征)。 　　
歌剧风格的披肩、斗篷和长手套。哥特族们一般不会像朋克们那么极端，他们会讲些品位。

　　Owl City只是美国大学生Adam Young一个人搞的乐队。他深受80年代欧洲电子合成器和新浪潮音乐的影响。 Adam Young称自己为一个“害羞的孩子”.

来自美国明尼苏达州奥瓦通纳（Owatonna, Minnesota）的大学生，随之独立发行的首张EP《Of June》，20 Owl City带给了很多人不一样的感受
08年发行了首张专辑《Maybe I’m Dreaming》,随后在2009年7月14日发行了他们的第二张专辑《Ocean Eyes 》。但他的主流厂牌的首张录音室大碟《海洋之眼》（Ocean Eyes）令每个人为之振奋，尤其在金秋，他标志性主打单曲《萤火虫》(Fireflies)飞上了公告牌单曲榜的冠军宝座。音乐风格　他的声音就像少女倾诉心事一样温文细气,但对旋律节奏的掌握却十分到位.专辑以欢快的电子旋律征服了不少听众,像宝石般闪烁明亮.而首张专辑Maybe I＇m Dreaming在演绎方面Owl City显然更加投入,从精致的和声到深情的合唱,Owl City的个人魅力也越加凸现.甜蜜的声线清新的电子音乐,这貌似简单的配搭却被Owl City演绎得绚丽多彩,尽管夏日未到但已仿佛感受到那份清爽和惬意。

　　René Lalique先生是一位热爱生命的天才艺术家，他以前卫、不同于当世的专业设计及制造手法，创作出了许多不朽的艺术作品。有人甚至认为，19世纪末法国珠宝业的复兴，在很大程度上应归功于RenéLALIQUE，因为他重新诠释了现代珠宝的含义。
　　René Lalique先生于1860年4月6日出生在法国香槟区，他自幼拥有艺术天份，热爱大自然；父亲辞世后，他听从母亲的意见，到巴黎师承珠宝师Louis Aucoc，他一边学*珠宝制作技术，一边在巴黎的装饰艺术学院读书；1882年，他开始以自由工作者的身份，为卡地亚、Jacta及Boucheron 等著名珠宝品牌设计珠宝首饰，其作品风格独特，极具原创性；1886年，他接管Jules Destape位于巴黎的工场，开始制作自己的作品；René Lalique早期作品受新艺术运动影响，其设计具有强烈的自然及古典主义风格，他以大自然为素材，并融合了丰富的想象力，被称为“没有时间限制的风格”。
　　在好奇心和求知欲的驱动下，René Lalique努力挖掘大千世界每一个细微之处，探索自然界中一切可用于装饰的元素，如蝴蝶、飞蛾、蜻蜓等，在他的作品中，连黄蜂、甲虫和草蜢也能展示出鲜为人知的魅力，René Lalique像一个神奇的魔术师，他善于捕捉精美与微妙的细节，用以点缀自己心爱的珠宝，并探索如何将*凡的材料塑造成灵性四溢的杰作。
　　1900年的Exposition Universelle为René Lalique创造了一生中最辉煌的成就，那一年他荣膺Legiond’Honneur大奖，其珠宝作品也得到了越来越多人的追捧，从伦敦到圣彼得堡，欧洲所有的宫廷与著名博物馆纷纷向他索求作品，在短短几个月里，拥有一件LALIQUE作品成为每个人的梦想，在法国乃至全世界，成百上千的艺术家纷纷开始仿制他的作品。
　　1910年，René Lalique将他的创作热情从珠宝转向了琉璃，他在这一全新领域同样取得了非凡的成就。50岁那年，他将艺术创作普及化，转入工业化生产；经过数年奋斗，René Lalique探索出了一整套用来创作华贵典雅装饰作品的工艺方法，他运用失蜡法倒模(mould-cast)出各式各样的琉璃造型，将琉璃部位趁热熔接至作品表面，采用吹塑与模压技术，为Francois Coty香水公司生产香水瓶，从而奠定了香水瓶工业化生产的基础，他的过人才华因Coty作品再次令世人折服，稍后，LALIQUE又将其它元素融入其作品中，使琉璃的创作技巧日臻完美。
　　René Lalique在下半生一直醉心于晶莹剔透的琉璃创作，每一件琉璃作品都体现出了他的天赋，不管是大型作品，还是小巧的家居饰品乃至家俬部件，LALIQUE均选用琉璃作为表达其创作意念的主要媒介，他甚至还将琉璃融入到建筑艺术中，门窗、喷泉、纪念碑、小教堂、枝形吊灯……将琉璃的艺术效果发挥到了极至。1945年5月1日，René Lalique在巴黎与世长辞，享年85岁，这颗20世纪最闪亮的琉璃巨星悄然陨落。
　　René Lalique去世后，其家族的第二代成员开始转向水晶作品的制作，LALIQUE品牌也由此从琉璃时代进入水晶时代。而今，LALIQUE家族通过三代人的努力，已成为世界上最古老、最著名的水晶品牌之一，它已不仅仅是一种产品，而是代表着一种优雅、高贵的生活态度。