普利司通轮胎花纹

阿尔丰斯·穆夏生于捷克南部的莫拉维亚，是20世纪初叶巴黎流行的“新艺术”的代表画家，穆夏的绘画，在富有华丽装饰美的甜俗优雅的表象里，蕴藏着升华人性的精神旨归。他的新艺术美女海报绘画，在20世纪初期即闻名欧美，穆夏晚期的作品，无论油画、粉彩、素描，更是自由奔放，造型优美精致，引人入胜。因战祸频繁，穆夏成为浪迹各地的波西米亚艺术家。晚年，在爱国心的驱使下他回归祖国，并完成“斯拉夫史诗”系列20幅联作，
穆夏的作品吸收了日本木刻对外形和轮廓线优雅的刻画，拜占庭艺术华美的色彩和几何装饰效果，以及巴洛克、洛可可艺术的细致而富于肉感的描绘。他用感性化的装饰性线条、简洁的轮廓线 和明快的水彩效果创造了被称为“穆夏风格”的人物形象。经过他的加工，所有的女性形象都显得甜美优雅，身材玲珑曲致，富有青春的活力，有时还有一头飘逸柔美的秀发。他的画面常常由青春美貌的女性和富有装饰性的曲线流畅的花草组成。
与别的艺术家不同，穆夏同时也是一位摄影师，他利用摄影技术来辅助他的创作。他让模特儿摆出他所需要的姿势后拍成照片，然后以照片为基础，在画面上对服饰和头发进行整理加工，经过特别的构图再加上花卉及植物花纹的装饰，最后完成他的创作。他的很多招贴画的素材都来源于照片，他为伯恩哈特所画的许多海报也是来自艺术家的剧照或画家本人为她拍的照片。这个*惯其实是来源于他成名前那段穷困潦倒的生活经历，因为每次请模特都需要按时间付出很高的费用，穷得叮当响的穆夏根本支付不起，将模特的形象用照片记录下来不仅可以积累素材，还可以节省不少开支。后来，穆夏就将摄影当作和速写同样重要的创作辅助工具。
尽管穆夏在商业绘画领域获得了巨大的成功，但他心中并不满足，总是希望能够创作一些能真正代表自身意识的严肃作品。“斯拉夫史诗”被穆夏视作自身艺术生涯的总结，他在这个主题上倾注了大量的时间和精力。他不仅向专家请教斯拉夫的历史，同时也对所选择的历史场景所处的环境和有关联的人物做了大量的研究。

二十世纪初的中欧，乡村的风貌、人们的生活方式以及民间的服饰与几个世纪前并没有太大的变化，所以穆夏常带着相机和速写本在乡间穿行，满怀激情地为他的作品寻找灵感和收集素材。虽然这些油画仍然十分讲究画面的布局和细节的精致描绘，但与过去的商业性绘画有很大不同的是，这些油画更多的呈现出凝重的历史沉淀和深厚的现实基础。画面的主角不再是千篇一律的青春少女，而是现实生活中斯拉夫人的鲜活形像，画面充满了生活粗糙的质感；风格也不再是纯粹装饰性的，而更多呈现出象征主义的气质。这些油画的确画家全部艺术天赋的体现，但却不如他的商业性作品出名。

巴洛克（Baroque)

巴洛克一词原指不规则的，怪异的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低，但现在，人们已经公认，巴洛克是欧洲一种伟大的艺术风格。古典主义者认为巴洛克是一种堕落瓦解的艺术，只是到了后来，才对巴洛克艺术有了一个较为公正的评价。巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。巴洛克艺术最早产生于意大利，它无疑与反宗教改革有关，罗马是当时教会势力的中心，所以它在罗马兴起就不足为奇了，可以说，巴洛克艺术虽不是宗教发明的，但它是为教会服务，被宗教利用的，教会是它最强有力的支柱。概括地讲巴洛克艺术有如下的一些特点：首先是它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二是它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力;三是它极力强调运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；四是它很关注作品的空间感和立体感；五是它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外，巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象；六是它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位；七是大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，如在一些天顶画中，人的形象变得微不足道，如同是一些花纹。当然，一些积极的巴洛克艺术大师不在此例，如卡拉瓦乔、贝尔尼尼的作品仍然和生活保持有密切的联系。

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洛可可

洛可可风格起源于18世纪的法国，最初是为了反对宫廷的繁文缛节艺术而兴起的。因于路易十五统治时期风行，亦称“路易十五式“。被称为洛可可的艳情艺术主宰了18世纪前半期，它以上流社会男女的享乐生活为对象。路易十五的情妇蓬巴杜夫人、杜巴丽夫人的趣味左右这宫廷，致使没话妇女成为压倒一切的艺术风尚。它一方面不免浮华做作，缺乏对于神圣力量的感受；另一方面却以法国式的轻快优雅使绘画完全摆脱了宗教题材。愉快亲切、舒适豪华的场景取代了圣徒痛苦的殉难，从而在反映现实上向前大大地迈进了一步。主要表现在建筑和绘画上，代表建筑为法国巴黎苏比斯府第，代表画家为布歇、弗拉戈纳尔等。 　　洛可可Rococo这个字是从法文Rocaille和意大利文Barocco合并而来。Rocaille是一种混合贝壳与小石子制成的室内装饰物，而Barocco即巴洛克（Baroque）。洛可可后来被新古典主义取代。洛可可为法语rococo 的音译，此词源于法语 ro- caille(贝壳工艺），意思是此风格以岩石和蚌壳装饰为其特色。是巴洛克风格与中国装饰趣味结合起来的、运用多个S线组合的一种华丽雕琢、纤巧繁琐的艺术样式。 　　巴洛克艺术尽管有呆板的礼仪，有形式上的骄矜和夸张，但它毕竟是一个阳刚的时期。而紧随其后的时期，即洛可可艺术，是大约自路易十四1715年逝世时开始的，则显得更为讲究，更为矫饰，更为呆板，因而也更为柔弱。可以认为，这个时期的一个标志是18世纪初欧洲瓷器使用的普及。原先，人们一直是用笨重的银制餐具饮食，用大块的石头创作巨大的雕塑，而现在则是用易碎的瓷器来做餐具，也制作小巧玲珑的瓷塑像，从而反映了这个风流时期的精神。

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哥特

哥特（也称歌特）(Goth)包含多种意思，主要有：1、哥特人的，哥特族的（指曾入侵罗马帝国的一支日耳曼民族）；2、哥特式建筑的（12至16世纪流行于西欧的建筑风格，以尖拱﹑ 拱顶﹑ 细长柱等为特点）；3、哥特派的，哥特风格的（18世纪的一种文学风格，通常描述有神秘或恐怖气氛的爱情故事）；4、指字体，哥特字体的；5、指颜色，红与黑哥特(Gothic)这个特定的词汇原先的意思是西欧的日耳曼部族。在18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，所谓“哥特复兴”（Gothic Revival）将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓穴中挖掘出来。

蕾丝似乎总是和浪漫、矜贵联系在一起的，那层层叠叠的花边，是女人心头的最爱，那轻柔梦幻的一团，就像女人一生总也做不完的梦。

蕾丝是具有万般风情的元素，可以纯洁如天使，也可以魅惑挑逗神经，尤其是蕾丝作为内衣的主要元素的时候，就呈现出失去控制的火辣场面。


蕾丝的来源

　　蕾丝制作可谓一项古老的手工艺，有记录显示蕾丝工艺早在14世纪前期已出现在佛兰德斯(即现在比利时和法国交界处)，但真正的蕾丝制作则开始于15世纪末16世纪初的意大利。在16世纪初的意大利，蕾丝制作是贵族妇女们用来消磨时间的活动，其后这些贵族妇女又把她们的技术传给教会修女。因为编制蕾丝既有助于修女们沉思冥想又可以为她们的修道院赚取收入，可说是一举两得，所以这项活动很快就传遍整个意大利的女修道院。但是在威尼斯东北方外海的Burano小岛所制造的蕾丝更号称全世界最精致的蕾丝。据说当时的英国苏格兰女王Mary Tudor也是向Burano定制自己的婚纱的。在意大利蕾丝产业的全盛时期，岛上的女性几乎全是蕾丝手工艺者，因此，Burano岛又被誉为“蕾丝岛”。

有关蕾丝的有趣传说

　　关于这个美丽小岛还有一个有趣的传说。话说几百年前，一位水手为了生活不得不离开他心爱的未婚妻到海上打鱼。有一天，水手遇到了一条美人鱼，美人鱼为水手的深情所感动，于是尾巴一甩，扬起的浪花即化为一件美丽婚纱赠与水手。水手归来后，岛上的年轻女子纷纷用针线仿制这件婚纱。

　　下船后一直往加卢皮大街方向走去，你会见到满眼都是售卖蕾丝制品的小店。因为是纯手工编造，其价格自然不会便宜，一块仅在小角上绣上花纹的手帕就要五、七十元，如图案约掌心般大小则需上百元。

　　在18世纪的洛可可年代，**和**的享乐主义盛行，女性的身体成为供男性观赏的客体，“暴露而优雅”成了妇女们的最佳衣着品味。往往越禁忌的就越要暴露，而暴露处自然少不了蕾丝的衬托。蕾丝作为当时必不可少的服饰元素成了**艺术的推波助澜者。到19世纪的新古典主义和浪漫主义时期，蕾丝继续大量使用于服饰制作上，但已基本抛弃了上世纪的**成分，成了浪漫与典雅、纯洁与美好的象征。在19世纪初期，蕾丝制作仍然是法国的主要产业，但随后即开始逐渐衰落。拿破仑在其统治时期曾积极推动法国蕾丝产业的发展，但蓬勃的景象并没能长期持续。到了20世纪以后，蕾丝就再也没遇到之前的“黄金时期”了。尽管如此，蕾丝再经历了几个世纪的起伏后至今仍具有其不可抗拒的魅力。上个世纪末，蕾丝又再成为时装舞台上的巨星，成为性感时尚的重要元素。

每个年代都有它特有的美，留下的东西记录着这些美的曾经----------古着
在现今的时尚领域里，“Vintage Clothes”（古董衫）有更广泛的意义，用来解释 一种古意盎然的气质：从大鸣大放的宫殿式珍品、曾几何时的经典作品、细小的detail 手工或布料所展现出来的古着风格。尤其是*年当红设计师的创作灵感，往往取材自有 一点印象，却已开始淡忘的年代，经过轻轻一扭的设计功力，又颇能与现代挂钩。无需古老到博物馆的珍藏级别，却保存岁月的蛛丝马迹，也是时装中的“Vintage”，中文也就统称为“古董衫”。
但是，称“二手衫”为“时装Vintage”就不合适。能成为古董衫，是因为推出时已赫赫有名，如名牌时装Chanel、Balenciaga、Emilio Pucci、Halston、Yves Saint Laurent、John Anthony、Christian Dior及所有当时得令的Couturiers等。其经典款式(成名作，最具突破的作品，或代表作)形成收藏价值，过了 20、30年，又能代表那个时期的时装，就变成“古董衫”。另外，某些名校团体曾经风行一时的T恤、夹克、经典牛仔裤等，能代表过去某一个辉煌时期的休闲服，也在此“古董衫”搜集范围内，与旧货摊上来路不明的所谓“古董”相比有天壤之别。后者，顶多叫二手衣，跟古董两字距离遥远。
“古着”一词来源于日本，指在二手市场淘来的顶级服装品牌（如nike、adidas)的经典款式，在年轻人当中较为流行。古着和vintage的共同点就是看似经典的老旧款式，风格大多为：日式的小碎花、欧美鲜艳的大花朵元素、出挑的撞色配色以及各式动物的形象、花纹。

　　草间弥生——这个名字听起来相当古典和优雅,但是任何看到其作品的人都会得到截然不同的感受----无穷无尽的圆点和条纹，艳丽的花朵重叠成海洋，混淆了真实空间的存在，只有阵阵眩晕和不知身处何处的迷惑。
　　重复性的圆点对于草间弥生与其被当作她与世界沟通的途径，不如说是一种治疗。1929年生于日本本土的草间是一个孤独的孩子，在幼年时代她就对现实生活视域中的圆点充满兴趣。镜子，圆点花纹，生物触角和尖端都是草间弥生后来作品中重复出现的母题，她对斑点的迷恋源自幼年患有神经性视听障碍，这场疾病使她看到的世界仿佛隔着一层斑点状的网。
　　于是她开始画这些斑点，它们像是细胞，种族，分子，那些生命最基本的元素，草间弥生把它们看成是来自宇宙的和自然的信号。“地球也不过只是百万个圆点中的一个。”她用它们来改变固有的形式感，在事物之间刻意地制造连续性，来营造一种无限延伸的空间，置身其中的观众无法确定真实世界与幻境之间的边界。
　　《来和我说话》是草间弥生最喜欢的一首歌，也许她忘记了在年轻在纽约玻璃残缺的房间里度过的冬天，虽然有20年的精神病史，虽然是当今最著名的前卫艺术家，但她仍然喜欢一个人在家，端坐在自己标志式的圆点做成的沙发上，面无表情弹着钢琴哼唱：
　　拆掉幻想的大门
　　在沉痛的花朵中
　　现在从未终结
　　在通往天堂的路上
　　我的心沉陷于温柔
　　向天空呼喊
　　它蓝色的影子变得透明
　　拥抱虚幻的阴影
　　云升
　　眼泪的声音淹没玫瑰的色彩
　　我变成石头
　　不是在永恒的时间里
　　而是在蒸发的瞬间

遥远而苍茫的人海里，扶着单车的少年回过头来，低低的声音说着，喂，一起回家吗？ 无限漫长时光里的温柔。 无限温柔里的漫长时光。 一直都在。


一个人能走多远，要看他有谁同行；一个人有多优秀，要看他有谁指点；一个人有多成功，要看他有谁相伴。


我要如加菲猫一般的活着。一大腕杂碎面就能换来一个艳阳天。


没有什么比时间更具有说服力了，因为时间无需通知我们就可以改变一切。


苦难使人呈现坚韧，而一旦苦难成为活着的惯态，人将长久的浸淫其中，反而不对苦难本身有多余感触。顺受等同于活着。这种无形的意志异常强大。苦难深处的人反而从没有想过放弃生命。只有经过幸福体验的对比，才会在强烈落差中无法把持感知的*衡。所以脆弱不堪。


我的名字对你有什么意义？它会死去，象大海拍击海堤，发出的忧郁的汩汩涛声，象密林中幽幽的夜声。它会在纪念册的黄页上留下暗淡的印痕，就像用无人能懂的语言在墓碑上刻下的花纹。它有什么意义？它早已被忘记在新的激烈的风浪里，它不会给你的心灵带来纯洁、温柔的回忆。但是在你孤独、悲伤的日子，请你悄悄地念一念我的名字，并且说：有人在思念我，在世间我活在一个人的心里。


爱情就像拔河，一个人放掉了，另一个人就会受到伤害。


你知道那个魔咒么？坐在3号餐桌，往窗子外望去，你所看到的一见钟情的人，就是真正会给你幸福的人…是的，我在那里望见了你


我想有一天和你开车去旅行。去那 没有去过的地方，没有行李，没有背包，走一个地方停一个地方。

下水道的井盖本没有什么稀奇之处，但在日本，它却成为鲜明的城市名片。人们不仅将井盖设计得五花八门，还赋予了它向导功能和各种纪念意义。


　　别出心裁的井盖由来


　　据说自1958年日本将东京都的下水道井盖作为范例之后，很长时间以来，各地的井盖都是千篇一律的刻板造型。直到1977年，冲绳首先采用了鱼形花纹的井盖，将建设美好生活环境的愿望隐含其中。这种作法很快风靡全日本，各地均推出了自己的“个性”井盖。而第一个制造鱼形花纹井盖的模具工人神山宽盛，则获得了日本**颁发的“现代名工”奖。


虽然是小小的方寸之地，可是日本各地**都绞尽脑汁为井盖大做文章。很多地方选择了本地著名的建筑或街道做图案。作为历史名城的大阪是欣赏樱花的好去处。大阪市的井盖上描绘的就是樱花怒放的盛况。长野县有一条富有北国风情的街道，被评为古建筑保护群，他们的井盖上就是小桥流水、古楼林立，连街道的名字“海野宿”都一丝不苟地刻了上去。有的地方将土特产或是手工艺品作为井盖的设计图案。比如北海道函馆市盛产墨鱼，井盖上就是三只跳舞的墨鱼娃娃。饭田市盛产苹果，井盖上3个红艳艳的大苹果，中间盖上饭田市的市徽，让人一目了然



难度最大的要数雕刻传统仪式或庙会的井盖了。古河市的井盖图案是每年夏天举行的焰火大会，直径60厘米的圆盖上既有海滩、游船，又有各色焰火，刻划入微，复杂度可想而知。而温泉景区的井盖表现的则是“求雨竹子舞”，两个姑娘的表情栩栩如生，让人不得不佩服制造者的手艺。最有趣的是将漫画人物做为城市代言人的井盖。创作名侦探柯南的漫画作家出生于大荣町，是当地人的骄傲。据说井盖上的柯南就是作家亲自设计的。
　　在日本的车站广场、商店街、观光场所等人群集中的地方，大多铺上了鲜艳夺目的彩色井盖，甚至有的井盖还装上了彩色暗灯。此外，在东京都的一些井盖中间刻有四四方方的菱形，菱形的4个角分别写有地名，为路人指示前进的方向。也许是东京容易让人迷失吧，连井盖也充当了向导。


难得一见的是临时发行的纪念井盖。比如，1990年的“万国花卉博览会”在大阪举行，当年的井盖设计就是几个花仙子飞舞的样子，十分可爱。2000年时逢日本和荷兰往来400周年，长崎市以荷兰人初次上岸时的情景为图案，在当地设置了特色井盖，上面还醒目地标有纪念文字。

有人认为法国电影导演Henri-Georges Clouzot1964年的未完成之作《情狱》就是自以为是的一团乱麻。但是也有人认为这是一部旷世巨作。Richard Nicoll就坚定地站在后者的阵线上。这部电影的疯狂本质正是他这次春季系列的灵感来源。Nicoll将这种另辟蹊径的诉求形容为“迷乱又玄幻”，与他的加利福尼亚度假系列巧妙地联系在了一起。一系列的蓝色系似乎有效仿的意味，但是Nicoll的真实想法则是《情狱》里那种有些不同寻常的欧洲六十年代中期的精致感：将玩具娃娃的轮廓与这个时代的流行未来主义相结合，并注入他自身职业中的改编元素。这种想法被加入进印有20世纪20年代花纹的银灰色吊带裙中，裙子镶有箍边，覆盖在一层塑料中，如同世外桃源般的清新。这种视觉特色与Nicoll一以贯之的作风一脉相承。比如他的模糊印花，看似水中之花，而事实上却是一种他所谓的“ Laura Palmer蓝”（ Laura Palmer是导演 David Lynch的电影《双峰》中的角色），只不过更提升了 David Lynch式的潜台词而已。

Nicoll自认为他创作的东西中有一种“浪漫和镇定感”，但是，就像Laura Palmer最后被埋葬在了她的水墓中，这是一种静止的冷静。实际上，走秀现场设计得有些松散，零星地伴随着六十年代的流行音乐，在这个情境下显得很讽刺。（非常的Lynch式！）而且，那些麻烦的箍边使裙子看起来更像是建造出来的，而不是缝制出来的。也许Nicoll在这种棱角分明、使人不安的设计范围内确实算做得最好了。他有一种独特的才华（一位模特弄倒了一个有机玻璃模特耳边的移动电话，以此作为取悦赞助商 Vodafone的噱头），这种才华使他可以充分展现他对堕落感的偏好。但这也意味着，他的服装将更多的被崇敬，以至于敬而远之。

设计师同名品牌Donna Karan 2014春季高级成衣系列于9月9日在纽约时装周展出。设计师Donna Karan对于远古世界手工艺的造型与精神热爱至极，这已经不是什么秘密了。而作为一名时装设计师，她不断地通过作品来表达这一美学精神。Karan将此次春季系列定义为“一场都市化探索”，她在笔记上写道“如何将性感和随性的手工丝巾变成一件时尚典雅的都市礼服，并且可以胜任从早到晚的穿着。”

一开始，一系列慵懒随性的长裙或是分体式裙装与靛蓝色相结合，灵动的蓝似乎折射出天空和湖水的颜色。精致剪裁的修身裙装格外注重面料的选择，比如弹性*纹单面针织布与乔其纱，再加之设计师优雅得恰到好处的高开衩式裙片剪裁，搭配宽宽的棕色皮质腰带，为整套时装增添了几分大地的热情。撞色印花以及手工印染的蟒蛇花纹夹克，在蓝色的衬托下散发出一种催眠般的迷人气息；此外，将短款刺绣裹身短裙与丝绸长裙相搭配，也为时装注入了一丝运动元素。

接着，到了第二个色系——“日落与日出，以及日晒”。于是，黄红棕等黄褐色系登场。但这个系列的晚礼裙装款式并没有太大的突破，远不及Karan曾静的辉煌。

春季系列中配饰非常抢眼：张扬的皮带，金属质感或是皮革质感的珠宝饰品，以及设计师本人*期的最爱——巨大的镂空式设计皮包，她甚至拎在手中登台谢幕。

Tom Ford 2014春夏系列高级成衣于9月16日在伦敦时装周上展出。

调整姿态，这个词最好地概述了设计师Tom Ford自上一季开始，于伦敦T台上的耀眼回归，同时也让我们看到了本次春季系列的非凡设计。秀展在伦敦一处贵族府邸举行，房间内灯光昏暗，四周是摆满镜子的墙壁。现场回响着Chris Isaak的浅吟低唱——“Wicked Games”。时装方面，Tom Ford由上一季秋冬系列那“无法抵挡的强势”过渡到本季单纯的“强势”——无疑是他最拿手的好戏。

设计师想要塑造“坚强，强势的女性”，于是我们便看到开场的四套时装：紧身皮质短裙，皮革表面为人字形花纹设计，肩部与大腿部位的设计尤其突出这一特点；色彩则以精英部队的军装色彩——棕色为主。除了棕色茧式皮质夹克，以及几件肩部设计夸张的西装上衣和两件时髦的剪裁皮草，其余时装都紧紧地贴合身体。甚至连高跟鞋和长至大腿的靴子，都像紧身束腰一样紧紧地缠绕着身体，这便是Tom Ford的日装系列。

除了春季永恒的两大主题——修身剪裁和短款比例之外，Ford还展示出对时装肌理的兴趣。受到画家Mark Bradford与José Parlá画作的灵感启发，最后发布的晚装系列，以网状蕾丝与多彩金属色马赛克刺绣呈现，顿时点亮了全场。

2012年2月24日，米兰
By Tim Blanks

Kean Etro 已经成功地为Etro 品牌男装树立了一个形象——一个爱思考、喜欢冒险的男士形象——而他的小妹妹Veronica Etro 在哪个方面都没占据一*之地，也许你会多多少少感到有些遗憾。她看看这儿，看看那儿，但是她不断地在尝试。她不太理解什么样的衣服对这个品牌是真正适合的。然而，她快要做到了。今天的时装秀对设计师的设计意图进行了清晰而充分的展示。以家族特有的涡纹图案为基础，Etro 通过瘦削、剪裁讲究的服装样式来演绎中欧的时髦风尚。注意，设计师没有以特别谦恭的方式加以表现。激光切割在网状长裙上形成拼接图案，透明的上衣上有印花，裤子是束腿的，涡纹图案的确很吸引人。事实上，这种迷人的感觉就像在皮肤上刻上了刺青花纹。

也许感官上的关联性促使Veronica 的设计走向极端，她将穿孔皮革领缝制在天鹅绒夹克上，或者将黑色皮革和鱼尾状的天鹅绒轮廓鲜明地结合在一起。如果用一个词来形容整个发布会的话，那就是闪耀。皮制短裙腰带上的光泽，鱼尾裙上的光芒，加上裆裙上的光彩。要让这些服装都发光发亮需要很深的功力。很显然 Veronica 已经形成了自己的风格，不再是小妹妹了。

翻译：小宁

【在没有网络，甚至大部分中国家庭还只有黑白电视机的1970年代，山口小夜子已经站在时装之都巴黎的T台上睥睨群芳，她彼时为最顶尖的日本时装设计师高田贤三（插播一句画外音~~据说小夜子是高田贤三的情妇）、山本耀司、山本宽斋、三宅一生走秀，后来自然也为同样诡魅的川久保玲走秀。七十、八十年代正是这些日本设计师挟东方精神在巴黎大放异彩的时代，他们的设计都相当地有特色，例如高田贤三会用许多艳丽的图案与花纹面料；三宅一生那令人惊讶的褶皱系列；山本宽斋从日本传统戏剧中得到灵感，所设计的服装剪裁奇特，宽袍大秀，与当时西方设计师的路线完全不同。
这些很有东方韵味的设计与日本玩偶一般的山口小夜子搭配在一起，在巴黎引起了轰动。她被《Newsweek》评选为1977年“六大顶尖模特之一”。山口小夜子也受到Vivienne Westwood的邀请，为之工作。那时还年轻的“朋克教母”以大胆闻名，她的疯狂设计自然也适合山口小夜子这样带着神秘感，还有点神经质的人。七十年代是山口小夜子纵横巴黎时尚界的年代，在被白人模特主宰的T台上闯出一片天地，只此一点也足以流芳百世。
说到山口小夜子，便不能不提资生堂，这个日本化妆品牌自七十年代末邀请小夜子做其广告代言人，并重金礼聘法籍设计师Serge Lutens来制作了这一系列经典广告，在广告中的小夜子依然是她雷打不动的东瀛妖艳美人的形象，皮肤雪白、头发乌黑，摆出有点古怪但是绝对惊艳的姿态。看这个广告便知道为何李碧华形容她是一条蛇，她看上去柔弱无骨，很诱惑，有些微隐晦的**。我觉得是性感的，却不低俗；还有一张是她穿着和服，有点艺伎的姿态；再一张就是她雪白的脸，那时也没什么高明的修片技术，因而敷了雪白的厚厚的粉，但是很真实，那就是小夜子的脸。
直到二十多年后的今天再看到这系列广告，仍然是不落俗套的，而且很时髦。
所谓FASHION ICON，就是能超脱于潮流的人，她们有自己的气质与个性，不管是在她们风华正茂的时代，还是在老去的岁月里，都能给人启发。
一世妖艳的小夜子在2004年秋冬时装周时又为Kenzo走了秀，因为Antonio Marras新入主Kenzo，特意请了她来走压轴，她出现在T台上的时候，依旧赢得满堂喝彩。
模特的职业生涯当然很短暂，三十岁之后，小夜子也就只好淡出，将注意力转向戏剧和电影。我知道的她出演的电影也就三、四部，《上海异人娼馆》、《Soundtrack》、《手枪歌剧》、《马头琴夜想曲》。《手枪歌剧》那么闷的一部片子，也只有小夜子饰演的“百眼”那部分比较吸引人。《马头琴夜想曲》是她最后一部电影，网上的资料也不多，但是海报很酷，一片华丽的红色当中只看到了她那双颠倒众生的杏仁眼，粗粗的眼线，老是老了，却依旧令人难忘。
2007年8月14日，小夜子因急性肺炎死于自己的家中，享年57岁。三天后，她的朋友才发现。这个结局，总是令人有点惆怅的。】

【Kenzo第三代设计师Antonio Marras 所做《致，小夜子》
小夜子就是我对KENZO的第一印象。
小夜子曾经说过：“行走于天桥需具备三个重要元素：感性，个性，动态”。这三个元素必须要融合在T台来回的两分半钟。
小夜子毋庸置疑具备以上提及的所有特质之外，她更是一个偶像，一个艺术家，一位舞蹈家，一个演员甚至时尚缪斯。她在T台上对服装的完美演绎，那种和谐，轻快的步伐，在我脑海中形成强烈的日本Wabi-sabi形象.
Wabi-sabi,一种审美哲学，代表着一种瞬时的或残缺的美。根据对古日语中wabi-sabi哲学的重新诠释，它带来和谐，*衡和健康。 wabi是一种感觉，是一种观察到简单微小事物的感触，Sabi则是代表了过去，是经过时间的洗礼仍然让人觉得心生曼妙的过程。

Band of Outsiders 2012春季男装系列于今夏意大利佛罗伦萨的Pitti Uomo展 (国际男装领域的流行趋势风向标，众多著名男装品牌将其作为新系列的发布和展示之地——译者注)上首次亮相。因此，今晚本场秀只为大家呈现了Scott Sternberg的女装系列——Boy and Girl。虽然然本次发布与以往的情况不同，但是却为观众们提供了一次认真欣赏认识Band品牌女装的宝贵机会。

至于结果，本场时装秀给人的感觉是可谓“小家碧玉”。Sternberg会一丝不苟地制作发布会。通常来说，这是件好事，但当女装孤零零地出现时，你一定会希望展示室的架子上，还藏着什么宝贝。在两个品牌线中，稍显成熟的Boy系列的遗珠之憾更加强烈。Sternberg抓住了澳大利亚导演Peter Weir的电影《悬崖下的野餐》(Picnic at Hanging Rock)带来的灵感，呈现的一系列造型样板像极了电影中营造的爱德华时代气氛。电影田园诗般的背景被映射到时装上，尤以约伊印花布为甚；Sternberg对面料进行了改进，使之具有都市气息，棉质印花布上的花纹颜色从上向下逐渐加深，直至变为黑色。相对于其它设计来说，这款风衣的线条异常锐利。另一类从《悬崖下的野餐》中汲取灵感的造型，是别致的女生箱型褶裥裙子和简洁的罩衫，这对于Sternberg来说是最容易上瘾的尝试；而在其中，他也尽情享受了严谨精神带来的快乐。同时，还有一些与上述风格迥异，非常都市化的时装，如精致独特的连帽防风皮夹克，或以黑色皮革和拉链塑形的经典Boy by Band绷带裙。这些设计非常成功，就像他以前的作品一样——长款防尘外套尤其令人赞叹，虽然渐变印花实际上远不如想象中那么引人注目。

接下来是Girl系列。秀结束之后，Sternberg称本系列的目标在于，推出《悬崖下的野餐》女郎的现代新形象。本系列共推出13款时装，都非常，非常漂亮。无论是花朵绗缝夹克衫，还是兼具各种柔和色彩的碎花连衣裙，都充满了田园诗般的意境。而我们竟然能从一件时装上体验到黑暗的侵袭（对，就是字面的意思）——一款蕾丝T恤短裤套装，短裤下摆以黑色浸染(你一定会希望设计师将这个点子运用于其它的造型上)。总而言之，Girl系列服装暗示着Sternberg将会继续在流畅地运用柔软度和曲线的方向上探索；鉴于其在浪漫氛围营造上展示出的设计天分，他极有可能成为Ralph Lauren的劲敌。


纽约：2011/09/10




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在时尚圈闯荡40多年之久的 Rei Kawakubo 川久保玲旗下以揉合年轻与绅士风格著称的男性支线品牌 Comme des Garcons Homme Plus ，这次在巴黎时装周推出以”Poor King”为概念的2013春夏系列，揉合了*年来最爱的混搭风格，并且加入了许多花纹印花的元素，加上使用了大袍当做外搭的设计，可说是颇有由”犀利哥”的穿搭所获得的灵感，而这个被称作 “Hiroshima chic” 带有著广岛独特的别致风格也的确的再度让时装界对于这位重量级设计师所带领的读到眼光感到赞叹不已。

　　川久保玲对时尚总是有种不羁的了解，明白到时尚之人衣冠整齐背后总希望能在混乱中寻找到一种凌乱有致的时尚，这种非主流的时尚是属于街头的痞子气的时尚专业人士。迷彩的军队风成为了隐藏在凌乱中的一道硬朗风景。模特的发色都染成了鲜橙黄色，头带上都是铆钉的黑皮格。穿着睡衣套装与懒散大衣配对不规则的钢感网格。设计师强调拼接集合的叛逆情绪，意想不到的面料和轮廓，例如黑色蛇皮和镶嵌皮革，或是粗呢带补丁的外套，灰色条纹浅灰色球衣工作服。她简单的衬衫和裤子组合看是不搭，但第二眼便是深深地爱上这种奇特。红色格子，豹纹印花，迷彩和黄金跛脚这些元素都是成就这个系列的主角。整体效果是令人向往和在关闭中失衡，为的是打造现代设计的交融与怀旧的集合。

法国巴黎当地时间1月18日，品牌Mugler 在2012/2013秋冬巴黎男装周上发布了2012/2013秋冬系列男装。

　　本季Mugler 2012秋冬男装中，设计师采用了亮面面料和无肩的设计，同时在腰部与袖子上做出了突出的线条感，就像是从好莱坞影片中走出来的超级英雄，完全颠覆了一向以怪异出位的创意时装，用实用性的男士服装给大家带来了一场丰富的视觉盛宴。

　　男士西装经过改良后出现了不一样的奢华感，这款西服套装的布料中融入了光滑的面料和暗花纹外，还添加了BlingBling的星空元素，尤其是在背景墙的衬托下，显得耀眼无比，尤其是将修身的西装裤设计成宽松的裤型，同时配上一条黑色宽腰封，帅气儒雅中又带点奢华感。

　　这一季的男士斗篷特别多，但是每位设计师的重点却不一样，Mugler设计师将黑色西服套装穿在里面，外面搭上了一件七分袖的PVC材质蝙蝠外套，简单的线条，大气而优雅，皮鞋上也加入了闪光元素，如此独特的造型给人留下了深刻的印象。

　　除了黑色系，酒红色也整场秀中占有一定比例，设计师利用长短的搭配的外套，恰到好处地赋予整个造型充足的层次感，搭配一款酒红色缎面长裤，虽然都是亮色，但是不同的质感却搭配出与众不同的时尚感，体验到一股男士新颖的潮流穿法。

　　整场系列中也有十分有趣的造型，带给我们几分诙谐感，这件宝蓝色长款外套非常适合上流社会的公子哥，不过设计师在这款蓝色外套中拼接了塑料材质，这种鲜明的对比让我们眼前一亮，类似斗篷的袖子只有单袖的设计，塑造出一种不对称感的幽默。

半是希腊、半是奥地利，Marios Schwab的血管里流淌着两种哲学家的血液。有时候你会想是不是太多了，而设计师也“想得太多了”。他的最新一季作品，想讲的是“工艺的声音，人们制造时的谦卑感。”
也许Schwab听到的是工匠在开场的皮革连衣裙上敲出镂空花纹的声音。这就是他邀请函上所说的极简主义中必要的装饰。还有挽具捆绑和皮带扣为皮革增加了前卫范儿。成串的珍珠定义了肩、胸和臀部的轮廓，传递出这场秀在矛盾中试图表达的信息：淑女VS叛逆，东方VS西方。珍珠优美而纯净，却是出自粘滑丑陋的牡蛎中。Schwab作为根深蒂固的隐秘爱好者，喜欢将珍贵的珍珠半隐半露在服装里的主意。
心中有如此抽象的概念，发布的系列则看起来冰冷而疏离，即便有珠串暗示了异教牺牲仪式。令人回想起Schwab毕生痴迷于人体，珍珠组成的装饰格纹同是明证。在一条黑色连衣裙上，珠串组成的图形就如同整形手术前画在身体上的标记。
发布会后，有人指出设计师Claude Montana是灵感来源。大量的皮革、色彩的选择、传统的感性：你可以明白为何有此想法。但Montana的夸张高调对比出Schwab作品的犹豫。他评论这个系列为“暗中的赞誉”，他可能意思是用低调而神秘的设计来赞颂女性，但他原先的设计以大胆出名，正是本日发布中所缺失的长项。

2012春夏，克里斯托弗·贝利(Christopher Bailey) 在博柏利-珀松(Burberry Prorsum) 英伦风格的框架之内尽情施展了手工艺术精致、细腻的魅力，古老的编织技艺让博柏利-珀松(Burberry Prorsum) 幻化出新的活力与艺术气质。

比起2011秋冬的鲜艳亮色，这一季博柏利-珀松(Burberry Prorsum) 男装色彩丰富依旧，色调却更加深沉浓郁。男式风衣有着宽大的茧形、箱型轮廓，许多款式的领子部分改为用钩针编织而成，并用小珠子装饰。撞色色块组成的花衬衫躲藏在姜黄、墨蓝、苔藓绿等色彩的包裹之下，带着非洲部落风情和北欧风情的放射状几何图案、锯齿折线图案或是在T恤、套头衫上以立体拼贴的方式呈现，或是融入编织之中。

中场牛仔蓝小西装、米白色开衫、扎染窄脚裤与白衬衫的搭配，在整场的绚丽色调中显得格外清爽，衬衫胸前却又不甘寂寞地绘上形状拙朴的不规则色块，边缘还要有粗粗的“针脚”图案，简洁大方的外表下是年轻人特有的异想天开。

这一季博柏利-珀松(Burberry Prorsum) 秀场上最抢眼的配饰当属那顶编织帽子，拉菲草纤维染上鲜亮的色彩，顶端的小绒球透出了几分可爱的味道。软木底麂皮鞋的样式则足够复古，鞋面上也同样有精致的编织花纹，边缘一抹亮色的点缀和服装完美呼应。低调却精致的编织皮革手袋、纤薄的信封形手包，更是会让型男们动心的单品。


博柏利-珀松 (Burberry Prorsum) 最新发布的2012早春度假系列男装。

<Burberry Prorsum>2012早春度假系列男装视频：

http://cn.burberry.com/store/content/experience/show/live/index.jsp?WT.ac=LP_H_B1#/spring-summer-2012/menswear/show/1



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2012春夏，克里斯托弗·贝利(Christopher Bailey) 在博柏利-珀松(Burberry Prorsum) 英伦风格的框架之内尽情施展了手工艺术精致、细腻的魅力，古老的编织技艺让博柏利-珀松(Burberry Prorsum) 幻化出新的活力与艺术气质。

比起2011秋冬的鲜艳亮色，这一季博柏利-珀松(Burberry Prorsum) 男装色彩丰富依旧，色调却更加深沉浓郁。男式风衣有着宽大的茧形、箱型轮廓，许多款式的领子部分改为用钩针编织而成，并用小珠子装饰。撞色色块组成的花衬衫躲藏在姜黄、墨蓝、苔藓绿等色彩的包裹之下，带着非洲部落风情和北欧风情的放射状几何图案、锯齿折线图案或是在T恤、套头衫上以立体拼贴的方式呈现，或是融入编织之中。

中场牛仔蓝小西装、米白色开衫、扎染窄脚裤与白衬衫的搭配，在整场的绚丽色调中显得格外清爽，衬衫胸前却又不甘寂寞地绘上形状拙朴的不规则色块，边缘还要有粗粗的“针脚”图案，简洁大方的外表下是年轻人特有的异想天开。

这一季博柏利-珀松(Burberry Prorsum) 秀场上最抢眼的配饰当属那顶编织帽子，拉菲草纤维染上鲜亮的色彩，顶端的小绒球透出了几分可爱的味道。软木底麂皮鞋的样式则足够复古，鞋面上也同样有精致的编织花纹，边缘一抹亮色的点缀和服装完美呼应。低调却精致的编织皮革手袋、纤薄的信封形手包，更是会让型男们动心的单品。


博柏利-珀松 (Burberry Prorsum) 最新发布的2012早春度假系列男装。

　纸工艺品

　　韩国有着悠久的造纸历史,长期以来就用国产优质纸张制作衣橱、箱子、带盖的碗、大钵、篮子、网袋、坛子和托盘。

　　其他纸制用品还有文具盒、*子、坐垫、帷帘、箭囊、长柄勺、火药筒、鞋子、脸盆、便壶等。为了外表美观、耐用和防水，大多数纸制用品上要涂一层清漆。最常用的清漆是用生柿子汁、米汤和苏子混合而成。

　　包袱布

　　包袱布呈方形，镶边，大小、颜色、花纹各异。过去，韩国人常用包袱布包裹、存放或携带物品。

　　今天，使用包袱布者虽然不多，但仍有人使用。包袱布是日常用品，然而却能增添庆典、仪礼的气氛。

　　韩国的百衲包袱特别反映出了韩国人的艺术才能。百衲包袱是家庭主妇利用各色边角布料缝制的包袱布。包袱布上绣上图案和字则显得更为悦目。不用时，可将包袱布折叠成小手帕大小加以收藏。

　　民间绘画

　　古时候，韩国*民普遍利用民间绘画点缀住宅，以及表达自己对幸福、长寿的愿望。

　　贵族绘画着重山水、花鸟。民间绘画则不同。民间绘画富于幽默感和对生活与世界纯真的看法。

　　民间绘画艺术家显然来自下层社会，但社会各阶层，其中上自王室、寺院下至偏远村庄中的农夫，都喜爱他们的作品。民间绘画的特色是构图豪放，笔触活泼，色彩生动。