具象性变化字体

阿尔丰斯·穆夏生于捷克南部的莫拉维亚，是20世纪初叶巴黎流行的“新艺术”的代表画家，穆夏的绘画，在富有华丽装饰美的甜俗优雅的表象里，蕴藏着升华人性的精神旨归。他的新艺术美女海报绘画，在20世纪初期即闻名欧美，穆夏晚期的作品，无论油画、粉彩、素描，更是自由奔放，造型优美精致，引人入胜。因战祸频繁，穆夏成为浪迹各地的波西米亚艺术家。晚年，在爱国心的驱使下他回归祖国，并完成“斯拉夫史诗”系列20幅联作，
穆夏的作品吸收了日本木刻对外形和轮廓线优雅的刻画，拜占庭艺术华美的色彩和几何装饰效果，以及巴洛克、洛可可艺术的细致而富于肉感的描绘。他用感性化的装饰性线条、简洁的轮廓线 和明快的水彩效果创造了被称为“穆夏风格”的人物形象。经过他的加工，所有的女性形象都显得甜美优雅，身材玲珑曲致，富有青春的活力，有时还有一头飘逸柔美的秀发。他的画面常常由青春美貌的女性和富有装饰性的曲线流畅的花草组成。
与别的艺术家不同，穆夏同时也是一位摄影师，他利用摄影技术来辅助他的创作。他让模特儿摆出他所需要的姿势后拍成照片，然后以照片为基础，在画面上对服饰和头发进行整理加工，经过特别的构图再加上花卉及植物花纹的装饰，最后完成他的创作。他的很多招贴画的素材都来源于照片，他为伯恩哈特所画的许多海报也是来自艺术家的剧照或画家本人为她拍的照片。这个*惯其实是来源于他成名前那段穷困潦倒的生活经历，因为每次请模特都需要按时间付出很高的费用，穷得叮当响的穆夏根本支付不起，将模特的形象用照片记录下来不仅可以积累素材，还可以节省不少开支。后来，穆夏就将摄影当作和速写同样重要的创作辅助工具。
尽管穆夏在商业绘画领域获得了巨大的成功，但他心中并不满足，总是希望能够创作一些能真正代表自身意识的严肃作品。“斯拉夫史诗”被穆夏视作自身艺术生涯的总结，他在这个主题上倾注了大量的时间和精力。他不仅向专家请教斯拉夫的历史，同时也对所选择的历史场景所处的环境和有关联的人物做了大量的研究。

二十世纪初的中欧，乡村的风貌、人们的生活方式以及民间的服饰与几个世纪前并没有太大的变化，所以穆夏常带着相机和速写本在乡间穿行，满怀激情地为他的作品寻找灵感和收集素材。虽然这些油画仍然十分讲究画面的布局和细节的精致描绘，但与过去的商业性绘画有很大不同的是，这些油画更多的呈现出凝重的历史沉淀和深厚的现实基础。画面的主角不再是千篇一律的青春少女，而是现实生活中斯拉夫人的鲜活形像，画面充满了生活粗糙的质感；风格也不再是纯粹装饰性的，而更多呈现出象征主义的气质。这些油画的确画家全部艺术天赋的体现，但却不如他的商业性作品出名。

巴洛克（Baroque)

巴洛克一词原指不规则的，怪异的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低，但现在，人们已经公认，巴洛克是欧洲一种伟大的艺术风格。古典主义者认为巴洛克是一种堕落瓦解的艺术，只是到了后来，才对巴洛克艺术有了一个较为公正的评价。巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。巴洛克艺术最早产生于意大利，它无疑与反宗教改革有关，罗马是当时教会势力的中心，所以它在罗马兴起就不足为奇了，可以说，巴洛克艺术虽不是宗教发明的，但它是为教会服务，被宗教利用的，教会是它最强有力的支柱。概括地讲巴洛克艺术有如下的一些特点：首先是它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二是它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力;三是它极力强调运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；四是它很关注作品的空间感和立体感；五是它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外，巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象；六是它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位；七是大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，如在一些天顶画中，人的形象变得微不足道，如同是一些花纹。当然，一些积极的巴洛克艺术大师不在此例，如卡拉瓦乔、贝尔尼尼的作品仍然和生活保持有密切的联系。

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洛可可

洛可可风格起源于18世纪的法国，最初是为了反对宫廷的繁文缛节艺术而兴起的。因于路易十五统治时期风行，亦称“路易十五式“。被称为洛可可的艳情艺术主宰了18世纪前半期，它以上流社会男女的享乐生活为对象。路易十五的情妇蓬巴杜夫人、杜巴丽夫人的趣味左右这宫廷，致使没话妇女成为压倒一切的艺术风尚。它一方面不免浮华做作，缺乏对于神圣力量的感受；另一方面却以法国式的轻快优雅使绘画完全摆脱了宗教题材。愉快亲切、舒适豪华的场景取代了圣徒痛苦的殉难，从而在反映现实上向前大大地迈进了一步。主要表现在建筑和绘画上，代表建筑为法国巴黎苏比斯府第，代表画家为布歇、弗拉戈纳尔等。 　　洛可可Rococo这个字是从法文Rocaille和意大利文Barocco合并而来。Rocaille是一种混合贝壳与小石子制成的室内装饰物，而Barocco即巴洛克（Baroque）。洛可可后来被新古典主义取代。洛可可为法语rococo 的音译，此词源于法语 ro- caille(贝壳工艺），意思是此风格以岩石和蚌壳装饰为其特色。是巴洛克风格与中国装饰趣味结合起来的、运用多个S线组合的一种华丽雕琢、纤巧繁琐的艺术样式。 　　巴洛克艺术尽管有呆板的礼仪，有形式上的骄矜和夸张，但它毕竟是一个阳刚的时期。而紧随其后的时期，即洛可可艺术，是大约自路易十四1715年逝世时开始的，则显得更为讲究，更为矫饰，更为呆板，因而也更为柔弱。可以认为，这个时期的一个标志是18世纪初欧洲瓷器使用的普及。原先，人们一直是用笨重的银制餐具饮食，用大块的石头创作巨大的雕塑，而现在则是用易碎的瓷器来做餐具，也制作小巧玲珑的瓷塑像，从而反映了这个风流时期的精神。

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哥特

哥特（也称歌特）(Goth)包含多种意思，主要有：1、哥特人的，哥特族的（指曾入侵罗马帝国的一支日耳曼民族）；2、哥特式建筑的（12至16世纪流行于西欧的建筑风格，以尖拱﹑ 拱顶﹑ 细长柱等为特点）；3、哥特派的，哥特风格的（18世纪的一种文学风格，通常描述有神秘或恐怖气氛的爱情故事）；4、指字体，哥特字体的；5、指颜色，红与黑哥特(Gothic)这个特定的词汇原先的意思是西欧的日耳曼部族。在18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，所谓“哥特复兴”（Gothic Revival）将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓穴中挖掘出来。

花道的表现形式
立花
　　（たちばな）是书院壁龛的装饰花，它起源于佛教的供花。供花由三枝花干以一种简单、对称的方式排列。但是，到了室町时代，池坊宗的佛教弟子创造了一种复杂的供花造型——立花。立花的字面意思为“站立的花”，它采用的是松树、桃花、竹子、柳叶、红叶、扁柏等。之所以称为立花，是从草木升高的姿势而采取竖立的形态。要用铁丝来调整花木素材的姿容，其意图在于再现一种自然的景致。这种的细腻的艺术形式往往需要高超的技术技巧，并在高高的铜花瓶中得到充分展示。代表着“天”或是“真理”的主干通常先是非对称的伸向左方或右方，然后弯曲着回到中心对称轴上，具有各自的象征意义和装饰功能的其他大量的枝干则从中心（整个花束的虚拟球心）伸出。作为一个整体，立花作品德整体造型即为整个宇宙的缩影。所以，立花的重要特征是非对称性、象征性和空间的深度性。它强调精细的技术方法、宏大的规模、象征主义和固定的风格。立花是花道的核心，它对于以后日本花道的发展产生了深远的影响。
生花
　　在日本的江户时代（1600~1868年），整个日本国泰民安，经济稳步发展。曾经仅仅限于佛教弟子、贵族和王室成员中流传的日本花道艺术，逐渐地在日本武士、富裕的商人和包括妇女在内的其他人中得到了广泛的传播。在这一时期，立花越来越显得呆板和公式化。这时，一种被称为“生花”的造型开始出现，并且迅速得到了更为广泛的传播。所谓生花，就是使鲜花保持生命力的一种表现方法。生花使用的全部是鲜花。它主要被放在壁龛上。生花与盛花、投入花不同之处在于生花的器具象征着大地。生花主要表现的并不是花木局部的美，而是伸展开来的生命力。品格高尚，绚丽、端正是生花的特征。
投入花
　　投入花是一种自发的造型。这种插花法常常将少量的花材随意地投入深深的花器中，利用巧妙的技术展示一种朴素、诗意化的自然美。一般有三种形式，即吊在壁龛上、挂在柱子上和放在壁龛下面。投入花的特点是强调自发性、简单性、暗示性以及对材料的自然特性的尊重。
盛花
　　盛花是将花材用一个针状的架子（剑山）排列在一个浅盆中，粗壮的枝干要呈对角线斜着剪下，使枝干的末端纵向分裂，这样便可很容易地插入到针状支撑物中。而花和其他比较柔软的材料最好是水*剪下，然后将它们垂直插入针状物中，再向前或后弯曲成所需要的角度。盛花是由小原流派的创立者小原云心创造的花道造型，字面意思是堆积花。盛花给花道带来了彻底的革命。在以前的所有传统造型中，花材都是集中地从花器的同一点伸出，而小原则使用了各种各样的支撑物，因而可以在更为广大的范围内排列剪枝。这种方法使得与传统造型不相容的其他新的材料得以使用，同样也促成了景观造型的出现。景观造型是以一种自然主义的方式，而不是象征的手法描述自然美。明治末期，由于西洋花的栽培和西洋建筑的增加，才出现这种不限于壁龛装饰的盛花插花法。可以说盛花是现代插花艺术的主流。


图片资料均收集于网络.......................

女孩并非生下来就是女性，更大程度上受到文化和消费导向的塑造。韩国摄影家JeongMee Yoon注意到女孩的玩具和衣服总是粉色，男孩的则总是蓝色，她把这种差异用极端的方式在作品中表现了出来。

摄影家个人主页：http://www.jeongmeeyoon.com/

JeongMee Yoon:
“粉色与蓝色计划（The Pink and Blue Projects）是我最*工作的一个主题。我想通过这个计划探讨文化偏好的趋势和不同文化、族群中孩子们的品味差别，以及性别的社会化与同一性。也牵涉到一些其他的问题，比如性别同消费、城市化、消费主义全球化、新资本主义之间的关系。

“粉色与蓝色计划的想法来自于我五岁的女儿，她爱粉色爱到恨不得只穿粉色衣服、玩的东西也全是粉色的。我发现女儿的例子并不鲜见。在美国、韩国和其他地区，绝大多数小女孩都喜欢粉色的服饰和玩具。这种现象无关文化背景而在不同的族群中广为蔓延。这恐怕是那些一心瞄准小女孩和她们父母的钱包，无处不在的商业广告造成的影响吧，风靡全球的芭比和Hello Kitty商品已经形成了时尚潮流。女孩子有意无意地被培养为穿着粉色以凸显女性化特征的生物。

“粉色其实曾是和男子气概联系在一起的，它被认为是冲淡的红色，是同力量关联的颜色。1914年，美国报纸The SundaySentinel还曾建议母亲们“给男孩用粉色，给女孩用蓝色，以遵从*俗”。直到二战以后，美国和其他地区才开始转而给女孩用粉色，给男孩用蓝色。进入讲究政治正确性的20世纪现代社会后男女*等的观念出现了，结果是反过来了，把颜色同性别联系起来而且和它们发生表面联系。今天，随着广告对消费偏好的影响，这些颜色的*俗已经成了世界范围内的准则。

“在我为小女孩和她们的东西拍摄的照片中，甜腻腻的、糖果般的粉色物体充斥着画面，揭示出无处不在的文化控制之下那种具象化的“女性化”和想被人看到的渴望。为了拍出这样的画面，我搜罗出孩子们拥有的那些棉花糖色的东西并堆放在房间里。当我开始创作粉色图片时，我又意识到很多男孩都有好些蓝色的东西。消费者受到指引去给男孩们买蓝色的东西，给女孩买粉色的东西。就拿我11岁的儿子来说吧，虽然他似乎并没有明显地喜欢蓝色多过其他颜色，但买衣服时他也只能从一大堆蓝色调的衣服里挑来挑去。卖给孩子们的衣服和玩具已经按照男蓝女粉的标准分好了，他们的服饰玩具都跟着这种风气走。

“男孩物品和女孩物品的不同，也影响并区分了他们彼此的思考和行为方式。许多女孩玩具和书籍都是粉色、紫色、红色的，并和化妆、穿衣、烹饪、家务联系在一起。而大部分男孩玩具和书籍则是其他的形状，是蓝色的，同机器人、工业、科学、恐龙之类联系在一起。这种现象正如芭比热一样风行。制造商生产出具有小女孩性格特点的拟人化小马，它们有发卡、梳子、首饰，女孩可以装扮小马、给它们化妆。这一类迥异的两性准则深刻影响到孩子们的性别认同感以及社交学*。

“当女孩长大后，她们喜欢粉色的口味会改变。直到上二年级，她们还会对粉色非常着迷，但到了三四年级，就不再迷恋粉色了。通常她们会转而喜欢紫色。再往后，又会喜欢另一种颜色。不管怎样，那最初的颜色密码会一直伴随着她们。”

当地时间2012年9月27日，2013春夏巴黎时装周，Balenciaga 2013春夏发布会。

现在，整个巴黎都在谈论迪奥和圣罗兰的对决，主角嘛，当然是Raf Simons和Hedi Slimane。不过，要是漏掉了Nicolas Ghesquière和他的Balenciaga，巴黎的“春夏”注定要失色不少。当谈起新系列时，Nicolas Ghesquière言到：“这是我做过最带感的系列”，好吧，让我们从发布开始时的波浪硬褶边开始，这种带有弗拉明戈风味的元素成为整场最引人注目的设计之一。尤其是面料与底色的反差，让时装有了现代建筑一般的张力。之后，各种颜色的方形短上衣，使人联想起古希腊-罗马时代的罩衫轮廓。接下来出场的是条纹印花短裙——这里用“印花”来形容其实并不恰如其分，如果你仔细观察那些造型，会发现每件都搭配了各自不同的肌理效果，这可比单纯的印花“带感”的多。

本系列中最让人印象深刻的三个瞬间是：黑色拉长背心搭配同色紧腿裤，巴黎女性的CHIC风味显露无疑；实用性一流的奶油色和灰色西服套装是抢占职业女性市场的利器；不规则的裙摆设计，强调了发布的变化与趣味。Nicolas Ghesquière拿出了Balenciaga历史中最具吸引力的设计元素，并加以创新推演，Raf Simons和Hedi Slimane，你们打算怎样接招呢？

2012年2月23日，米兰
By Tim Blanks

这次的Prada秋季新品发布会充满了Miuccia Prada标志性的个人风格，至少对她本人来说，本次的新系列体现了时装中最纯粹的一面，需要我们在照片中仔细观看每一个设计师着力刻画的细节。在模特的发型和妆容方面，Guido Palau和Pat McGrath两位造型师倾力营造“真实的公主”形象，就像数字时代的时装“阿凡达”。在T型台上，所有的模特看上去都像是由复制人组成的军队，即使在照片中看也是如此。这是一种充满力量的形象，与Miuccia在一月份推出的男装系列中着重刻画的力量感遥相呼应。但这并不是设计师主要想表达的信息。走秀开始前和结束后，观众都能品尝到地道的法式沙拉（请记住，这是代表每一季Prada新作品精髓的重要标志），包括甜味的酥皮小点心和装饰着水晶紫罗兰的巧克力。“快乐，”Miuccia解释说，“这几天，每一位设计师都能对自己的作品发表一番长篇大论，但我对这些说辞已经感到厌倦了，我的秋季系列就是关于时装的快乐。”

在Miuccia的眼中，设计师的设计理念中应该包括人类对美的不懈追求，并坚持从人类生活的大自然中寻找灵感。Prada所传达的美感是一种独树一帜的美学概念。从某个方面来说，Miuccia所选择的元素体现在Prada最为人称道的服装款式中：富于变化的男装，“俗气”的提花面料，宽松的睡衣套装和所有的装饰细节（甚至来自配乐大师Frederic Sanchez之手的Numanoid电子乐也很好的起到了支撑和衬托的作用），但这种设计风格上的减法并不会影响观众在深入探索Prada服装系列时思维和研究的深度。例如，作为开场造型的黑色大衣式连衣裙，很像正式礼服的改良之作，令人回想起在Prada男装秀场上老派外交家的拘谨形象。但这同时也体现了Miuccia对未来时装发展走向的坚定信念，那就是未来必将回归过去。（这其实很难算是全新的说法，不妨看一下电影《银翼杀手》作为参考）。然后，秀场上出现了华丽的刺绣连衣裙。这些服装是如此贵重和精致，Plexi材质和亮片构成了重叠的多层次结构，但它们所传达的内涵，据Miuccia本人解释说，则是“重要性”。她认为对于女性来说，“重要性”比单纯的展示力量更富有意义。衣服本身就体现出一种奇特的美感。整个新系列所展示出的无以伦比的高级品质将很有可能为女性时装的发展指引出一条崭新的道路。

翻译：APRIL

Donna Karan将她的2011秋冬秀命名为“智慧之珠”，并请来Erickson Beamon设计珍珠项链来搭配造型，并且使整场的中性色彩更显正式。Karan本人更青睐非洲风格的珠串，多年来她的发布会也一直依赖于Robert Lee Morris设计的雕塑感大号珠宝。这场秀某种程度上是与以往的分道扬镳，模特们梳着Grace Kelly式的高发髻，有的戴着超长的皮草宽边手套，有的拎着淑女的框架包。至于服装，除了两套高腰的垂褶jersey长裤外，都是连衣裙、裙装套装和外套，以及几件朦胧的衬衫，领口设计有时还包括头巾。每个造型，毫无例外地都收紧了腰身。
去年12月Donna Karan的早秋系列中发布了一个低价的生活方式系列，也许这场秀使为了彰显签名主线系列的不同之处，旨在盛装。或者只是她希望有所变化。问题是，冰冷的希区柯克女郎是众所周知的形象，尽管设计师加入了80年代的强势肩型作为变量。一件接一件，几件出色的外套——大领口裹身裙，微闪的马海毛裙装套装，几件醒目的皮草大衣——但这些都没有她以往前瞻性发布的智慧火花。

俄罗斯摄影师Vladimir Fedotko的作品婉约、典雅、带有象征主义色彩，他试图以高超的巴洛克“ 针织技艺”，在当今熙熙攘攘的现代主义艺术领地里编织出独属于自己的梦幻。

对虚构主题的刻画

Fedotko的摄影作品中我们能看到保罗·鲁本斯的影子——这是风格主义最重要的画家之一，Fedotko的创作风格上还融合了安特卫普画派的神秘主义和巴洛克流派对色彩充满变化、极富绘画性的创作手法。

Vladimir Fedotko的圣彼得堡梦

故事的开始和一张床有关,它华贵、高雅，在波罗的海芬兰湾的东岸摆了三百年，彼得大帝把古典式的、巴洛克式的和洛可可式的华丽装饰品全铺在这张床上，60年后叶卡捷琳娜二世女皇把新古典主义的彩单铺了上来，让它愈加柔软与豪华。其后普希金、莱蒙托夫、高尔基就睡在这张床上——它就是圣彼得堡，一座崇尚古典传统文化的高贵而深邃的城市。

Vladimir Fedotko就出生在这大床之上，耳濡目染着历史经典艺术成长，又因俄罗斯所处的特殊地域而同时受到欧洲与亚洲多种文化的熏陶，在从事摄影之前，Fedotko是个标准的画家——穿着擦满油画颜料的工作服，在画室的帆布上琢磨每一个笔触、每一抹色彩。“起初摄影对我并不是一件重要的事情，仅仅是为了用相机拍摄自己家庭的生活场景，再有就是为自己的绘画创作积累素材。”但当他接触并掌握了Photoshop以后，摄影一下子成为了他生活与创作的重心。