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论古诗十九首的艺术特色
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[内容摘要]:《古诗十九首》东汉末年无名文人所作的五言抒情诗,他们大多抒写游子、思妇的主题,具有独特的表现手法和艺术特色,深受当时文人的喜爱。它的艺术特色显著的表现在四个方面:情景交融、借事寄情的技巧;意蕴深长的比兴手法;深衷浅貌的语言;生动传神的叠字艺术。它们融合成一种直抒感兴、曲尽衷情而委婉动人的独特风格,被后世文人奉为五言抒情诗的典范。
[关键词]:《古诗十九首》抒情比兴语言叠字
汉代文坛,名气最大的是辞赋,成就最高的是散文,相对冷落的是诗坛。但是,在*诗歌史上,汉代诗歌有其不可替代的作用和地位。尤其是素有“风余诗母”[1]之称的《古诗十九首》,代表了汉代文人五言诗的最高成就。《古诗十九首》,最早见于萧统编的《文选》。产生于东汉末年社会震荡、政治混乱之际,主要反映下层知识分子漂泊蹉跎、游宦无门的境遇和生活感受,并抒发了他们离别相思的感伤、人生苦短的惆怅、知音难觅的悲哀和对世态炎凉的愤恨等世俗情怀,富于鲜明的时代特色。《十九首》非一人一时之作,其作者大抵是地主阶级中下层的失意之士。它形式短小,皆为咏叹人生的抒情之作,自问世以来,便一直受到后世文人的推崇和称赞。诗论家们往往将《古诗十九首》和《诗经》、《楚辞》相提并论,王世懋《艺圃撷余》称它为“五言诗经”,钟嵘的《诗品》说:“文温以丽,意悲而远,惊心动魄,可谓几乎一字千金。”[2]刘勰称它为“五言之冠冕也”[3]。《古诗十九首》之所以能得到如此之高的评价,不仅是因为“感时伤世、相思离别”的思想内容与主题情感,还在于它那温婉含蓄、*易淡远的独特艺术风格。下面,就《古诗十九首》的艺术特色作一些粗浅的探讨。
一、长于抒情,感时伤怀,意切情真
1.融情入景,情景交融。
《古诗十九首》的主要艺术特色是长于抒情,具有惊心动魄的真情美。其抒情方法往往是用事物来烘托,融情入景,寓景于情,二者密切结合,达到天衣无缝、融合的境界。如《迢迢牵牛星》(之十),通篇写长空寂寥、河汉皎洁的秋夜景色,牵牛、织女二星一水相隔不能相聚。而情在其中,表现了男女离別相思之苦。又如《青青河畔草》(之二)用河边青草和园中绿柳构成的融融春色,寄托了“荡子妇”对久行不归的丈夫的思念和烦闷。又如《驱车上东门》(之十三)用洛阳北邙山墓地的凄凉景色,烘托出一种悲涼死寂的气氛,从而更适宜于表现诗人失望于现实的颓废感情。这些都是把人物置于特定的环境气氛之中,用特定的景色以烘托人物的情感。
感情是抽象的,要刻画离愁、别恨、哀伤、怨思等等,是不容易的,堆砌一连串的形容词也不会引起读者共鸣,《古诗十九首》却把抽象的感情用具体的事物表达出来。如“相去日已远,衣带日已缓。”“思君令人老,岁月忽已晚。”(“行行重行行”)“涉江采芙蓉,兰泽多芳草,采之欲遗谁?所思在远道。”(“涉江采芙蓉”)“出户独彷徨,愁思当告谁?引领还入房,泪下沾衣裳!”(“明月何皎皎”)从身体的消瘦(“衣带日已缓”)、容颜的衰老(“岁月忽已晚”)和实际的行动(“采芙蓉”、“引领”、“徒倚”、“垂泪”、“出户”、“入房”、“泪沾衣”)来显示久别愁思的痛苦。又如:“回顾何茫茫,东风摇百草。所遇无故物,焉得不速老?”(“回车驾言迈”)由看见的景物烘托出内心的悲伤。
2.借事寄情,委婉真切
《古诗十九首》还善于通过某种生活情节抒写作者的内心活动,通过叙事渗透抒情,使诗中主人公的形象更鲜明突出。《古诗十九首》注重借鉴《离骚》的抒情性,同时“‘古诗’将叙事与抒情合二为一,词意婉转,诗思纤密,明显呈现出一种低回要眇的美学风貌。”[4]古诗充分体现了*古代诗歌那种单纯而优美的抒情性格。如《西北有高楼》写士子失意。它并不抽象地写他如何怀才不遇,失意彷徨,却写“上有弦歌声,音响一何悲!谁能为此曲,无乃杞梁妻。清商随风发,中曲正徘徊。一弹再三叹,慷慨有余哀。”通过高楼听曲这一具体事件的描绘,无意中流露了对那位歌者的同情;“不惜歌者苦,但伤知音稀”,从而表明了主人公对那个闻声而未见面的人是一个旷世知音;也表明了自己生不逢时的寂寥;最后希望化为双鸿鹄同她一起奋翅高飞,更表明了主人公是个如何奋发有为,而又四顾无侣的形象。又如《凛凛岁云暮》(之十六)一首描写一个思妇怀念良人,梦醒后惆怅伤感的情绪。这是一个蝼蛄悲鸣、凉风凄厉的冬夜,诗中的女主人思念着她的丈夫睡不着觉。她想到天气已寒,而游子还没有寒衣,想到寄锦衾,路途又是如此遥远。想来想去,忽然笃念旧好的良人枉驾来迎,她喜出望外地想,从此携手同归,长相亲爱,这是多么快乐啊!岂料那良人“既来不须臾,又不处重闱”,竟自无情地走了。心里十分懊恼,原来却是一梦。她当时恨不得飞到良人那边。引领遥望,好像良人还走的不远。此时这位女主人似梦非梦,似醒非醒,只觉得凉风拂面,蝼蛄满耳,潮水般的眼泪直涌出来,沾湿了双扉。写道这里,一个孤独无聊的思妇形象就如在目前。这样抒情叙事双管齐下的写法还很多,《孟冬寒气至》、《客从远方来》等篇都是如此。
作为*古典诗歌由民间走向文人自觉创作的标志,《古诗十九首》在抒情艺术上取得了非凡的成就。
二、善用比兴,含蓄蕴藉,韵味无穷。
“比兴”是*古代诗歌中的一种传统表现手法,宋代朱熹比较准确地说明了“比、兴”作为表现手法的基本特征,他认为:“比者,以彼物比此物也”;“兴者,先言他物以引起所咏之词也”。通俗地讲,“比”就是譬喻,是对人或物加以形象地比喻,使其特征更加具体生动、鲜明突出;“兴”就是起兴,是借助其他事物作为诗歌发端,以引起所要歌咏的内容。《古诗十九首》在艺术手法上,就是继承和发展了《诗经》、《楚辞》惯用的“比兴”手法,衬映烘托,比兴兼用,着墨不多,言*旨远,用得意境深远、贴切自然。
《古诗十九首》中的比喻俯拾皆是,多达23处。如:
人生天地间,忽如远行客——《青青陵上柏》
浩浩阴阳移,年命如朝露——《驱车上东门》
人生忽如寄,寿无金石固——《驱车上东门》
以胶投漆中,谁能别离此——《客从远方来》
良无盘石固,虚名复何益——《明月皎夜光》
人生寄一世,奄忽若飙尘——《今日良宴会》
不念携手好,弃我如遗迹——《明月皎夜光》
思为双飞燕,衔泥巢君屋——《东城高且长》
胡马依北风,越鸟巢南枝——《行行重行行》
……
其中,《冉冉孤生竹》是成功运用比喻的诗篇:
冉冉孤生竹,结根泰山阿;与君为新婚,兔丝附女萝。
兔丝生有时,夫妇会有宜;千里远结婚,悠悠隔山陂。
思君令人老,轩车来何迟。伤彼蕙兰花,含英扬光辉,
过时而不采,将随秋草萎。君亮执高节,贱妾亦何为。
全诗十六句,纯用比喻的六句,结合比喻的四句,只有“千里远结婚,悠悠隔山陂。思君令人老,轩车来何迟。”四句和末尾两句直接叙事抒情。可见,利用比喻表情达意,是本诗的突出特点。前二句“冉冉孤生竹,结根泰山阿。”诗人用简洁的笔墨为我们描绘出一幅图景:一株纤细柔弱的竹子,孤零零地生长在大山的曲坳处。以柔弱的竹子比喻孤弱女子,以泰山比喻游子。诗中女主人公暗示自己本无兄弟姊妹,生长深闺,尚在未嫁,有如孤竹之隐于山坳。下面又用兔丝、女萝有蔓而密,缠绵不解之意,比喻男女之情难舍难分,缠绵固结。诗人并没有就此停止,而是用双起单承的办法,连贯而下,再用兔丝之生长有时,既比喻女子正值青春盛颜,又兴起夫妇生活无比和谐。以上四句,是女主人公对自己婚后生活的美好憧憬。“千里远结婚,悠悠隔山陂。思君令人老,轩车来何迟。”四句告诉我们,理想和现实往往天差地远。女子和千里之外的人缔结婚姻,相隔甚远,相见实难。下面“伤彼蕙兰花,含英扬光辉;过时而不采,将随秋草萎。”四句,选用了与其命运十分相似的蕙兰花作比,增强了诗歌的形象性,使之显得含蓄蕴藉,韵味无穷。“含英扬光辉”,是花的颜色,也是人的丰采;是花的“时”,也是人的“时”。“过时而不采”,应“轩车来何迟”;“将随秋草萎”,就是“思君令人老”的意思。这套比喻,不但形象鲜明,而且在忧愁幽思中不可遏制地散发出一种强烈的青春的生活气息,抒发了青春不长,红颜易老,自伤迟暮的感慨。极大地丰富了诗歌的情感内涵,使它显得更加饱满,更加生动了。
如果说《冉冉孤生竹》里大都是比喻的话,那么《迢迢牵牛星》则是通篇作比。诗中借助民间“牛郎织女”的故事,通过诗人的想象,塑造了一个勤劳的织女形象,着力刻画了织女隔着银河而不能与爱人相会的愁苦。勤劳的织女与心爱的人儿*在咫尺,却又远在天涯,字里行间透露出对阻碍这对夫妇团聚的恶势力的憎恨。这不仅仅是描写了一个天上的故事,而是对当时社会状况的一个非常真切的反映。《迢迢牵牛星》与同类篇章的不同之处就在于运用了全篇作比的方法,使这首短诗产生了巨大的容量,给人留下充分的想象余地,出色地完成了自己的艺术使命。
《古诗十九首》中许多诗篇都能巧妙的起兴发端,很少一开始就抒**感。而且,《古诗十九首》中的“兴”是比较复杂的,并非单纯的“起兴”,有的是在开头“起兴”,如《青青陵上柏》以“青青陵上柏,磊磊涧中石”起兴,见出孤高正直、磊落坦荡的情怀,然后引发人生短促的处世感慨;《明月皎夜光》以悲秋起兴,铺排秋夜明月繁星及时节物候变化,渲染炎凉气氛;《明月何皎皎》使用“月”这一意象起兴发端,引发诗人的忧愁不寐的思绪;《涉江采芙蓉》、《庭中有奇树》用采择芳条鲜花以赠情侣的情节起兴。但也有的在中间“起兴”,如《行行重行行》以思妇自叙口吻倾诉别离相思之苦,在料想疑虑丈夫心情时,用“胡马依北风,越鸟巢南枝”起兴,“胡马”“越鸟”皆不忘本,由此衬托出“游子不顾返”的不是,集中体现她压抑不住的内心痛苦。有的是“比中有兴”或“兴中有比”,如“冉冉孤生竹,结根泰山阿。”用“孤竹”兴起下文顾影自怜、闺中寂寞的新婚少妇,这是两句含蓄的比兴语,但同时又以柔弱的竹子比喻孤弱女子,以泰山比喻游子。还有的是“兴中有兴”,如《冉冉孤生竹》首句用“孤竹”起兴,而下文以“伤彼蕙兰花,含英扬光辉;”比喻女子的青春盛颜,以“过时而不采,将随秋草萎。”比喻青春逝去,又兴起美人迟暮的意思。
总之,《古诗十九首》中的“兴”和“比”紧密地联系在一起,融合使用,形成了兴而比的特征。比兴手法的运用,加强了诗歌的生动性和鲜明性,增加了诗歌的韵味和形象感染力,使得《古诗十九首》永远散发出迷人的魅力。
三、语言*易,深衷浅貌,语短情长。
在语言方面,古代诗论家有过许多精辟的见解。“《古诗十九首》不作艰深之语,无冷僻之词,而是用最明白晓畅的语言道出真情至理。浅浅寄言,深深道款,用意曲尽而造语新警,从而形成深衷浅貌的语言风格。”[5]刘勰在《文心雕龙·明诗》中指出:“观其结体散文,直而不野,婉转附物,怊怅切情。”[6]明代的谢榛也认为《古诗十九首》“格古调高,句*意远,不尚难字,而自然过人矣”,“**道出,且无用工字面,若秀才对朋友说家常话,略不作意。”[7]《古诗十九首》诗中没有刻意雕琢的华丽词句,外貌看似*淡,但仔细咀嚼斟酌,就知道这些好像陈年醇酒,其味无穷,犹如顺口说来。浅*而不浅薄,通俗而不庸俗,似乎从肺腑中自然流淌出来,十分自然。
如:《行行重行行》(之一)中,前两句“行行重行行,与君生别离。”简单的文字,*浅的句子,表面看来没有什么突出的地方,但细心分析,就会发现写得思绪千里,柔肠百转。首句“行行”动词重叠,使得诗歌形象处在连续的动态之中,暗示路途漫长,再一重复,“行行”、“行行”表示路途更加漫长而遥远,有走不尽的意思。说明“生别离”的缘由;表明相去之远、相别之久;暗示游宦或游学的无果而终;预示了会面的虚无和缥缈。“与君生别离”的“生”字,表明不应当别离而生生别离,这对于女主人公心灵上的伤痕,深锐刺痛,不难想见。最后两句“弃捐勿复道,努力加餐饭。”表现了诗人的无奈、愁闷,只得搁下这剪不断、理还乱的.离愁,而给以恋人贴切的安慰和深长的祝愿,自然流露出这种相亲相爱、始终不渝的真挚情感。
再如《去者日以疏》(之十四):
去者日以疏,来者日以亲;出郭门直视,但见丘与坟。
古墓犁为田,古柏摧为薪;白杨多悲风,萧萧愁**。
思还故里闾,欲归道无因。
全诗都用质朴自然的文字从容地写来,短短十句,就给我们营造出极具感染力的艺术境界。拿中间的写景来说,除了“白杨”两句带有明显的感情色彩,其余全用白描,其新旧之感、肃杀之气,全从客观物象中自然流露出来。日月随波,世事不常,以倏忽有限之生命竟有无法摆脱之羁绊,虽欲回归故里得享天伦,奈何“欲归道无因”。最后一句,**静静,但感情之复杂,心情之沉痛,直使人惨然变色。
*易自然的语言,给予人们亲切、明朗、纯朴的感觉。说到语言的*易清新、一字千金,《十九首》中处处可见,如:“客从远方来,遗我一书札。上言长相思,下言久离别。置书怀袖中,三岁字不灭。”(《孟冬寒气至》之十七)“客从远方来,遗我一端绮。相去万余里,故人心尚尔。文采双鸳鸯,裁为合欢被。”(《客从远方来》之十八)这些句子,不掺杂任何扭捏做作,完全用一种清新简练的叙事口吻,好像诗人跟读者面对面谈话。而且,诗人的感情表露的那么坦率、单纯、明朗,完全没有装模作样,藏头露尾的形貌。
其他诗中,《青青陵上柏》(之三)中“人生天地间,忽如远行客”、《今日良辰会》(之四)中“人生寄一世,奄忽若飚尘”、《生年不满百》(之十五)中“生年不满百,常怀干岁忧”、《驱车上东门》(之十三)中“浩浩阴阳移,年命如朝露。人生忽如寄,寿无金石固。”等等,来形容人生短暂、岁月易逝,贴切形象,用语精警。《凛凛岁云暮》中的“眄睐”、“引领”;《明月何皎皎》中的“徘徊”、“彷徨”等词语,不仅描绘出人物外部动作,而且深刻地揭示出人物内心的感伤与失落,这样的抒情,用*易浅析、自然流畅的语言道出极深厚含蓄的感情,浑然天成,不着痕迹。
四、巧用叠词,准确和谐,生动传神。
《古诗十九首》在语言上的另一特色是叠词的运用。《文心雕龙》云:“灼灼状桃花之鲜,依依尽杨柳之貌,杲杲为日出之容,瀌瀌拟雨雪之状,喈喈逐黄鸟之声,喓喓学草虫之韵。”[8]顾炎武说“诗用叠字最难”,但《古诗十九首》中有十三首用叠字三十一处,共用了二十一個叠字。分别如下:
行行——副词,形容行走不止的样子;
青青——形容词,形容草木葱茏;
郁郁——形容词,形容草木茂盛;
盈盈——形容词,同“嬴”,美好的样子;
皎皎——形容词,明亮之意;
简论古诗十九首的思想内容和艺术特色
无论是在学校还是在社会中,大家都知道一些经典的古诗吧,古诗有固定的诗行,也会有固定的体式。你知道什么样的古诗才经典吗?以下是小编收集整理的简论古诗十九首的思想内容和艺术特色,欢迎阅读与收藏。
简论古诗的思想内容和艺术特色
五言诗起源于民间,这是一个基本看法。汉代以前民间已经有古代的“风谣”出现,比如春秋末期的“孺子歌”:
沧浪之水清兮,可以濯我缨;沧浪之水浊兮,可以濯我足。秦始皇时的“长城谣”:生男慎勿举,生女哺用脯。不见长城下,尸骸相支柱。
西汉时民间歌谣已经开始大量流行五言诗,如西汉长安的“城中谣”,见于《后汉书·马援传》之后所附:
城中好高髻,四方高一尺;城中好广眉,四方且半额;城中好大袖,四方全匹帛。
这些歌谣被采入乐府后,便成为乐府民歌中的五言诗,西汉乐府中的“饶歌十八曲”中已经有五言体,东汉乐府诗中的五言体已经占了主要地位。在乐府民歌的影响下,文人也开始学*写作五言诗,东汉初年班固的《咏史》便是现存最早的文人五言诗。东汉文人五言诗中。有署名的作品不多,大量是无名氏的作品。
东汉无名氏的五言诗又被称作“古诗”,古诗本是魏晋南北朝对古代诗歌的通称,后来专指东汉无名氏的文人五言诗。钟嵘的《诗品》提到的古诗有五十九首,今存三十首左右。尽管很多东汉五言诗都消亡了,但东汉文人五言诗的精华部分都保留下来了,这就是古诗十九首。
关于古诗十九首的作者和写作年代,历来曾有过很多推测,或称是枚乘所作(见于《文心雕龙·明诗》),或称是曹植、王粲所作(见于《诗品》),均不可靠。*代研究者多以为,这些诗是东汉桓、灵时代的中下层知识分子的作品,并非一人之辞、亦非一时之作。这个看法,无论从五言诗的发展历史,还是诗中所反映的社会生活和思想内容来看,都是可信的。
具体说,从五言诗的发展历史来看,东汉班固的《咏史》是最早的作品,其表现手法还不成熟。而古诗十九首已经是相当成熟的文人五言诗,所以不可能出现在西汉初年。从诗中所反映的社会生活、思想内容来看,十九首所描写的洛阳还非常繁华,这说明应该是在董卓焚烧洛阳之前,因此也不可能晚到曹植所处的建安时期。
一、思想内容
东汉末年,游宦之风甚盛,许多中小地主阶级的知识分子为了追逐功名,便不惜到处奔走,因而形成了“游宦”之风。游宦有两种可能,一种是能做官,一种是不能做官。而一旦他们仕途失意、功名不遂,游子便会牢骚满腹,感慨万分。又因为他们有着较好的文学素养,所以往往借诗抒情,这便是古诗十九首的写作背景。由于十九首是在这样的背景下产生的,所以它的内容不外乎两大类:
(一)抒发相思离别之情思
这是就游子、思妇而言的。这类作品数量较多,成就也较大。如思妇思念游子的《行(hang)行重行行》:
行行重行行,与君生别离。相去万余里,各在天一涯。道路阻且长,会面安可知。胡马依北风,越鸟巢南枝。相去日已远,表带日已缓。浮云蔽白日,游子不顾返。思君令人老,岁月忽已晚。弃捐勿复道,努力加餐饭。
《客从远方来》:
客从远方来。遗我一端绮。相去万余里,故人心尚尔。文彩双鸳鸯,裁为合欢被。著以长相思,缘以结不解。以胶投漆中,谁能别离此?
而游子思家的有《涉江采芙蓉》《明月何皎皎》等。这些相思离别的歌咏,是十九首的重要内容,而透过游子、思妇的这种相思之情,又可以使读者感到流离失所、有家难归的动乱时代的背景,而这正是东汉末年社会生活的真实反映。
(二)表达伤时失意之苦闷
这是就游子本人而言的。这类作品往往是作者有感于人生的短暂,希望及时努力建功立业,表现出一定的自敬、自励,其中也有一些流露了知识分子失志后的牢骚苦闷和纵情享乐的思想。如《生年不满百》中的“昼短苦夜长,何不秉烛游,为乐当及时”,《驱车上东门》中的“不如饮美酒”等。
总体看来,十九首虽然从某些侧面反映了东汉末年那样一个动乱不安、危机四伏的社会,有一定的历史认识意义。不过它所反映的生活面比较狭窄,所接触的社会矛盾也是不深的,诗中弥漫着伤感的气氛。但值得注意的是,十九首对文人的心态,尤其是知识分子心理刻画非常深刻、独具特色,标志着人性的觉醒,标志着文学向人学的转变。虽然说文学的真正自觉是在魏晋南北朝时期,但其实这种觉醒早在东汉末年的古诗十九首和抒情小赋中就已经出现端倪,就已经开始了。人性的觉醒就是思考人活着是为什么,人生意义何在的问题。因为*文化的早熟,宗教在*历史文化的演变中过早的式微,超自然的人格神没有最终在历史中留驻,宗教不能像西方国家那样为人们提供一个精神寄托之所,所以人们从春秋战国之际就开始思考人的精神的归属问题,人生意义的寄托问题。追寻的结果是,儒家选择了社会,道家选择了自然,儒家通过立德、立功、立言的三不朽寄托人生价值,即追求人在社会历史中的意义,在社会历史中实现人生价值,因此,文人的宦游即是追求立功之举,而动乱的年代使他们的追求落空,最终失去了人生寄托,因而产生人生如寄、时光怵惕的感伤情绪。同时,在这种感伤和思考中,他们也开始思考人与自然的关系、人在自然中的位置,于是道家思想中的物我同一,齐生死等万物的思想也流露了出来,如《驱车上东门》中讲到“驱车上东门,遥望郭北墓”,而坟墓上“白杨何萧萧,松柏夹广路”,然后想到“下有陈死人,杳杳即长暮。潜寐黄泉下,千载永不寤”。因此可以说,古诗十九首中对人生意义的思考是魏晋时期人性觉醒的先声。
二、艺术特色
(一)高超的抒情艺术
十九首中篇篇都是言情之作,与乐府民歌不同的是,作者抒情的方法主要不是通过叙事,而是靠事物的烘托融情人景、借景抒情、情景交融。最典型的就是《迢迢牵牛星》一诗,通篇全是写景,诗人写天上没有情感的牵牛织女星,全是看到的情景,但情在其中,情景相生,真有化工之妙。
另外,它还运用多种方法和技巧来抒情,如运用梦幻、化鸟等浪漫主义手法来抒情,起到了独特的效果。
在古诗十九首中,有些诗歌为了表达相思别离之苦,运用了化鸟这样一种独特的想象:“愿为双鸿鹄,奋翅起高飞”(《西北有高楼);“亮无晨风翼,焉能凌风飞?”(《凛岁云暮》)通过愿意化为双鸿鹄和晨风鸟的想象表达思念之深。
还有梦幻、分离造成的思念之情日积月累往往使人产生错觉、幻觉。弗洛伊得认为,人的潜意识处在强烈的压抑中,当人在清醒的时候它像海底的冰山潜藏在人的意识深处,这种压抑往往会在梦中得以释放。梦幻是长久离别造成的心理缺失的补偿机制。
在古诗十九首中,梦幻将游子思妇的相思离别之隋表达得尤为深切,如《凛凛岁云暮》:
凛凛岁云暮,蝼蛄夕呜悲。凉风率已厉,游子寒无衣。锦衾遗洛浦,同袍与我违。独宿累长夜,梦想见容辉。良人惟古欢,枉驾惠前绥。愿得常巧笑,携手同车归。既来不须臾,又不处重闱。亮无晨风翼,焉能凌风飞?眄睐以适意,引领遥相。徙怀感伤,垂涕沾双扉。
此诗写远行之人到年岁将尽时还不见还家,思妇一方面盼着他回来,同时还担忧丈夫没有寒衣怎么抵御严寒。由于思念太深而产生了猜疑:“锦衾遗洛浦,同袍与我违”,正因为这种思念加猜疑的复杂感情使她因此生梦,后面即写梦中事。庆幸的是“良人惟古欢”,不曾抛弃旧爱,且“枉驾惠前绥”,丈夫委屈自己亲自驾车来接自己同去。这梦中事、梦中情全是思妇昼思夜想的情景。可是好梦太短,“既来不须臾,又不处重闱”,良人随梦而来,乘梦而去,留下的只有“徙倚怀感伤,垂涕沾双扉”了。
(二)塑造鲜明的人物形象
作者通过抒情、叙事、心理刻画与细节描写相结合的手法,塑造出来的人物形象别具特色、非常鲜明。最具代表性的就是《青青河畔草》,通过这首诗可以想象,在绿草青青的河畔,有一座长满垂柳的园林,园中的楼上有一位美丽的少妇,当此美丽的季节在凭窗远望,思念游子。对画中人物作者有特写镜头,“娥娥红粉妆”,配上周围的风景,人物形象非常鲜明。
(三)多用比兴手法
十九首中比兴手法运用最多、最自然、最贴切的,奠过于《冉冉孤生竹》,诗中先以“孤竹”结根于泰山之阿起兴,接着以“菟丝(新婚女子的自比)附女萝”来比喻婚后夫妻感情的缠绵,然后是“伤彼蕙兰花(女子自比),含英扬光辉(新婚女子的美丽)。过时而不采,将随秋草萎”,又是比中有比。
(四)语言自然精练、生动含蓄
十九首的语言都是不加雕琢、**道出,“若秀才说家常话”,但却是句*意远、自然过人,所谓深中浅貌、短语情长、耐人咀嚼、禁得回味。如“相去日已远,衣带日已缓”等。而成语典故的信手征引和叠字双关的巧妙运用,更增强了语言的这一特色。成语的运用如《明月皎夜光》一诗,其中的“不念携手好”,用了《诗经·邶风》里的话;再如《东城高且长》中的“晨风怀苦心,蟋蟀伤局促”,其中的“晨风”出自《诗经·齐风》中的《晨风》,“蟋蟀”则见于《诗经·唐风》中的《蟋蟀》。叠字运用方面,以《青青河畔草》最为典型,《迢迢牵牛星》中也有大量的叠字。双关语的运用如《客从远方来》,“著以长相思,缘以结不解”,其中的“长相思”是一种丝棉,用在棉衣里;“缘”是指袖口的装饰,讲的也是夫妻之情。这对十九首语言的.优美和表现力,起到了良好的作用。
总之,古诗十九首,无论是在思想上还是艺术上,在文学史上都有着重要影响。其在思想上的成就在于开了文学向人学转变的先河,是文学自觉的先声;其在艺术上的高度成就,标志着五言诗这种*文学史上极其重要的诗体形式达到了成熟的阶段。刘勰称其为“五言之冠冕”,钟嵘称它为“惊心动魄,一字千金”,这都说明古人对十九首艺术成就的高度评价。
关于古诗十九首
《古诗十九首》,最早见于《文选》,为南朝梁萧统从传世无名氏《古诗》中选录十九首编入,编者把这些作者已经无法考证的五言诗汇集起来,冠以此名,列在“杂诗”类之首,后世遂作为组诗看待。乐府本是汉武帝时开始设立的一个掌管音乐的官署,它除了将文人歌功颂德的诗配乐演唱外,还担负采集民歌的任务。这些乐章、歌词后来统称为“乐府诗”或“乐府”。今存两汉乐府中的民歌仅四十多首,它们多出自于下层人民群众之口,反映了当时某些社会矛盾,有较高的认识价值;同时,其风格直朴率真,不事雕琢,颇具独特的审美意趣。
《古诗十九首》是在汉代民歌基础上发展起来的五言诗,内容多写离愁别恨和彷徨失意,思想消极,情调低沉。但它的艺术成就却很高,长于抒情,善用事物来烘托,寓情于景,情景交融。
《古诗十九首》*惯上以句首标题,依次为:《行行重行行》、《青青河畔草》、《青青陵上柏》、《今日良宴会》、《西北有高楼》、《涉江采芙蓉》、《明月皎夜光》、《冉冉孤生竹》、《庭中有奇树》、《迢迢牵牛星》、《回车驾言迈》、《东城高且长》、《驱车上东门》、《去者日以疏》、《生年不满百》、《凛凛岁云暮》、《孟冬寒气至》、《客从远方来》、《明月何皎皎》。
作者和写作年代
关于《古诗十九首》的作者和时代有多种说法,《昭明文选·杂诗·古诗一十九首》题下注曾释之甚明:“并云古诗,盖不知作者。”曾有说法认为其中有枚乘、傅毅、曹植、王粲等人的创作,例如其中八首《玉台新咏》题为汉枚乘作,后人多疑其不确。今人综合考察《古诗十九首》所表现的情感倾向、所折射的社会生活情状以及它纯熟的艺术技巧,一般认为它并不是一时一人之作,它所产生的年代应当在东汉顺帝末到献帝前,即公元140-190年之间。
价值
《古诗十九首》是乐府古诗文人化的显著标志。汉末文人对个体生存价值的关注,使他们与自己生活的社会环境、自然环境,建立起更为广泛而深刻的情感联系。过去与外在事功相关联的,诸如帝王、诸侯的宗庙祭祀、文治武功、畋猎游乐乃至都城官室等,曾一度霸踞文学的题材领域,现在让位于与诗人的现实生活、精神生活息息相关的进退出处、友谊爱情乃至街衢田畴、物候节气,文学的题材、风格、技巧,因之发生巨大的变化。
《古诗十九首》在五言诗的发展上有重要地位,在*诗史上也有相当重要的意义,它的题材内容和表现手法为后人师法,几至形成模式。它的艺术风格,也影响到后世诗歌的创作与批评。就古代诗歌发展的实际情况而言,刘勰的《文心雕龙》称它为“五言之冠冕”,钟嵘的《诗品》赞颂它“天衣无缝,一字千金”。“千古五言之祖”是并不过分的。诗史上认为《古诗十九首》为五言古诗之权舆的评论例如,明王世贞称“(十九首)谈理不如《三百篇》,而微词婉旨,遂足并驾,是千古五言之祖”。陆时庸则云“(十九首)谓之风余,谓之诗母”。 概括起来,《古诗十九首》在以下四个方面奠定了在我国诗歌史上的地位:
一是它继承了《诗经》以来的优良传统,为建安诗风的出现作了准备。
二是它是汉代诗歌由民间文学过渡到文人创作出并现繁荣局面的一个重要转折点。
三是它将五言抒情古诗发展成为一个独立的体系。
四是它为五言诗的进一步发展奠定了坚实的基础。它的出现,标志着文人五言诗的成熟。它崭新的诗歌形式及圆熟的艺术技巧,为五言诗的发展奠定了牢固的基石,在我国诗歌发展史上产生了深远的影响。
《古诗十九首》的主要内容和艺术特色
古诗十九首主要内容大致反映了汉末的下层士人的生活和思想感情,一类是描写游子思妇的相思离别之情,一类是写追求功名富贵的强烈愿望与仕途失意的苦闷哀愁,其情感一以贯之,即以闺人怨别,游子怀乡,游宦无成,追求享乐的描写,表现出浓重的对人生易逝,节序如流的感伤,这种情绪虽然是消极没落的,但在其特定的历史背景下有着现实的意义,亦是当时政治黑暗的一种反映。
古诗十九首的艺术成就是非常突出的,概言之,一是融情入景,情景交融,借景抒情,如明月皎夜光,诗人有感于深秋季节见物换星移,时序转变而产生朋友相交不终,世态炎凉的感叹,情景交融的艺术手法增强诗歌抒情性,二是通过生活细节抒写作者内心活动,以含有叙述成分的情节突出诗中主人公的形象,如迢迢牵牛星,叙织女的神话故事,表现诗人脉脉不得语的相思之苦,又如西北有高楼,以描写女子高楼抚琴,抒发作者知音难遇的感慨,三是比兴手法的大量运用,其衬映烘托,语短情长,含蓄蕴籍,几乎涵盖了所有十九篇诗章,典型的如涉江采芙蓉,冉冉孤生竹等,四是语言不饰雕琢,浅*自然而又精练丰富,情味隽永
古诗十九首的出现标志着文人五言诗的成熟,它下开建安诗歌,乃至唐诗,对我国诗歌发展产生过重大影响。
附:《古诗十九首》
之一
行行重行行,与君生别离。
相去万余里,各在天一涯。
道路阻且长,会面安可知。
胡马依北风,越鸟巢南枝。
相去日已远,衣带日已缓。
浮云蔽白日,游子不顾返。
思君令人老,岁月忽已晚。
弃捐勿复道,努力加餐饭。
之二
青青河畔草,郁郁园中柳。
盈盈楼上女,皎皎当窗牖。
娥娥红粉妆,纤纤出素手。
昔为娼家女,今为荡子夫。
荡子行不归,空床难独守。
之三
青青陵上柏,磊磊涧中石。
人生天地间,忽如远行客。
斗酒相娱乐,聊厚不为薄。
驱车策驽马,游戏宛与洛。
洛中何郁郁,冠带自相索。
长衢罗夹巷,王侯多第宅。
两宫遥相望,双阙百余尺。
极宴娱心意,戚戚何所迫?
之四
今日良宴会,欢乐难具陈。
弹筝奋逸响,新声妙入神。
令德唱高言,识曲听其真。
齐心同所愿,含意俱未申。
人生寄一世,奄忽若飙尘。
何不策高足,先据要路津。
无为守贫贱,坎轲长苦辛
之五
西北有高楼,上与浮云齐。
交疏结绮窗,阿阁三重阶。
上有弦歌声,音响一何悲!
谁能为此曲,无乃杞梁妻。
清商随风发,中曲正徘徊。
一弹再三叹,慷慨有余哀。
不惜歌者苦,但伤知音稀。
愿为双鸿鹄,奋翅起高飞。
之六
涉江采芙蓉,兰泽多芳草。
采之欲遗谁,所思在远道。
还顾望旧乡,长路漫浩浩。
同心而离居,忧伤以终老。
沙画的特点有什么艺术特征
沙画,即用沙子做画。是一门独特的艺术。它结合现代人的审美观,依托深厚的文化底蕴和文化内涵;采用产自神奇大自然的天然彩沙,经手工精致而成。下面是小编给大家整理的沙画的特点有什么艺术特征,希望能帮到大家!
沙画的特点
沙画易遮掩或抹去,任何含糊、犹豫、呆拙的笔触都会在画面上暴露无遗。所以沙画要求作画者在下笔之前对物象的形态及其特质做深入的观察分析,做到胸有成竹,才能运沙有法、挥洒自如。正因为沙画具有这样一种挑战性,所以要想成为优秀沙画师必须在基础训练阶段多下功夫。
沙画线条清晰、有很强的肌理感和流动性。因而沙画现场表演不是也不可能对物象做一模一样的复制,而是采用概括的手法去粗取精,剔除非本质因素,或者省略色调,简洁、直率地勾画出物体的轮廓关系。如此绘出的物象简洁明了,印象深刻,使沙画具的特长得以充分展示。
写实沙画是素描的表现方式之一。如果说素描是造型艺术创作的基础,沙画则以其独特的肌理特点更显独到。因此,从事诸如美术创作、雕塑、建筑、工业设计、室内设计、商业广告甚至服饰设计等具有造型性质的艺术工作者,对沙画学*的领悟会快一些,并且通过这一过程获得新的启发和灵感,直至最终设计作品的问世。
由此可见,沙画不仅是一种表现艺术,还是其他艺术创作不可或缺的工具。
沙画的代表人物
苏大宝
苏大宝,*沙画创始人,当代最具影响力的沙画艺术家,*沙画的开创者与引领者。2008年北京奥运会、2010年上海世博会、2015年央视春晚沙画特邀表演艺术家。2004年,苏大宝将沙画艺术引入*。通过潜心研究,将*画理念与沙画艺术相结合,首次提出“*沙画”的概念,积极推动了沙画艺术的发展。
苏大宝的艺术之路颇具传奇色彩,为世界500强企业200家以上打造过作品。一捧沙子让他成为国内外众多主流媒体追逐的焦点,被誉为“*沙画第一人”。2009年荣获“*年度艺术人物”“*年度摩登人物”。
在沙画艺术的推广与沙画教育方面,苏大宝同样付出了艰辛的努力,做了大量的实践与总结的工作,是第一位构建了沙画创作理论体系的艺术家, 为沙画艺术的发展作出了重要贡献。在艺术道路上,他孜孜以求,大胆创新,独创彩色沙画,创作了大量优秀的沙画作品。其代表作品:《古韵千秋》、《春晚·丝路》、《One World One Dream》、《梁祝》、《满江红》、《纪念迈克尔杰克逊》、《我心永恒》、《彩云之南》、《*古诗词系列》等。
高赞民
*动态沙画创始人,当代著名沙画表演艺术家和实时漫画家。高赞民老师毕业于中央戏剧学院舞美专业,从事绘画30余年,北京电影学院特聘教师。2008年受邀奥组委参与设计奥运吉祥物,入选“百位奥运人物”。曾先后就职于北京出版社美编,《竞报》特约专栏时评漫画家,其漫画图稿及漫画故事常见诸于报纸和刊物。 高赞民老师是*最早从事动态沙画表演的艺术家,自2004年在CCTV少儿频道录制了*第一个沙画作品《成长》后,便开始致力于动态沙画的全面探索与发展。2008年,赞民老师创立北京赞民沙画艺术中心,学员遍及各地及海内外。其代表作品《奥运圣火》、《迈克尔杰克逊》、《玉树地震》、《春天里》、《不舍情人》、《2012春运回家》、《非诚勿扰》、《母亲节》、《人体沙画》等作品受到了社会各界的高度关注和好评,国内外媒体曾多次对他进行独家专访和报道,他先后在俄罗斯、瑞士、英国、新加坡、日本、中东巴林、*香港、*澳门等国家及地区进行沙画巡回演出,被誉为“*沙画之父”。高赞民老师是亚洲最受瞩目的实力派沙画表演艺术家, 2013年10月,高赞民老师因病溘然逝世,享年43岁。
王楠
王楠,北京人,首都师范大学美术学院美术学专业学士,*人民大学艺术学院动画系硕士,*人民大学艺术学院教师、沙画硕士研究生导师。*沙画教育第一人。当代最具影响力的“沙”实验艺术家,推理“沙之美”概念至今,并潜心研究沙子呈现美的形式二十余种。其中、固态、瓶画、沙动画、行为沙画、实验沙画、3D沙画、尤为突出。作品每年由*邮政出版正式邮票并全国发行。2010年在*普高课程中首次提出并运动沙画教学,并将沙画纳入校本教材,打开了*沙画历史的新篇章。
王楠*最具影响力的沙·实验艺术家,*人民大学艺术学院特聘教师。2010年,首次将沙画带入校园。2016年,在*人民大学开设沙画在职硕士研究生班。国家艺术基金非物质文化遗产课题组成员,*人民大学艺术学院古城堡重构研究课题成员,北京大学附属中学沙画艺术探索研究实验室负责人,北京市九年义务教育教科书示范演讲教师,《沙之美》课题负责人。其沙画作品由*邮政出版*第一枚沙画邮票,并享有“国家名片”荣誉,是*邮政、中集邮、*国际集邮网沙画邮票选集特邀沙画艺术家。
沙画的表演
沙画表演是一门神奇的艺术,一种前卫高雅的艺术表现形式,最早由来自匈牙利的`世界著名沙画大师Ferenc Cako所创造。它是指在白色背景板上现场用沙子作画,并结合音乐通过投影展现在屏幕上。沙画具有的那种独特的表演魅力,能使现场观众进入梦幻般的感觉和前所未有的视觉享受。
沙画艺术是21世纪刚刚兴起的一种与舞台艺术相结合的表演形式,突破传统艺术,创意神奇、画面绝美,配合优美的背景音乐,天衣无缝的表演令人震惊。沙画可以根据各种题材创作,从画面的不断变换到最后公司LOGO或产品形象的演变过程,创意独特,技法熟练、浑然天成,能表现特定主题。
沙画表演是宣传企业形象及展示品牌及产品量身打造的创意性节目。适合文艺晚会、各种酒会、新产品发布会、企业年会、客户答谢会、婚礼宴会、联欢会、庆典晚会、新闻发布会、终端会、开幕式闭幕式、文化节等活动的现场创意节目。
沙画表演是一门神奇的艺术,普通的一捧黄沙,到了沙画大师手里,就变成了金沙。以五彩沙为材料,以手指为画笔,手指、手掌、手臂挥舞时,一幅幅以海渔文化为主题的沙画跃然沙盘之上。金山嘴渔村景区沙画作品及其创作表演将于4月上线,届时将成为景区的一大新亮点。将沙画创作表演引进景区,让游人现场感受沙画艺术的魅力,表演以突出海渔文化为主题,渔民出海捕鱼、滩涂作业的情景栩栩如生地呈现在沙盘上,利用投影设备展现在幕布上,供游客观看欣赏。
沙画表演即是用一个底部白色透明可照亮的灯箱,然后把细小的沙子撒在上面,用手在上面作画,并投影到大屏幕上让人欣赏,还配以美妙动听的音乐。由于作画者的手法和那沙子与底部亮光形成的独特影像,所以有一种奇妙的视觉效果。最特别的是观众可以直睹作画者熟练的构思、灵巧的技法、丰富的色彩、快速多变的画面和连环画式的故事情节的演绎。沙画表演是*年来风靡全球的新型创作形式,它将绘画、音乐结合科技手段,完美的呈现在世人面前。沙画表演是文化与科技发展的产物,它顺应潮流,时尚又具品味,雅俗共赏,为人们的文化生活增添了一抹绚丽的色彩,并以全方位的视听享受,倾倒无数观众。
沙画,即用沙子做画,是一门独特的艺术,具有独特的表演魅力,能给现场观众带来前所未有的视觉享受。3月5日,在牡丹区二十二中学,牡丹晚报记者见到了菏泽沙画第一人王慧欣的沙画表演。
沙画起源于美国西南部印第安部落,用的是细沙与石粉在地上或堆洒成的图画或者图案,是一种极其原始的绘画形式,他们的沙画不是为了审美,而是为了求神或者治病。而在我们藏族,藏传佛教——坛城沙画,则是用沙粒描绘出奇异的佛国世界,藏语中DUL-TSON-KYIL-KHOR,意思是“彩粉之曼陀罗”就是这样来的。僧侣们经过漫长创作后,从成功后的喜悦,到毫不犹豫的毁灭。带出“世间繁华,不过一掬沙,一沙一世界”,这个深奥的佛语。
沙画讲述《敢为人先》,从岳州窑、左宗棠、岳阳楼等人文自然景观融入沙画节目中,使岳阳及湘阴深厚的历史人文,淋漓展现湖湘人敢为人先精神。
屈原的诗歌艺术特征
在*凡的学*、工作、生活中,大家一定都接触过一些使用较为普遍的诗歌吧,诗歌的内容是社会生活的最集中的反映。什么样的诗歌才经典呢?以下是小编为大家整理的屈原的诗歌艺术特征,欢迎阅读,希望大家能够喜欢。
屈原的作品,以纵恣的文笔,表达了强烈而激荡的情感。汉儒曾说,《离骚》与《诗经》中《小雅》同为“忽而不伤”之作,明代诗人袁宏道于《叙小修诗》中驳斥道:《离骚》“忿怼之极”,对“党人”和楚王都“明示唾骂”,“安在所谓怨而不伤者乎?”并指出:“劲质而多怼,峭急而多露”,正是“楚风”的特点。
《离骚》是*古代文学史上第一篇由诗人独立创作的长篇抒情诗。《离骚》杰出的浪漫主义的抒情作品,但也深刻地反映了楚国的现实政治。它汲取了北方文化与文学,尤其是《诗经》的现实主义精神,又在南方巫术宗教的文化精神的孕育下,形成了浪漫主义的创作风格。
《离骚》在诗歌语言和形式上,也有创新和开拓。它汲取了楚歌和先秦散文的营养,打破了《诗经》的四言形式,创造了一种基本整齐,而又参差错落,灵活自由的的语言形式。《离骚》的语言精炼华美,极富表现力,并多用方言、虚词、双声、叠韵等。
不仅如此,屈原赞美自我的人格,是率性任情,真实袒露;咏唱神灵的恋爱,是热情洋溢、淋漓尽致;颂扬烈士的牺牲,是激昂慷慨、悲凉豪壮……较之《诗经》总体上比较克制、显得温和蕴藉的情感表达,屈原的创作在相当程度上显示了情感的**,从而造成了全新的、富于生气和强大感染力的诗歌风格。
由于这种情感表达的需要,屈原不能满足于*实的写作手法,而大量借用楚地的神话材料,用奇丽的幻想,使诗歌的境界大为扩展,显示恢宏瑰丽的特征。这为*古典诗歌的创作,开辟出一条新的道路。后代个性和情感强烈的诗人如李白、李贺等,都从中受到极大的启发。
屈原是一位爱美的诗人。他对各种艺术的美,都不以狭隘的功利观加以否定。《九歌》、《招魂》中,处处渲染音乐歌舞的热烈场面和引发的感动。“羌声色之娱人,观者憺兮忘归”,在屈原笔下,是美好的景象。
屈原诗歌的艺术成就和影响
屈原作品的伟大艺术成就的影响是巨大的。刘勰《文心雕龙·辨骚》说:“故其叙情怨则郁伊而易感,述离居则怆怏而难怀,论山水则循声而得貌,言节候则披文而见时。是以枚、贾追风以人丽,马、杨沿波而得奇。其衣被词人,非一代也。故才高者苑其鸿裁,中巧者猎其艳词,童蒙者拾其香草。”这几句话的大意是说,屈原及其追随者宋玉,他们的作品抒写怨恨感情是能使人压抑而易为感动;叙诉离别就能使人悲哀得难以忍受;在描绘山水时,能使人根据他们有声有色的描绘得到山水的形貌;在叙述季节时,能使人打开他们的文章一看就像见到当时的时令一样。因此,枚乘、贾谊就追随他的文风而写出了华丽而有文采的文章,而司马相如、杨雄沿着他们作品的趋向,就写出了不入常套的作品。屈原和宋玉的作品对后代人所给予的好处是很大的,是不受某一朝代限制的(即很多朝代的人都受到他们的影响)。才高的人就可以从中取得鸿篇巨制的文体;心思巧妙的人就从他们的作品中得到华丽的词句;一般讽读他们作品的人也可以咀嚼、记住他们对山川的形象描写;而学童少年也可以从作品中记住草木的名称。
刘勰的这一说明,无疑是符合事实的。但作为南朝齐梁时人,他看不到屈原对后代的影响远远不止这些。
以今天的眼光来看,屈原在艺术上的最伟大的成就和影响远远地被低估了。首先是他继《诗经》以后,以积极浪漫主义的创作方法,为我国文学开辟了另一影响深远的传统,从而丰富了文学艺术的表现力。《诗经》和屈原作品是我国文学史上最早出现的两个巍然矗立的高峰。但《诗经》更多地是以民歌的风格和现实主义手法成为后人学*的榜样;屈原的作品却更多地是以大胆的幻想和想象,诗人的文采和夸张的手法,即浪漫主义手法“衣被词人”。屈原的楚辞作品出现以后,“风”和“骚”就成为我国古人对诗歌所悬出的两个最高标准。屈原作品作为我国积极浪漫主义的开端,这对我国古代诗歌的发展具有特殊的意义。
其次,在诗歌艺术表现手法上,屈原还发展了《诗经》的比兴手法,对我国诗歌艺术特色的形成作出了贡献。《诗经》中的比兴往往只是一首诗中的片断,大都也比较单纯,用以起兴和比喻的事物还是独立存在的客体。但屈原作品却作了变化和发展。他开始把物与我、情和景开始糅合、交融起来,扩大了诗歌的'境界和表现力。因此,屈原作品中的比和兴,不再是简单的以某物比某物,或触物以起兴,而更多的是把物的某些特质与人的思想情感、人格和理想结合起来,融为一体,使具有象征的意味,使情更有具体的附着和寄托。如屈原作品中,以鲜花香草,表示高洁,用高冠奇服表示超俗;用高丘求女表示追求;这就不是简单的比喻和触物起兴,而是一种象征,一种寄托和寄寓。从形象本身来看,它是虚构,是想象,从所表达的内容、思想情感来看,又完全是现实的。这就开辟了后世的所谓“寄情于物”、“托物以讽”的表现手法,对我国古代文学、特别是诗歌创作有极大的影响。例如张衡的《四愁诗》、曹植的《美女篇》、杜甫的《佳人》等,以及许多咏史、咏怀、感遇的诗篇,都是直接、间接受了屈原这种作风启发的。
楚辞体是由屈原创造出来的一种新的文学样式,但楚辞体这一文体的出现,其在文学史上的意义还不仅在这一文体本身,而在于它为后世我国古典诗歌的主要形式五、七言诗的产生起了重要的作用。我国古典诗歌最先成熟的是以《诗经》为代表的四言体。随着社会生活和语言的发展而逐渐向前演化,最后定型于五言和七言。在从四言诗演化为五七言的过程中,屈原楚辞体诗歌和汉初的乐府诗都起了极其重要的过渡作用。屈原楚辞体诗歌一方面吸收了当时楚地的民歌俗曲的形式,而在语言句式上又是创造性的吸收和融汇战国时代新兴散文语言而产生的成果。因此,它本身虽不定型,但却是一次诗体的大**,是破旧立新,为新的诗歌形式创造了条件。为五七言诗的产生铺*了道路。具体到楚辞作品本身来说,许多词句去掉虚词,或将虚词换成实字,就符合五七言的节奏和句式。最明显的例子便是《招魂》,去掉句末语气助词“些”字,即是七言诗体。
当然啰,我认为楚辞本身就是一种新式的自由诗体,所不同的是它带有楚文化的地域色彩,如它经常使用的语气词“兮”,就相当于今天的“啊”,“呵”等语气助词,这么看来,它的更伟大的意义是开辟了后代诗歌发展的道路,不管是格律诗还是新文学的各种自由体裁的新诗,都能从它那儿找到源头,说它是衣被词人,确实是名不虚传啊。
舞蹈艺术的特征研究
在日常生活中,我们或多或少都有了解过舞蹈知识,下面小编为大家整理了关于舞蹈艺术的特征研究相关内容,欢迎分享,希望对大家有帮助。
舞蹈艺术的特征研究
1、舞蹈艺术的动作性
舞蹈创作严格依据“动作性”这一艺术特性,以人体流动的美的动态为语言来塑造舞蹈形象,表现广阔的社会生活.古今中外优秀的舞蹈作品,无不是由于动作新颖、具有特色、塑造了生动的艺术形象而取得成功的.因此,舞蹈的动作性还表现为舞蹈所独有的造型.这种造型也是以人体动作为基础,表现为舞蹈过程中,舞蹈者手势动作、表情姿态、以及身段呈现出相对静止的状态.这种相对静止的状态体现了舞蹈艺术“形”“神”结合的特征.在舞蹈过程中,舞蹈者动作相对静止,体现的是生活片段刹那间的凝固,深刻体现了舞蹈一种雕塑感,是一种独特的静态的艺术形象,具有良好的艺术表现力,并留个观众以深刻的印象和联想.例如,在很多舞蹈和开场和结束时,都善于运用这种相对静态的造型,创造出独特的艺术空间,并给人以新奇的美的享受和联想.以人体动作为表现手段的舞蹈,还要求全部人体形态动作,按照一定的节奏有规律的连贯地、流畅地发展,这种富有韵律感的动作称为“律动”“.律动”使舞蹈动作与生活动作相区别,也与戏剧动作相区别.律动的基础是节奏,节奏是联系动作的强有力的纽带.如果说动作像一串分散的珠子,那么、通过节奏这条线,把它串联起来,并形成有规律的动作组合.离开了它就不可能产生有韵律感的舞蹈动作.舞蹈艺术动作性特征的灵魂是舞蹈者的表情.假如没有表情融入到舞蹈者的动作之中,即便再完美的动作,也不会具有感染力和生命力.可以说,舞蹈艺术的动作特征是由舞蹈者的内在的情感与外在动作相统一的节奏体现和反映出来的,舞蹈的“律动性”也就体现于此.
2、舞蹈艺术的抒情性
舞蹈的抒情性是舞蹈艺术的重要特征.舞蹈作为人体动作艺术,自古以来是表达人类感情的集中的表现形式之一.古人曾说,“情动于中,而形于言;言之不足,故磋叹之;磋叹之不足,故咏歌之;咏歌之不足,故不知手之舞之足之蹈之也.”实际上,相比诗歌或者音乐抒发人的感情,舞蹈抒发感情的效果要更好.一般情况下人们都*惯用文字和语言来表达感情,只有在这两个方面还不能充分表达感情的情况,才会通过手舞足蹈来抒发感情.我们知道,动作性是舞蹈艺术的首要特征,舞蹈过程中,舞蹈者需要全身心的投入,这需要舞蹈者的每一块肌肉、每一个关节和每一个部位都要积极的参与到舞蹈的动作之中,通过一连串的动作来表达和抒发某种情感.舞蹈抒发感情的过程是以身心相结合的方式进行的,通过动作表达情感,以情感来引起动作.如果舞蹈脱离了抒情性,就不会成其为舞蹈,只是一般的杂耍而已,更称不上艺术了.舞蹈艺术的抒情性有多种表达方式.一是直接抒发.比如,在一些舞蹈作品中,为了塑造一定的人物形象,编排的舞蹈就需要通过动作表达特定的感情,同时感染观众,也使观众身临其境.无论表达喜、怒、哀、还是乐,舞蹈都能够通过人物的情感,舞动其中,将无形的情感变为有形的动作.二是间接抒发.舞蹈作品间接抒发感情,是指舞蹈过程中,舞蹈者通过动作展示的形态类似于动物的情态、植物的特征、或者自然界中某些景物的形态变化等,来间接表达舞蹈编排者想要表达的情感.如,女子群舞《小溪,江河,大海》、《荷花赋》、《金凤回巢》以及独舞《金蛇狂舞》等,就是属于通过河流、荷花、凤凰以及金蛇间接表达情感的作品.这些作品的最大特征,是编排者将要表达的情感融入到外界的景物之中,并形成情景交融、寓情于景的舞蹈节奏与风格,反映需要表达的生活画面.三是叙事与抒情相结合的方式表达突出抒情.本质上,抒情并不排除叙事.这种叙事抒情是通过有情节的舞蹈或舞剧来展现编排者情感的抒情性的表达方式.实际上,抒情和叙事往往更容易结合在一起.尽管与话剧、歌剧、和小说相比,舞蹈的叙事相对并不明确,但是具有叙事内涵的舞蹈,其抒情性更为突出.在舞蹈中,叙事和抒情往往能够更好的相互渗透,糅合在一起.比如,蒙古族大型舞蹈《森吉德玛》就是将叙事与抒情相结合的典范.舞蹈中,通过精细的情节发展,如恋人的钟情、定情、抒情到最后的殉情,来不断的刻画人物心理的复杂的感情,很好的将编排者需要表达的感情表现出来,使观众也为剧情与人物的命运受到感染和牵动.
3、舞蹈艺术的虚拟性
虚拟性也是舞蹈艺术的重要特征.舞蹈作为一种艺术,要想生动的表现和反映出社会生活特殊性,必然要采取虚拟的手法.舞蹈的虚拟可以分为两种类型.一类是对人体日常生活动作进行抽象概括后的拟动作.比如通过舞蹈在舞台上表达的虚敲进门、爬山涉水、骑马行舟,以及割稻洗衣等动作,都是舞蹈虚拟性的重要表现.比如,京剧《打渔杀家》中,虚拟性的动作包括,穿的颠簸、水的流动以及船上的人的动作等都表现出来了;而在舞蹈《木兰归》中,木兰饰者的表演的骑马回家的情景,以及在舞台骑马的动作,观众一眼就可以看出来.这种对生活动作的扮演,并不是一种简单的模仿,而是对日常生活的一种升华,是以日常的生活经验为基础,以深厚的舞蹈功底展现出来的动作.另一类,则是通过对社会和自然事物的动态抽象和模拟呈现出的舞蹈艺术的虚拟性.这种虚拟性特征一般要通过借助想象力,并且运用特定的手法才能达到虚拟的效果.在模拟自然界和社会典型动作中,舞蹈者需要利用需要特定的外形、神态、色彩等属性,通过夸张、浓缩,等手法,表达情感,并借助于观众的想象力得到理解.尽管绝大部分模拟并没有可资借鉴的经验,但是,舞蹈者表达的思想、情感和行为,却通过这些特定的模拟动作间接表现出来.这种模拟形式的“虚拟性”能够真正起到“以假代真”、“以形传神”的艺术效果.比如双人舞《追鱼》,就是舞蹈者通过鱼老人之间的追逐和嘻嘻嘻,表达对生活的热爱和向往.
4、舞蹈艺术的综合性
舞蹈是一种以人体动作为主要表现手段的舞台艺术,它的美蕴藏在动作、音乐、服装、道具、舞美灯光等的整体效果中,因此舞蹈的形象是一种综合性的艺术形象.当代社会,随着舞蹈艺术表现更趋复杂和多样化,以及反映社会生活内容的需要,特别在产生了舞蹈剧、舞剧这些舞蹈体裁后,就使得舞蹈艺术更朝着综合性艺术方向发展.首先,与舞蹈联系最紧密的要数音乐.一定意义上,舞蹈离不开音乐,舞蹈必须在音乐的特定的节奏下才能够更好的展现出来.我国舞蹈家认为,“任何舞蹈在艺术形象上,都必须通过音乐,才能把它的意思完整地表现出来.”他还从实践和理论两个方面对舞蹈和音乐的关系进行了验证.他认为,即便是一个没有任何声音伴奏的舞蹈,但是从舞蹈表现的动作也能使人感受到舞蹈动作体现出的音乐的节奏型.经过某些舞蹈家为了强调舞蹈艺术的独立性,认为舞蹈某些舞蹈可以不需要伴奏音乐.但是,实际上这些所谓的无声伴奏的舞蹈,更多通过手铃、胸铃等饰件获得了音乐的节奏,取代音乐伴奏舞蹈.可以说,有节奏的音响就是特定形式的音乐.因为这些节奏本身就有律动、音高和音色.比如,我国舞蹈家王曼力等编导的舞蹈《无声的歌》,尽管是一个无声的舞蹈作品,但是舞蹈中为了展现革命烈士狱中斗争生活,风声、水声、镣锗声、鞭打声等音响效果来伴奏,也是音乐的重要表现形式.其次,舞台的上的美景布置、灯光、服饰等内容也是舞蹈艺术综合性的重要体现.舞蹈也是舞蹈表演艺术,舞台上的背景、灯光、演员服饰等都是说明时代环境、渲染气氛的重要因素,同时这些因素对于揭示人物的思想和情感具有不可替代的重要作用.其中,舞台美术在舞蹈艺术中成为重要的表现手法之一.比如,大型音乐舞蹈剧《*革命之歌》,就通过巨型花岗石的浮雕“雕塑幕”将观众一开始就带入到艰苦斗争的革命年代,唤起人们对革命先烈的回忆.这种舞台美术不仅增添了剧场的严肃氛围,而起很好的烘托了革命的主题.同时,舞蹈者的服饰也是舞蹈艺术的重要表现形式.舞蹈者的服饰不仅仅表现了舞蹈所表达的时代背景和社会层次,而且特定的服饰与特定定舞蹈是相辅相成.特定的服饰限制人体动作形成了特定的舞蹈风格.最典型的要数傣族姑娘穿的筒裙导致了蹲提步、送胯的舞步;彝族的大提裙,形成了提裙、甩裙的动作.再次,舞台灯光也是舞蹈艺术的重要组成部分.舞蹈灯光具有塑造空间和风格情调,烘托色彩气氛的重要功效.如独舞《敦煌彩塑》,舞台上只用一个二道幕拎起的椎限,在灯光精心的照映下,却成了一个很美的洞窟.随着舞蹈表演.迫光、侧光、流动光在演员身上缓缓变化着各种不同色彩色调,塑造着美的舞蹈形象,给了人很好的艺术享受.舞台灯光在生动的画面上,像一把挥洒自如的画笔,伴随着舞蹈的每一个段落节奏的转折起伏进行冷暖明暗、虚实隐显的展示,不断地创造着舞台构图色彩上奇异的效果和感人的艺术魅力,给人以无尽的遗想.综上所述,“动态性”、“抒情性”、“虚拟性”、“综合性”等是舞蹈艺术的最基本的特征,成为舞蹈所特有的表现手段和方法.当然,在舞蹈欣赏过程中,需要从舞台的整体艺术特征出发,才能从中更深刻的感受和扑捉舞蹈艺术的内在品质,深刻认识舞蹈作品的内涵及其反映的社会生活.
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前言
舞蹈艺术教育与素质教育的发展是密切相关的,艺术教育是我国教育事业的重要组成部分,随着素质教育的推进以及社会发展的需要,舞蹈艺术职业教育逐渐兴起并快速发展,培养优秀的舞蹈专业性人才不仅是舞蹈艺术的发展,更是提高人们文化素质、传承民族文化的精髓。舞蹈艺术职业教育要求根据市场需要,培养适合职业需要的专业性人才,因此,需要不断地对教育模式进行创新,提升学生的艺术品位,提高学生的艺术技能,提升学生的职业素养,这也是职业教育的重要教育目标之一。
一、舞蹈艺术职业教育模式创新的重要性
舞蹈艺术作为一种传统的艺术形式一直受到人们的青睐,无论是民族舞还是现代舞都具有一定的艺术价值,都是社会发展、民族进步过程中逐渐发展起来的,与人们的生活息息相关。[1]不仅体现着人们的思想、文化、情感,也是人们素质提升的重要表现。而随着社会市场经济的不断发展,舞蹈艺术不仅仅作为一种艺术形式存在,更具有一定的职业精神,舞蹈艺术职业教育不断发展,教育模式也在不断地创新、改革。这也是教育发展必然趋势,具有一定的重要性。
(一)有利于更好地传承、发展舞蹈艺术
舞蹈艺术虽然有了一定的发展,但随着社会发展脚步的加快,很多舞蹈形式还保持在原地状态,并没有得到改革和发展,在新的时代背景下,舞蹈艺术职业教育不断创新教育模式,有利于舞蹈艺术吸收新鲜元素,注入新鲜血液,更好地创新发展,增强艺术的生命力,满足人们对艺术的追求,符合人们的审美需要,更有利舞蹈艺术的不断传承。
(二)有利于培养创新型的舞蹈艺术人才
舞蹈艺术的发展归根揭底是靠人才来完成的,教育模式的创新,有利于舞蹈艺术人才不断地开发创新思维,打破常规,根据所学的舞蹈专业知识结合自己的想法进行创新,提高学生的创造力,有利于新型舞蹈形式的出现,更有利于培养舞蹈艺术的创新型人才,从而更好地适应市场需求,不仅能够把舞蹈艺术真正地发扬光大,而且使舞蹈艺术具有特殊的魅力,在社会的发展中更进一步。
(三)有利于素质教育的全面发展
舞蹈艺术教育是素质教育的重要内容之一,创新教育模式,有利于更好推进舞蹈艺术教育,促进素质教育的进步。教育模式的创新,打破了传统单调的教学模式,提高了学生的学*能力,提高了学生的艺术鉴赏能力,提升了学生的艺术品位与艺术追求,舞蹈艺术更具个性,更具魅力,学生的职业素养更强,对社会的艺术贡献越来越大,这也是素质教育最希望看到的。所以说,教育模式的创新对素质教育的发展具有重要意义。
二、舞蹈艺术职业教育思想观念的创新
教育思想观念对教育发展具有重要的指导作用,它是根据教育过程中的各种情况不断总结出来的。因此,教育观念的创新是舞蹈艺术职业教育发展的前提。其思想观念创新主要表现在以下几方面。
(一)确立学生学*舞蹈的主导地位
传统的教育理念往往以教师为主体,教师教,学生学,枯燥乏味,教学效果差。随着素质教育的不断发展,舞蹈艺术职业教育院校要更新思想观念,把学生作为学*的主体,激发学生的学*兴趣,发挥学生的学*主动性,重视学生的心理活动,注重学生的想法,尊重学生的个性,采取适当的、多样的教学方式,运用新型的教育理念,调动学生的'学*积极性,展现舞蹈的艺术魅力,提高学生舞蹈学*能力。
(二)注重学生心理素质、良好性格的培养
以往的教育只注重学生的成绩,以成绩衡量学生的各个方面。对于艺术而言,良好的心理素质、健全的人格往往是最重要的,这也是舞蹈教育成功的重要标志之一,不容忽视。舞蹈艺术成功的关键,有的时候不是基本功有多好,创新性有多强,而是心理素质的高低。[2]在舞蹈的学*与比赛中,往往因为心理素质差,就会出现不同程度的失误,与成功失之交臂。所以说,在舞蹈艺术职业教育中,要转变观念,注重学生心理素质和良好个性的培养。培养学生坚强的个性、开朗活泼的性格、沉着冷静的心理素质,关心学生的心理发展状态,适时进行必要的心理疏导,保证其健康、积极、乐观地学*、发展。这也是舞蹈艺术教育的重要任务。
(三)德育与智育协调发展
要想舞动艺术更好地发展,必须改变重智育轻德育的教育理念。学校要想教会学生舞蹈艺术,首先要教会学生怎样做人,因此,要注重德育教育,这也是素质教育的基本要求。把学生的思想政治教育落到实处。随着社会的发展,对做人的要求也在不断发生变化,所以要根据时代的发展,切实制定出思想品质教育的实际内容,规范学生的行为、道德、品质。特别是职业素养,培养学生的责任心,提高学生的职业操守。使学生在学到专业舞蹈技能的同时,具有较高的道德素养水*,才能够更好走进社会,走进职场,发挥出更大的作用。
三、舞蹈艺术职业教育教学方式的创新
任何一种教育,要想取得良好的教育效果,都离不开好的教学方法的应用。舞蹈艺术职业教育更不例外。传统的教学方式基本是灌输式教育,显然已经不能满足学生的发展需要,也是素质教育不提倡的教学方式,因此,需要不断地创新发展。
(一)实践式教学
舞蹈艺术职业教育具有一定的职业属性,因此,要加强实践,在课堂上要以舞蹈学*项目为主,把舞蹈基础知识融入其中,在具体项目中加强应用,以学生自主学*为主体,教师发挥指导作用。在这种教学模式中,能够充分地调动学生的学*积极性,激发学生的学*热情,能够主动把学到的知识应用到舞蹈学*项目中去,主动思考,解决问题,提高学*能力。学生的舞蹈训练不再枯燥乏味,既能够掌握基础知识,又能够感受舞蹈的魅力,提高表演能力和艺术展现能力。
(二)小组练*、比赛模式
这种教学方式能够有效提高学生的竞争意识与主动学*的热情,在课堂训练与教学中,教师根据学生的学*与学*能力,科学分组,设计同一比赛题目。小组长安排组员表演、训练角色,互帮互助进行练*,如果困难之处向教师请教,教师给予适当指导。在规定的练*时间内完成训练内容,能够使学生的注意力提高,专心训练,主动解决练*中出现的问题,学*效率明显提升。而且学生之间加强交流,取长补短,共同进步,提高了合作、配合能力,这是舞蹈艺术培养的重点内容。最后,汇报表演,客观评价,适当奖励。评价采取学生与教师分别评价的方式,全面、客观。学生在这个过程中,不仅紧张有序地完成了一次训练学*,更能够看到自身的不足与优势,有利于今后更好地学*,真正地提高自己的舞蹈艺术表现与应用能力。
四、舞蹈艺术职业教育教学体制的创新
任何教育的发展都离不开适当的教学体制,特别是*年来,教育体制的不断改革与发展,舞蹈艺术职业教育的教学体制也在不断地创新,以求新的发展。
(一)注重教育的实践性
舞蹈艺术教学本身就具有一定的实践性,作为职业教育内容,更要加强实践性,与社会需要紧密联系,观察社会发展的艺术动向,切实进行实践型人才、职业型人才培养,这样才能够与社会市场经济紧密结合,提高舞蹈艺术教育的水*,增强职业教育学校的竞争能力。
(二)注重艺术创作
舞蹈艺术的职业教育要想发挥其更大的社会价值,获得较高的教育利益,就必须注重自身的艺术特色,在课堂教学实际中注重提升学生的艺术创作能力,艺术最忌讳千篇一律,毫无新意,这样也就失去了艺术的意义与特性。职业教育就要以职业为基础,加强艺术创作的研究性活动,培养出具有艺术生产能力、具有创新精神、具有艺术应用能力的适应社会发展与需要的人才。这样才能够树立自己职业教育品牌,不仅对舞蹈艺术本身的发展具有重要意义,而且能够提升自己的社会主义市场地位。
五、结论
综上所述,为了培养适合社会需要的舞蹈应用型人才,教育模式的不断创新是非常重要的。因此,要采取适当的措施对教育模式进行不断的创新,促进舞蹈艺术职业教育的新发展。
浅谈舞蹈艺术的个性
个性是一个舞蹈家的基本追求,也是衡量艺术水*的标准之一。舞蹈创作一定要经过编导者对材料的消化处理,而不是照搬原有材料,只有这样,个性化的舞蹈语言才会形成。面对风格迥异的舞蹈素材,编导如何进行取舍、剪裁、重组、编织?个性篇从民族民间舞蹈的创作基础、创作要素、创作原则、个案分析等方面一一展开,体现了作者从事舞蹈编导教学多年来对这一问题的思考。
禁忌篇阐述了舞蹈应如何尊重民族风俗*惯。民族民间舞蹈与民俗文化有着千丝万缕的联系,编创过程中会受到多方面的限制,存在诸多禁忌。有约束才有创造,有限制才有突破,尊重文化禁忌的民族民间舞蹈编创也才能得到真正的认同。
风格篇是以山东海阳秧歌为研究个案,以“动态切入”为研究方法,然后再借鉴民族学、人类学等实地考察的方法探究解析。作者分析了海阳秧歌舞蹈风格的形成,反映了山东地域的历史文化流变,显示了民族文化的恢宏气度和深邃底蕴。
民族民间舞蹈是民间集体创作的艺术,有很强的共性,但不同地域的民间舞在风格节奏和*惯动作上又有极大差异。艺术源于生活,源于编舞者独特的生活阅历以及对生活的独特感悟,积极主动地深入生活,对编舞者来说是非常必要的。
舞蹈艺术是在生活的积累中提炼和丰富起来的,是能够展现丰富内涵和永恒瞬间的产物,它要求作品同时具备形式美和内在美,能够以微见著、醒世悦人、继往开来。民族民间舞蹈创作必须由编舞者亲临现场,面对所选对象进行选择与判断,完成处理舞蹈本体与舞蹈风格的关系、选择合适的提取角度重新编排组合、调整节奏与舞姿造型、判断最佳舞动瞬间等一系列动作造型任务。如何把丰富的实践总结提升为较为系统的理论,来指导课堂教学与丰富舞台创作,是本书的现实意义之一。
一个民族的舞蹈能够在历史的长河中得以传承和发扬,其中的奥妙,就在于它所承载的民族意识和民族精神。舞蹈编导者只有对民族文化不断挖掘,才能产生巨大的创造力;只有传承和发展民族文化,才能使作品具有灵魂。对于民族民间舞蹈的探索研究,也是在丰富我们对传统民间文化的研究,它能给其他艺术研究带来一定的参考。
工笔画的特点艺术特征
工笔画亦称“细笔画”。属*画技法类别的一种,与“写意画”对称。工笔画属于工整细致一类画法,如宋代的院体画,明代仇英的人物画等。下面是百分网小编给大家整理的工笔画的特点,希望能帮到大家。
工笔画的特点
工笔画在长期的历史发展中建立了一套严整的技法体系,从而形成这一画体的独特风格面貌,其特点归纳如下:
以线造型是*画技法的特点,也是工笔画的基础和骨干。工笔画对线的要求是工整、细腻、严谨,一般用中锋笔较多。
以固有色为主,一般设色艳丽、沉着、明快、高雅,有统一的色调,具有浓郁的*民族色彩审美意趣。
工笔画的特点具体分析
一、美学意境
1、有气韵则有生动:“气韵生动”是指绘画的内在神气和韵味,达到一种鲜活的生命之洋溢的状态,可以说“气韵生动”是“六法”的灵魂。以生动的“气韵”来表现人物内在的生命和精神,表现物态的内涵和神韵,一直是*画创作、批评和鉴赏所遵循的总圭臬。“气韵生动”是个完整的提法,体现了创作最高的审美要求而一直被沿用至今。
2、 因心而造境:山川草木,造化自然,此实境也。因心造境,以手运心,此虚境业,虚而为实,是在笔墨有无间。“因心而造境”是*画独特的艺术特征之一。他指的是画面意境而不是自然的、真实的生活图景,是作画者按自己的理想所虚拟出来的虚幻飘渺的艺术境界,这个图景是现实生活中所没有或少有的,是作画者“心造”之境。
3、 无画处皆成妙境:这是*画处理意境的一个重要手段,它是通过大面积的空白来衬托画面主体,使主体更为突出,后面的空白处,给人以丰富的想象余地,使人回味无穷。大部分的空白可以使我们想象许多意境,画中虽未画出,但我们可以发挥我们的想象,思绪任意驰骋。
4、 以诗入画与画中有诗:“画中有诗”不是仅仅指画面上的题诗,还指画中隐含着的诗意,补画笔所未到,启动画者之联想,使诗意与画意相得益彰。诗情画意,交相辉映,情景相生,得意于画外。
二、线的特点
1、书法用笔:*工笔画的用笔与书法同法,也有起笔、行笔、收笔三个过程,起笔与收笔是勾线过程中的两个关键部分,起笔收笔的质量直接影响线条本身的质量及行笔的过程。起笔、收笔是否到位,关系到线条的力度、弹性。看作画者的基本功是否扎实的一个重要方面,就是看用笔是否到位,及起笔、收笔的虚实关系和它的方向性。
2、以线造型:线是*工笔画最基本的表现语言。客观世界中并没有单纯的线,线是人主观提炼出来的。以线造型,可以说是人类对物象的本能提炼,是中西方共同的表现手段,从*原始社会岩画中的形象与西方原始壁画中的形象中可以看到,都是用线来表现的。*工笔画除了以线造型之外,还可以通过各种变化(用笔力度的轻、重、提、按、运笔速度的快、慢、顿、挫,运笔方向的反、正、转、折,行笔方法的中锋、侧锋、逆锋、散锋、勾、擦等)表现出对象的'质感、量感、空间感、动态感,从而使线本身具有独特的审美价值,*毛笔的特殊性能,也为用线提供了十分有利的条件。
三、形式特点
1、夸张变形:*工笔画与自然物象在造型和色彩上都有一定的差距为了能很好的地表现对象的神情,把对象独具特色的特征扩大,装张的有些是形,有些是色彩,有些是意境。但夸张是符合“常理”的基础之上的夸张。
2、概括提炼:*工笔画的观察方法,是感性的观察方法,不强调光线,甚至可以摆脱明暗、光线、时间、环境等具体条件的局限,从而可以发挥最大的主观能动性,对对象进行大胆地概括提炼,有时候为了画面的需要,改变其生活中的自然形态,使生活的真实上升为艺术的真实、甚至为了抓住对象的结构或神情,概括地用一根变化的线条就表现相互来了。往往以最少的笔墨表现最丰富的内容。
3、对比强烈:*工笔画运用了墨这种特殊的材料在白纸上作画,黑白对比强烈,给人以强烈的视觉冲击。
4、装饰性强:装饰性强是*工笔画的明显特征。这种装饰是建立在现实的基础之上、生活的基础之上的,具有艺术性,是高于生活的。画面在处理的时候,不像西洋画那样注重光感,注重立体感,不太考虑空间的透视关系,采用的是散点透视,对物象进行高度概括、简化、提炼,并用单纯的色彩来表现对象,使画面具有*面装饰的趣味。
四、色彩特点
1、主观色彩:*工笔画的色彩运用有着独特的规律与方法,有别于西方绘画的色彩规律,工笔画的色彩运用是主观的、感性的。*工笔画的设色排除了自然光源的约束,一般强调的是物象的固有色,根据主题需要甚至还可以改变物象的固有色彩,用另外一种颜色来代替。它虽然不写实,不符合客观现象的规律,却在设色中抒发了情思、意境。
2、感情色彩:*工笔画的用色带有强烈的感情色彩。当然,色彩本身就带有强烈的感情因素,如红色代表热烈、喜庆;蓝色代表安静、清幽;黄色代表富贵等等。
那么,在*工笔画中为了表达某种思想感情,把物象的固有颜色改变,以适应感情的需要,借色抒情,以意赋色,使丽面产生韵律、均衡、舒适、和谐的美感。
3、单纯简洁:在*工笔画着色的方法中,将颜色大面积*铺在画面上的*涂法用得较多这种方法可使画面效果直接而强烈,一目了然。画中颜色用得不是太多,但整个感觉高雅而庄重。
4、雄浑厚重:传统工笔重彩画中,用色较纯净,多是用各色相的纯色,较少用复色,使画面显出艳丽富贵的效果。
五、造型特点
1、以形写神:东晋·顾恺之《魏晋胜流画赞》云:“人有长短、今既定远*以瞩其对,则不可改易阔促,错置高下也。凡生人亡(无)有手揖眼视而前亡所对者,以形写神而空其实对,荃生之用乖,传神之失矣。空其实对则大失,对而不正则小失,不可不不察也。一象之明昧,不若悟对之通神也。”顾氏“以形写神”这一著名论点,指名画家在反映客观现实时,不仅应追求外在形象的逼真,还应追求内在的精神本质的酷似。他认为神应以形为依据,如果仅仅形似,而不能反映出绘画对象的特有神气,都不算成功。对于人物的描绘,他十分注意刻划人物的内心活动与表情动态的一致性与复杂性。相传他画人物,有时数年不点晴,人问其故,答曰:“四体妍,本无关于妙处,传神写照,正在阿堵之中。”因为“征神见貌,情于目”。
2、传统*工笔画的造型具有阶级性:*工笔画作为*具有民族特性的绘画,每一个时期都带有时代的烙印。传统工笔人物画的造型,画中的人物大小,遵从“主大于仆,君大于臣”的观念。人物大小有明显的区别。
3、*工笔画的造型带有主观意愿:*工笔画造型带有主观的意愿,主要体现在工笔人物画中,在唐代以前,画家为了形象的肖似,尽力在追求形的准确性。当形似达到了一定的程度,画家又在追求另外一种风格。
工笔画技法
白描:以线为表现手段的画法,依靠线本身的刚柔,粗细、巧拙,方圆,疏密等变化来表现各种物象。同时线条本身也具有一定的抽象审美效果。白描就整个*画来讲也是一门独立的艺术,作为工笔白描,一般线形变化不大,细而均匀,为敷色留有余地。
皴擦:绘画里常遇到土、石、树桩等物类,用笔中常以皴增强质地和厚重感,亦是线的补充,较讲究用笔。 一般要求自然而顺势,不故作姿态。擦,更加隐笔。一般只是丰富皴的技法,有时亦起修改皴的败笔的作用。
染法:有许多种,一般有*涂、分染、罩染等,*涂多在做色底及画面局部*涂颜色时用,不宜见笔痕,分染是分出物体结构的染法,有高染与低染两种,染在物中间凸起部位并造成一点立体意味的是高染,罩染是在已分染过色墨的部分罩上某种颜色,这样能产生厚重而沉着的色彩变化,烘托一般是在物之外烘染出一部分色墨,以便加强主物的塑造,实际上有染扩大的意味,月云雪边多用。
点:在绘画中点的用途极广,视所打处可为花草野卉、可为苔点、也可不计何物仅为画面的装饰用。点是小点,是扩大了的点,斯法在画作中常用。用点时一般求用笔的一致统一。
撞水撞粉:些画法灵活多变,有色粉相撞法,亦有色粉水撞法,也有互用者。一般是以含水量大的笔画出对象的形结构再以色墨粉相撞生趣,因水化不溶而发生变化,活泼生动。
褪色法:以层层积色方式,一层层上色时退出一部分,设色越多层次越多,画花鸟及草类杂物中常用。
分染:除单独使用,还常用于为罩染打底色,为*涂开醒。方法是用两支笔,一支蘸色,一支蘸清水,先用色笔从最深部位开始染起,接着用水笔轻刷使颜色逐步向外晕开,使其越越淡,不留痕迹。
罩染:罩染时,不能急于求成,要薄薄地罩,一遍不足,可以再罩,笔上含色要饱,用笔直要轻,不可来回涂抹,以免把底色搅起。
统染:笔上含色要饱,用笔要轻,防止把分染的效果破坏掉。
碰染:有两种不同颜色,从叶子或是花瓣的两端同时染色,然后在叶或花瓣中间碰到一起,使其自然衔接,形成统一整体的方法。
接染:用一种颜色趁湿接着染另一种颜色,使颜色相互渗接在一起的方法。这种方法合适在同一体面中包括几种不同颜色的情况,其特点是既省力,效果也活,有一种流动感。
*涂:涂时颜色要薄、水分要适度,要一笔接一笔顺涂,不要来回涂抹。*涂的方法,除单独使用外,还用于打底色,衬托、罩染等方面。
烘染:为了突出某些主题或表现一些特定的环境,气氛而在物象周围进行大面积的渲染的方法。
皴染、擦染:就是见笔的一种染法。多用来染石头、树干。
反衬:在渲染过程中用颜色从纸或绢的背后衬上颜色,使正面的颜色更加深厚明艳。
水注色法:多用于石头和树干。先用墨染出石头或树干的轮廓(墨色要有浓淡变化),可以把水分用得足足的,要水墨汪汪,趁墨迹未干时,注入清水或重墨,把*板的颜色冲开,产生丰富的变化。
点蕊:点花蕊在画花中是很重要的。点蕊时用尖笔蘸上饱满的颜色,在尖上一滴滴点下去,点成一个圆珠,干后,要圆、凸、大小均匀,中间陷下一个小坑为最好。
帛画的特点有什么艺术特征
在日常生活中,我们或多或少都会接触过关于帛画的相关知识,下面小编为大家整理了关于帛画的特点有什么艺术特征,欢迎分享,希望对大家有帮助。
帛画的特点
作为独立意义的*绘画作品,我们现在能够见到最早的实物,要称1949年在湖南长沙陈家大山战国楚墓出土的《人物龙凤帛画》,和1973年在长沙子弹库战国楚墓出土的《人物御龙帛画》。这两件帛画距今约二千三百多年,可谓*卷轴画的宗祖了。
《人物龙凤帛画》主要用线条描绘,造型简练明快,人物的嘴唇上点有红色,虽然线条显出早期绘画的稚拙,但从中可以看到*传统绘画的独特风格——以线造型,在战国时代就已形成,在用笔和设色上已经积累了相当的经验。但这幅画对人物面部刻划还比较粗略,并带有一些装饰意味,显出早期绘画的稚气。
《人物御龙帛画》较前幅略晚,约相当于战国中晚期之交。其主题思想较前者明确,艺术表现技巧有较大的提高,人物神情刻划生动,线条匀细而挺劲,流利飞舞,较之前者丰富而有韵律感。设色也复杂起来了,在单线勾勒后,*涂与渲染并用,其中一些地方还加用了金、白粉,它也是迄今发现用这种画法作画的一件最早的作品。可以说,我国工笔重彩画在两千多年前已形成雏形,从中,可以看到当时绘画所达到的'相当高超的水*,它为*绘画艺术的发展奠定了基础。
尚还存世帛画
《楚帛书图像》
1942年出土于湖南长沙,四周绘12个神像,四角各绘一植物,以墨线勾轮廓,施以青、棕、朱、白、黑等色,中间为大段的墨书文字。内容为天象与人间灾祸的关系,四时和昼夜形成的神话等。
《人物龙凤》
1949年出土于长沙陈家大山战国楚墓,绘一身着宽袖长袍侧身左向而立的妇女,双手合什,袍裙曳地。其头部上方有引颈张喙的凤鸟,作展翅腾飞状;另有一龙张举双足,躯体扭曲,呈向上升腾之状,主题为引魂升天。即凤夔美人(战国中期晚段)《凤夔美人》帛画,画上有一个们面姿态优美的妇女,两手前伸,合掌施礼。她的头上左前面还画了一凤一夔相搏。据郭沫若解释,概括起来是(1)画中凤与夔,毫无疑问是在斗争。(2)是善灵战胜了恶灵,生命战胜了死亡,和*成胜了灾难,是对生命胜利的歌颂,是对和*胜利的歌颂。(3)画的意义是一位善良的女子,在幻想中祝祷,经过斗争而得到胜利。(4)画的构思把幻想与现实巧妙的交织在一起,表现了战国的时代精神。夔形特征,已不再似商周时代那种让人敬畏神气十足的样子,表现了人们对它的蔑视
《人物御龙》
1973年出土于长沙子弹库战国楚墓,绘一男子侧身左向,执缰乘风驾龙舟,男子戴高冠,着长袍,佩长剑,意态轩昂,舟上有华盖,舟下有游鱼,舟尾立一鹤,线条飘逸,富有运动感,画中略作晕染,技法较前有所进步,主题为引魂升天。
《人物御龙》帛画,画的正中是一位有胡须的男子,侧身直立,手执缰绳,驾驭一条巨龙。龙头高昂,龙尾上翘,龙身*伏,略似船形。在龙尾上站着一只鹤,圆目长啄,昂首仰天。人头上方为舆盖,三条飘带随风拂动。画幅左下角为鲤鱼。所有物件,拂动方向由左向右,均趋一致,显示了进行的雄姿。人物形象和屈原诗中“高余冠之芨芨兮,长余佩之陆离”的描写,可以互相印证。画法用流畅的单线条勾勒为主,以*涂和渲染的色彩为辅,全画中偶用金白粉色点缀。国画画法以线条为主,其源很古,其根很深。
《马王堆汉墓帛画》
1972~1974年出土于长沙马王堆西汉墓,共五幅,一为T字形,帛画分三段分别描绘了天上、人间和地下的不同景象。主题仍为引魂升天。内容丰富,构图繁复而不紊乱、迫塞。线条流畅,色彩富丽,为汉代绘画之精品。另一帛画与此幅尺寸、形制、内容几乎相同。第三幅帛画长、宽94厘米,绘场面盛大的车马仪仗景象,画中人物有200余人,马百余匹。第四幅已破损严重,难窥全貌。第五幅帛画绘40余人作各种健身运动,如屈体、伸肢、跳跃、回旋,姿态各异,形象生动,被定名为《导引图》。
《金雀山汉墓画》
1976年出土于山东临沂金雀山,自下而上绘有8组景物,表现天上、人间和地下的景象,主题为引魂升天,但较注重描绘墓主生前的生活,部分画面富有生活情趣。
帛画的简介
帛画是指*传统绢本画以前的以白色丝帛为材料的绘画。它不同于绢画或其他织物画,采用百分之百头道桑蚕丝,不浆、不矾、不托,运用工笔重彩的技法绘制而成。帛画的色彩用的是朱砂、石青、石绿等矿物颜料,丰富而鲜艳,如马王堆一号汉墓帛画;也有用用墨兼用白粉绘制的,如人物龙凤帛画。其描绘的是天象、神祗、图腾和人物,以表现茫茫天国中神人共处的神话世界。
青瓷的特点有哪些艺术特征
青瓷是*陶瓷烧制工艺的珍品,作为一种表面施有青色釉的瓷器。青瓷色调的形成,主要是胎釉中含有一定量的氧化铁,在还原焰气氛中焙烧所致。下面是小编给大家整理的青瓷的特点,希望能帮到大家!
青瓷的特点
青瓷是表面施有青色釉的瓷器。青瓷色调的形成,主要是胎釉中含有一定量的氧化铁,在还原焰气氛中焙烧所致。但有些青瓷因含铁不纯,还原气氛不充足,色调便呈现黄色或黄褐色。
青瓷以瓷质细腻,线条明快流畅、造型端庄浑朴、色泽纯洁而斑斓著称于世。
在坯体上施以青釉(以铁为着色剂的青绿色釉),在还原焰中烧制而成。我国历代所称的缥瓷、千峰翠色、艾色、翠青、粉青等瓷,都是指这种瓷器。唐代越窑、宋代龙泉窑、官窑、汝窑、耀州窑等,都属于青瓷系统。青瓷以瓷质细腻,线条明快流畅、造型端庄浑朴、色泽纯洁而斑斓著称于世。“青如玉,明如镜,声如磬”的“瓷器之花”不愧为瓷中之宝,珍奇名贵。
青瓷色调的形成,主要是胎釉中含有一定量的氧化铁,在还原焰气氛中焙烧所致。但有些青瓷因含铁不纯,还原气氛不充足,色调便呈现黄色或黄褐色。我国历代被称为缥瓷、千峰翠色、艾青、翠青、粉青等都是指青瓷而言。唐代的越窑、宋代的龙泉窑、官窑、汝窑、耀州窑都属青瓷窑系。早在商周时期就出现了原始青瓷。目前在河南郑州、安阳、洛阳、巩县、偃师,河北藁城、北京,陕西西安,山东益都,安徽屯溪,江苏南京、丹徒等地商周遗址和墓葬中,先后出土了许多原始青瓷及残片,主要器形有尊、碗、盘、瓶、瓮、罐、豆等。经科学测定,它们已基本上具备了瓷器的特征,但与后来成熟阶段的青瓷比较,还带有原始性,如气孔较大,胎料中杂质较多,釉色还不够稳定,故称为原始青瓷。青瓷历经春秋战国时期的发展,到东汉有了重大突破。在浙江、江苏、江西、安徽、湖北、河南、甘肃等地东汉墓葬和遗址中,都出土了东汉的青瓷器。仅在浙江上虞县就发现了四处东汉瓷窑窑址,对其中小仙坛窑址做了发掘,并对其典型瓷片做了科学测定,结果表明,含铁量比原始青瓷少,胎体呈灰白色,胎质烧结,吸水最低的一片仅有0.16%,烧成温度为1310℃,采用龙窑焙烧,显微镜结构与*代瓷器基本相同,透明度也达到较高水*。说明东汉时期青瓷烧造技术已达到成熟阶段。因浙江上虞县一带曾是古越人的故乡,战国时属越国管辖,唐朝时称越州,所以这一带的瓷窑统称越窑。到三国两晋南北朝时期,南北各地烧制青瓷更为普遍,瓷窑增加,种类繁多,质量进一步提高,南方和北方所烧青瓷各具特色。南方青瓷,一般胎质坚硬细腻,呈淡灰色,釉色晶莹纯净,常用类冰似玉来形容。北方青瓷胎体厚重,玻璃质感强,流动性大,釉面有细密的开片,釉色青中泛黄。河北景县北齐封氏墓出土的青瓷莲花尊,造型非常漂亮,堪称北方青瓷的代表作。
青瓷以瓷质细腻,线条明快流畅、造型端庄浑朴、色泽纯洁而斑斓著称于世。唐代诗人用千峰翠色来赞美青瓷,巧剜明月染春水,轻旋薄冰盛绿云。也有宋代人描述,凡做出芙蓉样的瓷器,买卖客人皆富贵。
青瓷的简介
青瓷是*著名传统瓷器的一种。在坯体上施以青釉(以铁为着色剂的青绿色釉),在还原焰中烧制而成。我国历代所称的缥瓷、千峰翠色、艾色、翠青、粉青等瓷,都是指这种瓷器。唐代越窑、宋代官窑、汝窑、龙泉窑、耀州窑等,都属于青瓷系统。
“青瓷”一名最早见于《百宝总珍集》(南宋无名氏撰),书中专有青瓷一项,其中说汝窑“出北地新窑,修内司*者”为北宋官窑器,旧窑应即柴窑,柴窑青瓷器南宋时几乎不复存在。言“汝窑土脉滋媚”、“有鸡爪纹者认真”,为宋代青瓷特征。
青瓷以瓷质细腻,线条明快流畅、造型端庄浑朴、色泽纯洁而斑斓著称于世。“青如玉,明如镜,声如磬”的“瓷器之花”不愧为瓷中之宝,珍奇名贵!
青瓷色调的形成,主要是胎釉中含有一定量的氧化铁,在还原焰气氛中焙烧所致。但有些青瓷因含铁不纯,还原气氛不充足,色调便呈现黄色或黄褐色。我国历代被称为缥瓷、千峰翠色、艾青、翠青、粉青等都是指青瓷而言。唐代制瓷业已经成为独立的部门,唐代诗人陆龟蒙以“九秋风露越窑开,夺得千峰翠色来”的名句赞美青瓷。除了越窑外的.青瓷享有盛名外,刑窑中的白瓷制作精美,据说“天下无贵贱通行之”,宋代的官窑、汝窑、龙泉窑、耀州窑都属青瓷窑系。
龙泉青瓷的简介
龙泉青瓷产品有两种:一种是白胎和朱砂胎青瓷,著称“弟窑”或“龙泉窑”。另一种是釉面开片的黑胎青瓷,称“哥窑”。“弟窑”青瓷釉层丰润,釉色青碧,光泽柔和,晶莹滋润,胜似翡翠。有梅子青、粉青、月白、豆青、淡兰、灰黄等不同釉色。“哥窑”青瓷以瑰丽、古仆的纹片为装饰手段,如冰裂纹、蟹爪纹、牛毛纹、流水纹、鱼子纹、膳血纹、百圾碎等加之其釉层饱满、莹洁,素有“紫口铁足”之称,与釉面纹片相映,更显古仆、典雅,湛称瓷中珍品。
现代的龙泉青瓷忠实地继承了*传统的艺术风格,在继承和仿古的基础上,更有新的突破,研究成功紫铜色釉、高温黑色釉、虎斑色釉、赫色釉、茶叶未色釉、乌金釉和天青釉等。工艺美术设计装饰上,有“青瓷薄胎”、“青瓷玲珑”、“青瓷釉下彩”、“象形开片”、“文武开片”、“青白结合”、“哥弟窑结合”等。
龙泉青瓷蜚声海内外,不愧为传统艺术百花园中的一朵奇葩。是*瓷器史上一颗灿烁的“瓷国明珠”。
发端于龙泉南区大窑、金村、黄石玄一带的青瓷窑,历宋、元、明,已遍及龙泉境内沿溪各地及庆元、云和、丽水、遂昌、缙云、永嘉及至福建浦城等县(市)部分地方,形成了历史上罕见的庞大瓷窑体系。而这个窑系发端于龙泉,窑场密集于龙泉,生产工艺及产品风格均与龙泉“弟窑”产品一致,因此统称为“龙泉窑”。现已发现这个窑系的窑址400余处,在龙泉境内有300多处,仅大窑村就发现历代窑址50多处。
龙泉县南七十里曰琉华山……山下琉田,居民多以陶为业。相传旧有章生一、生二兄弟,二人未详何时人,主琉田窑造青瓷,粹美冠绝当世,兄曰哥窑,弟曰生二窑……。《七修类稿续编》:“哥窑与龙泉窑皆出处州龙泉县。南宋时,有章生一、生二兄弟各主一窑。生一所陶者为哥窑,以兄故也;生二所陶者为龙泉,以地名也。其色皆青,浓淡不一;其足皆铁色,亦浓淡不一。旧闻紫足,今少见焉。惟土脉细薄、釉色纯粹者最贵。哥窑则多断纹,号曰百圾碎。”光绪《龙泉县志》生二章青器条载:“凡瓷器之出于生二窑者,极其精莹、纯粹、无瑕,如美玉然。今人家鲜存者,或一瓶一钵,动博数十金。厥兄名章生一,所主之窑,其器皆浅白断纹,号百圾碎亦冠色当前世,今人家藏者尤为难者。世人称兄之器曰哥哥窑,称其弟之器曰生二章云。”《稗史类编》、《南窑笔记》、《遵生八笺》、《陶说》、《景德镇陶录》、《燕闲清赏》、《博物要览》等书不仅有哥、弟窑详实记载,且说:“官窑品格,大率与哥窑相同。”朱伯谦著《龙泉青瓷简史》称:“证之以实物,南宋官窑和龙泉黑胎青瓷确有许多共同点,特别是那种粉青釉瓷器,真是形神相似,难分‘官’、‘哥’”。
通过古窑址发掘,确证文献所载,龙泉境内窑址中不仅有“哥窑”产品存在,而且可分二路:一是如文献所描述“胎薄如纸,釉厚如玉,釉面布满纹片,紫口铁足,胎色灰黑”;一是胎厚釉薄,釉面布满纹片,胎色黑。前者多出于县南区,为南宋中期至元初产品,与南宋“官窑”难分彼此;后者多出于县东北,多为元代产品。龙泉窑系其他县份的窑址中不存在“哥窑”产品。此外,还有所谓“传世哥窑”器,虽有纹片,但釉色呈米黄色或蟹壳青,与龙泉“哥窑”釉色碧青或淡青不同,胎骨较厚,呈米黄或赭红色。此非龙泉产品。
“弟窑”又称“龙泉窑”。其基本特征是:釉面无纹片,胎白或底足呈朱红,釉色青润如玉,在器物边缘或有棱线部位影露白痕(称“出筋”)。釉色以梅子青和粉青为极品。梅子正青,色如挂枝初梅,青翠碧绿,莹澈剔透;粉青,色似淡青湖水,柔和明净。
汝瓷的特点主要的艺术特征是什么
汝瓷是我国宋代“汝、钧、官、哥、定”五大名瓷之一,因产于汝州而得名,在*陶瓷史上素有“汝窑为魁”之称。下面是百分网小编给大家整理的汝瓷的特点,希望能帮到大家!
汝瓷的特点
汝窑瓷器最主要的几个特点即:香灰色胎、淡天青色釉、芝麻支钉釉满足、开片如蝉翼。
香灰色胎:指汝窑瓷器的胎色就像我们家里烧香时落下的香灰的颜色。
淡天青色釉:这种淡天青色釉非常难得,窑内的位置、温度和气氛都会影响最终的釉色。虽然有一个标准,都想烧成那样完美的釉色,但事实上却不可能。烧窑太复杂,不同的窑位,温度、气氛不一样,瓷器烧成后的釉色就会有变化。比如说,有的器物的盖和器身分开烧成,二者釉色就明显不一样。
芝麻支钉釉满足:除了瓶、盏托等少数器类采用垫饼垫烧致使圈足底下无釉外,绝大部分器物采用的是“裹足支烧”,即器物底部满釉,这样就不可能用垫饼来垫了,否则,烧成后器物跟垫饼粘在一起就拿不下来了。因此,就采用小支钉支在底下的方式。支钉分两种:一种是环形,上面带支钉;另一种是饼形,上面带支钉。支钉一般是三个或者是五个。烧完以后把支钉敲掉,就留下细小钉痕。支钉痕像芝麻粒大小、芝麻粒形状,绝大部分都不是很圆,所以叫“芝麻支钉”。
汝窑瓷器釉面普遍有开片,片纹不一,最漂亮就是那种一层一层鳞状的斜茬开片。汝瓷釉面开片的声音非常好听,出窑的汝窑瓷器,开片声像风铃一样清脆。而且随着时间的推移,开片会不断出现,刚出窑时开的最厉害,因为窑内的温度较高,出窑后遇到常温,温差比较大。之后,瓷器在流传过程中,遇到冷暖变化时,釉面仍会不断开裂,只不过开得没这么厉害了,如果环境特别安静,没有杂音,偶尔会听到“呲儿”一声,那就是瓷器釉面的开裂声。瓷釉开片都是随机的,自然的,人很难干预控制,所以叫“自然天成”。
“火照”,测窑内温度的工具。烧窑之前,用胎泥做一些泥片,并排插在座上,上半截挂上釉,下半截不挂釉,胎和釉都跟烧制的瓷器一样。烧窑时一起放到窑里,烧到一定程度,用铁钩子钩出一个来看,看釉色是不是达到了要求。火候不够就继续烧。烧一段时间,再钩出一个来看。如果看到“火照”的釉色达到了要求,说明火候已到,就可以慢慢歇火了。
汝窑瓷器的烧成温度在1200℃左右,属于半生烧,当时完全可以把温度烧得更高,使之达到正烧。为什么不这样做呢?因为只有将窑温控制在1200℃左右,才能烧出这种“淡天青”釉色。这个“1200℃”是我们今天测试所得,当时人们不知道这个最恰当的温度是多少,只是通过观察“火照”来判断是否已到火候。试验表明,如果温度再高的`话,釉就变成青绿色了,必须在这个温度才能烧出这种颜色。所以汝窑是一种“半生烧”。如果达到“正烧”,瓷化是更好,但釉色就变了。因此,汝瓷的微妙就在这里。如果用手指轻轻叩击一件汝瓷,你会发现听到的不是“当当”的声因,而是一种发闷的声音。
汝瓷的简介
汝瓷,因产于汝州市故得名汝瓷,为国家地理标志保护产品。汝瓷创烧于北宋晚期,为宫廷御用瓷器。金灭北宋后,汝瓷也随之消亡。其开窑时间前后只有二十年,由于烧造时间短暂,传世亦不多,在南宋时,汝瓷已经非常稀有。
现今存世的汝瓷,一般认为有65件,其中台北故宫博物院23件,北京故宫博物院17件,上海博物馆8件,英国戴维基金会(Percival David Foundation of Chinese Art)7件,其他散藏于美、日等博物馆和私人收藏约10件。
故宫博物院存世汝瓷
宋汝窑天青釉弦纹樽
高12.9cm,口径18cm,底径17.8cm。
此樽直口,*底,口、底径度相若。外壁*口及*足处各凸起弦纹两道,腹中部凸起弦纹三道。下承以三足。外底有5个细小支烧钉痕。里外满施淡天青色釉,釉面开细碎纹片。
此樽仿汉代铜樽造型,器形规整,仿古逼真,釉色莹润光洁,浓淡对比自然。
宋汝窑天青釉三足樽承盘
高4cm,口径18.5cm,足距16.9cm。
承盘圆口,浅腹,*底,下承以三足。里外施天青色釉,釉面开细碎纹片。外底满釉,有5个细小支烧钉痕。乾隆皇帝曾为其题诗一首,由宫廷玉作匠师以楷书镌刻于器物外底。诗曰:
紫土陶成铁足三,寓言得一此中函。
易辞本契退藏理,宋诏胡夸切事谈。
后署“乾隆戊戌夏御题”。
此器造型规整,釉呈淡天青色,柔和温润。它应与三足樽配套使用,用以承放三足樽。
宋汝窑盘宋汝瓷盘
高3.5cm,口径19.3cm,足径12.6cm。
圈足外撇。盘身满釉,开细碎纹片。底有5个支烧钉痕,并刻有“寿成殿皇后阁”六字。
此器制作工细,釉质纯净,开冰裂纹片,是宋代汝窑瓷器中的上品。其题字表明此器为当时供奉宫廷的器物。
宋汝窑天青釉碗
高6.7cm,口径17.1cm,足径7.7cm。
碗撇口,深弧腹,圈足微外撇。胎体轻薄。通体满釉,呈淡天青色,莹润纯净,釉面开细小纹片。外底有5个细小支钉痕及楷书乾隆御题诗一首。诗曰:“秘器仍传古陆浑,只今陶穴杳无存。却思历久因兹朴,岂必争华效彼繁。口自中规非土匦,足犹钉痕异匏樽。盂圆切己*君道,玩物敢忘太保言。”后署“乾隆丁酉仲春御题”,并钤“古香”、“太朴”二印。
这件汝窑碗造型规整,胎质细腻,釉色如湖水映出的青天,堪称精美的稀世珍品。
所见传世宋代汝窑碗仅有两件,除故宫博物院收藏的这件外,英国伦敦大维德基金会亦收藏一件。
宋汝窑天青釉圆洗
高3.3cm,口径13cm,足径8.9cm。
洗敞口,浅弧壁,圈足微外撇。胎呈香灰色。通体施淡天青色釉,釉色莹润。釉面开细碎片纹。外底有三个细小如芝麻粒状的支烧钉痕,并有镌刻的“乙”字。
器物外底所刻“乙”字,一般认为是此洗入藏清代宫廷后所刻。精于鉴古的乾隆皇帝曾将自己所喜爱的古董划分等级,一些器物上留下了当时镌刻的“甲”、“乙”、“丙”、“丁”等标志。在故宫博物院所藏宋代汝窑瓷器上,还有镌刻“蔡”、“寿成殿皇后阁”等铭文的,一般认为是宋代所刻。“蔡”字当与宋徽宗的宠臣蔡京有关,“寿成殿皇后阁”是宋代宫殿名。
宋汝窑天青釉盘
高3cm,口径17.1cm,足径9.1cm。
盘撇口,浅弧壁,坦底,圈足外撇。通体内外施天青色釉,釉面开细碎片纹。因采用“裹足支烧”,因此外底留有3个细小支钉痕。
这件汝窑青瓷盘釉质莹润,其质感似丝绸般柔美。
【拓展】
产品特点
汝窑以烧制青瓷闻名,有天青、天蓝、豆绿、月白等釉色。
汝窑的天青釉瓷,釉中含有玛瑙,色泽青翠华滋,釉汁肥润莹亮,有如堆脂,视如碧玉,扣声如馨,质感甚佳,有“似玉非玉而胜似玉”之说,色泽素雅自然,有“雨过天青云破处”之誉。
产地环境
汝州北靠嵩山,南依伏牛,南北山连绵起伏向中部延伸,形成了丘陵和河川相间的地貌。全市已探明矿产资源共有42种。主要矿种有:煤、铝土、铜、铅、锌、金、水泥灰岩、铁、大理石、白云岩、高岭土、叶蜡石、矿泉水、玄武岩、梅花玉、磷矿石等。其中煤炭尤其丰富,素有“百里煤海”之称。汝州市矿产资源形成了煤-铝-灰岩广泛分布,陶瓷原料-地热-石墨区域集中,其它有色、稀有金属等矿产零星产出的资源分布格局。陶瓷原料矿产叶腊石、长石相对集中,分别位于陵头、温泉两乡镇。汝州盛产高岭土、玛瑙、黏土等制瓷原料,为汝瓷烧制技艺的产生、发展、成熟和繁荣提供了优越的自然条件。
历史渊源
汝瓷是宋代“汝、官、钧、哥、定”五大名瓷之一,因产于汝州而得名,在*陶瓷史上有“汝窑为魁”之誉。北宋后期,汝窑被皇室垄断,专为宫廷烧造瓷器,即“汝官瓷”,简称汝瓷。汝瓷,为宋代汝窑烧制的青瓷统称。汝窑创烧于北宋晚期,为宫廷御用瓷器。
宋人欧阳修在其《归田集》中其实已有非常清楚的指引:汝窑瓷真正最美的就是釉,不是天青色,而是粉翠,也就是翠青色。而汝瓷真正的瓷色是半瓷化作的,玻化不明显,器身不透光亮。
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