古诗的技法

绘画技法有什么

绘画技法有什么

　　绘画有很多技巧，那么大家掌握了哪些绘画技巧呢？以下是小编精心准备的绘画技法介绍，大家可以参考以下内容哦！

　　一、素描

　　素描的基本知识：什么是素描？从广义来说，用一种颜色，即黑色、棕色，兰色或其他颜色，单色表现和所画的画就是素描。画铅笔画、木炭画、钢笔画、水墨画及我们用在黑板上画的画，都可以叫素描。

　　素描一般分结构素描和调子素描：结构素描比较强调在形体的比例结构，采用以线为主的形式去塑造形象；调子素描比较强调画面的明暗层次，强调黑白灰的明暗关系，采用块面为主的发现形式去塑造形象。

　　素描在造型艺榱的意义和作用：主要在于它是造型艺术的基础。通过学*素描，可以掌握绘画的基础知识，基础知识，基础理论和基本技能，可以训练正确的观察方法和表现方法，为学*其他画种打下良好的基础。好的素描本身也是一种很有欣赏价值的艺术品。

　　素描的造型因素：包括形体比例：素描要求准确地将物体的形体比例画出来，形体比例包含有两种意思，第一种是指同一物体本身各个部分之间的比例，例如，成年人身高为七个到七个半头长，上肢为三个头长，下肢为四个头长等等比例关系，我们在画人的全身时，就必须注意人体本身的这些比例关系。第二种是指同一透视点上物与物之间的比例关系要符合客观事物，人和汽车排在一起绝不会一样大小，但汽车比人大多少倍？在素描时，一开始就应当准确地将这个比例关系画出来。

　　另外就是结构和体积：画素描时，不要单去描物体的轮廓线，要注意和理解它由哪些部份组成，各部分的形状如何？各部分之间是怎样组合成一个整体的？这就是结构问题。一个物体不是一个*面，总是由若干个面组成，它是有厚度的体积。我们应力求它们的体积感画出来，要画体积，必须注意两点：将物体的透视关系画出来；找出物体的明暗交界线，将黑白灰不同的面画出来，一个物体至少要分出三个面才能表现出它的`体积感。

　　透视变化：物体的透视变化是根本的，“*大远小”、“*宽远低”，视*线上的物体“*高远低”、等等，这些透视关系在画素描时必须准确的表现出来，才能客观正确的表现物体的形体结构和空间关系。透视关系还体现在调子上，同一种颜色如果远*不同，它们的色调也不同，其规律是*浓远淡，越远越灰。

　　明暗与色调：一个物体，由很多大小不同，方向不同的面组成，光源投影下来，物体各个层面受光的角度不同，吸收光或反光射光的多少不一，就会产生明暗的色调变化，受光多，反射强的面就亮，受光少反射弱的面就灰，光线照射不到的面就暗。画素描时，尤其是画调子素描，必须注意这些明暗变化，将它客观地画出来，才能更好地表达物体的体积和空间。对于表现空间关系，明暗色调的浓淡对比有很大关系，一般来说，前面对比强后面对比弱。

　　物体的色调是基于本身的固有色，同时也受到光线照射影响，颜色重的物体，其基本色调应当是重的，但由于光线照射的关系，其亮面的调子会显得淡些。

　　物体的质感：要真实地反映客观物体，仅仅要表现其形体结构还不够，还要表现每种物体的质感。物质的感觉一般是由其形体和它吸收光或反射光的不同表现出来的，这种质感有硬的、软的、轻的、重的、光滑透明的、厚实粗糙的、等等。一般来说，坚硬的物体其锋角较锋芒毕露、明暗关系较清楚；松软的物体其形体多是不规则而清楚，黑的越黑，白的越白，离我们越远，明暗调子越模糊，不管黑或白，都会变灰，其明暗对比也一样，*强远弱。

　　素描技法练*

　　第一单元  石膏几何形体的研究和写生

　　通过几何形体的研究和写生，认识客观世界中一切形体多样性结构原理。物体在空间的体积构成和光线在物体表面的一般规律。要求构图完整、形体、结构、透视、比例准确。

　　作业要求：要求画三至五张作业。通过线条粗细强弱的变化，准确地表现对象的形体、结构、透视、比例。至少要画一张调子素描，最好是画球体，将物体的五个基本调子表现出来，掌握在一定光线下明暗变化的规律。

　　第二单元  静物写生

　　在几何形体写生的基础上，了解事物组合的一般要求，掌握组织和布置静物的一般方法。通过写生练*，掌握并熟悉正确的观察方法和作画步骤，在形体比例准确的基础上，通过线条的粗细、强弱、刚柔和明度的变化，画三至四张作业，表现对象的质感、量感和光感。

　　第三单元  石膏头像写生

　　通过石膏像写生，掌握人物头像的基本特征，五官位置的透视变化。正确理解局部与整体的关系，进一步体会写生练*的过程，亦是培养正确观察方法的过程。

　　作业要求：画五至七张结构素描，要求形体结构准确；画两三张调子素描，要求在形体结构准确的基础上，运用明暗变化的一般规律，立体地表现对象。

　　第四单元  人物画

　　通过人物写生，了解人体结构和运动规律，掌握人体不同角度和不同转向运动中形体的透视变化，理解衣着等表面特征和人体结构的关系，较准确地表现出具体对象和年龄、性别、形象特征和动态。

　　作业要求：慢速写画五至八张，要求比例动态准确；结构素描画四张，要求在比例、动态准确的基础上，画出人物内在和外在的联系；调子素描画两至三张作业，要求形象生动，动态准确、色调丰富，层次完美。

　　石膏像素描写生五步法见下：

　　一、以形体结构的相互组合来认识后画的石膏形体，画准形体的透视关系，处理好头、颈、胸等大关系。

　　二、以明暗交界线入手，画出头像的明与暗的两大调子的关系。

　　三、加强各部位的形与结构的联系，通过具体的描绘使头像的形体更加结实，特征理象显，同时着手描绘头像与背景的空间关系。

　　四、通过头像边缘线与明暗交界线的虚实处理，营造出物体的前后的空间关系和转折关系。要重点画头像的五官和明暗，使形体更加结实。

　　五、进一步调整明暗关系。

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*畜兽画基本技法

*畜兽画基本技法

　　畜兽又称走兽是*画中较难表现得好的一门，常画的畜兽有马、牛、虎、狮、鹿、羊、猿猴、猫、犬、狸、兔、驮、骡以及象徵权势的龙等，每一种走兽各有不同的特徵与*性，作画前必先详细的观察与写生。那么，下面是小编为大家分享*畜兽画基本技法，欢迎大家阅读浏览。

　　国画的畜兽画基本技法

　　畜兽又称走兽是*画中较难表现得好的一门，宋朝沙门德洪即指出：「画工能为神鬼之状，使人动心骇目者，以其无常形，无常形可以欺世也，然末始以为贵。惟犬马牛虎有常形，有常形故昼者难工，世之人见其似，则莫不贵之。」由此可见畜兽有常形，即每一种动物都有一定的体型、比例与动态，稍不谨慎，观察得不够仔细，即容易流为笑柄。常画的畜兽有马、牛、虎、狮、鹿、羊、猿猴、猫、犬、狸、兔、驮、骡以及象徵权势的龙等，每一种走兽各有不同的特徵与*性，作画前必先详细的观察与写生。

　　畜兽的观察与写生

　　我国古代画家即非常重视观察，譬如擅长画獐猿的北宋画家易元吉，曾游荆、湖间，深入山区，观察野兽的动静游息之态，故其走兽画富有生趣。李公麟每次经过癖舍，看到其中的御马，必终日观察，无暇与客人交谈，故能画出马的特徵，黄山谷在其诗中即称赞道：「李侯昼骨亦昼肉，下笔生马如破竹。」据说元代画马名家赵雍曾经据壮学马滚尘状，其母管夫人自窗中窥看，正见一匹滚尘马，故赵雍昼马，能得其性情。可见古代成就高的昼家都很重视观察，甚至亲身模仿其动作，以求生动的表现畜兽的特徵与神趣。

　　苏东坡的题跋中曾经提到蜀中的收藏家杜处士一日正在曝晒其书画，有一牧童看见其中一轴戴嵩昼的斗牛图，拍手大笑说：「此画斗牛也，牛斗力在角，尾搐入两股间，今乃掉尾而斗，谬矣。」牧童经常与牛生活在一起，发现到牛在角斗时，牛尾是紧夹在两股间，而唐朝画牛名家戴嵩的观察还欠周到，以致造成错误，是值得作为我们的借镜。

　　*画一向提倡「形神兼备·以形写神」，画畜兽也不例外，观察入微，掌握神态，才能将其画活。走兽虽然同样具备五官、四肢，但其传情表达的能力，却不如人类丰富，然而我们也不能忽视其细腻的动态和神情，每一种动物都有独特的表达喜怒哀乐的方式。此外动物也有许多特别的*惯和动态，譬如鹿、虎等耳朵能随意的转向各个方向，如收听器般，能觉察极轻微的声音;猫、虎等眼睛的瞳孔，能敏感的随著自然光线的变幻而开合，犹如照像机的光圈原理;动物的尾巴具有均衡的作用，可调节各种姿态，这些特点都应注意到。

　　画猫耍表现出乖巧灵俐的特色，同属猫科的虎则要表现出威严勇猛的感觉;画驴要画出傻气和滑稽的味道，同属奇蹄科的马，就要昼出神骏豪迈的性格，每一种动物的性格，在作昼前必先稍加研究。

　　写生时对动物解剖学应有了解，至少必先观察其骨骼与肌肉的关系，古人常说「画虎画皮难画骨」，是指一般人往往过分去描写抢眼的老虎皮，而忽略其骨骼、肌腱对展示虎威的重耍性。

　　速写是累积创作素材和捕捉生动形象的必耍手段，然而它是通过观察与默画相结合的方法，把生动的形象勾出，并不是看一笔画一笔，对於昼动态的畜兽，应掌握神态，尤其耍注意从一个动态过渡到另一个动态的瞬间，只用寥寥几笔，就要准确的表现出畜兽的特点，其动势要靠线条不同方向的对比和组合来表现。兹以擅长走兽画的梁中铭教授*日写生的素描稿为例，配上攸以水墨表现的猴子册页，可以发现勤於观察写生，助益颇大。

　　白描昼法

　　以白描法表现畜兽的画迹，除了战国楚墓出土的两幅帛昼外，汉代壁昼及魏晋砖昼中也常见，如下图是史坦因从敦煌盗走的纸本水墨白描作品「狮子图」，我们从这幅晚唐的白描画中可以发现当时画家已经能熟练的运用各种不同快慢、轻重的线条来夸张狮子各部位的特徵。

　　到了宋朝，一般士大夫多受理学及佛教禅宗思想的影响，喜爱*淡雅的画法，李公麟的白描画风，正符合他们的兴趣而盛行一时，他的「五马固」落笔轻重起伏如应节奏，将马的骨、肉、鬃尾等质感以及马的神态表现得相当生动，可说是最擅长运用线条的画家。南宋陈容的「云龙图」以略为粗犷而颤动的笔法，配合水墨渲染，把*神话中想像出的动物，表现得极具神秘感。

　　双钩填彩昼法

　　西汉马王堆十号汉墓出土的帛画可说是我国古代双钩填彩画法的代表性作品，下图为该画上部(天)所表现的神话传话题材，布满了蟾赊、玉兔、龙、豹、蛇身人首等怪兽，也有金乌、鹤、鸿雁等仙禽及人物，鹤用白描画法为主，其余**皆填重彩(矿物性颜料为主)，有些地方略加晕染，色彩格外鲜明。唐代绘昼及卷轴画中可以看到唐画多以双钩填彩画法为主，韩　的「五牛图」也以此法。元代画家任仁发的「二马图」，继承了唐代韩干与北宋李公麟画马的写实风格，线条纤细，赋彩淡雅典丽，采用薄而多层次的罩染方法，特别注意明暗面的晕染以期把握毛肤的色泽和质感，是写实表现法的典型，与清朝朗世宁融合西画光影的表达方式相比较，任人发的马更具有传统的风味。

　　双钩填彩的画法和设色的步骤，大致与花鸟的画法*似，可参阅第五章该昼法的叙述。不过畜兽的设色，要特别注意其骨骼与肌肉的结构所呈现出的阴阳凹凸关系，要表达出肌肤之弹性与筋脉血液流动的活力感。

　　写意昼法

　　以写意法画畜兽，早在汉代壁昼及魏晋砖画中即可见到略为豪放的表现法，五代石恪的画中亦可见具有禅意的虎，但到明朝才比较盛行写意的画法，如沈周的写生册页中亦有走兽，郭诩的「牛背横笛图」墨色的乾湿浓淡变化生动，并以破笔枯墨扫出牛毛，意趣横生。*代的畜兽画家，多以写意法表现，如徐悲鸿的「双马图」，结合西洋画的明暗观念与正确的解剖学知识，表现出天马行空的奔驰气概。林玉山的猛虎，表现出凶悍威严的气势，齐白石与李可染的牛，都有独特的个性。

　　写意画法是以简练的笔墨，表现出丰富的内容，并能唤起观赏者的想像力与感染力，故以写意法画畜兽，对其细节须加以简化或省略，譬如繁琐的光影明暗就可省略。眼睛是传神之处可以夸张。至於配景的处理，必须根据各类走兽不同的*性和生活环境来安排，譬如热带地区生长的走兽，就不宜配寒带的植物。牛、马等走兽，可以不靠景物衬托，以留白的方式，或在地上点染些草色，如徐悲鸿的马，多以留白的方式，让观赏者自由联想。

　　虎的写意画法：先以淡墨超稿勾出形态，赭石调藤黄画虎身，再以稍浓的墨画斑纹，白粉染嘴、前胸等，并以赭石第二次染身。淡墨破锋丝细毛後，蘸老虎的写意画法示范浓墨画眼、耳并重钩斑纹，第二次染白粉及浓墨丝细毛，白粉画虎须，最後补景完成。画时大致全体同时进行，层层加重。

　　拓展阅读：论*画的内涵和*画欣赏

　　欣赏*画要抓住绘画的常理与绳纲。何为绳纲呢？笔者认为，谢赫提出的“六法”论；顾恺之“以形写神”；张彦远“载其容，备其象”；荆浩“六要”原则；齐白石“似与不似之间”，等等。本文研究的重点是以谢赫的“六法”为基础，提出欣赏解读*画要注重作品的气韵、笔墨、构图和形式，掌握方法后，才能真正读懂作品的底蕴和内涵。

　　*画是*传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。它以墨为主要颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。它植根于华夏浓厚的文化沃土之中，跨跃不同时空，历经萌芽、发展、成熟、创新、再发展的诸多不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系。它与西方的油画形成了两座并峙的艺术高峰。

　　一、欣赏作品要看气韵

　　早在1500年前，南齐的谢赫就提出了品画艺术的标准“六法”论。即“气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写”六项法则。气韵生动，是对作品的总体要求，是艺术达到的最高境界，也是品评、赏析*画的主要原则。

　　气韵，在传统*画中，是指神气与韵味的总和。石涛曰“作书作画，无论老手后学，先以气胜得之者，精神灿烂，出之纸上”。元代杨维桢指出：“故论画之高下者，有传形，有传神。传神者，气韵生动是也。”清代唐岱谈到：“六法原以气韵为先，然有气则有韵，无气则呆板矣。”清方薰则说：“气韵生动，须将生动二字省悟，能会生动，则气韵自在”。由于历代艺术家的分析、总结，气韵生动成了绘画的首宗要义，成为画家在创作中追求的最高目标，也成为*画品赏的主要准则。

　　二、欣赏作品要看笔墨

　　“六法”中，谢赫将“骨法用笔”列在第二位。“骨法”在*画中指的是运用线条作为骨架进行造型的方法。它融合了汉字书法中用笔的规律和美学原则，体现出线条的力度、质地和美感。通过不同的线条去体现笔墨的动态、势向、韵律、节奏，以写神、写性、写心、写意为目的。

　　*画以线条构成，是与*艺术家对线条的情有独钟和独特感受分不开的。我们绘画的先祖认为，以点作画易于零散、琐碎，以画作画易于模糊、*板，用线最易捕捉物体的形象及动感，最适宜发挥毛笔、水墨、宣纸绢帛的特性。可以说，线条是*画家独到的艺术语言，是*画的灵魂。

　　用于绘画的线条是有生命力的。千百年来，*艺术家伏案笔耕，利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、毛涩、疾徐、虚实、顺逆、繁简等不同质地、不同感觉的线条，并用这些含情线条的渐变、排列、组合、交搭、分割、呼应，在画面上构成造型的诸多形式。抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿、无不显现着画家的才思、功底。

　　笔韵是*画家追求的`较高境界。运笔时所表现出的一种内在节律，情感起伏，通过气与力的统一变化而形成用笔的韵律感和节奏感，亦是画家心弦的拨动。笔力、笔气、笔韵是有机的统一，以气统力、统韵，以韵助气、助势，三者完美的结合，方称上佳的用笔。或浑厚苍劲、刚健挺拔或含蓄内敛、简约空灵、飘逸洒脱，无不是画家千锤百炼，用心血和汉水浇灌的结果。

　　*画以墨为主、以色为辅，是其基本特点。笔墨二字几乎成了*画的代名词。如果说西画是体、面和色彩的交响，那么，*画就是点、线与水墨的协奏。墨分五色，释为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨五大色阶，并由五种色阶之间（加水量多少）形成的无数细微的渐变。唐代张彦远在论墨时说：“草木敷荣，不待丹绿而采，云雪飘扬，不待铅粉而白，山不待空青而翠，风不待五色而卒。是故运墨而五色俱，谓之得意。意在五色，则物象乖矣。”说明墨不仅能决定形象，分出明暗，拉开距离，代替色彩，还能制造画面的气氛。*画家深谙绘画要旨，认为画面太枯则有燥气、画面太湿则无生气，墨无变化则僵滞死板。因而数块浓墨必以淡墨破之；一片淡墨必以浓墨破之；一片枯墨必以湿墨润之；一块湿墨必以枯墨提醒。观其面目时往往尚未看清具象形态，就已被画面笔墨中溢出的抽象意韵所感染。在欣赏*画时往往也从这里入手。

　　在*画创作过程中，始终离不开墨。用墨有几种主要方法，泼墨法、积墨法、破墨法、宿墨法、渍墨法、蘸墨法，等等。好的画无不在用笔、用墨、用线、用水方面有高妙之处，在画面上显现出浓淡干湿变化。古人说的好，“干裂秋风，润含春雨”，就是这个道理。

　　三、欣赏作品要看构图、形式

　　*画的构图有多种形式，也有多种提法，*惯称谓“章法”、“布局”。东晋顾恺之称之为“置陈布势”，谢赫则称之为“经营位置”。提法虽不一样，但其意相同，即作者将要表达的内容与形式加以组织、安排，构成一个体现个性、呈现气势、和谐统一的整体画面。一幅作品境界或高或低，或奇或特或*庸，构图至为关键。

　　构图法则有其自身规律，最主要的规律就是辩证法中的对立统一。凡符合对立统一规律的作品，就耐看，就有美感，就有吸引力，反之，美的因素就会大打折扣。构图的来源是生活，是眼界，是修养，是格调。构图具有极大的灵活性，因为*画使用独特的散点透视法。用这种透视法来展现绚丽多姿的世间万物，给作者带来极大的自由性和灵活性。它不受时间和地点的限制，不求物体具象，只求构思和形象入“理”。

　　*画讲究稳中求奇，险中求稳，着意对比，打破对称，形成一个富有节奏的协调整体。大多采用“三七停”起手法则，把主体物象放在三七点上，对打破均衡起到至关重要的作用，也易于形成韵律节奏，给观者以视学美感。

　　*画博大精深，源远流长，融诗、书、印于一炉。宋人邓椿说：“画者、文之要也。”“画到极至”谈何容易，能创作出一两件与众不同，经得起历史检验的作品并非易事。因循守旧不行，越雷池甚远也不行；不师古人不行，师古不化也不行；不师自然、不师心不行，走捷径、搞旁门左道更不行。

　　绘画有高有低，因而就有了不同时代的品评标准。张怀瑾提出了“神、妙、能”三品，朱景玄提出了“神、妙、能、逸”四品，黄修复则强调“逸、神、妙、能”四格，张彦远定了“自然、神、妙、精、谨细”五品级。不论是神行逸后，还是逸先神后，都说明*画始终追逐着高品位。充满着美学意识，自我意识，在借鉴传统的基础上艰难探索，力求创出个人高雅的风格，力争呈现出更加自然的气息。

　　看画还要远观其势，*取其质。利用不固定的视距、观其物象。远看大势气韵，*看点线质量。“六法”精论，是画学传统的金科玉律。在*绘画史上这一理论具有无法憾动的深远作用。也是时下评价、品赏*画的根本法则。凡属画人必受这一法则的约束和检点，用这一法则鉴赏，评价*画作品，其高低自可辨也。

　　*画专业学什么

　　*画专业课程

　　*画专业课程主要有中外美术史、艺术概论、美学概论、素描、色彩、速写、*古典诗词、*画论、透视、解剖、人物画、山水画、花鸟画、书法篆刻、篆书、隶书、楷书、篆刻、行草、古代汉语、*书法史。

　　*画专业就业前景

　　*画专业就业前景：为了顺应当代艺术全面发展的新方向，越来越多的美术类院校开设了更适应市场的应用美术类专业，如服装设计、装饰设计、视觉传达、环境艺术设计、工业设计、建筑、公共艺术设计、数码媒体、动画游戏等。

　　纵观全球艺术领域，*画占有很重要的一*之地。国画的发展前景应该是非常可观的，但实际上，国画单独的发展非常困难，就现在而言，国画的价值虽然很高，尤其是名家作品市场很受欢迎，但成就一名合格的画家却非常不容易。而作为美术学院不可或缺的主要专业之一的国画专业，在面对市场时则显得无所适从。在*画毕业生看来，国画专业面临“被就业”的严峻形式，普遍看来，国画毕业生最好的就业方向是进入高校从事美术教育，除此之外基本没其他工作可找。但实际上，即使是中小学美术老师，也大量被研究生以上学历的毕业生占据，本科毕业生一般则去美术培训班辅导，其余大部分学生则选择转行从事设计类工作。

　　拓展阅读：*画专业培养目标

　　本专业要求学生系统掌握*画基本理论、基本知识和基本技能，具有*画人物、山水、花鸟、书法篆刻的传统技法以及实际工作能力和初步的科研能力。

　　培养技能

　　1.熟悉我国的文艺方针、政策;

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*画基本技法

*画基本技法

　　*画的技法，实际上可以理解为*画家运用毛笔的方法，也就是因毛笔而产生的用笔、用墨的技法，其中墨法中包含了色彩的技法。那么，下面是小编为大家整理的*画基本技法，欢迎大家阅读浏览。

　　*画技法：

　　(主要有构思、构图、用笔、用墨、设色、收拾等方面，其中用笔用墨为最基本的技法)。

　　构思——又叫立意，即作画之前的形象思维过程。

　　构图——即六法中的“经营位置”，又叫置陈布势等。亦即画面各种物象的位置、比例、墨色等的安排。

　　用笔——即六法中的“骨法用笔”，有线描、勾勒、皴、擦、点染，笔用中锋、逆锋、藏锋、露锋、拖笔、破点等。

　　用墨——经历代画家发展有：焦、浓、重、淡、清、退、埃、宿等各种墨色，运用时须各得其所。又有泼墨、破墨(即浓淡相生)等具体技法。

　　设色——白描：不设色，全用线条表现，或仅以淡墨、淡水色稍加渲染。重彩：一般指工笔重彩、勾勒填色、大青绿等。淡彩：以墨色为主调，敷以淡彩色。没骨：纯用色彩画，并不勾线。(纯用墨点染，不沟勒的亦叫没骨。)

　　收拾——画成以后再作整体收拾，使全画最后达到气韵生动的境界。

　　笔墨：

　　*画表现形象的基本手段。张彦远说：“夫象物必在于形似，形似须全其骨气，骨气、形似皆本于立意而归乎用笔。”石涛说：“夫画者，形天地万物者也，舍笔墨其何以形之哉。”我国历代画家在长期历史发展的过程中，已经形成了一套完整的笔墨技法和创造技巧。

　　设色：

　　即六法中的“随类赋彩”。不同的色彩赋不同的感情，画家往往用色彩来表达他的感情。*画常用的颜色有墨、藤黄、石黄、土黄、胭脂、洋红、朱砂、朱膘、赭石、花青、石青(可分头青、二青、三青等三种)、石绿(也分头绿、二绿、三绿等三种)，白粉等。但基本颜色只有红、黄、蓝三种，即洋红、藤黄和花青。把上面的颜色加以配合，可以调出许多种颜色来。

　　墨彩：

　　工笔花鸟画中配彩法的一种。即对形象勾线或不勾线，完全用墨的浓淡来表现的叫墨彩。墨彩以淡雅为佳，因它用浓墨的面积不宜过大、过多，因为重墨多易使画面产生沉浊之感，但亦不能淡而失神，要使浓淡相宜，才具有清新神韵的效果。

　　淡彩：

　　工笔花鸟画中配彩法的一种。即先墨彩的方法把对象画到八，九分，然后用淡薄的色彩稍作渲染的叫淡彩。淡彩要做到色不碍墨、墨不离色，既能融合一体，又能显示墨的韵味，才能产生一种淡雅、朴素的效果。

　　粉彩：

　　工笔花鸟画中配彩法的一种。在表现方法上多用于勾染和没骨。在颜色运用上以植物颜色和白粉为主，以水彩和淡薄的矿物质色为辅。粉彩勾线切忌用一色的浓墨，而要施淡墨为主。因为墨丝过浓和粉彩相并，则容易显得枯僵，缺乏妍丽。调粉的色彩不宜过厚，但也不能太淡薄，过淡则无神，要做到薄中见厚。粉彩用粉是重要关键。粉和色要用到晕化自然，不露粉痕，不显料气，干净滋润，才能发挥粉彩鲜明娇丽的特点。

　　重彩：

　　工笔花鸟画中配彩法的一种。重彩勾勒勾染的方法，并以服务态度和物质色为主，因用色比较厚重，所以色感较富丽带有装饰性称为重彩。重彩渲染要作到薄中见厚，厚中生津，染不露痕，深浅自然。切忌脏、花、斑、枯、火、腻等。这些毛病多出于顺序不对，用笔不轻顺，用色过厚或厚薄不匀。清王石谷自谓“学*青绿三十年，方得青绿之法”这虽然有些夸张，但其经验说明了渲染设色并非易事。

　　笔墨表现形式：

　　(有白描、工笔、写其细部，整个画面纯用墨色。有的再加淡墨渲染)。

　　白描——用细线勾画出物象轮廓及其细部，整个画面纯用墨色。有的再加淡墨渲染。

　　工笔——勾勒细腻精巧的叫工笔，工即工整工细之意，敷色也层也渲染，显得浑厚浓重。

　　写意——只写物象的大意，用笔简练流畅，笔墨自然，不用色的写意画，又称“水墨画”。

　　勾勒着色——亦称“单线*涂”。它用笔先勾出物象边线，中间用墨或用色*涂。

　　粗细相间——亦称“兼工带写”。它比工笔要粗，比写意要工。

　　粗中有细——如花草画得粗，但绕花飞动的小虫、蝴蝶、或蜻蜓等则画得很细。

　　没骨法——一般不用墨线勾轮廓。

　　泼墨法——是没骨法的扩展，用大块墨色，再运用自然形成的浓淡，加上较细的笔道，有的地方还露出飞白，这样才见精神。

　　界画——一部或大部分用直尺画墨线组成的画，主要表现庄严雄韦的建筑物，如宫殿、庙宇、楼阁、亭台、水榭等，以及整齐精致的家具陈设等。

　　线描：

　　*民族绘画的主要造型手段。是构成*画民族风格的一个要素。线描是运用线的轻重、浓淡、粗细、方圆、转折、顿挫、虚实、长短、干湿、刚柔、疾徐等不同的笔法来表现物象的体积、形态、质感、量感和运动感的一种方法。它不着颜色，有时可有一些淡墨来略加渲染，具有独特的表现形式和造型规律，并富有韵味。用线的变化，要与造型的形式美紧密相连。其线或刚健、或婀娜、或轻灵、或凝重，由于用笔多变遂产生极为丰富的感觉。*画用线造型的历史悠久，通过历代画家的长期实践和不断地创造，积累了大量的极为丰富的线描技法经验，仅画人物衣褶的描法就有“十八描”。用线描来造型的特点是清晰、简练、富有装饰性，可以完美地刻划各种现象，表现出千变万化的各种物象的新的生命。

　　白描：

　　*画中完全用线条来表现物象的称“白描”。白描有单勾和复勾两种。用线一次成的单勾。单勾有用一色墨勾成的，也有根据不同对象用浓淡两种墨勾成的，例如花用淡墨勾，叶用浓墨勾。复勾是先用淡墨全部勾好，然后根据表面具体情况决定复勾一部分或全部。复勾的线不能依原路的线刻板地重迭地勾一道。复勾的目的，是加重质感和浓淡的变化，使物象显得更有神彩。复勾的线必须流畅自然，更防止受原线路的约束，否则复勾的线很易呆板。物象的形、神、光、色、体积、质感等关系就靠线条来表现，从某咱意义上说来，它比别的画法更不易掌握。白描要特别注意“朴素简洁”、“概括明确”的特点。在构图上的取舍力求单纯，对虚实、疏密要偏重于对比较强烈的安排，层次要分明，在线的处理上要带有装饰性、旋律性，防止碎乱、呆板、松散等毛病。

　　没骨：

　　国画表现技法之一。就是不勾轮廓线，而完全用墨或色渲染成的叫没骨。没骨画法有渲染、点染两种。没骨渲染：对形象不用线勾轮廓，用层染或混染，以墨或色把形象渲染而成的叫没骨渲染。渲染时要注意清洁和用水的分量，在前后形体重迭处的明暗，不要模糊不清，可以空出一丝水路，没骨渲染重鲜嫩，画幅宜小。没骨点染：先在笔上调好墨或色的浓淡，然后以一笔或几笔点出形象的各个局部而完成之。没骨点染有粗细之分，细致的在工笔花鸟中常用来表现草虫、小花、小草和枝梗等。较粗的则是兼工带与的主要表现方法。明吕纪常和工笔翎毛结合运用，造型生动。齐白石常用点染和工笔草虫结合表现，也虽开生面。

　　皴法：

　　国画表现技法之一。早期山水画的主要表现手法，是以线条勾勒轮廓，然后敷色。随着绘画的发展，为了表现山石树木的脉络纹路和(凸凹)，因地质的结构不同，表现在山岳的外形上也各不相同。皴法的种类很多，一般有(1)披麻皴、(2)乱麻皴、(3)芝麻皴、(4)大斧劈、(5)小斧劈皴、(6)卷云皴、(7)雨点皴(雨雪皴)、(8)弹涡皴、(9)荷叶皴、(10)矾头皴、(11)骷髅皴、(12)鬼皮皴、(13)解索皴、(14)、乱柴皴、(15)牛毛皴、(16)马牙皴、(17)斫皴、(18)点错皴;(19)豆瓣皴、(20)刺梨皴(豆瓣皴之变)、(21)破网皴、(22)折带皴、(23)泥里拨钉皴、(24)拖泥带水皴、(25)金碧皴、(26)没骨皴、(27)直擦皴、(28)横擦皴等。

　　墨法：

　　古人说“墨即是色”，浓淡水墨可代替各种色彩。用墨要有浓淡干湿，只干不湿太瘠枯，只湿不干太臃肿，浓淡干湿结合起来，变化多，生动而有气韵。用墨之法：一般有焦墨、积墨、破墨、擂墨等。焦墨是一种磨得极浓的墨，用焦墨的旁边须有浓淡墨为之晕浑，否则焦墨孤立，难见笔意。积墨：用浓墨和淡墨连敷几次，有一种深厚的味道。破墨：先用淡墨上纸，趁湿用湿墨加上，化出奇纱的韵味。拧在纸上捺转，略似鱼鳞，由浓渐淡，参差不齐，谓之擂墨。所以用墨和用笔不分不开的。

　　用笔六要：

　　国画表现技法之一。一要自然有力，切忌呆滞。二要变化而有联系，要将粗、细、浓、淡、长、短、横、直、干、湿、轻、重根据物象参差需用，既有变化，还要互相联系。三要苍老而滋润，苍老就显出含蓄的笔力，用笔光滑就显得雅嫩，过于苍老亦易枯燥，故须在苍老中滋润，也就是干湿并用。四要松灵而凝炼，松灵比自然更进一步，要活泼轻松有生趣，切忌油滑、轻浮，轻松之中要有重厚，凝练是一笔画去到尽端有回锋。五要刚柔相济，即在轻柔中有骨力。所谓“线棉裹铁”才能稳厚，刚健的锋中要参以巧运，“扛鼎中有妩媚。”故一笔中要能刚健婀娜兼有之。六要巧拙互用，用笔朴质显得老实，故要在巧笔中夹几笔拙，在拙笔中夹几笔巧，应巧拙互用，方为得法。

　　拓展：*画的基本知识介绍

　　*传统绘画的主要种类。*画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、纸上并加以装裱的卷轴画。*现代以来为区别于西方输入的油画(又称西洋画)等外国绘画而称之为*画，简称“国画”。它是用*所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。*画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等;按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。*画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷(又称手卷)、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。*画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了*人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。

　　历史发展

　　*画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。这些早期绘画奠定了后世*画以线为主要造型手段的基础。两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画亦在此时萌芽，同时对绘画自觉地进行理论上的把握，并提出品评标准。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟 ，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向;人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了*画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为*画的主流，但其末流则走向因袭模仿 ，距离时代和生活愈去愈远。*画自19世纪末以后在*百年引入西方美术的表现形式与艺术观念以及继承民族绘画传统的文化环境中出现了流派纷呈、名家辈出、不断改革创新的局面。

　　19世纪以后，在政治、经济(特别是商业、文化发达的上海、北京(含天津)、广州等中心城市，汇聚了一大批画家，即以上海为中心的江浙画家群，如任颐、虚谷、吴昌硕、黄宾虹、刘海粟、潘天寿、朱瞻、张大千、傅抱石、钱松喦、陆俨少等人;以北京为中心的北方画家群，如齐白石、陈师曾、金城、陈半丁、王雪涛、李苦禅、蒋兆和、李可染等;以广州为中心的岭南画家群，如高剑父、高奇峰、陈树人、何香凝、赵少昂、关山月、黄君璧等人。随着形势的变化和时代的更迭，上述地区的画家亦有流动，如抗日战争时许多画家来到西南地区，1949年后又有许多画家如张大千、黄君璧、赵少昂等人移居国外和港台地区。今全国大多数省市成立了画院，在3个中心之外，又出现了许多新的中心 ，画家队伍空前扩大。

　　在现代*画家中，许多画家继承并坚持传统绘画的基本模式，他们或以模仿、传承前代画家技巧、风范为原则，或在继承传统的同时，力图变革，在保存、发展传统的同时，形成自己的风格。前者有金城、顾麟士等人，后者以齐白石、黄宾虹、潘天寿等人为代表。

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现代舞的编舞技法

现代舞的编舞技法

　　现代舞主张摆脱束缚、发展合乎人体自然运动法则的舞蹈动作，强调自由地抒发真情实感，反映现实生活等观念。下面是小编分享的现代舞的编舞技法，一起来看一下吧。

　　1、环境编舞法

　　环境编舞法是后现代舞的基本创作观念和方法之一，其理论基础是德国现代舞创始人鲁道夫.冯.拉班传至美国的身体空间用力理论。兴盛于20世纪60年代在美国开始的后现代舞运动。他产生的客观原因是这些舞者在取得全社会和整个文化界广泛认可以及各种官方与民间的足够赞助之前，不得不以剧场之外各种廉价或免费的自然环境和生活空间进行舞蹈创作和表演，在题材方面，他们不得不在古典芭蕾和早期现代舞所热衷的文学经典和音乐名曲之外，以俯拾即是的花草树木，锅碗瓢盆，棍棒绳索，电缆电线，各种布料，桌椅板凳等等为核心物编舞，而在拌奏方面，他们则不得不从大自然和生活环境中提取各种无法收费的音响或音乐，如风雨交加，电闪雷鸣，电流噪音，机械转动，人声鼎沸，悄悄耳语，婴儿哭啼等等，或干脆按照微量主义的方法，对少量有意，甚至无意的音响或音乐加以一定量的重复，自制出广义的音乐。

　　这种创作方法有效的缩小了古典芭蕾和早前现代舞在舞蹈与生活之间形成的巨大鸿沟，拓宽了舞蹈创作的视野，意境，题材，体裁，范畴和方法。击活了编舞者的想象力和独创性，引导他们在走出象牙塔，抛弃闭门造车的创作方法，到大自然和日常生活中去呼吸新鲜空气，补充生命热能，深挖才情心智，寻找创作灵感，随时迎接不期而遇的新挑战和新可能，这种创作方法使人们明确的认识到，在后现代舞的创作中，任何题材都是可以通过舞蹈去加以表现的，而不存在"可舞性"的问题。指一种三维的艺术品，是艺术家用找来的各种材料以及绘画或雕塑作品创作出的临时的聚合体，它打破了对艺术形式的传统划分，把雕塑绘画，以及建筑融为一体，环境艺术是对拼帖技法的一种延伸，它使作品不再局限于二维画的饿想象空间之中，而是占有一个观众能够于之分享的真正的空间。

　　环境艺术不只是用来观赏的，它极大的调动起观众的参与性，观众可以直接进入到作品当中，在其间走动或爬动，他们可以感受到各种各样的感官刺激――视觉的'，听觉的，运动的，触觉的，有时甚至是嗅觉的。环境艺术不再只是视觉的艺术，环境艺术这一术语产生于20世纪60年代的美国，它的确立经历了一个过程。30年代末，在德国慕尼黑出现了展示房间不同维度的绘画形式，这可以算是环境艺术的雏形。1952年一个纽约年青艺术家小组及1955年一个日本艺术家小组对环境艺术观念的最终形成起了进一步的推动作用。后来，艺术家们又把偶发事件和游戏这两个概念引入到他们的创作意图中，进一步丰富的环境艺术的概念。环境艺术强调的是事件的实质，用这一观念为指导创作出的作品就不再是固定的，已完成的艺术品。值得一提的是很多人常常把环境艺术和大地艺术混为一谈，其区别在于：前者在很大程度上运作或改造真实的自然环境；后者旨在把观众吸纳入一个创造出的环境。

　　2、机遇编舞法

　　机遇编舞法创始人是美国现代舞大师默斯。堪宁汉，其核心性的“非确定性”思想和“投掷硬币”的方法来源于《易经》以“变”为本的宇宙观和“摇签落地”的方法论，时间从1951年其得到英译本《易经》开始。“易者，变也，天地万物之情见”以这种至高无上的宇宙观为座右铭。他发现了从古典芭蕾到早期现代舞其共同的致命伤都在于揭力形成某种千古不变的所谓体系，因而违背了大自然永恒变化的根本规律，游离了新时代天翻地覆的大潮，导致了封闭式心理状态的僵化死板，给那些流派带来的只是停滞不前，死气沉沉的恶果。

　　在这种既严格把握又灵活变化的指导思想下，他摸索出了一整套灵活而全面运用机遇法的经验，概括的说，即是编导家如果在编舞过程中卡在任何一个环节上了，如动作素材枯竭，舞台调度死板，在诸多方式和效果中难以判别哪种更好，舞段之间串不起来，舞者人数，上场方位定不下来，节奏型定不下来，便用调性音乐或具体音乐定不下来等，便可将这些亟待解决的大小难题，分解成若干种元素，然后统统编上号，必要是也可以用投掷硬币的方法来进一步细分成若干小组，最后投掷硬币的方法来进一步细分成若干小组，最后投掷硬币，看若干硬币正面上的数字之和是几，就让几号元素动作，至于怎么动，动多少拍，每拍完成多少个动作，朝哪个方向动作等细节，则可再一一投掷硬币去寻找，在动作调度上，可将整个舞台表演区横竖订上八个点，然后分成六十四个小方块，以便提供更加多样的选择范畴，这种方法貌似烦琐，但却能有效的避免编导家重复自己，帮助他们搞出不同于他人，甚至不同于自己过去的作品来。因而深受欧美广大编导们的欢迎，为西方现代舞，特别是后现代舞界，培养出了大批有用之才。

　　“机遇”与“即兴”两编舞法的区别：前者具有严格的客观规定性，一经确定，基本上不做任何改动，而后者则具有相对的主观能动性，但往往容易在不知不觉中陷入原有的观念形态和运动模式。相比之下，前者主要是一种编舞方法，而后者可以是两者，但在更多的情况下则可用作编舞方法，当编导熟悉两种方法时，常常会用“即兴编舞法”设计和生产动作素材，而用“机遇编舞法”去选择和组织这些素材，最终形成完整的舞蹈作品。偶尔也有人采用“机遇编舞法”设计动作素材，但在颇能出新的同时，比较费时。

　　现代舞

　　现代舞(英语:Modern dance)，是20世纪初在西方兴起的一种与古典芭蕾相对立的舞蹈派别。其主要美学观点是反对古典芭蕾的因循守旧、脱离现实生活和单纯追求技巧的*倾向。主张摆脱古典芭蕾舞过于僵化的动作程式的束缚，以合乎自然运动法则的舞蹈动作，自由地抒发人的真实情感，强调舞蹈艺术要反映现代社会生活。(《西方芭蕾舞与现代舞简史》，厦门大学出版社，2009.10)目前国内比较著名的现代舞团有云门舞集(台湾)、城市当代舞蹈团(香港)、广东现代舞团、北京现代舞团、上海金星舞蹈团、北京雷动天下现代舞团等，北京当代芭蕾舞团则创作了不少风格独特的现代芭蕾作品。19世纪末期，欧洲古典芭蕾单纯追求形式

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峨眉拳武术技法

峨眉拳武术技法

　　峨眉拳是一种古老的汉族武术拳种。始为道姑所创，为出家女子的一种防身拳术，原称“蛾眉拳”后谐音“峨眉”。下面是小编精心收集的峨眉拳武术技法，希望能对你有所帮助。

　　一、手法

　　手法多用于护门户，攻击对方，因此，对手法的要求较高。一要松柔灵活，二要弹性出手，只有这样才会使人的速度得到最大的发挥。三要充分利用一臂之长，如果对方的进攻不到我的一臂之长的范围之内，那么，他是无法打到我的。因为他的拳也只有一臂。四是手在何处从何处击人，这种出手方法拳路*，出手快，没有预示。五要出必问神，即每有真手出击，必有假手相佐，真手同时打到。

　　二、眼法

　　临敌时，要淡然对敌，面无所表示，使敌方无可捉摸。拳论曰：“神淡淡而对敌，形飘飘而迷离。交手时，只用双眼盯住对方的面部和双眼，用余光挂住其它部位就可以了。

　　三、身法

　　一要多用高姿势，少用低姿势，高姿势易变化，利于周旋，二要尽量侧身对敌，这样一来才能最大限度的减少可被敌攻击的面积。三要出拳时尽量保持出击的一条线。

　　四、步法

　　十字步是峨眉拳中的攻防步法。动作是：头向上领，四梢相牵，左脚左摆，右脚右摆，手随步法移动。攻远者用击步，*者用上步，防用套步或退步。在攻守中，有较大的灵活性，身体在移动中要成为一个整体。

　　五、时机

　　由于攻防的技巧动作不同，可以选择最佳时机。一是让法：敌向我进攻，无论何招何式，无非欲击我，若让开被攻击之位置，则敌无论如何势必落空。则“气势汹汹莫怕他，让开一步自枉然。二是闪打：闪与打相结合，彼来击我，我让开被攻击的位置，在闪开的同时打对方。三是顶法：亦叫堵法。当对方欲击我将动之时，我就先把你顶回去，使其无论何种招势都发不出来，后发先至。要掌握好上述三种时机，需要判断好对方的动态，探明对方真真假假，虚虚实实，才能达到能攻、能防。

　　六、意念

　　一。交手时，要把意念放在对方身上，这样做才能使自己处于彻底放松的良好状态。二。发手时，要把意念放在打击点的后面，这样做，击中时才能形成透力，意比形短是打人不远的。三。进攻时，要形追意，即一有进攻的念头，你的身形就要追着这个念头打击。只有这样才能达到意形合一的地步，才会除去技击中的多余动作而快速不可挡。

　　七、测距

　　目测：眼睛是灵敏、感觉最快的器官，能迅速、准确的判定对方的位置与动作变化。手测：手具有听力之奇特功效，在交手中，前臂伸出，以手掌为基点，来测定对方与我所处的位置距离。在与对方周旋的过程中，采用手法的测量确定位置、距离，比较准确，有利于攻击和防守。意测：是心理的感觉，通过观察对方的外形、技术水*等进行距离的判定。这可以较好的隐蔽自己的意图，达到出奇制胜的效果。

　　八、单练

　　峨眉拳要求在个人单练中要以练单式为主。练时意在形外，设敌如在前方，一式一式的练*。单式的练*要用两种方法进行。一是轻描淡写的方法，即练意的方法，以练*劲力的顺达，意念的集中和拳术内涵的领会。二是练力的方法，“刹时间集中全身之力于一拳，以排山倒海之势，雷霆万钧之力去拼搏。两种方法必须交替使用，以求得张弛相得，刚柔相济的结果，不允许用*均速度去练*，那是不符合实战中的实际情况的。

　　九、双练

　　双人练*是过渡实战的基础。分两步进行，一是由接手、揉手、探手、让手、攻手等的组成。通过练*，使*者掌握与对方交手时的时机感、距离感，以及对对方真假意图的判别和冷防的能力。不允许一上手就真打，全无分寸，那样容易造成伤害，应使*者不知不觉地向实战过渡。二是经过第一步后，所进行的.类似实战的攻防练*，*者可以运用自己练*后所掌握的法则和技巧互为攻防，任意制敌。

　　十、角度

　　脚步、手法、步法与手法的移动，能够改变攻防的方向以及角度，从而占有攻击防守的主动性和招法变化灵活性。一。脚步：防守脚步宜退左右斜线，进攻的步法，直线攻击用击步，左右方向攻击用斜上步闪打、闪踢。二。手法，可打上、中、下三法，上打头部、胸部，中打裆腹部。有立体角度的变化，就是身体侧身对敌。三。手法与步法相互配合的有机统一整体。头部、身体的转动，亦可改变步法、手法的角度。因此要求上下动作自然、协调、轻盈，“手如三春杨柳，步如风摆荷叶。

　　十一、不接手

　　在与敌交手中，峨眉拳主张不接手为上策，这是因为：一。天下拳术种类繁多，不可能提前知道各家拳术的变化，就是知道了，也是学不胜学，防不胜防的。二。你打你的，我打我的，扬长避短。三。行家出手，有真有假，接手就可能露空挨打。四。“男子自是力强，莫以力敌，女子自是质弱，当以法取。所以峨眉拳是一种巧的拳术打法，有人看了峨眉拳的打法赞曰：“七分巧，三分功夫，充分体现出了*武术传统的以巧胜拙的打法。当然功夫加上巧就更有威力了。因此，与敌交手中不招不架、不格不拦。无论用什么脚什么手，身**置的移动和变化，我只注意对方面部，就可攻击对方的躯体、四肢来制敌于要收不能、要发未至的半式之中。

　　十二、十字攻守秘诀

　　是“阵、探、让、随、逼、骗、闪、顶、藏、错，他有着独具的特点和技击法则，主要分两个层次，一是前八字法则(没一字法则有它单式招法)相互联系，运用综合，只有经过单练、双练这两个过程，才能基本达到实战的要求，后两个字“藏、错，技法难练，只有练好前八字秘诀的招法，掌握好他的法则，在次基础上在学*藏错招法、法则，学了它能使技法更进一步提高。

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武术散打技法

武术散打技法

　　散手又称散打，古代的时候称之为相搏、手搏、技击等，它是由*古代的战场和生死擂台发展而来的一项搏击竞赛。下面是小编为大家分享散打技法，望对大家有所帮助。

　　散打腿法有四大特点：

　　第一，腿居身体之下，每天担负着支撑身体的重大任务，再加对腿法作了专项训练，两腿十分有力量，同时大腿有人体最粗大的骨骼，下肌群也是人体最发达的肌群，腿和臂相比力量要大得多，当然戟力量自然要比拳大。日本武术界曾以科学方法测量泰拳手的腿踢力量，如边腿即横扫腿，力量是打拳最大力的五倍，腿踢力度可达500公斤。

　　第二，腿法进攻距离远，因为腿比臂长，拳谚道：“一寸长，一寸强”。

　　第三，腿法进攻隐蔽性好，腿在人体之下，距离对方眼睛较远，故有进攻隐蔽性好之特点。

　　第四，腿法多变，侧踢，正踹，*扫等多种进攻方法，连连出击变换莫测。

　　散打的腿法：

　　正蹬

　　左蹬腿：基本实战势站立，身体重心移至后腿，后腿略屈，左腿屈膝上抬，含胸，收腹，下腿贴*胸部脚尖勾起，脚底朝前下，随即左腿由屈而伸向前上方蹬出，力达脚跟，当脚触击目标时伸胯并使脚尖猛向前下方压踩，使力达全脚掌两拳，自然下落置体前目视前脚部,蹬腿后脚落下，还原成基本姿势。右蹬腿反之，要点：支撑腿可微屈保持*衡，上体不可过分后仰，屈膝上抬与左伸蹬要连贯。

　　侧踹

　　左侧踹腿：基本实战势站立，重心移至后腿，膝略屈，脚尖外展，左腿屈膝上，抬膝高于腰，脚尖勾起，脚底朝外侧下，随即小腿外翻脚，底朝向攻击点挺膝踹出，力达脚底，同时后腿挺直，上体向后腿侧倾，目视脚面，然后踹出，腿下落，还原成基本姿势。右侧揣腿反之。要点：提膝时上体略向支撑腿侧转，脚内侧与地面*于*行，踹出时身体向支撑腿侧倾的斜度随攻击点的高度变化，越高倾斜度越大，支撑腿应用脚前掌为轴碾地，使脚跟内收。

　　鞭腿

　　左侧鞭腿：基本实战势，重心移至右腿，膝略屈左腿，屈膝上抬，高过腰，上体后左腿侧转略倾，同时膝略内收，小腿略外翻，踝部放松，随即挺膝，使小腿从外向上，向前向内弧形弹击，并使脚面绷*使力达脚面或胫骨处，目视脚部，然后侧弹腿，下落还原成基本姿势。右鞭腿反之。要点：弹腿的膝部猛挺发力，但要借助拧腰切胯之力加大力度，弹腿时支撑腿膝伸直并以脚掌为轴，碾地，脚跟内收，上体不可过于倾斜。

　　散打的拳法

　　拳法在实战中有速度快，多变两种特点。能以最短距离、最快速度击中对手，在散打运动中有直、摆、勾、劈、鞭拳五种拳法。拳法利用的巧妙配合上其他的技巧，能给对手造成很大的威胁。

　　直拳：以左直拳为例，左势站立，右脚微蹬地，身体重心稍向左脚移动，同时转腰送肩，左拳直线向前击出，力达拳面，右拳自然收回颔前。实战范例：左右直拳抢攻对方头部。当对方侧弹腿进攻时，左手防守，同时右直拳反击对方头部。

　　摆拳：以左摆拳为例，左势站立，上体微向右扭转，同时左臂稍抬起时，前臂内旋向前里弧形出击，力达拳面，大小臂夹角约130度，右拳自然收回颔前。实战范例：左拳虚晃，右摆拳抢攻对方头部。当对方右蹬腿攻击我中盘时，左手里挂防守，随即用右摆拳反击对方头部。

　　勾拳：以左上勾拳为例，左势站立，上体稍向左侧倾，重心略下沉，左拳微下落，随即左脚蹬地，上体右转，挺腹前送左髋，左拳由下向上曲臂勾击，力达拳面，大小臂夹角约90度左右，右拳自然回收于颔前。实战范例：假动作虚晃，忽然上部靠进对方用上勾拳击其下颔。当对手以下前抱摔时，迅速后退用左勾拳反击其头部。

　　劈拳：是用拳外侧攻击对方肩、脖、颈等部位。它动作较大，凶猛有力，是主要杀伤对方的一种方法。

　　鞭拳：以右鞭拳为例，左势站立，以左脚前脚掌为轴，身体向后转180度，右脚经左腿后插步，身体继续右后转，同时以腰带动右臂向右侧横向鞭击，力达拳轮，左拳自然收于颔前。实战范例：左直拳假装进攻，随即突然用右鞭拳抢攻其头部，对手用左侧弹腿攻我中盘时，左手里挂防守同时以右鞭拳反攻其头部。

　　抱腿巧摔技法

　　一、抄抱扛腿摔

　　对方左腿支撑身体，提右腿向我胸部蹬来;我左脚向左前闪身上步，并用两手接抓抄抱住对方攻来之右腿。接着，我右后转身，成为并步，两腿屈膝半蹲，左肩从对方右腿下穿过，扛住对方右腿。不停，我两脚蹬地，两腿用力挺直，上体前倾弓腰，两手抓握住对方右腿踝部，向前下搬拉，使对方过我身向前下栽倒摔跌于地。

　　要点：接抱腿要及时、牢固，转身下蹲要快，扛腿时两腿要用力蹬地，左肩向前上扛，上体要前倾，两手要用力向前下搬拉。两脚蹬地、两腿挺直、扛腿与搬拉要协调一致，劲要整，力要快。

　　二、抱腿外拧摔

　　对方右腿支撑身体，提左腿向我胸部蹬击而来;我左脚前上一步，右前闪身，同时，用左手接抓托住对方左脚后跟，右手抓住对方右脚掌。接着，我两手抱抓住对方左腿向后引拉，并外旋拧对方左脚。不停，将对方左腿旋拧，使其站立不稳，边向外旋拧，边向上抬其腿，使其被旋拧地向外倒翻于地。

　　要点：接抓腿要及时，闪身进步要快速，引拉、向外旋拧及向上掀抬要协调一致。向外旋拧及掀抬对方左腿要有力。

　　三、抱腿掀送摔

　　对方右腿支撑身体，提左腿向我胸部蹬击而来;我左脚向前上一步，右前闪身，同时，用左手接抓托住对方左脚后跟，右手抓住对方右脚掌。接着，我抄抱住对方左腿，顺劲后引，将其腿引拉伸直，并向上掀抬其左腿，使其右脚被掀而起，站立不稳。不停，我向上掀抬对方左腿的同时，并向前推送其腿，使其向后摔跌于地。

　　要点：接抓腿要及时，闪身进步要快速，引拉、向上掀抬及向前推送要协调一致。向上掀抬及向前推送对方左腿要有力。

　　四、抱腿外旋摔

　　对方右腿支撑身体，提左腿向我胸部蹬击而来;我左腿右前闪身上步，同时，用左手接抓托住对方左脚后跟，右手抓住对方右脚掌。接着，我两手抱抓住对方左腿顺其来劲向后引拉，使对方右腿跪倒于地，我上体左转，左手向里、向上提拉对方脚后跟，同时，右手向外、向下压按对方左脚掌。不停，我两手继续用力外旋对方左腿，使对方被旋拧外倒翻于地。

　　要点：接抓腿要及时，闪身进步要快，引拉、向外旋拧腿要协调一致。向外旋拧对方左腿要有力。

　　五、抱腿手别摔

　　对方右腿支撑身体，提左腿向我胸部蹬击而来;我左腿右前闪身上步，同时，用左手抄抱托住对方左脚后跟部，右手上抬于对方左腿上方。接着，我前弓腰，并用右臂挟抱住对方左小腿部，我左臂伸直从对方裆下向对方右腿后侧伸出，搭按于对方右大腿后侧部，左大臂部抵靠在对方左大腿内侧部。不停，我左肩及左大臂向前用力抵靠对方左大腿部，我左手向外后侧用力别对方右大腿后侧部，运用左臂扛杆之力，将对方别倒后侧旋摔于地。

　　要点：抄接腿要及时，右臂挟抱对方左腿要牢固，左臂要挺直，从对方裆下伸过，肩与大臂用力抵靠对方左大腿内侧，左手向外后用力别其右腿，靠、别用力要协调一致，发力要快猛。

　　六、抱腿切颈摔

　　对方左腿支撑身体，用右蹬腿向我裆部蹬来时;我左脚前上一步，成为左弓步，并用左手接抓住对方右脚脖处。

　　接着，我左手顺其蹬来之劲向后引拉及向上提对方右腿，并速前上右脚一步于对方左腿外侧，勾挂住其左腿，我右手从对方头颈右侧伸过。

　　不停，我左手提拉着对方右腿向左上方提送，右手向右后切按对方头颈右后侧，将对方切按摔倒于地。

　　要点：接抓对方右脚脖要及时，上步要快速，勾绊腿与向左前上方提送对方右腿和右手向右后切按对方右劲后侧要协调一致，发力要整、要快。

　　七、抱腿后绊摔

　　对方右腿支撑身体，并用左低边腿向我右肋部踢来时;我左脚速向前上步进身，成为左弓步，并用左臂抄抱对方踢来之左腿，同时左掌向前按推于对方左肩部。接着，我右腿向前上步于对方右腿外侧后方，挂绊住对方右腿。不停，我右腿向后别绊对方右腿，同时我右臂挟抱住其左腿上抬并前送，左手用力向前下推按对方左肩胸，使对方后跌摔于地。

　　要点：抄抱腿要及时，进步要快速，挂腿别绊要牢固，右臂抱腿要向上抬并前送，左手前推按肩与右腿后别绊对方右腿要协调一致，同时用力，发力要整、要快。

　　八、抱腿后靠摔

　　对方前上右脚一步，成为右弓步，同时，用左拳向我面部击打而来;我右脚前上一步，成为右弓步，同时用右手接抓住其腕。接着，我右手握其左腕顺其来拳之劲向后引带，并前上左脚一步于对方左腿外后侧，绊住对方右腿，我上体稍前倾，左臂伸直从对方裆下伸进穿出。不停，我左臂抵靠住对方右大腿内上侧，左手别按住对方左小腿内后侧部，用力别其腿的同时，我左肩紧靠住对方腹部向左后用力猛靠，将其靠倒，向侧后摔于地上。

　　要点：接抓腕要及时，上步进身要快速，领臂、进身与左臂伸进过裆要同时;左臂要伸直，别对方之腿与左肩后靠对方腹部要协调一致，发劲要整、要快。

　　九、抱腿按膝摔

　　对方左腿支撑身体，用右高边腿向我胸部踢来;我左脚前上一步，上体稍向右转，并用左大臂阻挡住对方之来腿。接着，我左臂就势，从对方右腿下向上抄抱住对方右腿，右脚向前上步于对方左腿内后侧，别绊住其左腿，我上体左转，右手按于对方右膝关节内侧。不停，我右腿别绊对方左腿，我用胸部前下压对方右腿，右手用力猛向前下推按对方右膝内侧，将对方推按、别绊摔跌于地。

　　要点：左大臂阻挡对方右腿的`踢击要及时，抄抱对方右腿要牢固，上步要快速，别绊住对方左腿，使其不能变化，别腿与推按其膝要协调一致，劲力要整，发力要快速。

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工笔画的18种染色技法

工笔画的18种染色技法

　　工笔画中，线条是骨架，也是灵魂，更是*画中笔情墨趣的重要体现。线条的提高几乎没有什么捷径，主要是靠多加练*。下面我们主要是来谈谈工笔画的18种染色技法。

　　1、双钩

　　工笔画中，尤其是工笔重彩画，双勾设色是最为明显的画种特征。“双勾”就是物体的体现是靠“线条勾勒”而出的意思(原为书法术语：法书上石,沿其笔面的两侧外沿以细线钩出，称为“双钩”)。

　　如本图所示竹叶即为双钩描绘。不管是竹叶还是竹竿，都是沿着外缘勾线塑造形体而成。

　　2、*涂

　　在一定范围内均匀填涂某一种没有浓度变化的色彩，称为*涂。工笔画的基础技巧之一。

　　如本图所示竹子的正叶即为*涂淡翠绿色，反叶是*涂淡汁绿色。基本没有任何浓淡变化，色彩也不能超出物体的轮廓墨线以外。色块要求匀净整齐。

　　3、统染

　　在绘制工笔的过程中，根据画面明暗处理的需要，往往需要几片叶子、几片花瓣统一渲染，强调整体的明暗与色彩关系，称为统染。

　　如本图所示竹叶目前就是用淡花青进行了统染，主要就是根部往尖部大面积统染，根部的主筋附*没有留水线，统染其实就是一种大范围色调的渲染。

　　4、分染

　　工笔画绘制中最重要的染色技巧。一支笔蘸色，另一支笔蘸清水，色笔在纸上着色以后，再用水笔将色彩洗染开去，形成色彩由浓到淡的渐变效果。为了和统染有所区别，我们通常将小面积、局部的、较为细致刻划的渲染称为分染。

　　如本图所示竹叶部分进行了分染，这一步已经留出左右的水线，每片竹叶的色彩都互相不混淆，画面慢慢的就细致起来了。

　　5、提染

　　分染接*完工时用某种色小面积、局部提亮或者加深画面称为提染。

　　如本图所示，竹叶的根部局部加深，底层竹叶用墨青色小面积浓色加重，就是提染的画法。

　　6、罩染

　　在已经着色的画面上重新罩上一层色彩并局部渲染。

　　如本图所示竹叶最后表层的翠绿大面积*涂，到达叶尖部分以后，淡淡染开，就是罩染的处理手法。

　　7、醒染

　　在罩色过后色彩略显发闷的画面上用淡淡的深色重新分染，以引出底色部分，重新使画面醒目。

　　如本图所示竹叶在罩染翠绿以后，底层叶面暗处略微发闷，此时可用中墨略略提染最暗处，引出底层的墨青色，此步骤就是醒染。

　　8、烘染

　　在所描绘的物体周围淡淡的渲染底色用来衬托或掩映物体。

　　如本图所示竹叶的周围用淡绿色大面积烘染，让物体不会显得过于孤立，增强物体和背景的联系。也可称之为“衬染”或者“托染”。

　　9、复勒

　　设色完成以后，用墨线或色线顺着物体的边缘重新勾勒一次。

　　如本图所示竹叶的反叶和枝梗部分用淡胭脂再次勾勒，透出淡淡的红晕，线条部分也会显得滋润许多，即为复勒的功效。而正叶中间短主筋的浓胭脂提勒，则起到提神的作用。

　　10、水线

　　工笔画常用手法之一。工笔设色中遇到物体的边缘或者线条的时候，经常会采用留一道亮边的手法来区分局部色彩或用来保留线条或用来体现物体的厚薄程度，这条亮边就称之为水线。同时，保留水线也能较好的体现出工笔国画所独有的装饰趣味。

　　如本图所示牡丹叶片上紧贴主筋的那条亮的色带就是水线，描绘适宜能带来很好的装饰美感并能增加叶片的厚重感。

　　11、渍染

　　一种见笔触的湿染法，色笔较干，略带皴擦，然后用水笔趁湿点染，破开原有的色彩，常见于破碎叶片边缘的处理。

　　如本图所示临宋画《枯树八哥图》的叶片边缘因为破碎，采用渍染法的手法来处理就较为合适。

　　12、斡染

　　水笔在色块的四周旋转，将一块色彩向四周染开。画仕女脸颊的红晕时即是采用此法，工笔牡丹的绘制中尤其是反瓣根部的着色也时常会采用此法。

　　如本图所示最上层的几片牡丹反瓣的曙红色就是集中在花瓣中间，由中间往四周逐渐淡去，就是采用了斡染的笔法。

　　13、点染

　　用接*写意的笔法，一笔蘸上深浅不同的色彩在画面上连点带染，取灵动之意。处理背景或小型花卉的时候时常用到此法。

　　如本图所示的坡地和杂草即为点染法所绘。此法妙在生动自然，带有一定的写意笔法在其内，能让画面显得活泼不呆板。

　　图片

　　14、接染

　　用两支或两支以上的笔蘸不同的颜色画出物体不同的深浅色相，然后用水笔或者另外的色笔趁湿润的时候将颜色接染融合在一起。常见于没骨画法或者背景上比较虚一些物体的处理。

　　如本图所示的远景荷叶即用淡褐色和花青以及墨绿色接染而成。此法如运用适宜，画面湿润自然，气韵生动。

　　15、立粉法

　　点花蕊的重要手法之一。长锋笔饱蘸粉黄(藤黄加白色)，也可略调一点胶进去，色彩的浓度要非常大(将滴欲滴的感觉最合适)，同时竖立笔锋，缓慢点出蕊的形状，湿润时色彩会高出纸面1毫米左右，等干了就会形成两边高中间凹的视觉效果，很有立体感。

　　如本图所示梅花的花蕊即为立粉法为之，花蕊的体积感和视觉效果都很好。而仅仅单纯用普通粉黄色**的点一下是无法显示这种效果的。

　　16、冲彩法

　　现代工笔常用肌理手法。在熟宣上先涂上某种颜色，在底色还没有干的时候趁湿润冲入别的色彩或清水或胶矾等。利用水和色的交融，产生一种斑驳无序的自然肌理美感。绘制老干、坡石等处常用。“撞粉法”、“洒盐法”所运用的原理皆和冲彩法类似。

　　如本图所示老干部分，就是先*涂赭石，在色彩未干时冲入四绿、重墨、头青等色，再滴入清水，这种色彩斑斓的效果就是冲彩手法所致。

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古诗词鉴赏方法与技巧

古诗词鉴赏方法与技巧

　　在*日的学*、工作和生活里，大家都没少做古诗词鉴赏吧？古诗词鉴赏，通常是体会诗词中的字词、意境、句意、语言特色、主旨、技巧、结构思路等更深层次的内容。很多人在面对古诗词鉴赏的时候都很头疼吧？下面是小编为大家收集的古诗词鉴赏方法与技巧，欢迎阅读与收藏。

　　一、鉴赏诗歌的形象

　　鉴赏诗歌的形象就是通过分析诗歌意象的个性特征，感悟其中所包含的作者的思想感情和诗歌的社会意义。

　　A、注意意象的色彩(字面和暗示)。 色彩传递着诗人不同的情感体验。

　　暖色—热烈活泼、积极向上、意气风发; 冷色—冷漠低沉、消极颓唐、孤寂凄凉。如：“两个黄鹂鸣翠柳，一行白鹭上青天”(杜甫《绝句》)，诗中“黄、翠、白、青”四种鲜明的色彩，织成一幅绚丽的图景，传达出无比欢欣的心情。

　　B、通过动静结合，相互映衬的手法开拓诗境，传达情感。如：“人闲桂花落，夜静春山空。月出惊山鸟，时鸣春涧中。”(王维《鸟鸣涧》)，诗中“花落、月出、鸟鸣”这些动态的景物，既使诗显得富有生机，又突出显示了“春涧” 的幽静。

　　C、诗歌的形象有时与民族历史文化、传统风俗*惯、生活方式、心理特点等各方面发生联系，被赋予某种特殊意义。我们在鉴赏时要优先考虑这些具有象征意义的特殊意象。特殊意象：

　　“望月怀远” 、“伤春悲秋”、“见流水则思年华易逝，梧桐细雨则凄楚悲凉”。

　　鸿雁——思乡，信使;

　　杜鹃——薄命佳人，忧国志士，哀惋，至诚;

　　鹧鸪——思乡，凄情;东篱——山尘脱俗之境;

　　菊花——高洁品质;杨柳——依依离别;

　　岁寒三友(松、竹、梅)——傲骨

　　桃花——美人;鸟——自由。

　　分析诗歌形象应注意景和情、物与 情;景和人，物与人之间的关系。

　　a、借景抒情 “明月松间照，清泉石上流。”(王维《山居秋瞑》)

　　b、托物言志 “零落成泥碾作尘，只有香如故。”(陆游《卜算子?咏梅》)

　　“粉身碎骨浑不怕，要留清白在人间”。( 于谦《咏石灰》)

　　c、感物伤怀 “谁怜一片影，相失万重云?”(杜甫《孤雁》)

　　d、情景交融 “迟日江山丽，春风花草香。泥融飞燕子，沙暖睡鸳鸯。” (杜甫《绝句》)

　　二、鉴赏诗歌的语言

　　1、熟记常用术语，如：准确、生动、形象、传神、凝练、精辟、简洁、明快、清新、隽永、新奇、优美、绚丽、工丽、含蓄、质朴、自然、奔放等。

　　2、注意“诗眼”(“炼字”)

　　如：“红杏枝头春意闹”;“春风又绿江南岸”;“映阶碧草自春色，隔叶黄鹂空好音。”

　　“疏影横斜水清浅，暗香浮动月黄昏。” ——梅影疏淡，幽香缕缕，梅花神态活现。

　　“羌笛何须怨杨柳，春风不度玉门关。” ——明显用了拟人手法，既是曲中之情，又是吹笛人之心。

　　“感时花溅泪，恨别鸟惊心。” ——用字新鲜，突出了诗人内心的痛苦。

　　3、注意 “炼句”

　　由于诗歌篇幅、韵脚的约束或修辞的需要，诗人往往会对诗句进行特殊的处理，所以我们必须掌握一些古诗词的语法知识，才能读懂诗歌，进而鉴赏诗歌。

　　A、词类活用

　　如：李商隐《无题》：“晓镜但愁云鬓改，夜吟应觉月光寒”

　　常建《题破山寺后禅院》：“山光悦鸟性，潭影空人心”悦，使……欢快;空，使……空明。

　　B、互文见义

　　如：杜牧《泊秦淮》“烟笼寒水月笼沙” ——烟月笼罩着寒水，烟月笼罩着沙。

　　杜甫《客至》“花径不曾缘客扫，蓬门今始为君开”——花径不曾缘客扫而今始为君扫，蓬门不曾缘客开而今始为君开。

　　C、倒装

　　如：王维《山居秋暝》“竹喧归浣女，莲动下渔舟” ——“竹喧浣女归，莲动渔舟下”。

　　杜甫《秋兴八首》“香稻啄余鹦鹉粒，碧梧栖老凤凰枝” ——“鹦鹉啄余香稻粒，凤凰栖老碧梧枝”。杜甫在这里主要写京城长安的风物之美，强调那里的稻米和梧桐的非同寻常。

　　D、省略

　　“山河破碎风飘絮，身世浮沉雨打萍”

　　“鸡声茅店月，人迹板桥霜”

　　三、鉴赏诗歌的表达技巧

　　1、表现手法：

　　托物言志、情景交融、寓理于事、联想、想象、渲染、对比、衬托、虚实结合、动静结合、正侧面结合、直抒胸臆、卒章显志、借古讽今、欲扬先抑、欲抑先扬等;

　　2、修辞手法：

　　比喻、比拟、借代、对偶、夸张、象征、对比、衬托、双关、设问、反问、反语、通感、互文、用典、化用、叠词等;

　　3、表达方式：叙述、描写、抒情、议论。

　　寓理于事：

　　诗歌分抒情诗和叙事诗两大种，其中还有一种说理诗，虽数量不多，但影响颇大。这些诗都是通过具体事物来说理。几大诗人如杜甫、陆游、苏轼的作品中经常可以看到深含理趣的句子。

　　“横看成岭侧成峰，远*高低各不同。不识庐山真面目，只缘身在此山中。”(《题西林壁》苏轼)——说明陷在里面不能跳出来，往往被各种现象所迷惑，看不到事件的真相。

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对联书写的格式与技法

对联书写的格式与技法

　　对联，又称对偶、门对、春贴、春联、对子、楹联等，是写在纸、布上或刻在竹子、木头、柱子上的对偶语句。对联对仗工整，*仄协调，是一字一音的汉语独特的艺术形式。对联是*传统文化瑰宝。下面是小编为大家收集的对联书写的格式与技法，希望大家能够喜欢。

　　一、关于对联书写格式

　　所谓格式(或称款式、样式)，就是指对联书写所表现的形态。虽然简单讲，对联书法就是两行竖写的作品，但它们的表现形态并不完全一样，字面的排列也不尽相同。就格式而言，笔者姑且把它归纳为以下四种：

　　1、两张“条幅”式：条幅是竖行书写的长条作品，上下长，左右窄，呈竖式，是对联书写最为常见且使用频率最高的一种格式。具体讲，“条幅”是指将整张宣纸竖着裁成两半，或裁成三个长条，尺幅呈横短竖长的形状。它一左一右两边张贴、悬挂或镌刻。由于实用对联一般文字较少(短则四五言，长则十几言)，两边正文分别从上到下一行便可写完。这种对联书法使用范围较为广泛，书斋、厅堂、楼宇、店铺、名胜古迹和展览最为常见(见图1)。

　　2、单张“中堂”式：中堂是较为宽大的条幅。顾名思义，中堂一般挂在屋子客厅正面墙上的正中。中堂是指整张宣纸书写的作品，通常情况下，宣纸的长宽比例为2:1，以竖式为准，整张宣纸的尺寸，有三尺、四尺、六尺、八尺等。将整张宣纸竖式不用裁开，联文按左右两行写在一张纸上，竖着悬挂。这种样式常见诸于居室布置、书法展览、书报杂志和网络(见图2)。按照传统，对联的尺幅可以等同于中堂的尺幅(就宽度而言)，也可以小于中堂的尺幅，但不可以大于中堂的尺幅。

　　上述条幅式属于单边一行(特指正文)，左右形成一对，上联在右，下联在左，不可反置;中堂式属于单幅两行。这两种格式一般适用于书写中短联。

　　3、“龙门”式：有的联文多则几十字，甚至百余字，书写这种长联就必须用“龙门”对格式加以处理。龙门对的特征是：上下联至少是两行甚至数行，上联自右向左排列，下联相反，自左向右排列。上下联行数相等，每行字数相等。

　　上下联的最后一行不能写满，必须留有足够的空位用于落款。由于两支单联相向相隔，相互对称，形同一道双扇门，故俗称“龙门对”(见图3)。

　　采用这种格式，可以在整张宣纸上(按中堂式)书写，也可以裁成两张条幅式，分开书写。这要根据实际用途和场合来选择。如果用于镌刻牌楼、庙宇等建筑物的门柱，就必须裁成两行细长的条幅书写;如果只是用于居室悬挂，或展览、刊印，那就写成整张中堂式就可以了。

　　4、琴对式：琴对是指联文集中于条幅上部(长度约占五分之四或四分之三)而将款文置于联文之下，其形状像一张琴一样的对联(见图4)。琴对一般字数较少，往往四五言居多，一般不会超过七言。上款置于上联联文之下，下款置于下联联文之下。联文字少而纸长时，多采用这种书写形式。字少显得大方醒目，字多就会局促与拥挤。“琴对”一般用两张条幅分开书写，也可以在一张中堂上书写。

　　以上四种书写格式，都体现了上下联形式上的两行“双边对称”，是传统的书写方法，不能随意变化、也不能刻意创新的。那么，对联书写是否还可以用其它样式来表现呢?答案是否定的。如果现实当中真有另外的对联书写形式，姑且也只能算作“联文横幅”、“联句斗方”、“联语扇面”之类了，而非严格意义上的对联书法。

　　二、关于对联书写和钤印技法

　　对联书写的技法或者说章法，包括正文、落款和钤印三部分，这是书法作品的三个基本要素。三者之间有机结合，关系密切，相辅相成，缺一不可。

　　(一)、正文的写法

　　正文是对联书法的主体，占据主要画面，处在中心和醒目位置。好比一个人的脸面，往往决定整个人的基本形象。因此，正文书写好了，整幅书法作品就成功了一大半。写好正文，应把握好以下几个方面：

　　一是文字的可读性。就是容易辨识，使人一目了然。我们知道，对联书法具有独特的大众性、实用性与观赏性。特别是那些镌刻于建筑物门柱上的对联，永久性地在公众视野中供人们赏读，这就必须让人一看而知。如果人们连猜带蒙了半天还不知所云，即使对联内容再好，书法再精彩，都无观赏和存在的价值。倘若书法家不考虑对联书法的特定场合，而一味去追求所谓艺术特点和个性，把字写得龙飞凤舞，奇异怪诞，一般人费时半天也认不出来，这就失去了应有的宣传效果。所以，要充分考虑书作的受众(是多数一般公众，还是少数书法行家)对象的不同，切忌不加构思，不问对象和用途，信笔拈来，一挥而就。

　　二是字的书写位置。一幅对联书法首先进入人们视线的是两行正文，这是主体和重点。因此，要注意上下字距(即单个字的中心点)相等，左右对称。也就是从纵向看，使每个字的重心基本保持在一条垂直中轴线上，不要左右偏斜;从横向看，左右对应的字基本保持在一条水*线上，不要上下错位，以免造成不稳定感。字与字之间大小要基本保持均衡，不要反差太大。特别是像书写龙门对，由于字数和行数较多，每一行都要*头顶格，做到纵成行，横称列，使之整齐划一，左右协调。数字较多的联文，更要注意纵向与横向排列的整齐划一，左右对称与协调。同时，对联本来字数就少，要注意每个单字的上下左右、大小基本保持一致，不能相差太大。为避免单板，当然可以稍有变化，不必像写在标准的米字格中那样，直径大小几乎个个一样，分毫不差，但必须保持大体均衡。

　　三是字体的选用。*书法包括篆(甲骨文，大、小篆)、隶(汉碑及秦汉简帛书)、楷、行、草(章草、今草、大草)五种书体。其中，介于楷书和行书之间的称为行楷;介于行书与草书之间的称为行草。一般来说，它们都可用来书写对联，进行再度创作。但一定要充分考虑对联书法的实用性和观赏性务必保持一致，因地制宜，根据不同对象和场合，区别对待。就书法艺术与实用效果而言，对联书写选用字体应注重实用性。具体说来，对于受众量较大，易于辨识，可供永久性观赏的`对联，诸如店铺、牌坊、石碑、名胜、楼台亭阁等建筑物，应以楷书、行书、隶书为主;至于篆书、草书(特别是狂草)等，一般适用于居室、书展和刊印，以及书家之间的交流等这些受众面较少的场合。

　　四是字的结体、笔划要清晰、流畅。书写对联，通常正文字数较少，因此，要做到每个字的线条、笔划要清晰、流畅，不能出现运笔线条模糊、交叉不清或炸墨、枯笔、断笔等痕迹。尤其是需要镌刻在木板、竹子、石柱、石碑上的对联，如果书写不到位，会给雕刻家的再度创作带来困难，也难以保持书法作品的墨迹原貌。

　　书写对联，其中正文是主体和中心，若在两张单个条幅上自上而下分别一行写完，一定要使字形处在纵向中心线位置，不能偏移。若是书写龙门对，由于字数和行数不同于短联，就必须事先计算并折好格子，纵向多少字，横向几个字，上下联的最后一行各留下多少空格用于落款，都要安排好，来不得半点马虎。

　　这里要特别提醒，龙门对正文由于字数较多，一行写不完，至少是两行甚至数行，就要注意上下联的最后一行既不能写满，必须留有足够的题款空位;字数也不能太少，其书写字数与相邻行相比，其长度一般不少于三分之一。如只写一两个字，就显得不协调，缺乏美感。如果是写中堂式的整张短联，宣纸虽然没有裁成两半，但方法是想通的，即纵向将纸折成对开，再按两边折好中心线确定正文位置就可以了。

　　下面具体谈谈五种书体的基本特征和不同的处理方法：

　　1、篆书。篆书是甲骨文、大篆、小篆的统称。甲骨文是镌刻在龟甲和兽骨上的文字，距今已有三千多年历史，是传世最早的可识文字，古人主要用于占卜。笔法瘦劲挺拔，直线较多。起笔有方笔、圆笔，也有尖笔，手笔“悬针”较多(见图5 )。大篆指金文、籀文、六国文字，他们保存着古代象形文字的明显特点(见图6)。小篆也称“秦篆”，是秦国的通用文字(见图7)。

　　不论甲骨文还是大小篆，都是各自独立，不相牵连，属于静态书体。其中小篆字形偏长，石鼓文偏方，但字形均大小整齐均匀。甲骨文及钟鼎文等字与字则有大小、长扁、欹正的差异。

　　篆书联一般用在古庙宇、古殿堂，保持与时代空间相和谐的古朴肃穆的整体效果。篆书的用笔要藏头护尾，笔笔中锋，圆转自如，提按微妙，力感内蕴，接笔自然不留痕迹，笔笔挺健。

　　篆书联字形大小一般保持一致，不作大的变化，字与字之间的关系处理，宜松不宜紧，一定要留出宽松舒朗的字距，使之笔笔可见，字字醒目。上下联关系的处理，一定要左右对称，排列整齐。

　　2、隶书。隶书至东汉达到鼎盛时期，是我国书法以符号取代象形文字的重大转变。以《张迁碑》、《曹全碑》、《礼器碑》为其代表作，大多为古代圣贤颂扬功德内容的文词。用笔以“一波三折，蚕头雁尾”为主要特征，与篆书相比，生动性大为增强;结体扁方形，与篆书相比静感大为增强。隶书联整体效果端庄大度、沉稳静穆，用于庙宇厅堂较为适宜。隶书联的结字大小同篆书一样，不作太大的变化，基本上保持字形的一致。但字与字之间的距离应比其他书体的字距更疏松一些，上下联各字左右对称。成熟定型的汉碑隶书也属整齐、静态的书体，字形多呈扁方，写对联字占一格。不论是正方形格还是长方格，都使联文自然成横势(指龙门对)，即竖排行间紧密，字距较大，横列明显，这是隶书特有的章法形式，也可字占扁方格，使竖横间距基本相等，形成横竖均匀的布局(见图8)。

　　结体扁*是隶书的突出特征，在章法处理上只有大胆布白，方可增强其空灵感，有字处为实，无字处为虚，虚实相生。如果将一个个扁*的隶字上下紧靠在一起，就会显得死气沉沉。

　　3、楷书。楷书也叫正楷、真书、正书，由隶书逐渐演变而来，更趋简化，横*竖直，它“形体方正，笔画*直，可作楷模。”主要指唐楷和魏碑(另有晋人小楷、写经体等)，属于规范、整齐、静态的书体。书写联文时，字占一格，字形大小基本一致(见图9)。

　　楷书联同样适用于庄重肃穆的殿堂庙宇和庄重场合。其书写形式，除了要求上下联对称整齐之外，在字形上一定要遵循“因字赋形”的原则进行变化。如果将楷书联中各字写得无大无小、无长无短，无轻无重、无方无圆，就没有什么艺术性可谈。

　　4、行书。行书是以楷书为基础，糅入一些草书的写法，化繁为简，点画萦带，字势连绵，笔意活泼，字形大小可随势伸缩，形成美观易识，书写流便，颇具实用与鉴赏价值的书体(见图10)。

　　行书因其介于楷书和草书之间，体势的动静、流驻有较大的回旋余地，故又有行楷与行草之分。若以行楷为联，可参照楷书章法，竖成行，横成列;也可竖成行，横不成列，求其行气紧凑。还可横竖间距适当放宽，章法舒朗萧散，别具一格。行草对联则可利用字势连绵，结体自由活泼的特点，章法上只求上下联整体均衡，气韵贯通，彼此照应，不求每一字每一局部对称，以便在整体基本对称中尽可能形成参差、错落的章法变化，更好地发挥行草书的艺术性和表现力。但要注意上下联起头*齐，收尾基本一致，不应轻重、疏密、长短过分失衡，致彼此相隔相悖，风格不一，杂乱无章，破坏了对称统一的基本要求。

　　行书联的适用范围最广，无论皇宫殿堂、庙宇宗祠，楼台亭阁、书房卧室等，都可以行书为之，因为行书既美观大方，又易写易认，为最大众化的书体。因此，在书写行书联时，在上下联基本对称整齐的前提下，用笔和结体比之楷书要作更大胆的变化。

　　5、草书。草书是为了书写便捷而产生的一种书体。特点是结构简省、笔画连绵。它形成于汉代，是为了书写简便在隶书基础上演变而来的。有章草、今草、狂草之分。章草是早期限草书和汉隶相容的雅化草体，波挑鲜明，笔画钩连呈“波”形，字字独立，字形扁方，笔带横势(见图11 )。汉末，章草进一步“草化”，脱去隶书笔画行迹，上下字之间笔势牵连相通，偏旁部首也做了简化和互借，称为“今草”(见图12)。到了唐代，今草写的更加放纵，笔势连绵环绕，字形奇妙，变化百出，称为“狂草”，也叫大草(见图13)。到了今天，草书的审美价值远远超越了其使用价值。草书是按一定规律将字的点划连接，结构简省，偏旁假借，并不是随心所欲的乱写。草书符号的主要特征之一是笔画带钩连，包括上下钩连和左右钩连。章草笔画用“一”形，今草笔画用“S”形。这是两者的根本区别。

　　书写章草联与隶书*体相同，即字距舒朗，大面积布白，有突出的虚实效果。写大草联，上下联各字不必左右排列整齐，每个字的大小、长短，可以根据整体需要进行大幅度调整，只要上下联首尾长短无太大悬殊即可。

　　草书和篆书有相同之处，即有不易辨认，实用价值较低，而艺术欣赏价值较高的特点，一般用于室内欣赏。故不宜书写用于大庭广众的实用对联，更不宜书写字数较多且超过两行的龙门对。

　　至于不同字体所实用的范围，是相对的而不是绝对的。每种书体都有不同风格，或典雅端庄、或古朴厚重、或潇洒奔放、或老辣劲健、或圆润清秀等。可以根据不同环境场合和书写者的特长，选用相应的风格。

　　(二)、落款的写法

　　落款就是署名和题款，是指书法作品中除正文以外的书写内容。落款包括：正文内容的出处、赠送对象、创作缘由、创作时间、作者姓名字号等。

　　落款的格式有“双款”和“单款”两种，双款是将书赠对象与书写者分别落在正文的上方和下方，前者为上款，后者为下款。上款写明作品内容的名称、出处、受赠人的姓名;下款记述创作年月、创作地点、作者姓名(见图14)。上款：位置比较高，以示尊敬之意，包括姓名、称呼、谦词。下款：写时间、地点、姓名、谦词。

　　有下款没有上款的称为单款，单款可以包括上款的内容，也可以不包括上款的内容。如果没有书赠对象，就只落单款(见图15)。单款因字数的多少有长款、短款、穷款之分。长款即在正文出处书写时间、名号、地点前面再加上作者创作这幅作品的感想或缘由，文字应情真意长，使人玩味无穷。它不仅能起到调整作品重心的作用，也从中体现出作者的人品和修养。短款即只落正文出处、时间、名号、地点等其中几项。若作品空白较多或出于构图的需要，可以落长款;若作品内容占画面较满，则需要落短款或穷款。如果余纸不多，留白太少，亦可只落作者的名号，谓之“穷款”(见图16)。只落穷款的好处是此类作品便于转赠、交换、拍卖等。

　　经过长期的发展，落款已经成为书法作品不可分割的一部分，在整幅章法中起着补充、协调、映衬的作用。落款虽然不是作品的主要部分，但款识安排合宜与否，直接影响作品整体的艺术效果。古人谓之“妙款一字抵千金”，款字往往又能反映书写者的艺术修养和创作水品，所以在对联书写中，不仅要讲究作品的正文布局，落款方面也要下功夫。

　　除以上两种基本落款外，还有一种全覆盖式的落款，即分别在上联左右两侧和下联左右两侧因内容需要写满题字，共有四行(图17、18)，这基本属于“双款”范畴，故不必单独归类。

　　从书法角度看，题款本是作品章法的重要组成部分，起到协调、丰富、完善整体章法的作用。故不能因其不属于正文而忽略它，而应将其纳入对联整体章法的创作构思。在一幅完整的对联书法作品中，可以不题上款，但必须要有下款。

　　一幅作品作品究竟是用单款还是双款，长、短款还是穷款，应视具体情况灵活运用，没有固定格式。

　　在书写对联落款时，主要应把握以下几点：

　　一是落款的字体必须与正文相协调。款字与正文书法字体可以完全一致，可以有所区别，也可以完全不同，需要根据正文字体来决定。一般是隶不用篆，楷不用隶，行草不用楷。传统的写法是“文古款今”、“文正款活”、“动不挈静”、“今不越古”。若以隶、魏、楷为正文，就用楷、行落款;若以大小篆为正文，就用隶书、楷书、行书落款;草书落款，除用于自身草书外，因较难识别，一般不用于落款。实际上，通常以行书落款较多，这样既易识别，又避免了呆板。另外，在书写像篆书、特别是甲骨文等不易识别的字体时，往往于落款时在正文一侧附加释文，以帮助认读。

　　二是落款的字体大小必须与正文协调。款字的题写必须小于正文字，大小一般占四分之一至三分之一。具体落款时，款字还应根据留白大小而定。如果留白大而款字太小，则无法稳住作品重心;如果留白小而款字太大，则轻重失调，喧宾夺主。

　　三是上款不能与正文齐头，一般应低于正文一字为宜，落在上半部;下款也不能与正文齐*，应留有一定的空白，一般处于中下部位置，否则会给人以呆板及闷塞之感。

　　四是落款与正文如果同行，二者之间应留有间隙，不能挤得太紧。其间隙一般为一个款字宽度左右。

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从影视台词中撷取语言技法

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