练钢琴说说

正确科学的练*钢琴方法

正确科学的练*钢琴方法

　　钢琴的技巧性极强，比起其它专业要付出更多的时间和精力。但是在花费相同时间的前提下．每个人的练琴收效却是不同的。这在很大程度上取决于练琴方法和练琴*惯是否正确。下面是小编帮大家整理的正确科学的练*钢琴方法，仅供参考，大家一起来看看吧。

　　正确科学的练*钢琴方法：

　　培养学生正确的练琴方法和*惯，不仅能使他们钢琴学*进步较快，对于其它课程的学*也会起到促进作用，井将使他们终生受益。这是因为他们通过学琴掌握了科学的学*方法，增强了独立学*的能力。可以说，学琴使他们变得更聪明。

　　目前学*钢琴的学生，尤其是业余学琴的学生．同时还要学*许多其它课程。中小学生课业负担比较繁重，课余时间不多，因此如何有效地使用练琴时间就成了一个关键性问题。

　　在有限的时间里，怎样提高练琴的质量和效率呢?这个问题需要在教师的指导下解决。可以说．在教授钢琴的过程中始终贯穿着一个教会学生怎样练琴的课题。要知道，正确科学的方法是很难自然形成的，需要教师有意识地加以培养。如果在这一问题上对学生放任自流，错误的*惯一旦养成，改正起来就相当困难了。“无诚意的练*是无价值的。思想不集中，粗心大意的反复练*是浪费时间，会使听力和演奏上的坏*惯增强，比不练还要坏”。这是日本著名音乐教育家铃木镇一教授对不正确的练琴*惯一针见血的批评。

　　练琴的目的应该是发现问题，解决问题．因此在练琴时要学会自己既当学生又当老师。练琴是否有成效，关键在于对自己的要求是否严格。练琴时，如果只是一遍遍机械地重复曲子而不加以思考和分析，效果是最差的。练琴需要头脑、眼睛、耳朵、手脚及身体有关部位的积极配合。特别足头脑要能清醒地指挥自己，耳朵要仔细地聆听自己弹奏的声音并不断给自己挑毛病，精神要高度集中。因为在精力涣散的情况下，是很难达到这些要求的。

　　钢琴是一种技术艰深的乐器。所以在学琴阶段要尽量做到天天练琴，绝不能三天打鱼，两天晒网，练琴时间也要相对集中。时间有了保证，才可能熟练地掌握弹奏技巧。为了提高单位时间的练琴效率，就要认真细致地安排好自己的练琴时间。可以制定切实可行的练琴计划，合理、科学地分配时间。如作业中包括基本练*、练*曲、复调、奏鸣曲、中外乐曲等等。其中有些是新留的作业，有些是需要复*的，订计划时既要照顾全面，又要重点突出。不要简单地*均分配时间。特别要提出的是有些学生盲目地认为练曲子时弹的遍数越多，效果就越好。于是他们给自己规定了每个曲子应弹几遍。其实，这种做法是对练琴的一种误解。如同我们前面讲过的，机械地重复乐曲不会达到练琴的目的。我们建议不妨以单元时间内弹好某部分练*作为订计划的标准，而不是只重数量不重质量。

　　练琴，要作到心中有数。明确自己今天需要练*什么，需要解决什么问题，要达到什么目标。力求使每天的练*都有所进步。如果每天能有效地练*两、三个小时，要比漫无目的地练上五、六个小时好得多。具体的练琴方法可归纳为以下几点：

　　（一）要非常重视钢琴课后的第一次练*

　　课后的第一次练*不要匆忙地打开乐谱就弹。应该认真仔细地重温一下老师课上的要求，明确自己应该改进的问题和需要巩固的地方。然后再逐一去做。尤其是读谱上的错误，改正得越快越好。当改正了错误，能够正确演奏时，不要就此满足，还要进行反复的练*，目的是把正确的东西巩固下来，把原来的错误彻底改掉。

　　(二)要单独练*难点

　　每首乐曲都相对有它的难点。有些学生对此却不够重视。他们喜欢反复弹奏容易的部分。遇到难点时就凑合过去．看起来似乎弹了很多遍，但难点并没有得到解决。因此，一定要把难点部分抽出来单独练*，然后再把它的前后部分结台起来练。这种方法既节约了时间又富有成效。

　　也许很多人都听说过这些例子：匈牙利杰出的钢琴家、作曲家李斯特曾经把一个特别困难的地方重复练*了一百次。而前苏联著名钢琴家李赫特尔也曾把一个十小节的难点部分连续练了两个小时，结果他上台时演奏得非常精采。这些例子生动地说明了这种练琴方法是正确而必要的。

　　(三)既要学会慢练，还要做到慢练与快练相结合

　　不喜欢慢练和不会慢练是很多学生练琴时的通病。有的学生从视谱开始就不肯放慢速度．而是马虎地快练，结果谱子认得一塌糊涂。也有的学生在弹奏时节妻不稳，忽快忽慢，遇到容易的地方就往上“冲”，碰到稍微难一点儿的地方就“卡”住弹不下去了，或是速度立刻慢了很多。这些问题都暴露出他们在*时练琴时就没有养成慢练的*惯。另外，总是快练也会带来弹奏方法上的诸多问题。如手指站不住，手臂紧张等。出现了上述问题后，又得‘返工’重练，既浪费了时问，又降低了练琴效率。因此，当学生练*一首新曲子时．要提醒他们从慢练开始，用眼睛能看清乐谱，脑子能指挥手指的速度练*。

　　但应该明确的是，慢练并不是目的。如果单一地强调慢练，容易使弹奏变得呆板，而且长时间不用乐曲应有的速度弹奏，也就体会不到乐曲真正的性质。因此在慢练的基础上，必须逐步提高速度，以至达到乐曲应有的速度。在用原速练*的过程中．肯定还会发现自己存在的问题，例如快速跑动的乐句手指还难以胜任，难点部分弹得不够好等等，这时还可以再适当放慢速度练*，经过这样快慢结合反复练*，才能真正扎实地达到乐曲需要的弹奏速度。

　　(四)要学会分手、分句、分段、分声部练*

　　分手练*的好处是能够对旋律、乐句、声部、伴奏的认识更清楚，更加明确弹奏时各自的任务，以避免在双手合奏时只顾了左右手之间的配合而忽略了乐句的完整和旋律的进行。通过分手练*可以加强两手的相对独立性，特别是一般人都比较薄弱的左手，能够在不依赖右手的情况下进行练*，使左右手能力不均衡的状况得到较大改善。

　　分句、分段练*的方法使学生能进一步弄清乐曲的结构，且比从头至尾的练*感到轻松自如。是一种事半功倍的好方法。因为很多二部曲式或三部曲式的乐曲或奏鸣曲的呈示部和再现部，有一些重复的乐句和乐段，集中力量把一个乐段弹熟，下面同样的段落就能顺利快速地掌握。如果从头到尾地练．花费不少时间，对相同的乐句和乐段印象也不深，就很难较快地达到熟练的程度。

　　复调乐曲必须要用分声部的.方法练*，单独弹奏主题及每个声部，合练时才能层次清晰、主次分明。救师可以根据学生的实际情况和乐曲的要求让他们作分声部练*，要求他们在熟练掌握每个声部以后，再进行声部交叉练*。这在《复调音乐的弹奏》一章中有详细的论述。总之，用分声部的方法练*复调作品是一种行之有效的方法。

　　（五)要让录音机成为练琴时的好助手

　　一方面可以通过录音机学*，欣赏很多优秀钢琴家的演奏，提高自身的音乐修养，另一方面可以把自己弹奏的乐曲录下来发现弹奏中的问题，有的放矢地加以改正。

　　拓展延续

　　科学的练琴方法,非常全面的总结：

　　1、科学把握练琴时间

　　美国朱利亚音乐学院的钢琴系主任卡普林斯基博士2006年到*音乐学院讲学时，曾讲到过这样一个实验：通过测量脑电波检验大脑对活动做出何种反应。

　　实验表明，当身体某部分机体在运动时，仪器检测出这时大脑的某个部位的细胞活动会比较明显，同时显示随着时间的增加，仪器绘出脑电波的波幅也随之递增上升。

　　但当连续弹奏时间达到20分钟时。波幅不再递增上升。而是维持相同的波幅和高度，当时间超过30 分钟时。波幅开始逐渐减小并下滑， 测量数据说明如果机体连续做同样的动作长达40分钟的话，后20分钟实际上是没有效果的。

　　但随后研究人员做同样的实验，只不过是让演奏者连续练*30分钟后休息 ，之后休息 5到10分钟再继续弹奏时。仪器绘出的波幅是在头20分钟达到的基础上继续增加。并且波形的高度也在继续上升。

　　这个实验表明，最理想的练*方式是每次连续练*时间不要超过30分钟，之后休息 5到 10分钟，然后可继续按同样的时间练*。知道了这一科学的理论和人体的生理特点，我们可以适度地把握自己的练琴时间。

　　每个人在实际学*过程中，可能不会完全做到这一点，但无论你练*多长时间，都要休息几次让自己放松放松。在每一次练*活动中，也可时不时停几分钟做点别的事情， 休息时最好做些与音乐无关的活动，这样既能使大脑皮层交替兴奋，达到调节神经的目的、还能避免和练琴的内容互相干扰。

　　让头脑清醒、同时还会使身体放松，不至于过度地疲劳， 尤其是纯粹的手指练*应该严格地遵守这一理念。以免因练*时间太长而“伤筋动骨”。

　　2、时间的分配

　　在很少的时间内有计划地合理规划自己的练琴时间，有助于学*更多的作品。钢琴需要掌握的内容很多。我们总是要面对几首曲子同步练*的情况， 而在练琴的过程中你会发现人不仅注意力是有限的，人的体力也是有限的。

　　那么，可以费力气的曲目安排在第一时间，之后再练其它。基本练*是必须的。但不必花费太长时间。可以“少而精”地去练。根据各自的喜好。可以放在练琴之前。也可以放在练琴之后。

　　科学研究表明，人的机能状态是有周期性的。一般上午九点至十一点为最佳时间，下午三点至四点和晚上八点至九点也比较好。这时人体和心理上处在旺盛和兴奋的状态，练琴效果自然不同。

　　钢琴家霍夫曼还认为清晨练*的价值比其它时间练琴的价值更高。因为从睡眠获得的清醒的智力对我们有很大的帮助。如果能把练琴时间安排在这些时间段更好，不能也没有关系。因为集中精力地练琴比时间段的分配更为重要。

　　即使你每天只有五分钟的练琴时间。只要练得有质量，同样可以得到提高。当然，如果你养成*惯。每天都有适度的练*时间，那么你就会不断进步。因为每天练*两个小时的人，自然要比只练一个小时的人快得多。

　　3、合理安排练*步骤与方法

　　钢琴的学*不仅仅是一个单纯的机能性的训练，更重要的是音乐性和艺术性的综合学*过程。需要我们在练*时做全盘考虑与合理地安排。条理清晰的练*步骤与科学的练琴方法是完成练*任务最快捷的途径。

　　（1）、练*步骤

　　面对基本练*与乐曲、乐曲与练*曲、奏鸣曲与*乐曲、片段与全曲等繁杂的练*内容，练琴者首先要清楚自己需要练*什么，这次练*的目的是什么，然后根据自己的情况有计划地安排练*内容。

　　在我们所弹的任何一首乐曲中，几乎都会有一两处地方使你自觉地感到未能达到你的理想，需要改进。那么，在练*上应暂时给予这些乐段以优先的地位，即抓住难点进行训练。

　　值得注意的是在练*这些片段时，应把衔接处接起来练，即乐段的前几小节和后几小节。因为，某些艰难的乐段在离开前后乐段单独演奏时可以弹得很顺利，但把它放在应有的位置弹奏时，却往往容易失败，就像修补过的东西需要磨合一样，需要过程。

　　而直接把衔接处接起来进行练*，则省去了这一环节。当你感觉到它们在你的手指下已经有了牢固的基础。可把这些“捡出来”的乐段放入到整首乐曲中进行弹奏。这时就不会有“生疏”感。连贯起来也比较顺利。

　　难点解决之后，要顾及其它练*内容。我们常常会遇到这样的问题，练*者完不成作业。问其原因也练了，但只想把某一首或两首练好。其它的就来不及了。事实上这样的练*不仅效率不高。也会影响个人能力的提高。

　　因为钢琴的学*要求我们能够完美地弹奏优秀作品的数量越多越好，而长时间机械地反复练*一首整曲，不仅浪费了宝贵的时间，反而使头脑处于迟钝状态。

　　练*时我们不可能把每一首都弹到尽善尽美，但要尽量把所学作品都有所浏览。不必弹得多么熟练，但一定要有所顾及。这样慢慢地，你就会发现原来自己是可以完成、做到的， 日积月累。练*的质量和数量都会有所提高。那么练琴的内容就会越来越宽泛了。

　　（2）、练*方法

　　钢琴是一门技巧性很强的学科，练*时需要科学的方法交替调节，方能很好地完成练*内容，达到练*目的。

[阅读全文]...

钢琴和弦练*时应该注意什么

钢琴和弦练*时应该注意什么

　　在练*钢琴和弦的时候，有哪些事情需要注意的呢，下面跟着小编一起来看看吧。

　　钢琴和弦练*时应该注意什么

　　1、手臂和手腕放松、手腕富有弹性、手掌支撑、手指贴键和指尖站立的弹奏状态，是弹好和弦的重要保证。弹奏和弦要注意肩部放松和大臂舒展，切忌拍打敲击琴键和小指倒邪虚飘等弊端。

　　2、手腕提高和下落时，其本身及与之相连的手掌和小臂都要放松，而弹奏的手指要挺立，有硬度。这样，才能使弹奏力量充分下达、集中至手指。有些人弹和弦，手腕虽提高又落下，手腕和手掌、小臂也都放松，然手指也随之松垮，这样弹奏力量，就不能充分下达、集中至手指，而大多随着手腕的下落散耗于空间，弹出的'音也自然模糊不清。

　　有人形象地比喻说：“这样弹，力量没多少弹到键盘上，大部分都散落到键盘下面的空间去了“。

　　3、手腕于落下的一瞬间，尤要完全放松，并靠放松而产生的堕落力自然落下，而不要僵紧地硬压下去。这样弹出的音能既充实、又松弛;而且，即使所弹音量较强，手臂了不会很费力。

　　4、要使弹奏力量全部下达、集中至手指，特别是指尖，而不应只部分下达，部分仍留于手掌、手腕或臂膊处。

　　5、弹非强硬或非跳跃的一般和弦，手腕提高或下落时，弹奏的手尖要始终贴靠键面。换弹和弦时，指尖要提前到达并贴上所换和弦的键面再弹下。

　　有些人弹一般和弦，下弹前，手指不贴键，松垮、散软地从琴键上方甩弹下来，不像弹琴，而像拍琴，发出的音模糊纷乱，指头拍击键盘之杂音充斥其中。不定期有些人弹和弦，不弹前手指也不贴键，手指同手掌、手腕、臂膊形成一僵滞整体，一起笨重、迟顿地落下，不像在弹奏，而像在摆放，发出的音，又浅、又弱、又虚。

　　6、手腕下落这瞬间有速缓之分。一般，所弹和弦愈响亮、强烈，手腕下落也迅速。

　　钢琴练*中，和弦练*的两个好方法！

　　一、先弹好基础和弦

　　在基础钢琴学*中，使用率较高的是三和弦和属七和弦等。

　　三和弦弹奏的手指基础是良好的双音奏法。

　　弹奏三和弦，要掌握好四个连贯性的触键动作过程：

　　一是良好的手型支架和松通的手腕统治三个手指贴键弹下；

　　二是三个手指*衡同步均匀触键着力；

　　三是弹奏手指的弹奏重量要通畅地下沉至键盘底部；

　　四是和弦弹完后的抬手动作要由大臂带动小臂及手腕完成。

　　这四个连续性弹奏环节，是柱式和弦弹奏的一个完美过程。

　　二、结合常用和声序进语言的连接模式

　　和弦弹奏练*，可以结合常用和声序进语言的连接模式进行，如三个正三和弦连接中的主和弦起始分别为五音旋律位置、根音旋律位置和三音旋律位置的三种连接模式。此时要领悟记忆和弦连接模式中的指序规律。此类练*，还可以做大量地移调练*，以便尽早地熟练与掌握键盘和声位置与“手感”。

[阅读全文]...

钢琴的特点

钢琴的特点

　　古往今来，世界上各国的的乐器多至千百种，那么为什么钢琴成为人们学*的热点？并获得“乐器之王”的美誉？钢琴有什么样的特点呢？下面就和小编一起来看看吧！

　　一、音域宽广

　　现代钢琴一般都有88个琴键，也就是从大字二组A到小字五组的c的全部半音。有些钢琴的低音区还有比大字二组A更低的若干琴键。这样宽广的音域，只有管风琴可与其相比，超出了任何其他乐器。

　　二、音量变化幅度巨大

　　音量是指声音的强度、力度。钢琴既可发出十分微弱、人耳刚刚能听见的弱音（ppp），也可发出洪亮有力、震撼人心的强音（fff），以及处于极弱极强两者之间的各个力度层次的声音。并且，这些不同的力度都是可以随钢琴家的心之所欲弹出的，这又使钢琴胜过包括管风琴在内的所有单件乐器。

　　三、最理想的多声乐器

　　由于钢琴使用十二*均律，使音乐的转调、复调、和声获得极大的自由。钢琴家借助踏板的作用，用他们经过训练的双手，可以在钢琴上弹奏出无限丰富的不同音的纵向、立体组合。手风琴、吉他也是多声乐器，但是它们在乐音组合的多种可能性上，却远逊于钢琴。

　　多声，即多声思维。多声思维，使音乐从单线条的变为多线条复合的，*面的变为立体的，单色的变成多色的，这就使钢琴具备了任何单个乐器都无法与其相比的表现无限丰富的艺术内容的可能性。

　　四、凭着以上三点，使钢琴可以独自成为一个完整的音乐世界

　　在这个世界里，作曲家们绝妙的音乐思维可以自由地纵横驰骋。有人说，一滴水能够映照出整个世界，我们更可应说，一架钢琴，无须与任何其他乐器合作，就可以容纳入人类精神的宇宙。为什么几乎所有的伟大作曲家都是钢琴家，都谱写钢琴曲？为什么钢琴曲是所有乐器独奏去中数量最大的？道理就在这点上。

　　五、钢琴又是相对普及的乐器

　　虽说钢琴属于贵重物品，但对于今天的许多人来说，都不是可望不可及的东西。相比之下，管风琴则从来不是家庭个人可以私有之物。所以，尽管管风琴具有某些可以与钢琴匹敌的功能，却永远不能像钢琴那样进入千家万户。

　　六、钢琴还是个相对容易学的乐器

　　通常，不用很久，初学者即可弹奏出完整、立体、多声的钢琴小曲来。

　　延伸阅读：钢琴即兴伴奏技巧

　　一、钢琴技巧

　　钢琴即兴伴奏所必须具备的条件之一就是钢琴技巧，不会弹钢琴的人是不会在钢琴上弹伴奏的。但要明确一点，钢琴技巧绝不等于伴奏技巧，二者有本质的区别：前者是以机械练*为主来再现乐谱内容的，而后者是以创造性的劳动完成歌曲伴奏的任务，使之成为与歌曲相辅相成的整体。

　　二、和声基础

　　即兴伴奏属多声部范畴，当然需要和声基础。而和声水*的高低又直接关系到伴奏的音响效果和表现力。和声选择要根据具体的作品需要来考虑，处理好排列法，连接法，省略音，功能性，色彩性，节奏感，表现力及和弦的结构与和弦外音，和声风格等等。这在和声练*中有固定的规则，而在实际应用当中又是很灵活的。还有的问题在练*中找不到，而在实际应用当中又是必须处理好的。因此和声基础是十分重要的。

　　三、伴奏类型

　　掌握了一定的钢琴基础，和声基础，就要用一定的形式进行陈述。伴奏音型就是和声基础应用到具体作品中有规律的陈述形式，而这个形式是否恰当，怎样才能恰当，应当有一定的根据。如钢琴的性能，伴奏音型的特点与表现力，演奏方法，以及伴奏者现有钢琴技巧的水*，应用能力的水*等等，伴奏效果的好坏，除了和声效果以外就是伴奏音型的应用了。因此，创造性的选择好，设计好伴奏音型是弹好即兴伴奏所必不可少的重要内容。

　　四、歌曲分析

　　对歌曲体裁，形式，曲式，内容的分析，是能否恰当选择和声，伴奏音型的根据，就和声而言，调性的明确，半终止，终止的确定及和弦结构，和声效果，风格是否与歌曲内容相统一，都是通过对歌曲的分析来确定的。伴奏音型的选择也是要依据对歌曲的分析，一首优美的抒情歌曲和一首坚定有力的进行曲，二者的伴奏音型肯定是不同的，就是同一首歌曲在每一乐段之间以及从呈示发展到高潮再现的处理也是不可能一成不变的。因此，从伴奏的需要出发，对歌曲进行分析是非常必要的，特别是对伴奏音型的选择与应用更是不能缺少的一个主要环节。

　　五、综合应用能力

　　综合应用能力是指钢琴技巧，和声基础，伴奏音型，歌曲分析四个方面的综合以及即兴的编配，与演唱者的合作，艺术实践经验等内容。这个能力的培养和锻炼是能否弹好即兴伴奏的关键。

　　钢琴调律的方法

　　一、确定标准音高

　　用小字一组的a1音叉定音，校准小字组的a，而要调准这个音并非易事，除了听得准以外，手法准也尤为重要，本学期的调律实践中，我着重练*了微调的能力，灵敏地感觉弦轴的转动，并准确地听出拍音。有时需要提高标准音，最大可能需要达到445Hz，而这时所听出的拍频为两列波的频率差，即5次/秒

　　二、分律

　　分律是本学期的重点内容，不仅需要敏感的听觉和手上的感觉，更需要理性科学的声学分析与计算。首先以之前调好的a音为基准，进行“上四下五”的分律，钢琴的律制，为十二*均律，要奖导致声音不和谐的24音分*均分配到每两个相邻的音上所以纯四度与纯五度的拍频约为1次/秒，即每两个相邻的音多加两个音分。当进行至f时，开始使用“三六度检验法”进行检验，即大三度与大六度的拍音相同。由于十二*均律中每两个相邻音的频率比为1.05946

　　所以大三度的频率比为（1.05946）3，大六度的频率比为（1.05946）9，由此可求得大三度的音分值为1200lg（1.05946）3/lg2,同理，大六度的音分值为1200lg（1.05946）9/lg2,算出后可得到大三度和大六度的拍频约为7次/秒。

　　但是这是以f为根音建立的大三度和大六度，在f之后的每个音上建立的大三度和大六度，其拍音逐渐增快，当进行到最后一个大三度c1--e1时，拍音可达到11次/秒。所以用“上四下五”的方法确定音高，再以“三六度”进行检验，可得到较完美的十二*均律。

　　说来容易，但是进行起来并不简单，因为所调出来的每一个音都是以前一个音为基础的，所以只要有一个音出现错误，就会导致其后面的音全都不正确，在最后一个纯五度无法吻合，所以有时需要进行逆向调律找出错误点。

　　三、同度与八度的调律

　　这已经是必须熟练掌握的步骤了，现在的我要保证在同度与八度的调律时的速度与准确度。同度与八度的调律就是要让发出同一音的弦调至相同的频率。不能有拍音的存在，这样就可以将钢琴的88个音全部调好了。

　　四、调律中遇到的问题及其解决方法

　　在实际的调律中，弦并不像我们想像中的那么理想，所以会出现这样那样的问题，对于这些问题，也有相应的解决方法。

　　首先，不能用左右晃动弦轴的方法来调节音高，因为这样调出的音没有保持力，会很快的走音，另外，弦轴也会松动，这对钢琴会造成极大的伤害。其次，当发现某音不稳定时，可采用重击的方法定音，实际就是将相应的琴键用力“砸”下去，这样弦的张力达到稳定，不会因张力太大导致音高的下降。最后就是高音偏高低音偏低的问题，由于人耳的听觉与理论的计算值并不完全一致，所以高音要比正常高出一些，同理低音也要比正常低一些，即做八度*移时，高音要多出几个音分，低音要低出几音分。使其出现微小的拍音，调至钢琴两端时，大约各超出三十音分。

　　钢琴调律是一门边沿科学，既要对钢琴有感性的认识，又要对调律有理性的思考。这样无论在今后的工作学*中，还是在方法的创新上，都会有更好的突破和发展。

　　钢琴的构造及发声方法

　　一、钢琴的基本构造

　　踏板

　　踏板(Pedal)是指钢琴下面用足踩的踏板而言。它是钢琴中除键盘外最重要的`配件。1711年意大利乐器制造家克理斯多佛利(Bartolommeo Cristofori)在改造钢琴时发明的。主要分为三个部分。(其中最常用的是延音踏板)

　　延音踏板(Damper Pedal)：右踏板，也叫做延音踏板，又叫共鸣踏板。是英国人布劳马(John Broadwood)于1783年发明，通常是钢琴下最右内侧的踏板，也有书上称之为“增音器”，当延音踏板被压时下，*时压在弦上的制音器(Damper)立即扬起。使所有的琴弦延续震动，将踏板放开后，所有的制音器又全部压在琴弦上制止发音。由于按下制音踏板会使琴声在一定程度上扩大，故又称强音踏板(Loud Pedal)。

　　柔音踏板(Soft Pedal)：左踏板，也叫做弱音踏板(ulna cord)。在*台式钢琴里，踩下柔音踏板时，琴槌会立刻向旁推移，使音量减少，并使声音变得非常清纯、柔和。而立式钢琴，踩下柔音踏板时，琴槌移*琴弦，藉以减轻冲力，减少打击的长度与强度，使音量变小。它的作用就不仅是帮助演奏者弹得更弱，也是为了增加声音的柔和，并除掉音质中任何敲击的成分。左踏板往往被比作"旋乐演奏者的弱音器"。

　　消音踏板(Sostenuto Pedal)：中踏板、选择延长音踏板(sostenuto)。具有特殊性能的踏板。三角钢琴中间踏板的用途是“特定连音踏板”，用法是先弹下琴键并保持，踩下“特定延音踏板”不放，刚才所弹键会继续延音，其他键不受影响。大部分现代立式钢琴的中间踏板被踩下时，一块活动的绒布会夹在琴槌和琴弦之间，使音量变得极低。通常只使用于夜间或清晨弹奏钢琴之时，以免惊扰邻居的安宁。所以有时候也称为也有称之为倍弱音踏板。

　　调音钉

　　调音钉(Tuning Pins)是一些能够用特制扳手扭动旋转的钉状螺栓。它的旋床是有锁口的特制高碳钢，因而琴弦能牢固地绕在弦轴钉上，致使音准在琴弦高强度拉力作用下能长期保持并稳定下来。

　　琴槌

　　琴槌(Hammer)外包着高品质的毛毡或绒布，由于这层“皮肤”多是羊毛造的，因而又称羊毛槌。它本身连着琴键，当琴键被按下时，琴槌便会打落琴弦上并借着琴弦的振动使钢琴发出声音。因此，它的作用是用来敲击被调音钉紧扣着的琴弦。

[阅读全文]...

学钢琴的好处20个

　　学钢琴的好处有：

　　一、开发智力

　　钢琴的练*和演奏都是一种生动的动态系统，始终要求听觉的专注、十个手指各自独立前提下的灵敏进取活动，双手不一样动作及其与全身肢体的协调配合。使大脑的左右半球的技能获得同等发展并增进互相协调本事。无数事例证实，从幼年开始学*钢琴的孩子，入学后，在理解本事，理解本事，想象力和创造性思维本事等方面，都显著高于一般孩子。

　　二、提高个人修养与文化素质

　　孩子从小受到良好的音乐教育，不仅仅能使他们提高音乐素养和艺术修养，并且对培养严谨而踏实的学*态度、自觉刻苦的学*本事具重要意义。同时对一个人的文化素养，道德风尚，情操，性格的构成也起着迁移默化的影响。

　　三、培养对音乐的鉴赏力

　　学*钢琴要接触和阅读很多的优秀钢琴作品，经过长期的训练和作品的熏陶，不仅仅能够使孩子情感丰富，情绪开朗，并且还能够提高音乐鉴赏力。

　　四、锻炼人的耐力和信心

　　演奏钢琴需要相对熟练的技术、技巧，需要有规律的、科学的、恒久的训练。这种训练需要毅力、耐力、信心和勇气。所以，钢琴学*对于培养坚强的意志、顽强进取的品质，以及踏实、严谨、科学的作风，都有良好的作用。

　　五、累积财富

　　钢琴是最梦想的、又是相对普及的和声乐器，任何一件乐器，都没有像钢琴拥有那么多的独奏曲。在众多的钢琴独奏曲中，包包含巨大数量的属于人类最杰出创作之列的优秀之作，这是一笔无价的、具有永恒魅力的精神财富。钢琴大师霍夫曼说过:当钢琴家忘却尘世单独地应对他的乐器时，他能够与内心最深处的和最高尚的自我交谈，这种精神上的财富是不能用金钱购买也不能用暴力抢夺的。从物质财富来看，如果你是专业钢琴手，那么你将在乐队中处于领导地位，起到中坚力量的作用;如果你是业余爱好者，这将给你的生活拓展空间，有一技之长。

　　六、提高人的整体本事

　　我们假定有两个人，有相同的学历、经历，从事同样（非音乐）的工作。可是其中一位能够弹奏肖邦的《叙事曲》，另一位没学过钢琴。很可能，前者思考和处理事物的角度、方法、视野和境界，都高于后者，他就很可能取得更大的成功。我们已经发现，在我们周围学*钢琴的中小学生中间，那些钢琴弹得好的，往往也同时是学校里成绩优秀的学生。

　　七、学钢琴有利于孩子逆商的培养。

　　一个人事业成功必须具备高智商、高情商和高挫折商这三个因素。在智商都跟别人相差不大的情景下，挫折商对一个人的事业成功起着决定性的作用。应对逆境，如果选择了放弃，也就是选择了失败。在人生的旅途中，一些人虽然也以往努力过，但收效甚微。这是因为在前进的旅途中遭遇了困难，漫长的，看起来毫无结果的征途使他们厌倦了，于是，他们就会停下来，寻找一个避风的港湾，在那儿躲避风浪。

　　高AQ能够帮忙产生一流的成绩、生产力、创造力，能够帮忙人们坚持健康、活力和愉快的心境。有研究显示，AQ高的人手术后康复快，销售业绩也远远超过AQ低的人，在公司中升迁的速度也快得多。

　　高AQ是能够培养的，并且最好是从小培养，所以此刻许多教育机构都在提倡挫折教育。

　　学钢琴很难，坚持更难，为什么那么多孩子学了一段时间之后不学了呢？就是学琴太苦了，孩子没有毅力坚持不住。每一天一个小时的练琴，左右手配合的难度，节奏的复杂等等，充满了重重困难。很多孩子学琴的过程是泪水相伴的过程，到之后都是家长逼着练的。真正靠孩子自我撑下来的几乎没有。

　　有的家长说，我先不买琴，等孩子学段时间后，能坚持我就买。其实这种想法对孩子逆商的培养是没有好处的，一开始就没有培养孩子坚持到底这种想法，家长如果动摇，孩子肯定坚持不了。想好要学就学到底。一个孩子如果坚持学钢琴6年以上，他的逆商要超过一般的人，以后对他的人生是很有帮忙的。

　　八、坚忍

　　没有坚持与忍耐，根本弹不好一首曲子。学生要忍耐坐在钢琴前的`孤独，忍耐不断失败的打击，坚持不放弃。

　　九、协调

　　不只是左手和右手，还有左脚与右脚，眼睛与耳朵，理智与情感。

　　十、专注

　　没有一个成功的钢琴家能边练琴，边东张西望、糊思乱想。这绝对在浪费光阴和精力。乐谱上的音符﹑节奏、符号﹑速度﹑风格﹑句子，每每需要全情投入。

　　十一、耐力

　　练琴时间少则半小时，长则数小时，不断重覆当中每小节，每小段数十次，这绝对是耐力的磨练。

　　十二、时间管理

　　每次练琴时间有限，要很有效率地分配时间才能完成那天的钢琴功课。久而久之自我必然懂得分配自我的时间。

　　十三、追求

　　音乐是艺术，没有要求，这根本算不上音乐，只在糟蹋自我和身边人的耳朵，所以学钢琴的学生，应有追求卓越的精神。

　　十四、想像力

　　音乐每每在说话，或故事﹑或陈述﹑或阴森、或抒情，学生需要有想像力才能表到达当中的情感。

　　十五、职责感

　　学琴为要完成这首音乐，以及覆琴给教师听。对自我、对教师，是责无旁贷的，否则是浪费双方的时间和精神。

　　十六、同步思考

　　比起其他乐器，这是钢琴学生独有的，因为我们在同时处理两只手的双旋律，及两边不一样的表达。

　　十七、感情

　　学音乐的学生，绝不可能是冷漠无情的人，除非你从来没有让音乐在你心中滋生过。

　　十八、钢琴也是儿童早期音乐教育的最佳工具之一，许多音乐人才是从学钢琴开始的。

　　十九、学*钢琴能很好地开发儿童的智力，演奏钢琴时调动了人体很多的器官，经过手、眼、耳、脚、口、脑、身的并用，能锻炼人的协调本事，反应本事，记忆本事，学钢琴的孩子一般学*成绩都不错。

　　二十、学钢琴能培养儿童的非智力因素，表此刻:培养人的气质，陶冶人的性情，锻炼人的毅力，培养独立思考和解决问题的本事等。学钢琴的孩子自信、自立，精力容易集中，做事不马虎，将来更容易成才。

　　另外，在学*钢琴的过程中，孩子能够学*乐谱，学*演奏技巧，能够学*许许多多的音乐知识。除此之外，还能学得三种本事，即注意力、协调力与自信力。

　　无论从哪个角度来说，这三种本事都是孩子健康成长所需要的。学*弹奏钢琴需要这三种本事，读书搞研究需要这三种本事，做学生、做教师、做演员、做领导、做科研人员，亦或做工人、农民、士兵……想要干得出类拔萃，也都必须具备这三种本事。

　　因而，不仅仅是教师，每位家长也应当了解到这一点，以期在辅导孩子练琴的过程中，抓住重点，收到良好的寓教于乐之效果。

　　钢琴学*要求孩子具有这三种本事。不能想象一个注意力不够集中、脑眼耳手脚协调本事弱、自信心不强的孩子会是钢琴弹奏水*较高的学生。其二，也正是钢琴学*对这三种本事的客观“苛”求，使得每一个参与这一学*活动的孩子都有期望从中获得其原有基础与现有基础上的这三个“力”的改观和提高。这正是孩子练琴的益处之一。

　　注意力、协调力与自信力是怎样随孩子的钢琴学*不断深入而得到发展与提高的对此，美国音乐教师鲍德温先生曾做过简明而透彻的分析：

　　1、眼看单行乐谱，手弹单指旋律——训练孩子的一般注意力。

　　2、眼看单行乐谱，用右手弹奏两三个音符组成的旋律——训练孩子较强的注意力。

　　3、眼看两行乐谱，用脑同时兼顾到双耳、双臂、十指、双腿及双脚的动作，以弹奏出乐曲——训练孩子高度精确的注意力、协调力，从而产生自信力。

　　4、眼看两行乐谱，用左右手弹奏出各自不一样的声部——训练孩子高度注意力与协调力。

[阅读全文]...

描写钢琴的句子

描写钢琴的句子

　　在日复一日的学*、工作或生活中，大家都经常接触到句子吧，从语气上分，句子可以分为陈述句、疑问句、祈使句和感叹句。那么你有真正了解过句子吗？下面是小编收集整理的描写钢琴的句子，希望能够帮助到大家。

　　1、尘缘中琴声，月皎波澄。神怡心旷之际，忽一阵微风起伏。远远传来屡屡琴声，悠悠扬扬，一种情韵却令人回肠荡气。虽琴声如诉，所有最好的时光，最灿烂的风霜，而或最初的模样，都缓缓流淌起来。

　　2、奏鸣曲那欢快的节奏使得她沉浸在那音乐当中，并试图用自己那跳跃的手指弹奏触一个美丽动人的故事。渐渐，进入高潮，原本欢快、柔和抒情的曲调突然间随着左手流畅的伴奏中显得非常激昂。而她从容地弹着，慢慢地闭上双眼，去聆听自己的音乐。

　　3、演奏音乐，哦，谁都为它的声音倾倒。亮丽的琴声徐徐响起，渐渐如潮水般四溢开去，充盈着世界的每一处空间。

　　4、触摸钢琴，就被它那淳朴与高贵迷恋地神魂颠倒，这是何等可爱？！

　　5、掀开琴盖，怎么又黑又白的？认真地数了数，哦，白色的有52个，黑色的有36个，呀！真漂亮！我又听到了钢琴的旋律，一高，一低，有些含有哀伤，有些带着快乐的。

　　6、当我第一次接触钢琴时，是在我彻底爱上弹琴并一发而不可收拾后的一个月。那天我坐在钢琴椅上，陶醉地弹琴时，我忽然感觉到钢琴是那样高贵不凡，气质优雅。

　　7、我喜欢钢琴，用它能弹秦出很多各种感情的乐曲。伤心的时候弹钢琴，你会愉快起来；生气的时候弹钢琴，你会开心起来；受到挫折的进修弹钢琴，你会坚强起来。

　　8、钢琴世界，用行云流水般的音符阐释浪漫情怀。完美的音效、精彩的演奏，给你超值的音乐享受

　　9、在琴音的怀抱中甘甜休憩—纯美的钢琴声、诉尽无限的爱恋。优雅的钢琴演奏，能唤回你对那些曾经爱过的地方的美好回忆……

　　10、这就像弹钢琴，右手呢变奏，但左手和弦总有耐心地在主旋律上等待，直到右手的回归。

　　1、风中传来它声音，寂静而淡漠，诉说着如诗如画的梦境，以及那逝去的曾经。

　　2、它是寂寞而喧嚷的，演奏者那些过去，告诉我们那些梦想和努力，在这里实现。

　　3、月光下的黑色，泛着寂寞的光芒，高雅，安静，绝望，散发着冰冷的气息，仿佛只要靠*，就会被它冻伤。

　　4、在演奏钢琴时，左右手旋律不一样；脚打拍；心唱乐谱；眼睛要提前看谱准备弹奏；要顾及手型和弹奏技巧等，他们必须同时协调好这么多方面的合作很不容易。通过长期的训练，*衡了左右脑的协调能力，也大大地提高了大脑的反应能力。

　　5、作为爱好，钢琴能调剂你的生活。无论你开心与否，弹钢琴可以让自己适度放松，尤其是在生活压力大的时候，弹钢琴的好处很多，无论你是愤怒还是伤心，无论你是快乐还是兴奋，只要你需要，那神奇的音符都会帮你表现出来，它是你内心的写照。

　　6、作为一门乐器，学*钢琴能让你有一技之长，这一技之长将对你的一生有重要影响，所谓多一项技能就多一条出路。

　　7、作为一门学*的学科，能让你更好的安排时间。怎么理解呢？如果你是学生，那么练*钢琴必然会占用你的一部分时间，如果你安排得好，不仅可以做到学*与练琴两不误，长期养成这个好*惯还有利于学*的进步！

　　8、作为一门艺术，学*钢琴有利于培养情操，培养人的涵养，你在学*钢琴的过程中会不自觉的接受更多西方古典文化的熏陶，这种获益就不仅仅是音乐方面的获益了，它会让人慢慢变得更加有气质，更加有涵养。

　　9、作为一项技术，它可以锻炼你的左右手配合能力，从而促进左右脑公同发育，长期坚持，会让人变得更聪明，这是有科学依据的！所以中小学才提倡素质教育。

　　10、美妙灵动的琴声从指间流泻而出，似丝丝细流淌过心间，柔美恬静，舒软安逸。

　　1） 老师，您是海洋，我是贝壳，是您给了我斑斓的色彩……我当怎样地感谢您！

　　2） 鸟儿遇到风雨，躲进它的巢里；我心上有风雨袭来，总是躲在您的怀里——我的师长，您是我遮雨的伞，挡风的墙，我怎能不感谢您！

　　3） 春雨，染绿了世界，而自己却无声地消失在泥土之中。老师，您就是滋润我们心田的春雨，我们将永远感谢您。

　　4） 亲爱的老师：感谢您用心血和汗水为我做的一切，您的美好身影在学生心中永远不会磨灭。

　　5） 像天空一样高远的是您的`胸怀像大山一样深重的是您的恩情请您接受我诚挚的祝福吧，教师节快乐！

　　6） 如果没有您思想的滋润，怎么会绽开那么多美好的灵魂之花啊，老师，人类灵魂的工程师，有谁不在将您赞扬！

　　7） 恩师！你因我们而老，我们因你而傲！这深情的称呼：“恩师！”是我们真诚的谢语。多想再一次注视您的目光，多想再一次倾听您的讲课，衷心道声谢谢，用我所有的真诚。

　　8） 老师，您是美的耕耘者，美的播种者。是您用美的阳光普照，用美的雨露滋润，我们的心田才绿草如茵，繁花似锦！

　　9） 当苗儿需要一杯水的时候，绝不送上一桶水；而当需要一桶水的时候，也绝不给予一杯水。适时，适量地给予，这是一个好园丁的技艺。我的老师，这也正是您的教育艺术。

　　10） 三尺讲台，染苍苍白发，桃李满园，露美美笑厣。赞美您，敬爱的老师，祝福您，敬爱的老师！

　　11） 园丁——崇高的称号。看那枝头绽放的鲜花，是您辛勤的汗水灌浇。祝福您：桃李满天下，春晖遍四方！

　　12） 老师，在今天我们身上散发的智慧光芒里，依然闪烁着您当年点燃的火花！

　　13） 敬爱的老师，您的谆谆教诲如春风，似瑞雨，永铭我心。我虔诚地祝福您：康乐如意！

　　14） 人生旅程上您为我点燃希望的光芒丰富我的心灵，增添我的智慧谢谢您！老师愿您永远健康！愉快！幸福！

　　15） 老师，您是真诚的善良的美好的。愿所有同学的心扉都向您敞开。

　　16） 愿我这小溪的乐音，永远在您深邃的山谷中回响。

　　17） 海水退潮的时候，把五彩的贝壳留在沙滩上。我们毕业的时候，把诚挚的祝愿献给老师。

　　18） 您对我们严格要求，并以自己的行动为榜样。您的规劝要求，甚至命令，一经提出，便要我们一定做到，然而又总使我们心悦诚服，自觉行动。这就是您留在我心中的高大形象。

　　19） 在我的心目中，您是最严厉的父亲，又是最慈祥的妈妈；您是无名英雄，又是教坛名师。

　　20） 您的音容笑貌，时时闪现在我的眼前；您是品行人格，永远珍藏在我记忆的深处。

　　21） 啊，老师――人类灵魂的工程师，唯有这光辉的名字，才有着像大海一样丰富蓝天一样深湛的内涵！

　　22） 老师，这个光彩夺目的名称，将像一颗灿烂的明星，永远高悬在我们的胸中。

　　23） 即使我两鬓斑白，依然会由衷地呼唤您一声――老师！在这个神圣而崇高的字眼面前，我永远是一个需要启蒙的学生！

　　24） 真空坚定谦逊朴素――这是您教给我唱的歌，这是您指引我走的人生之路。

　　25） 有一道彩虹，不出现在雨后，也不出现在天空，它常出现在我心中，鞭策着我堂堂正正地做人――给时刻关怀着我的导师！

[阅读全文]...

《梁祝》钢琴谱

《梁祝》钢琴谱

　　梁祝是由小提琴协奏曲所改编而成的古筝曲子。1959年5月27日，由何占豪、陈钢作曲的小提琴协奏曲《梁祝》在上海兰心大戏院首次公演，俞丽拿担任小提琴独奏。下面是小编为大家收集的《梁祝》钢琴谱，欢迎阅读与收藏。

　　《梁祝》钢琴谱

　　粱祝乐曲赏析

　　《梁祝》小提琴协奏曲是陈钢与何占豪就读于上海音乐学院时的作品，作于1958年冬，翌年5月首演于上海获得好评，首演由俞丽拿担任小提琴独奏。题材是家喻户晓的民间故事，以越剧中的`曲调为素材，综合采用交响乐与我国民间戏曲音乐表现手法，依照剧情发展精心构思布局，采用奏鸣曲式结构，单乐章，有小标题。以"草桥结拜"、"英台抗婚"、"坟前化蝶"为主要内容。由鸟语花香、草桥结拜、同窗三载、十八相送、长亭惜别、英台抗婚、哭灵控诉、坟前化蝶构成的曲式结构。

　　全曲大概二十六分钟，首先五分钟叙述梁祝爱情主题，然后是快乐的学校生活，接着十八相送。从十一分钟开始进入第二段，祝英台回家抗婚不成，楼台会，最后哭灵。第二段和第一段长度差不多，大约十一分钟。最后一段则是化蝶，是主题再现。

　　曲子开始几声拨弦声接着长笛，好像在云端的感觉，以此来揭开序幕，有如从天上俯瞰人间，拨开云层，人物景象由模糊慢慢变得清楚。首先由小提琴奏出主题，二长二短加上一个结束句，绵绵长长，幽幽远远，仿佛祝英台在身旁说著昔日的故事。然后在低音重复一次主题，回到人间落了实。

　　管弦乐总奏主题，景象全明白了。大提琴代表的梁山伯也出现了，两人情意绵绵，大小提琴和鸣奏著主题，渐渐的小提琴主导旋律并引进管弦乐再强调一次。等乐音渐歇，木管接续旋律慢慢落下。小提琴独奏深情舒缓带点内省的音色，表示祝英台对将来疑虑不安，但还是坚定相信自己。勇敢去爱吧!情绪轻快，笛声嘹亮，大提琴也婆娑起舞，有如风光明媚三月天两人春游。小提琴展现技巧，风华绝代。

　　相聚虽好总有分别，快乐情绪之后就是离情依依十八相送。将主题变奏缓缓奏出，有如迈不开的步履，却终究不得不离去。大小提琴二重奏，紧密结合难分难舍。在这段末尾由弦乐第一次奏出哭调主题，预言悲剧结局，这构成了全曲的呈示部「相爱」。

　　第二段发展部里面有三小段:强、弱、强，也就是快、慢、快。开始如大浪涌来的管弦乐声代表祝父的反对，连续几个小节下行乐句，好像在说：不可以!不可以!小提琴则猛烈与之抗衡，两者冲突渐渐上升，最后全体合奏梁祝主题表示恋情曝光，一波波涌来浪潮终将这主题给淹没。

　　楼台会小提琴委婉的诉说情意，大提琴拨奏聆听。轮到大提琴倾诉爱意，小提琴一旁随和。突然，音乐急转而下，运用越剧中嚣板的「紧打慢唱」手法，梁山伯因过度悲伤绝望而病逝。

　　祝英台在被迎娶过门途中，停在梁山伯坟前哭灵，小提琴以凄厉声调哭出：梁兄呀!碎奏、断奏哀痛欲绝旋律，有哭声，有跪行，其中还有些回忆片段。渐渐的泪眼开了，哭声歇了，心意已决，在悲愤低音锣声中，纵身投入突然爆开坟墓中自尽，音乐同时推向最高潮。

　　乐曲的最终部份是再现部「化蝶」，在轻盈飘逸的弦乐衬托下，爱情主体再现，梁山伯与祝英台从坟墓中化为一对蝴蝶，在花间欢娱自由飞舞，永不分离。

[阅读全文]...

怎么理解并区分古典钢琴与爵士钢琴

怎么理解并区分古典钢琴与爵士钢琴

　　在**淡淡的学*、工作、生活中，大家对钢琴都不陌生吧，下面是小编精心整理的怎么理解并区分古典钢琴与爵士钢琴，仅供参考，希望能够帮助到大家。

　　1、理念

　　可以说这是两种音乐最核心的区别。

　　古典钢琴曲，它的产生方式是——作曲家在钢琴上或者凭空创作，将音乐记载在乐谱上，由自己或者演奏家进行演奏；而爵士钢琴曲，多是在有乐队伴奏的情况下在事先排练的基础之上进行即兴演奏，没有官方记谱。

　　古典音乐在巴洛克时期是有非常流行的即兴方式的，即数字低音（figured bass），不过也不同于爵士，只是类似。

　　2、节奏

　　古典音乐应该说没有一个固定的节奏型，它运用到的节奏型非常多。但是在律动上多数时候会保持各种小节内节奏强弱的规律；而爵士乐主要是以swing节奏型为基础的，在此基础之上经常有很多变化，主要是改变节奏重音和变换节拍。当然也有不以这个为基本节奏型的爵士曲目。

　　3、曲式

　　古典钢琴曲的曲式种类繁多，从一段曲式到大型奏鸣曲式无不包含；而爵士钢琴曲基本遵循曲式学中的“三部曲式”原则，即“主题-即兴-主题”。当然，爵士钢琴曲的曲式种类也并不单调。

　　4、织体

　　织体就是组织音乐的结构，反映到谱面上有个非常直观的图像，形态。

　　古典钢琴曲和爵士钢琴曲的织体在大多数时候都是以左手和弦伴奏右手旋律呈现出来的，虽然没有做过统计，但是我相信古典钢琴曲在织体上的丰富程度还是略高过爵士的。其实这里折射出两者在这一点上区别不算太大。

　　古典钢琴曲的织体流动是比较规律的，不会出现没过几个小节就换了几个织体的情况；而爵士钢琴曲中因为节奏上的变化打破了一个相对规整的律动，使得它可以较为自由地变换织体。

　　5、和声

　　古典和声与爵士和声是两种区别很大的体系，和声手法区别大，对同一和弦的解释也有不同。

　　古典和声体系，又可以叫做调性和声体系，产生的历史源远流长。一个调内的每个和弦有主有副，功能地位各不相同，这也使得它的调性相对稳定，相同调性的片段可能可以持续很久；而爵士和声呢，因为自身保持着一个复杂多变的调性，因此对调内的各种和弦排位没有古典音乐那样的规定。它主要靠各个调上的二级→五级→一级和弦进行来维持整个和声感觉，并在这个基础之上做了很大的改变。

　　6、调式

　　古典音乐肯定是以大小调体系为主的，偶尔借用中古调式；

　　爵士乐运用的调式材料丰富得多，有布鲁斯调式，也有中古调式、全音阶、“半全音交替”调式等等。

　　7、交集

　　有一种说法，叫“爵士乐是古典音乐的浓缩版”，从和声上来讲，两者都有一个非常大的跨越，只是所用的时间不同。

　　虽然讨论了如此多的区别，但是古典钢琴与爵士钢琴，或者说古典音乐与爵士音乐有没有交集呢？肯定是有的。尤其是当我们把刚才定义的“古典音乐”范围往后扩展到晚期浪漫主义、印象主义甚至扩展到20世纪严肃音乐，就能找到许多共同点。

　　当你真正深入了解后会发现很多特殊的例子，两种钢琴音乐都有太多值得玩味的东西在里面。

　　钢琴练*技巧

　　主要内容：

　　1、带保留音的练*

　　2、五指练*

　　3、带保留音的五指练*

　　4、同音反复

　　5、颤音 波音

　　第1节 带保留音的练*

　　能帮助训练手指的独立和肌肉的控制击键的精准性和深度，以及手的稳定。保留音练*不能用来训练手的伸展。手小的钢琴演奏者，至少在开始

　　学*时，必须避免音程位置宽广的保留音。

　　练*一：发音要精准，但不要生硬。抬起手指时不要紧张。拇指像其他手指一样，必需垂直地放下和抬起，而整个手部要保持不动，用f,mf,p的音响弹。

　　每小节至少重复四次变换其他手指去练*。

　　谱例：1·2·3·5（两只手以同样的手指弹奏）

　　练*三：练*的速度要慢，但手指抬高和放下时，动作很快。为了获得同样的音不量，手指应该抬高同一个高度

　　谱例：6·7

　　（1）带保留音的'减七和旋

　　练*一：提醒手小的钢琴演奏者，练*音程位置宽广的保留音时，必须十分小心或者根本规避。

　　谱例：10、11、12、13?

　　练*四：将减七和旋转位练*

　　谱例：15（带重音的练*）

　　第 2节 五指练*

　　目的在于**手指，训练他们的稳定性和清晰地击键。控制每只手指的灵活性和独立性，特别是拇指的主动性，同时保持前臂和手腕的放松。左手不应当被动地跟着右手。相反，应当感到左手处于主导地位。在弹奏音阶时，你们会体会到养成这一*惯的好处。

　　（1）白键练*

　　在白键上训练手的横向移动是十分重要的，快速弹奏时音响减弱，手指抬起的高度也减小。

　　每天练*开始、高峰、和结束的几小节13572 14736

　　（2）五指半音练* 谱例：22、23

　　（3）五指转调练*

[阅读全文]...

钢琴的学*方法

钢琴的学*方法

　　钢琴学*犹如大海行舟，在那漫无边际的大海上。在充满矛盾的钢琴之路上，一步步坚持下去。下面是小编整理的最主要的四种钢琴学*方法。

　　钢琴学*的简要方法

　　准备钢琴。

　　学*认识五线谱。

　　准备五线谱钢琴书，选取简单熟悉的曲子。

　　对选取的曲目一小节一小节练*。

　　先是单手练*，右手对应弹哪几个键，分别按多久时间（节拍），用哪几个手指会比较方便，比较快，自己稍微琢磨一下就行。

　　左手同上述方法。

　　然后，就练*两手同时弹。这也简单，记住，世界上没有难的事情，只要你把它简单化。两手一起弹，你只需要记住，五线镨上下两行（对应着右，左手两行）的各个音的对应关系就好了。例如，右手弹“1”音的时候，左手同时要弹“5”音，右手的“1”音按着别动，左手接着弹“2”音，右手弹“6”音，左手同时弹“3”音，然后，反复练*这几个小节。两手反复弹便成功了。

　　然后，就反复只练*这首曲子。每天弹30分钟到1个小时。

　　把这首曲子的各个版本（钢琴独奏版，吉它独奏版，演唱组合版，女高音版。）从网上，下载到MP3上，没事的时候，就听听，只听这一曲。反复听仔细体会与自己弹奏的区别。反复联系。

　　钢琴学*的详细方法

　　1.慢

　　这里的“慢”主要指用比规定明显慢的速度来弹奏。

　　它往往用在曲目的练*阶段。

　　慢练在钢琴教师的教学术语中也是脱口而出，因而学生听后常当耳边风甚至不予理睬。

　　但慢练能使弹奏在浮躁时得到静心，在疲惫时寻得休憩，在困难久攻不下时获得时机迂回。

　　波兰著名钢琴家、教育家和作曲家约瑟夫·霍夫曼曾指出：“在快速重复弹奏复杂的音型时，一些细小的失误和缺陷(也就是我们*时所说的粗糙的弹奏)往往被我们忽略。

　　我们快速弹奏的次数越多，这些缺点的数量越多，它们最终将导致演奏者对音乐画面的完全扭曲。

　　还会使手指运动的神经冲动开始变得犹豫不决，然后越来越弱直到手指发黏为止。”霍夫曼的这番话决不是危言耸听，他是在警告一些一味追求快的琴手，勿为此而断送自己的前程。

　　其实在我们周围霍夫曼警告的那些人是大有人在，他们认为技巧就是弹快、弹强——图个过瘾，这样诸多毛病就会因快而滋生。

　　霍夫曼建议：“这些人应该立刻重新开始慢速弹奏，尤其是应该清楚地、仔细地、慢慢地弹奏那些不容易弹奏的片断，直到正确的重复弹奏的次数达到相当数量为止，以便从自己的头脑中清除那些被扭曲的音乐画面。”

　　德国著名钢琴教育家卡尔·莱默尔也在《现代钢琴演奏技巧》一书中指出：“如果在弹奏过程中出现错误，那么头脑中的画面自然会留下错误的烙印。

　　因此这一画面经过修正而使其完善，这一过程往往费时又费力。”

　　钢琴演奏是以形象思维为手段产生的艺术作品，它的特点是：在形象思维过程中，一切错误的弹奏和粗糙的弹奏都会加深错误的形象，也就是霍夫曼和莱默尔所描述的扭曲的画面在大脑中扎根。

　　要清除这扭曲的画面必须迅速重建正确的形象思维，进行正确地细致地弹奏。

　　此时被加深、加固的扭曲画面也不会断然消失，还会在一定时间在大脑中和正确形象发生矛盾、冲突。

　　如何在钢琴演奏中找到并坚持正确的形象思维及正确的钢琴弹奏呢?当然只有在“慢”字上做文章、下工夫了。

　　综上我们可以看到“慢练”是正确弹奏的源头，“慢练”是清扫弹奏中垃圾的良药。

　　苏联的钢琴教学中是非常强调慢练的。

　　如著名钢琴家雅科夫·弗莱尔认为：“慢速弹奏法犹如钟表匠手中的放大镜，它可以使练*一部作品的音乐家更仔细地看和听他们所弹的音乐，并能深入浸润作品中的每个细节和组成部分之中，从而完全知道并掌握这部作品。”

　　另一位著名钢琴家格里高里·科岗指出：“缺乏慢练演奏法的支撑，就无法演奏技术和技巧艰难复杂的作品，就如同不打地基就无法建高楼一样。”

　　他要求钢琴家们：“除了要用较慢的速度弹奏同一部作品(或弹奏其中的某些片段)，同时还要一遍比一遍速度更慢，直到他们能以最慢的速度弹奏为止。”

　　同时还认为：“钢琴家如果做不到这点，就相当于一枚假币(不是真正的钢琴家)，不能相信他的演奏技术和技巧，因为他的技术和技巧实际上是建立在河滩上的。”

　　我认为：以上钢琴家的看法都有它的合理性和普遍性。

　　的确慢练就好比是放大镜，好比是盖楼的基础。

　　慢练不但在视谱阶段需要，在其他需要提高弹奏质量甚至在即将上台演出前都离不开它。

　　如意大利钢琴家布佐尼，波兰钢琴家戈多夫斯基在演出前一次又一次慢慢地又仔细地对演出曲目进行审查和校对。

　　但对“慢练”也不能强调过头，在钢琴弹奏上，毕竟还有一批钢琴天才、视谱能手，他们无需在慢练的辅佐下登上艺术的高峰，如奥地利著名钢琴家阿尔弗雷德·布伦德尔，他从不用慢练速度练一首乐曲，他认为练一首乐曲而不按照适合音乐的真正速度弹会酿成错误，为此在他着手练一首乐曲时总要按原速进行。

　　他觉得只有这样才能风格正确;又如世界上家喻户晓的钢琴大师鲁宾斯坦，当接受记者采访时，他竟说不出曲子是怎样练好的，他完全是按照自己的本能，在一种不知不觉的潜能状态下练就的;又如著名俄籍美国钢琴家亚历山大·斯洛波蒂亚尼克，他被人称为天才钢琴家，技巧对他来说已如同手中玩物一般。

　　在谈到如何练琴时，他说：“我练琴时多半是一遍一遍地从头到尾练，例如哪儿出点差错，我就在哪儿重复一下。”他们说的和弹的都是那么轻松，轻而易举，好在世界上钢琴天才毕竟是少数，不然钢琴练*大道可要大翻盘!让那些钟情、实在的练琴者无所适从。

　　还有更有趣的是美国著名钢琴家约翰·布朗宁，在他练琴的法典上既不提倡快速，也不要求慢速，而是主导中速。

　　乍看，他好像别出心裁走一条中庸之道，其实不然，布朗宁是认为中速最难控制，最难弹。

　　因为快速容易粗略、遗漏，慢速又易滞缓、乏味，而中速他觉得能以弥补二者缺失的面目出现，它更能使弹奏者的练琴思想保持高度集中。

　　过去，我曾带比赛学生在赛前请教中央音乐学院著名钢琴教育家李其芳，她总是让我的学生中速弹奏。

　　此时我的学生的弹奏缺点就会一一暴露无遗，学生也会时而回过头去朝我做个苦脸表示难弹和无奈，需要我给予援救。

　　其实中速弹奏也是一个好方法，可以尽可能地暴露缺点，我认为：随着学生学*钢琴的程度逐步提高，不妨用不同速度来练琴，这更能增加练琴的趣味及效果。

　　但慢练仍是练琴的基本功，弹琴者必须掌握它并时时运用它。

　　现在，大家都愿打起慢练的旗号，问题是真货有，水货也不少，有的练几小节慢速就缺乏耐性了，我们把这现象叫“蜻蜓点水”;有的开始弹慢速，往后就越弹越快了，我们把这现象叫“后来居上”;更有的根本就在弹快速，自喻却一直在慢练，我们把这现象叫“张冠李戴”。

　　须知：慢练不是谁都能沾边的，这需要一种静态的修养和克服错误惯性的意志力。

[阅读全文]...

学*钢琴的九大益处

学*钢琴的九大益处

　　钢琴是乐器之王，弹钢琴的好处显而易见，诸如开发孩子的音乐智能，促进孩子大脑的发育，锻炼手指的灵活性以及身体的协调性，陶冶情操，提高对音乐的鉴赏力，让生活变得更加充实，更有品味。钢琴音乐也是一扇通向人们创造思维和形象思维的窗口，孩子从小受到良好的音乐教育，尤其是通过学*各种乐器，就会使他们较快地找到打开这扇窗户的钥匙。不仅如此，即使是中年人或者老年人学*钢琴也是大有裨益的。下面就和小编一起看看学*钢琴的九大益处吧。

　　学*钢琴的九大益处

　　1、开发智力

　　钢琴是最能体现音乐原理的乐器，也是中外乐器中音域最宽的乐器。由于它能够完整地表达一首音乐作品错索复杂的声音对位，所以对钢琴弹奏者的智力开发很有帮助。因为钢琴作品是所有乐谱中最复杂的，分析和理解这些乐曲，需要乐理知识、和声知识、复调知识等，还要有较强的记忆能力、推理能力、分析能力、逻辑判断能力等。所以，弹奏钢琴，可以使全身处于半体力劳动与脑力劳动相结合的状态。从手到脚，从眼睛到耳朵协调完成各种复杂的技巧动作，从而达到较好的智力锻炼。手指的运动成为儿童智力开发的基础，弹钢琴就必须活动双手，手指的动作越复杂，越娴熟，就能与大脑建立更多的联系，就能有效地锻炼大脑的功能，尽早的开发大脑的潜能，使之更加灵敏和聪慧。学琴也可以帮助老人开发智力，让老人在美的熏陶中远离老年痴呆。

　　2、培养乐感

　　乐感是对音乐感受力的简称，她是对音乐的众多因素的排列组合以及乐曲的进行、气势、色彩、轻重缓急等要素的总体感受。在钢琴启蒙教学中，最容易被老师忽视的就是乐感的培养，因此，钢琴教师的责任重大。培养乐感首先要引导学生领悟乐曲的内容、音乐形象和所表达的思想感情。乐感的培养，教师还可以通过指导学生欣赏音乐作品来完成。

　　3、协调身体

　　从小让孩子练*钢琴，可以促进孩子大脑的发育、锻炼手指的灵活性以及身体的协调性、陶冶情操。弹钢琴并不仅仅是手指自己的运动所得来的。人体的各部位紧密相连，举手投足之间，都会牵动其他部位。弹钢琴是一种全身运动，在完成弹钢琴的动作中，除了手臂的上下运动外，离不开全身其他部位的支持，遇到弹奏钢琴这种需要完成双手快速不同动作的情况，身体的协调能力则更加重要。

　　4、培养*惯

　　建立常规就是培养*惯。人们都知道要培养良好的*惯，但怎样引导孩子培养良好的*惯是一个很困难的'问题。学*钢琴的时间一般都在学龄前，学琴的孩子要在他们每天的生活中增添一项与其他小朋友不同的活动，而且要做到在每天的练琴时间里注意力高度集中，认真细心，手脑并用；自然而然地进入了学*状态，慢慢也就*惯了上课时要态度认真，下课要主动练*的要求，就能够用充沛的精力去迎接将来的学*任务，重要的是让兴趣能持久，成为一种生活*惯。

　　5、磨练意志

　　钢琴是一门技术性很强的表演艺术，日复一日，年复一年的练*，有的甚至需要更长的时间去不断练*，在这么漫长的练*中不管多么枯燥，多么辛苦，都要坚持下来。因为通过学*钢琴，他们从小就懂得知识和技能的获得，必须要有持之以恒的精神，坚持就是胜利。我教过许多孩子，有些开头很出色，但坚持不下去就半途而废了，有些学生因为坚持反而渐渐赶上来了。

　　6、提高情商

　　情商由大脑边缘系统控制，研究表明，根据该系统的特点，只有靠大量的反复不断的练*才能提高情商。也就是说，提高情商像是弹钢琴，通向成功的唯一道路就是练*，练*，再练*。人的性格各有不同，说话做事的表达方式也不一样，而音乐恰恰是一种特殊的语言，它能够让不同性格的人们用他们独有的方式来表达自己的情感。

　　7、有益健康

　　欢乐的音乐能够调节大脑及整个神经系统，协调身体各个器官的活动，这对消除学*紧张而引起的心理疲劳效果明显。专家指出，优美的音乐，动听的旋律能加速人体分泌一些有益健康的激素，能调整大脑功能，解除身体疲劳，产生神清气爽之功效。因为它需要手、眼、脚、耳、脑并用。有关研究表明，长期的、系统的、全面的钢琴训练，会使人的心脏、四肢、大脑等主要器官保持在一个合理、健康、*衡的状态，从而达到修身养性、益寿延年的作用。所以经常弹钢琴会对身体产生用药物不能带来的健康。

　　8、陶冶情操

　　弹钢琴可以使人心境更豁达，充实精神生活。在专心练琴时，演奏者可以达到“神游世界、物我两忘”的境界，非常有助于人们修身养性，提高素质，调剂紧张的学*、工作，缓解生活中的压力。学*弹奏钢琴，要接触和浏览大量的优秀钢琴音乐作品，通过长期的训练和音乐作品的熏陶，不仅可以使孩子或老人情感丰富、情绪开朗、性格趋于*和稳定，而且对优良心理品质的形成产生重大影响。

　　9、扩展知识

　　音乐艺术是人类文化创造的伟大成果之一，也是世界现代文化的重要领域之一。儿童学*弹奏钢琴，无论对乐器本身、音乐构成诸要素、乐谱、世界著名音乐家及其作品都将在学*过程中逐渐有所深入了解，从而使儿童的知识领域大大拓展。

　　钢琴调律的方法

　　一，确定标准音高

　　用小字一组的a1音叉定音，校准小字组的a，而要调准这个音并非易事，除了听得准以外，手法准也尤为重要，本学期的调律实践中，我着重练*了微调的能力，灵敏地感觉弦轴的转动，并准确地听出拍音。有时需要提高标准音，最大可能需要达到445Hz，而这时所听出的拍频为两列波的频率差，即5次/秒

　　二，分律

　　分律是本学期的重点内容，不仅需要敏感的听觉和手上的感觉，更需要理性科学的声学分析与计算。首先以之前调好的a音为基准，进行“上四下五”的分律，钢琴的律制，为十二*均律，要奖导致声音不和谐的24音分*均分配到每两个相邻的音上所以纯四度与纯五度的拍频约为1次/秒，即每两个相邻的音多加两个音分。当进行至f时，开始使用“三六度检验法”进行检验，即大三度与大六度的拍音相同。由于十二*均律中每两个相邻音的频率比为1.05946

　　所以大三度的频率比为（1.05946）3，大六度的频率比为（1.05946）9，由此可求得大三度的音分值为1200lg（1.05946）3/lg2,同理，大六度的音分值为1200lg（1.05946）9/lg2,算出后可得到大三度和大六度的拍频约为7次/秒。

　　但是这是以f为根音建立的大三度和大六度，在f之后的每个音上建立的大三度和大六度，其拍音逐渐增快，当进行到最后一个大三度c1--e1时，拍音可达到11次/秒。所以用“上四下五”的方法确定音高，再以“三六度”进行检验，可得到较完美的十二*均律。

　　说来容易，但是进行起来并不简单，因为所调出来的每一个音都是以前一个音为基础的，所以只要有一个音出现错误，就会导致其后面的音全都不正确，在最后一个纯五度无法吻合，所以有时需要进行逆向调律找出错误点。

　　三，同度与八度的调律

　　这已经是必须熟练掌握的步骤了，现在的我要保证在同度与八度的调律时的速度与准确度。同度与八度的调律就是要让发出同一音的弦调至相同的频率。不能有拍音的存在，这样就可以将钢琴的88个音全部调好了。

　　四，调律中遇到的问题及其解决方法

　　在实际的调律中，弦并不像我们想像中的那么理想，所以会出现这样那样的问题，对于这些问题，也有相应的解决方法。

　　首先，不能用左右晃动弦轴的方法来调节音高，因为这样调出的音没有保持力，会很快的走音，另外，弦轴也会松动，这对钢琴会造成极大的伤害。其次，当发现某音不稳定时，可采用重击的方法定音，实际就是将相应的琴键用力“砸”下去，这样弦的张力达到稳定，不会因张力太大导致音高的下降。最后就是高音偏高低音偏低的问题，由于人耳的听觉与理论的计算值并不完全一致，所以高音要比正常高出一些，同理低音也要比正常低一些，即做八度*移时，高音要多出几个音分，低音要低出几音分。使其出现微小的拍音，调至钢琴两端时，大约各超出三十音分。

　　钢琴调律是一门边沿科学，既要对钢琴有感性的认识，又要对调律有理性的思考。这样无论在今后的工作学*中，还是在方法的创新上，都会有更好的突破和发展。

[阅读全文]...

肖邦与李斯特的钢琴练*曲异同分析

肖邦与李斯特的钢琴练*曲异同分析

　　打开任何一本西方音乐史，肖邦和李斯特肯定是浪漫主义的代表人物，尽管如此，从浪漫主义的更细致的划分上，二人显然不属于同一类型，两者的风格迥然不然。下面是小编为大家收集整理的肖邦与李斯特的钢琴练*曲异同分析。

　　肖邦与李斯特的钢琴练*曲异同分析

　　摘 要：波兰的肖邦与匈牙利的李斯特是浪漫主义时期两颗璀璨的巨星，二者的所作的练*曲均在浪漫主义钢琴音乐中占有举足重轻的地位。本文主义从二者练*曲的创作背景、创作手法、演奏技巧等方面进行分析，试图从更深的层次上对二者的练*曲有所了解。

　　关键词：肖邦 李斯特 钢琴练*曲 浪漫主义时期

　　Abstract: The Polish Chopin and Liszt Hungary are two bright stars Romantic period, both of which are made of etudes in Romantic piano music plays give enough light weight status. This paper ***yzed doctrine from both etude creative background, creative approach, playing techniques and other aspects, trying a deeper level of understanding between the two etudes.

　　Keywords: Chopin Liszt Piano Etudes Romantic Period

　　“练*曲”原是作曲家们为学生练*某种演奏技巧而创作的曲子。它往往是依据单一的音乐动机写成的。肖邦与李斯特练*曲的出现将钢琴演奏艺术推向了一个前所未有的高度。肖邦是第一位将练*曲这个音乐体裁作为音乐会演奏曲目出现的作曲家，而李斯特创作的练*曲将钢琴演奏技巧发展到了一个无与伦比的地步。

　　肖邦一生一共作有27首钢琴练*曲，其中op.10 的12首，op.25的12 首，以及3首新练*曲。Op.10 的No.1、No.2、No.5、No.6 作于1830 年，No.8、No.9、No.10、No.11作于1829年，No.7、No.12 作于1831 年，No.3 作于1837年，这12 首作品是献给他的朋友李斯特的;op.25No.4、5、6、7、8、9、10、11作于1832 - 1834 年，No.1作于1834，No.2、3、12作于1836年，这12首作品是献给达左尔伯爵夫人的;3首新练*曲均作于1839 年。李斯特一生作有23首钢琴练*曲，其中超级音乐会练*曲12首，初创于1826 年，帕格尼尼练*曲6 首，出版于1851 年;3 首音乐练*曲，创作于1848年，两首音乐会练*曲，作于1862- 1863。

　　肖邦练*曲的创作从1829- 1839年历经10年。他的音乐创作与19世纪上半叶波兰特定的历史社会境况和社会心理有着深刻联系。1829 年，肖邦从华沙音乐学院毕业，此时波兰民族斗争运动正在走向高潮，如火如荼的民族运动培育了肖邦的民族感情爱国热忱。在此后的10 年中，肖邦经历了与故乡、亲人的离别，在巴黎崭露头角，感情受挫，与乔治桑恋爱，健康恶化等一系人生的重大事件。因此，在他的练*曲中，有忧郁的感伤，激情的迸发，忧虑哀思的沉郁，也有坚强刚毅的不屈。而李斯特创作12首钢琴练*曲时只有15岁，已经被称为匈牙利神童。在创作手法上，肖邦练*曲让听众从车尔尼、克莱门蒂等作曲家传统的练*曲之下**出来，听到了光彩夺目的创新。他的作品具有丰富的想象力，即使是练*曲，其音乐形象也让听众遐想不已。听他的作品，似乎从每一个音符中都能看到波兰民族性的身影。他精心地编织了各种更具难度、深度及更为新颖的技巧，并在每一个练*曲里面嵌入一个个性鲜明、充满灵气的主导乐思作为其主线，从而使他的练*曲在技术和音乐上具有极高的欣赏与练*价值。肖邦作为一位钢琴诗人，他的练*曲纯粹为钢琴而作，优雅而且细腻，李斯特的练*曲在音响效果上则更加交响化，更具有乐队的宏大效果。李斯特的钢琴练*曲可以通过配器改编成乐队作品而增加其效果，而肖邦练*曲离开了钢琴则会失去它最动人的魅力。另外，在篇幅上，李斯特的练*曲大部分略长于肖邦练*曲，有不少能划分出明显的段落来;肖邦练*曲在音乐上几乎都是一气呵成，要求音乐家的气息绵长而有弹性，内心的气息应该是长线条的，随着旋律线的发展来呼吸、换气、渐强或渐弱，这是演奏浪漫主义时期作品的一大基本要求。

　　在技术上，肖邦练*曲中大部分作品以右手技巧训练为主，但是音乐变化及和声走向却大部分由左手来完成，所以说在肖邦练*曲中，旋律往往在左手上，故我们常常可以通过左手的和声进行及旋律走向来划分肖邦练*曲乐句的走向。而在为数不多的右手演奏旋律的例子中，我们也是通过旋律声部的语气来划分乐句，例如op.10 No.9 、op.10 No.12。肖邦练*曲多偏重于一个技术特点，比如拉长的琶音的op.10 No.1，弱指独立的op.10 No.2，三度训练的op.25 No.8，以及八度半音阶进行的op.25 No.10等，都是一首练*曲偏重于一个技巧难点。而李斯特练*曲的大部分作品都是由两个或者多个技术难点所组成的综合性练*，例如帕格尼尼练*曲之六，在每一个变奏中都有不同技巧练*的侧重点，仅在这一首练*曲中就有如琶音、跳音、远距离跳动、八度、三度、颤音等数个技巧难点。又如帕格尼尼练*曲之三《钟》，在模仿钟声的过程中，李斯特结合了远距离跳动、重复音、半音阶、八度等多种技巧，因而使得钢琴家不仅要对多个技术难点各个击破，还要能在不同的技术难点中游刃有余的转换，这对钢琴家的演奏来说是一个极大的考验。在速度上，

　　肖邦的练*曲总的来说比较稳定，作曲家没有在乐谱上标记太多速度变化，大多是在同一个速度之下完成。而李斯特的练*曲则在速度上比较多变化。李斯特在很大部分练*曲中都有明确的速度标记变化，例如在《森林的呼啸》练*曲中，第14、26、36、53小节就有明确速度变化的要求;在轻盈练*曲中，第37小节也有速度变化的要求。还有大量的速度标记在乐谱中可以找到，这里不一一列举。在力度和表情符号上，肖邦练*曲较为精炼，没有李斯特练*曲那么多的标记。李斯特在其练*曲中写下了大量的力度和表情符号。在节奏上，肖邦练*曲多用均匀的音符时值，而李斯特练*曲节奏则比较多变。肖邦的练*曲要求的是整首练*曲跑动的均匀，声音的流光溢彩，手指的灵巧敏捷，如珠落玉盘;而李斯特的练*曲除了要求对不同技巧自如的组织外，经常有很多华彩跑动片段，专门用于炫技与表现其戏剧性，在技巧中，半音阶、八度及和弦所占的份量尤其重，几乎在每一个练*曲中都能找到。由此可见斯特对恢弘、华丽、炫技效果的重视。在织体上肖邦的写作手法较为细腻，层次分明;李斯特的练*曲较肖邦练*曲更为厚重，层次更多。因此在李斯特练*曲中，力度的范围相较于肖邦练*曲更宽一些。因此，从音色上来说，肖邦挖掘的是作为钢琴本身的声音，而李斯特则发掘的是以钢琴作为一个乐队的声音。李斯特具有冲动的，充满激情和追求诗意的性格，强调音乐与文学性，诗意的结合。在他心目中，标题音乐与诗意的、描绘性的甚至是叙述性的主题素材有着密切联系。

　　综上所述，肖邦与李斯特这两位伟大作曲家的练*曲在技巧与音乐的结合上达到了前所未有的高度，其大胆的和声变化丰富了钢琴的音乐语言，拓宽的音域极大地丰富了钢琴的音响效果，大量新创作手法的运用大大增强了钢琴的表现力。这两位作曲家留下的练*曲，技巧高难，音乐内涵极为生动且深刻，堪称是钢琴艺术史中的两块瑰宝。

　　参考书目：

　　[1] 于润洋.西方音乐史.上海音乐出版社;悲情肖邦.上海音乐出版社

　　[2] 张薇.西方钢琴艺术史.上海音乐出版社

　　[3] 赵晓生.钢琴演奏之道.人民音乐出版社

　　李斯特与肖邦的故事

　　李斯特即使不是唯一最伟大的、也堪称是顶尖的钢琴家之一。他的钢琴曲独树一帜，交响诗则开拓了一种新的艺术形式，一直是音乐界一位浪漫的谜一样人物，是天才而不乏狡黠机智，是炫技家同时也具表演天份。

　　1.李斯特的'女婿是谁？

　　瓦格纳是德国著名的作曲家，著名的古典音乐大师。他承上启下的完成了古典音乐和后浪漫主义音乐的衔接。在德**剧史上，瓦格纳有举足轻重的地位，在政治和宗教领域，瓦格纳的争议较大，他的思想复杂性造就了他对音乐的理解和矛盾的不同的音乐体现方式。

　　李斯特跟瓦格纳的交集冲突是因为李斯特的私生女竟然嫁给了比她大26岁的瓦格纳，李斯特无法接受这样的事实，也开始不再联系瓦格纳。瓦格纳对女性的评判也是矛盾的，他认为女性有救赎和毁灭的两面，或许也是因为此，李斯特在女儿跟瓦格纳私奔之后，在将*十年的时间没有承认瓦格纳的身份。直到晚年期间，瓦格纳在歌剧方面做出了杰出的贡献，李斯特才渐渐的接触瓦格纳。

　　瓦格纳只是李斯特的女婿之一，但是也是最有争议和最具有影响力的一个。他在歌剧方面的造诣令人瞠目结舌，但是他在政治和宗教上的思想性，直到现在争议很大。他也是自传最多的音乐家。处于同时期的李斯特和瓦格纳有过一段时间的真空期，但是在对音乐上的执着和变革，李斯特最终还是接受了他的这个女婿，这些都不会影响他们在音乐方面做出的努力和突破。

　　2.李斯特与肖邦的故事

　　1831年，肖邦从波兰流亡到巴黎。当时，李斯特已是名声沸扬的音乐家，而肖邦则只是个默默无闻的小人物。然而，李斯特对肖邦的才华深为赞赏。怎样才能使肖邦在观众面前赢得声誉呢?那时候，在演奏钢琴时，往往要把剧场的灯熄灭，一片黑暗，以便观众能够聚精会神地听演奏。李斯特坐在钢琴前面，当灯一熄灭，就悄悄地让肖邦过来代替自己演奏。观众被琴声征服了。演奏完毕，灯亮了，观众看到舞台上坐着肖邦，大为惊愕。人们既为出现了一颗灿烂的钢琴演奏新星而高兴，又对李斯特推荐艺术新秀的行为表示钦佩。

　　李斯特用自己的方式把肖邦的音乐带到了巴黎，李斯特和肖邦的情义也变得更加浓重。同时肖邦开始展现自己的音乐才华，李斯特也因为自己高尚的品格受到人们的尊敬，肖邦和李斯特这段故事直到今天都流传，被人赞叹。

　　钢琴诗人肖邦的爱国故事

　　一九三一年七月，肖邦决定离开维也纳返回波兰。但是，当他途经斯图加特的时候，突然得到起义失败，华沙沦陷的惨痛消息。这不幸的消息如千斤重锤敲碎了肖邦的心。他孤零零一个人走回旅馆，悲痛、愤怒使他坐卧不安，他在屋里踱来踱去。硝烟弥漫的祖国，火光冲天的华沙，倒到血泊中的起义者……这些景象萦(yíng)绕着肖邦，使他不得安宁。他痛苦地闭上了双眼，他的心紧缩起来。

　　天黑了，肖邦点燃一支蜡烛放在桌前，摊开日记本，挥笔写道：“……莫斯科鬼子将成为世界的统治者吗?他们践踏着成千上万的死尸填满的坟墓，他们放火焚(fén)烧城市!啊!为什么我连一个莫斯科鬼子都不能杀啊?……”

　　他突然放下笔，霍地站立起来，用尽全力捶击钢琴，大声呼吼道：“不!波兰不会亡!绝不会亡!”

　　他把这炽烈燃烧着的感情凝结在音符里，他把全部的悲愤之情倾泻在钢琴上，肖邦的钢琴曲《C小调练*曲》就是在这种心境下创作出来的。这首乐曲悲愤、激昂，曲调忽而上升，忽而急剧地下降，发出猛烈的咆哮，像一匹烈马在感情的波涛里搏斗、奔腾。这首乐曲充满了刚毅、坚强和大无畏的英雄气概，所以人们通常又把这首钢琴曲称作《革命练*曲》。在这首乐曲里，肖邦把自己的悲愤和祖国的命运紧紧地联系在一起，表现出波兰民族在华沙起义失败后顽强不屈的意志。这是肖邦的一部著名代表作，影响较大。由于肖邦的音乐具有强烈的爱国主义情感，体现出波兰人民热爱自由、渴望民族**的强烈愿望，所以德国著名音乐评论家舒曼对肖邦的音乐评价极高，他说：“肖邦的作品是藏在花丛里的一尊大炮。”

[阅读全文]...