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声乐唱法的特点
唱法;实际上就是一种特有的演唱模式, 这种模式直接影响着演唱的外在表现风格,不同唱法表现不同风格。主要分为美声唱法,民族唱法、流行唱法(又叫通俗唱法)、原生态唱法等种类。唱歌是从古到今都有,下面就是小编整理的声乐唱法的特点,一起来看一下吧。
我国声乐的唱法基本有三种:具有*特色的民族唱法,源自意大利的美声唱法,20世纪80年代以来盛行的通俗唱法。这三种唱法各具特色,也各有不同的欣赏群体。
美声唱法这个词出自意大利语Bel canto,意思是精美、优美的歌唱。是一种着重声音华采优美,咏叹性重于朗诵性或戏剧性的歌唱方法。其显著特点在于通过人体解剖学倡导的一系列迫使发声机构以最精细和微妙的变化自我调整的方法,获得与人类语言有关的音质、强度、音色以及共鸣进行协调变化出乐感的声音,来积极参与音乐形象的表现,从美声技巧的效能中可以建立出这些概念。因此说,美声唱法注重发声的科学性,特别讲究声音,追求声音的光彩、力度和连贯、流畅、柔美。要求气息通畅,高、中、低三个声区统一,音域宽广,声音幅度大,嗓音中始终含有增强音响的“微颤”(Vibrato),即弦乐器上“揉弦”般的效果。颤动的幅度比其他唱法也大,声带及喉部肌肉的紧张度较其他唱法小一些。
民族唱法,广义地讲,是指包括戏曲、曲艺、民歌和具有这三类风格的创作歌曲的演唱方法;狭义地讲,主要指演唱民族风格较强的声乐作品时运用的技术方法与规律,是“民族民间唱法”与“中西结合唱法”的统称。其特点在于:在提炼和继承传统唱法的基础上,借鉴和吸收了西洋唱法中的某些优秀技巧,从而形成具有*民族特色的正确发声方法。民族唱法注重声音的民族性,音色较真实、明亮、靠前。讲究声情并茂,要求气息深,多用局部共鸣,高音多用真声,声带及喉部肌肉的紧张度较大。
通俗唱法,又叫自然唱法或流行唱法,是指演唱通俗和流行歌曲所用的表演手段。其演唱技巧有气声唱法、假声唱法和低吟唱法。从演唱的风格角度,大致可分为劲歌型,柔美型和艺术型三大类。通俗唱法一般以轻唱为主,共鸣运用不多,喉咙不要求打开,呼吸运用普遍较浅,声音自然流畅,无多大修饰,音域不宽,声带及喉部肌肉用力较多。但注重情感表达,有重情轻声的倾向,表演具有随意性。
下面对三种唱法在嗓音运用上的异同进行综合的比较:
一、呼吸的运用
美声唱法有一整套训练呼吸的方法,可见其对呼吸的重视,它多运用胸腹式联合呼吸,要求吸得深而饱满,气息流畅自如,声音托在气上。民族唱法要求气沉“丹田”,即用横膈膜呼吸。民歌手中,有意识运用深呼吸的'人不多,由于某些风格的需要,大多利用胸式呼吸。但民歌唱法在呼与吸的控制上还是有相同之处的,引用著名歌唱家吴雁泽先生的一句话叫做“吸气一大片,呼气一条线”。通俗唱法不太讲究呼吸的深度,以胸式呼吸为多,吸气部位偏高,只有少数艺术型歌手,演唱深情类歌曲时,呼吸才运用较深。
二、喉位的区别
美声唱法要求喉头下降,保持在吸气时的低部位,喉咙打开,特别要把喉咙低部打开,发音管拉长,稳定喉器。认为呼吸是歌唱的动力,开喉是发声的关键。民族唱法认为喉咙打开的大小或喉位的高低,应就作品风格的需要而定,不能千篇一律地要喉咙开大,允许喉头上下挪动,唱山歌或某些风格性作品时,喉头可上移。从以上比较可以看出,民族唱法较美声唱法的喉位略偏高喉咙打开得也较小些。而通俗唱法男女声都以真声为主,喉位普遍偏高,喉咙打开不大,一切服从风格的需要。
三、共鸣方面的对比
美声唱法讲究混合共鸣,强调整体歌唱感,整个声区充分发挥共鸣作用,要求声区统一,转换音区不能有痕迹,因此音量大,穿透力强,不必借助麦克风来扩大音响。民族唱法多用局部共鸣,允许中间换气,形成独特风格。民族传统唱法中称头腔共鸣为“脑后音”,胸腔共鸣为“膛音”。通俗唱法,由于借助话筒扩音,不需要强大的共鸣(少数劲歌除外),轻唱为主,多用真声,下部共鸣较多,多用口腔共鸣,尽力保持自然状态,就像朗诵、说话一样。
四、声音走向的比较
美声唱法,声音成管状,竖向运行,即声音从喉室发响后经过喉腔、口咽腔,往上通过鼻咽腔到上部共鸣腔体(鼻腔、额腔蝶腔)后再送出来。主张声音从后面上去到头顶,再从前面出来,有如抛物线,象投掷铅球一样,声音可穿透得更远,取得良好的高位置,反对声音直接从口腔唱出。民族唱法要求明亮的音色,因此声音的走向普遍靠前。追求声音亲切、自然、直接,也讲究高位置,忌“窝”着唱或“包”着唱。而通俗唱法,发音管短小,声音靠前,亲切自然。
五、音域的不同
美声唱法由于上下声区贯通,音域展衍最快,一般能达到两个八度,甚至三个八度。民族唱法,作品音域一般不宽,但也有些山歌上下流动很大。通俗唱法,作品音域大多在十至十二度之间。部分民歌改编曲音域稍宽,某些劲歌或戏剧性作品音域宽广,嗓音条件一般或未经训练的较难胜任
六、咬字部位的异同
美声唱法要求声音圆润柔和,音色偏“暗”咬字部位稍靠后,母音讲究“圆”嘴巴呈圆形。民族唱法,母音发音较靠前,声音反射至硬腭部分,嘴巴呈扁*状,嘴角向两边分开,让字吐得更清楚。通俗唱法吐字方法与嘴型和民族唱法相似,有时更靠前些,齿音、唇音较重,强调吐字,因而语言清晰,感情亲切。
综上所述,美声唱法强调共鸣与音质,演唱偏于唱“声”,注重发声的科学性,歌者不易患声带疾病,但由于其来自异域,与本民族的审美观有些差异,因此还不能被广大民众普遍接受,是一种高雅和寡的声乐演唱形式,随着我国严肃音乐的推广,现在也逐渐被大家接受和欣赏了。民族唱法讲究吐字清晰,以字带声,字正腔圆,注重声音的民族特性,嗓音中具有一种符合民族审美*惯的质朴感和亲切感,是一种雅俗共赏的演唱方法。通俗唱法注重直与*,发声自然,崇尚口语化,对声音考究偏于“情”与前两种唱法的相似之处在于要求歌者有良好的乐感和表达能力,关于这种唱法有褒贬不一的争论,但作为一种演唱风格,其*易*人的表演方式和强烈的感染力使其成为一种大众喜爱的演唱方法,是一种客观存在,拥有一大批的著名歌手和热爱它的听众。
【拓展】声乐唱法介绍
1. 美声唱法
简介:在人类声乐艺术的发展历史上,Bel Canto是最重要的发展主线,Bel Canto应翻译为“美好的歌唱”,在我国一般译为“美声唱法”。《格罗夫音乐词典》、《牛津音乐词典》及《辞海》中都从各个角度,用各自的方法对此进行了阐释。《辞海》中说:“Bel Canto是17世纪产生于意大利的一种演唱风格。它以音乐优美、发声自如、音与音连接*滑匀净、花腔装饰乐句流利、灵活为特点”。Bel Canto自产生以来,经历了数百年发展,已具有深刻的内涵。它既是科学的发声方法,也代表着歌剧发展中的—个重要的历史时代、一种音乐风格和一种歌唱风格,同时也贯穿着规范的歌唱技能技巧的一种发声训练法,因此,也可视为“美声学派”。作为科学的声乐学派,Bel Canto自产生,经历了历史的考验,才逐渐形成了完整、系统、科学的发声方法和演唱风格。“美声”的诞生,是有各个方面的原因和前提的。
2.民族唱法
广义地讲可以包括戏曲、曲艺、民歌和带有这三类风格的创作歌曲的唱法。
这里所指的民族唱法则是作为狭义地来理解,主要是指演唱民族风格较强的声乐作品时所用的技术方法及一些规律。它们既是从戏曲、曲艺、民歌这些民族传统唱法中提炼和继承下来的,同时又借鉴和吸收了西洋唱法中优秀的结果。 研究民族唱法尤其不能离开民族语言,因为歌唱语言是生活语言的艺术加工。 我国民族传统唱法上常提到“字是骨头,韵是肉”、“字领腔行”,甚至带有艺术夸张地说:“千斤白,四两唱”,可见对语言因素的强调与重视。 因此语言规律的差别以及对咬字、吐字、语言在演唱上的不同处理与强调程度,是民族唱法和西洋唱法的原则区别。 语言既是咬字吐字的依据,也是发声、用气、共鸣等技术手段的依据,又是音乐曲调的依据。而语调、语气、语势则是形成风格的主要因素。
民歌和民歌风格的歌曲带有浓郁的地方音调,在演唱时如能用方言更能表达其内容与色彩,但是地方语与汉语普通话的总规律是相同的,因此用普通话来演唱也是行得通的。
在风格处理上北方民歌要豪放悍犷一些,南方民歌则要委婉灵巧一些,高原山区民歌要高亢嘹亮一些,*原地区民歌要舒展自如一些。我国是个多民族、地域广大的国家,因而语言丰富、民歌风格多彩,不能一言以蔽之。 一首歌曲是先有歌词后再谱曲的,演唱者不仅是在重视词作者和作曲者的歌词和音乐,而且是在进行一次艺术再创作,要使词曲溶为一体。既要考虑到曲调的规律又要照顾到语调的起伏,用咬字吐字的技巧将语言加以艺术化、音乐化,才能达到词曲结合的要求。
3. 流行唱法
流行唱法(又名通俗唱法) 始于*二十世纪30年代得到广泛的流传。开始叫流行歌曲唱法,后来称通俗唱法。为适应与国际接轨,现在又改回流行歌曲唱法,简称流行唱法。
其特点是声音自然,*似说话,中声区使用真声,高声区一般使用假声。很少使用共鸣,故音量较小。演唱时必须借助电声扩音器,演出形式以独唱为主,常配以舞蹈动作、追求声音自然甜美。感情细腻真实。
流行唱法声音的主要特点是完全用真声唱,接*生活语言,轻柔自然。强调激情和感染力,演唱时有意借助电声的音响制造气氛,所以很注意话筒的使用方法和电声效果。
流行唱法以青年为中心,可以说是:写青年,唱青年。青年唱,青年听。
古己有之的那种通俗唱法,并非我们目前所指的典型意义的通俗唱法。现代通俗唱法,有两个重要的特性,一是它风格样式国标化;二是它与现代高科技电子技术结合。
二十世纪八十年代,由于政治经济上的改革开放,文化上的禁锢被解除,国门大开,首先是港台通俗音乐一拥而进,形成热潮。这决不仅仅是因为年轻人在经济上的独立,而是由于流行音乐有青春活力。展示了人们是如何生活的意愿。
同时,一大批通俗歌手不断涌现,并风格各异,五彩缤纷。流行歌曲从此也受到了国家和人民以及音乐界的极大关注和重视。
在如今这个各类流行音乐充斥于大街小巷电台电视网络的时代里,也许流行唱法这个词大家一点也不陌生了,我们可以这样肤浅的认为流行歌手演唱所使用的方法和技巧就是流行唱法。曾经有朋友在聚会的时候当面质疑过通俗歌曲有唱法吗,唱流行歌曲需要学吗?虽然普遍意义上来说流行歌曲应该是以易于上口便于传唱为前提的,但是任何事物都是发展的,当它发展到一定高度和层面的时候大俗的东西往往会变成大雅,流行音乐发展了这么多年,已经从曾经的所谓的“自然声区,不足一个八度”的演唱发展到一个相当高的水*,随随便便抓一大把最*相当走红传唱度很高的歌手,比如周杰伦,林俊杰,陶喆,其实他们的歌并不是很好唱的,做一个不太适当的比较,其实在唱法上被许多人有相当程度质疑的周杰伦在《发如雪》里面高音的高度甚至比帕瓦罗蒂还要高,但是这并不影响他和他的歌曲被大家所接受和喜欢。从某种意义上来讲这就说明了其实流行音乐和流行音乐的听众已经发展到一个相当的水*了,所以流行歌曲有唱法,流行歌曲的演唱需要学*,如果仅仅还停留在“自然声区,不足一个八度”的层次,那么它最终会被时代淘汰.
4. 原生态唱法
原生态民歌,顾名思义,就是我国各族人民在生产生活实践中创造的、在民间广泛流传的“原汁原味”的民间歌唱音乐形式,它们是中华民族“口头非物质文化遗产”的重要部分。
民歌是各族人民智慧的结晶,是各个历史时期人民生活的生动写照。这些歌曲直接产生于民间,并长期流传在农人、船夫、赶脚人、牧羊汉以及广大的妇女中间,反映着时代生活的方方面面,可以说是各个历史时期人民生活的生动画卷。这些歌由大众口头创作,并在流传中不断地得到丰富和发展,歌词越加精炼,曲调渐臻完美,具有很高的艺术价值。民歌的语言生动传神,它并不是将简简单单的生活语言直接拿来,而是也讲究韵律,讲究比兴等传统的诗歌手法,源于生活而高于生活,是百姓的杰作,是大众语言的精华。
我国民歌的种类极为丰富,主要有内蒙古的长、短调牧歌,河套及周边地区的漫翰调、爬山调,陕北和山西西北部的山曲、信天游,甘、青、宁地区的花儿,新疆的十二木卡姆,陕南、川北的姐儿歌、茅山歌,江浙一带的吴歌,赣、闽、粤交汇地区的客家山歌,云、贵、川交界的晨歌、大定山歌、弥渡山歌,藏族聚居区的鲁体、谐体民歌,以及其他各民族的山歌等。
据专家介绍,“原生态”这个词是从自然科学上借鉴而来的。生态是生物和环境之间相互影响的一种生存发展状态,原生态是一切在自然状况下生存下来的东西。原生态民歌是老百姓很自然地表达出的东西,而把很多民歌进行改编等则是原生态状况的变异,属于非原生态。
原生态唱法只是区别于学院派民歌唱法的一种说法,学院派民歌唱法大多吸收了一些西洋唱法,原生态唱法却是一种原始的未加工过的唱法。
民族唱法与流行唱法的异同
民族唱法吸取并继承了传统戏曲、曲艺和民歌等演唱精华,借鉴和采用了美声等歌唱方式,是一种以民族语言为基础,伴有形体表演,具有甜、脆、宽、亮等嗓音特征,将情、声、字、腔融为一体的一种演唱方式。下面是小编整理的民族唱法与流行唱法的异同,一起来看看吧。
民族唱法普遍适用于歌剧、民族歌唱等表演活动。通俗唱法又被称为流行唱法、自然唱法,常借助于音响等现代设备,演唱注重直与*,发声具有自然、口语化等特点,且强调歌唱情感的流露,可依据作品内容,加入或者渗透一定量的舞蹈表演,达到唱与动两者有效的结合,进而产生与听众间的交流。
一、民族唱法和通俗唱法的共性
(一)呼吸运用
呼吸是歌唱的关键、根本,对歌唱艺术的重要性不言而喻。我国古代音乐典籍中就有关呼吸的相关记载,如:“启动则发生”、“气沉丹田”、“
善歌者必先调其气”等等。可以说,呼吸是歌唱艺术的表现形式,是发声的基本动力。民族唱法中呼吸与通俗唱法下呼吸虽然存在深浅上的差异,但在呼吸运用方法上是一致的,所要到达的目的也是相同的。在两者呼吸相关训练教学中,老师都普遍采用闻花香、叹气式等方法让学生感知呼吸要领,都要求学生掌握吸气深、存气多、运气足、灵活用气等呼吸技巧。
(二)声音走向与咬字部位声音走向即声音的传播方向。
民族唱法与通俗唱法的声音走向都要求亲切、自然和直接,声音明亮,声音的走向靠前。但民族唱法讲究高位置,切忌“窝着”和“包着”的唱法,而通俗唱法主要是借助于口腔的共鸣腔,发音管较短等。民族唱法与通俗唱法的咬字强调语言清晰,感情亲切,声音明亮,两者在吐字方式、咬字嘴型等方面是相同的。如:吐字时嘴型呈微笑状,发音靠前,声音发射在硬腭部位。
(三)作品表演
民族唱法和通俗唱法两者歌唱表演都注重作品情感的流露,强调作品蕴含的感情因素。民族唱法曾有“余音绕梁,三日不绝”的描写,即是唱法歌曲唱情,生动传情,注重对歌曲作品的情感传达。通俗唱法重情轻声,一大特点是感情跌宕起伏,舞台表演大方,生动活泼,具有很强的感染力,注重对作品情感的表达。甚至为了生动细腻的传达歌曲的情感,可以割舍噪音。
(四)审美品位
通俗唱法与民族唱法都属于音乐艺术的范畴,作为一种艺术表演活动,必须肩负着一定的社会责任。即是通俗唱法、民族唱法的自我表现形式、情感内容具有能提高听众的审美情趣,陶冶欣赏者的情操的效用,帮助人们在精神追求、道德评价、是非观念和美丑选择等方面有着一定的帮助作用。因此,这就要求通俗唱法、民族唱法等所要传达、表达作品艺术的思想内容是积极性上、激人奋进的,其表演形式也是健康多样、优美动听的。
二、民族唱法与通俗唱法的区别
(一)共鸣方式
民族唱法为了使声音明亮、饱满和优美,其共鸣运用采用混合共鸣的方式,有效的发挥了个共鸣腔体的作用。常用的共鸣方式有脑后音(头腔共鸣)、膛音(胸腔共鸣)等,形成了独特的声音风格。比如说,真声多使用在中低声区,混合声、假声主要运用到换声区和高音部分,造成了民族唱法声音统一、自如,富有表现力、感染力的效果。而通俗唱法的共鸣运用则为不同。通俗唱法可借助于话筒达到扩音的效果,在歌唱表演时不需要强大的共鸣作用。且通俗唱法为了保持歌唱的自然状态,达到似说话、朗诵的效果,多采用真声轻唱的方式,共鸣方式也多使用口腔共鸣。
(二)喉咙打开方式
歌唱发声器官由喉头、声带喉头好声带三部分组成,打开喉头是声乐学*的重要环节,直接关系着声音的是否优美动听、有色彩和感染力。通俗唱法与民族唱法中喉咙打开的方式存在很大不同,比如说,民族唱法要求声音流畅,上下自然贯通,喉咙打开的方式、喉位的高低就要根据作品的风格进行调整,不能千篇一律或者随心所欲的想开多大就开多大,或者允许其上下移动。而通俗唱法主要是以真声歌唱为主,这就要求喉咙位普遍偏高,喉咙打开不能过大,最好形成管状。综上所述,喉咙打开的式要根据演唱风格的需求而定,要服从于演唱作品的要求。
(三)咬字、吐字
民族唱法和通俗唱法在咬字、吐字等方面也存在很大的区别,究其原因主要是由于民族唱法以民族语言为基础,是通过以字带声、以声传情的方式来表达作品的思想感情。而通俗唱法的音域一般不宽,歌词语言都较为接*生活化、口语化,歌词通俗易懂,咬字、吐字不应过于雕琢。这就要求在民族唱法的咬字、吐字要准确、明晰,达到咬字行腔的效果。比如说,歌唱咬字、吐字时要强调字头情绪表现的作用,加大声母部分的力量力度,具体量化的力度是比说话力度更集中、更夸张,进而使声母的阻力气更有分量。通俗演唱的咬字、吐字要能与作品风格相符合,要亲切自然,发挥语言的感染力,通过歌词的语言性、生活性传达歌曲作品的诗意、意蕴。
三、民族唱法和通俗唱法的灵活转换
了解和掌握了民族唱法和通俗唱法的两者的内在联系和区别后,就可以做到两者之间的灵活转化。注重共鸣方式、喉咙打开、咬字和吐字等方面,还要重视作品风格、题材的转换处理。对于可以采用民族唱法、通俗唱法的同一歌曲作品,在歌唱方法的选择上要找出最为适合歌曲作品、风格的演唱的'方法。另外,还要做到两者演唱方法的灵活转换,找到两种演唱方式之间相同的地方,相互吸收借鉴,进而不断丰富歌曲的表现方式和手段。对于每一首歌曲作品在演唱表演时要尽可能的打破惯用的演唱方式,采用多样化的演唱形式,进而推动歌曲作品演唱方法的创新。
1、起源不同
(1)通俗唱法
通俗唱法也原本叫“流行歌曲唱法”。由于中外语言的特点各有不同,但是也有不少共同之处。在西方直到1900年,古曲的“美声”和“通俗的”的歌唱方法,并没有根本上的区别,虽然演唱歌剧要比演唱轻歌剧和流行歌曲需要更为丰满的声音和更高的歌唱技巧。
(2)流行唱法
流行唱法起源于欧洲,后在美国发展壮大,逐渐形成了爵士、摇滚、说唱、民谣、灵歌、舞曲等风格门类,又通过媒介直接把流行音乐推向整个世界,形成了庞大的流行音乐产业及流行音乐文化。随着流行音乐的快速发展,一种新的演唱形式——流行唱法也应运而生。
(3)民族唱法
民族唱法起源,最早可以追溯到公元前六千多年前的母系氏族社会。它产生于劳动人民的生产劳动和生活实践。《吴越春秋》中记载的黄帝时期的“弹歌”,和《淮南子》中记载的“劳动号子”,是*民族声乐的基本雏形。
从上世纪的八十年代开始,*很多声乐爱好者开始系统的学*和研究西洋唱法,特别是以朱逢博为代表在具有*民族声乐特色的基础上,融合了美声唱法科学的发声方法,创造了新的民族唱法,后以*、张也、吴碧霞等这些新一代歌唱家为代表。
2、基本特征不同
(1)通俗唱法
通俗唱法声音的主要特点是完全用真声唱,接*生活语言,轻柔自然。强调激情和感染力,演唱时有意借助电声的音响制造气氛,所以很注意话筒的使用方法和电声效果。
吐字清晰是通俗唱法中最重要的特征之一。*的通俗歌曲中,普通话为通俗唱法中的主流,演唱大陆创作的歌曲时,语音大多比较规范,讲究“出字、归韵、收声”的咬字吐字过程,字字清晰、质朴无华。
(2)流行唱法
流行唱法的风格多样,没有固定的模式,演唱风格追求自然、随意,强调用自己最真实的声音歌唱,从而体现声音的个性化与特色,感情自然流露,表演有很强的即兴性和煽动性,主要利用话筒等音响设备扩大制造声音效果。
流行唱法讲究“高音低唱”,演唱流行歌曲,往往采用以真声为主的演唱方式,从而表达出歌曲内容的真实感。所谓“高音低唱”,越高的音越往下边唱,与气息结合起来。这样的声音听起来更实,具有很强的穿透力。
(3)民族唱法
民族唱法的特点是,声音听起来很甜美,吐字清晰,气息讲究,音调多高亢。借鉴了美声唱法的特点,经过不断的实践,不断的总结出来的一种完美的唱法。这种唱法咬字吐字清晰,声音甜美,气息灵活;又有美声唱法的声区统一,音域宽广,真假声结合的特点。
民族唱法在原有的基础上,结合并运用了美声唱法的发声方法,使音域和音量扩大,咬字轻松自然,呼吸流畅、声音明亮集中、极具表现力,同时,能够演唱的歌曲技巧难度增大,风格也更为多样化。
3、演唱技巧不同
(1)通俗唱法
将身体与精神放松一些,气息调整均匀,空气不要吸入过满,不要太刻意注意姿势及口、鼻吸气的动作,因为身体状况处于常态时,外界气压大于身体内压力,在完成正确的吸气息动作后,肺部即形成负压,空气自然进入肺部,这样在演唱时吸气迅速,在话筒前无任何杂音。
(2)流行唱法
它要求气息冲击声带时,声带要完全闭合发声,这种声音出来响亮而结实,具有穿透力。这就是我们经常提及的发声术语——“关闭”。而流行唱法中,由于歌曲感情或风格的需要,有意使气息与声音不完全的结合,造成一种“漏气’的状态。
(3)民族唱法
*民族声乐的曲调结构复杂,有时一字数音,一腔数板,必须在正常的气口外,补充一些气口。如有时为了美化唱腔,常在附点音符和切分音的长音之后加进临时气口;
或者为了渲染音乐气氛和感情的高潮,在适当的地方加上临时的感情气口等等。使用气口的方式除一般歌唱吸气的方法外,还需采用偷气(不让人察觉的吸气)、抢气(在短时间内的急速吸气)、快吸气、慢吸气、浅吸气和深吸气等。
一、共鸣运用的不同
局部共振是民族唱法中普遍使用的方式,这个过程中主要作用的是口腔共鸣和胸腔共鸣,真声主要用在中低声区,头腔共鸣则主要用在换声区和高音区的混声和假声演唱时,但并不是说每个谐振腔都可以被单独使用,而应该是“整体共振”,也就是所有的谐振腔集合在一起形成的。胸部、嘴、头三个谐振腔的整体使用就是整体共鸣。流行音乐是以真实的声音演唱为主,口腔共鸣为辅,在这一点上与其他不同,在很大限度上保持自然状态,类似于演讲和朗诵,随着话筒对歌声音量的扩大,也就不需要很强的共振(除了少数歌曲外),而其他的共振方式运用就更少了。
二、喉位运用的不同
苗家大院 在湘黔边界的青山绿水间,
在风情浓郁的少数民族居住地,
有一个生态王国,
有一方开心乐园,
坐落着一幢苗家大院,
背靠青山,面朝秀水;
鸟语花香,四季花开,
最是休闲旅游的好去处!
宏伟壮观的苗家大院,
高低起伏、错落有致;
木瓦相嵌、土色土香;
雕梁画栋、巧夺天工......
是新农村建设的典范,
是民族艺术的精华,
是劳动人民智慧的结晶!
我不是画家,画不出这里的美丽;
我不是诗人,写不出这里的神奇;
我不是歌星,唱不出这里的生动。
我只是“到此一游”的旅客,
只有尽情地按下快门:
苗家的米酒、苗族的歌鼟、苗乡的热情......
无不珍藏在生命的回忆里!
2015年11月29日参观靖州三锹乡凤冲村半田段苗家大院有感于11月30日写
黄梅戏的唱法唱腔
戏曲唱腔是戏曲音乐的主要组成部分。指戏曲的曲调和唱段,还包括演唱程式和舞蹈动作。因戏曲的不同、地域的不同而千变万化、千差万别。下面是小编给大家带来的黄梅戏的唱法唱腔,希望能帮到大家!
黄梅戏是一种综合性的表演艺术。以“唱、念、做、打”四种功夫为表演手段,在舞台上演绎着历史的或*现代人的喜怒哀乐。其中唱念艺术,又是文学语言与音乐语言相结合的艺术。在传达剧情,揭示人物内心世界方面,具有更直接、明确、细致的特长,富有强烈的艺术感染力,因此,唱、念是戏曲表演艺术中塑造各种人物形象的重要手段之一。作为一个黄梅戏演员,不仅需要具备有先天的嗓音条件,还必须要有训练有素的演唱技巧和表现方法。只有在掌握了正确的咬字吐字及科学的发声用气,具备了娴熟的演唱技巧,才能使抒情、优美、朴素的黄梅戏曲调,浓郁的安庆方言,显示出独特艺术魅力,产生深入心灵的艺术效果。
第一章 声音 气息 共鸣
演唱艺术不仅需要演员有一个好的嗓音,还需要在正确的运用气息的前提下,科学地发声。通过对声音、气息、共鸣等方面技巧的训练,使其有较宽广的音域,伸缩自如的音量,又有变化丰富的艺术手段才能字清、声美、音量大,有了这样的艺术嗓音,演唱中才能表现自如,使之充分发挥演唱的各种方法技巧,以达到刻画角色,揭示人物内心情感的目的。
在人体的气管上端有两条能开合、松紧的声带,好比唢呐上的哨片,演奏者用气一吹,哨片产生了振动,发出了声音。人的声带也是由于受了呼气时的气息吹击,因而振动发声。人体的发声器官除了声带,还有呼吸器官——肺、腹;共鸣器官——喉、咽腔、口腔、鼻腔、胸腔等。演唱时的发声不同于日常生活中的说话、欢呼、叹息等自然的发声,而是要靠一切有关的发声器官,正确而灵活的配合运动,才 能产生一定的音质、音色、音量和音高。
(一)呼吸器官呼吸器官是由:肺、胸腔、横膈膜三部分共同,联合担任。之所以强调联合,是因为单以其中某一部位(尤其是肺部)的力量都不能满足演唱时的需求。呼吸运动的正确与否,是决定声音好坏的关键。前人说:“气是音之帅”说明了呼吸运动在演唱中的重要。因此,我们每每在练声前,首先做气息地练**。
(二)发声器官发声器官是:喉头、声带。就是我们通常说的“嗓子”,在气息的作用下发出声音。“喉头”是由许多借助关节和韧带连接起来的软骨组成,如:“喉软骨”中的甲状软骨、环状软骨、杓状软骨;“喉肌”中的环甲肌、甲杓肌、环杓后肌、环杓侧肌、杓肌等。“声带”是两条由弹性纤维组织成的韧带,左右对称,位于气管上端的尽头,藏在喉头里面。由于声带是发声器官的发音体,在喉软骨、喉肌的配合下,两条声带可以左右分开,也可以闭拢,中间的通道叫“声门”,吸气时声门是开着,发音时声门关闭,呼出的气流必须冲击声门才能出来,这一开一合的振动就产生了声音。一般来讲发低音时,肌肉收缩力弱,声带较放松,并且是全声带振动发声;声音逐渐升高时,声带拉到一定程度,声带的软骨部分可失去振动;声音再升高时,由部分振动变为边缘振动,边缘振动的效果就是通常说的“假声”。黄梅戏的演唱是以真声为主,有着她独特的风格。但是,随着黄梅戏音乐的发展,音域拓宽,演唱技巧的运用中,必然需要吸收一些假声的唱法,在既不失黄梅戏的特色,又能充分利用声音来为剧情及人物服务的前提下,是值得提倡的。当然,我们在研究探讨黄梅戏真假声结合的唱法时,声音上下要统一,上述几组肌肉的运动要*衡,注意全声带振动、部分振动、到边缘振动的变化过程是逐步演变的,做到听不出变化的痕迹(具体方法见本节中:三、练声的方法)。
(三)共鸣器官发音的主要共鸣器官有咽腔、口腔、鼻腔。通过对这些部位的训练,可使声音扩大到一定的程度。其次是胸腔和头腔的共鸣。一般称软腭以上包括鼻腔、额窦等为“上部共鸣”,其形体不变,容积固定。称软腭以下包括口腔、咽腔、喉腔、和胸腔为“下部共鸣”形体有变化,容积可改变,它们之间动作的相互配合,就形成许多不同的共鸣腔,与声音的响度及音色的变化有着密切的关系(参看本章第三节共鸣)。
二、声与心的.关系在演唱教学中,首先遇到的是声响运动。如何发出优美的声音?长期以来是众多声乐教育者所探寻的。有主张声音是从生理活动中来的;有主张声音是从心理活动中来的。主张声音是从生理活动中来的认为:训练中应强调肌肉*衡,器官协调,认为嗓音训练的关键是正确的生理活动。传统的声乐教学将此称为“口法”,也就是外在之法,是演唱过程中的出字、收声;行腔、归韵;高低、长短;强弱、快慢时的声响运动。主张演唱是从心理活动中来的认为:嗓音的训练是一种敏捷的心理活动,注重从想象出发,以感情和形象为依据。在传统的声乐教学中称之谓“心技”无论是对生理、口法的强调,或是对心理、心技的注重,都为嗓音的训练作出了有益的贡献,如果强论得失,难免有些偏辞。笔者在教学过程中对两者都有较深的体会,在实际的教学中采取了因人而异,不同的教学阶段,应有所侧重,尤其初学者,首先要“口法”,使其掌握正确的演唱方法;然后再结合人物的情感启发其想象能力,使声音准确地揭示人物内心情感,达到演唱的目的。在教学实践中,要尽可能的把外在的口法与内在的心技统一起来,使之心与声达到“体验”与“体现”有机结合,才能取得较好的艺术效果。
三、练声的方法黄梅戏是以真声为主演唱,但也常根据唱腔的需要,运用一部分的假声。因此在声音的训练中,虽然要注重黄梅戏的风格特色,但那种大本嗓的唱法我认为不可取了。要强调真声里面含有适当的假声,也就是说:强调自然真声的艺术化。做到“真声而不炸”,在部分运用假声时要“假声而不虚”。做到真中有假,假中存真,真真假假,自然贴切,融为一体而不露出焊接的痕迹,这是黄梅戏练声中特别需要注意的。
1、喊嗓喊嗓是戏曲演员练声的一种方法。每日清晨由演员自身掌握,从练**深呼吸开始,先调整好气息,再结合自己的嗓音特点,选择合适的母音,由低向高的喊出声音。可以是“抛线音”,也可以是“波浪音”,待嗓音喊开后,再选择一些念白和唱段进行练声。这种方法在某种意义上有它的长处,因为它灵活方便,不需要其他的合作者,并且针对性强,也能取得较好的效果。值得一提的是有些学生,在喊嗓前不太注意准备工作,一开始就大喊高呼,而导致声带**,嗓音嘶哑等现象,这是不足取的。
2、有伴奏的练声尽量地创造条件,使学生能跟着钢琴进行练声。不仅对学生的音准有较大的帮助,更重要的是,随着半音的依次模进,使学生能清晰的感受到,从低音到高音过程中,体会发声部位在不同音高上的变化,辨别其中的好与坏,有利于纠正不当的发声。初练时,要注意“自然音区”(一般是指练声中,从低音到高音,发声最为舒畅的音区)的训练,稳定后再向高、低音区两头拓展,直到能适应演唱黄梅戏所需要的音区(女声一般为:c1 (有时在 g )—f2 ,男声一般则比女声低四度)。在黄梅戏的声音训练中,要保持剧种的风格韵味,因此,练声时要求声音在一定的高位置上咬字吐字靠前,各母音根据“四呼”的发音部位,使字音清晰,声音通畅即可。同时要调整好气息(参看第二节气息),注意音准。练声中在结合戏曲的“五音”、“四呼”(关于“五音”、“四呼”参看第二章,第一节中“字头、字腹、字尾”里第二部分的“五音”划分、“四呼”口形的分类。)进行练声时,通过一定的字音做声音的练**。黄梅戏离开了“戏”、“词”、“字”来专门谈发声是不可能的。因此,开始可以结合“啊、衣、乌、迂”等母音,带上声母,编一些合适练声的练**曲,使声带不同的机能都得到锻炼和发展,再在唱段中选择适合练声的乐句,专门作声音的练**,使练声和演唱有机地结合起来。下面举几例。
如:(例一)各母音在键盘上半音模进的进行练声。练声中要结合学生不同的嗓音,作针对性的练**。嗓音较窄、音量较小的学生,多以“开口呼”进行辅助练**;嗓音较闷、音色暗淡、较散的声音,就可以用“齐齿呼”做辅助练**。共鸣的练**上,胸腔共鸣多以“合口呼”;鼻腔、前额的共鸣则可多练“撮口呼”。通过长期的教学,深感练声对黄梅戏演唱艺术的提高起了一定的作用。
3、调嗓是以黄梅戏的高胡伴奏,演员个别跟唱的方法进行演唱为“调嗓”。调嗓时应采取循序渐进的方法,开始选择较短的唱段,调门可以比实际演出时低一至半个音,待嗓音调开后,再选择大段唱腔,调门可以是实际演出的调高,也可是比实际演出时略高半个音,如果在这样的音区中能做到自如,那么在实际演出时,加上身段、表演后,唱就不会成为负担了。但是,要根据学生的嗓音,灵活掌握,不可强求。从演出的角度来说,尤其唱功戏。为了使嗓音具有持久力,因此在*时调嗓中,除了要掌握科学的发声方法,同时要增加唱段数量及演唱的时间,每次一般不低于一小时。在调嗓过程中,不要每天更新,而是要在唱好一个唱段的基础上,再选择新的唱段。同时要注意不能机械的重复,必须反复揣摩推敲,千锤百炼、精益求精。尤其是根据人物情感的需要,对唱腔进行强弱、快慢处理时,要与琴师取得密切配合,使之达到珠联璧合的目的。
黄梅戏的语言特色
七字句大多是二、二、三结构,十字句大多是三、三、四结构。有时可根据需要以七字、十字句为框架,字数可压缩或增扩,曲调则常使用垛句。花腔小戏的唱词灵活多变,有三至七字不等,中间常夹杂多种口语化无词意的字。句数不一定为偶数有时奇数句重复最后一句便成偶数。唱念方法均用接*普通话的安庆官话唱念。整本戏中用韵母念、官话唱,小戏说白则用安庆地方的乡音土语,唱腔仍用官话唱。 若说到黄梅戏语言在塑造艺术形象,渲染艺术情境,迁移默化的“寓教于乐”的艺术功能,可以从以下几个方面来概括:
黄梅戏的语言具有“山歌”体的内在韵律美
黄梅戏从抒情、嬉谑的小戏基础上发展起来,它的前身就是山歌时调,小旦、小丑舞台对唱,在此过程中,它吸引了各种时代的、地方的、人文的文化养料,发展为今天的黄梅戏剧种,而其主要的“灵魂”——山歌时调的美学特质却不变。因此,黄梅戏的语言与它所依赖的音乐美质相辅相成,从而形成黄梅戏剧本语言的内在韵律美。
黄梅戏的语言语*情遥,脍炙人口
黄梅戏语言从表面上看,是比较土气的,句句都是大实话,但仔细一琢磨,就会发现它其实内蕴丰富,极富有弹性,在点染戏剧情境、表现矛盾冲突、突出人物此时此境上,有恰倒好处之功妙。
由于黄梅戏语言及唱词同时汲取了古诗、古词、民间口语、民谚、民歌的所长,摈弃其太雅,以至令人听不懂、不好入戏的弊端,发挥了语*情遥、明白如话的特点,因而成为一种雅俗共赏、文野合流、情浓语淡的剧本文学。
黄梅戏语言的乐天夸张化倾向
黄梅戏的语言犹如戏谑的外衣,覆盖在大多数传统剧目之上,从而形成特有风采。这些语言基本出于劳动人民和下层社会人士的口头创作,到了黄梅戏里,经过艺人的加工提炼,使其更具有个性化,更能结合戏剧情境,引发观众的笑声,所以黄梅戏能给人以愉悦、朝气蓬勃之感。
第四,黄梅戏语言充满了当时现实社会的哲理经验之谈。
由于很多黄梅戏传统剧目都直接来自于传唱当时当地的真人真事的民间文学,因而它的语言和唱词就不可避免地渗透着那个时代的生活哲理及经验之谈,而且对下层社会生活民众的刻画及表述尤其细腻、独到,丰满。
黄梅戏语言中的一些独特用法
黄梅戏的语言及唱词有些特殊用法。一是根据调式变化而加的衬词、垫词,如“呀嗬啥,依嗬呀”之类。这种衬字垫词乍看不起眼,但将它们去掉,只唱实词就会索然无味。衬字垫词是民歌韵味的体现,离开了它们,就等于好花离了泥土,无根无底了。黄梅戏中对歌队舞的形式极普遍,小旦、小丑或猜谜,或对花,或报地名,或讲古,既热闹好看,也抒情有趣,它所要求的唱词一般都有形式上的同一格律。
此外,利用歇后语来猜药名,“用一二三……十”的数目字来串唱词,都起到演唱活泼、生动抒情的效果。
可以用轻快、*易、幽默、风采四个词来概括黄梅戏的语言。轻快,指它的深入浅出,明白如话;幽默。
民族唱法的技巧
民族唱法是按照特有的民族演唱*惯、审美来进行演唱,主要语言以民族语言为基础,有着别致的韵味,以下是小编精心整理的民族唱法的技巧,欢迎大家借鉴与参考,希望对大家有所帮助。
一、民族唱法气息的运用
*民族唱法有吸气深,存气多,运气足,用气活等特点。在*古代音乐典籍上早有“气动则声发”、“气沉丹田”、“善歌者必先调其气”等记载。在气息的运用上强调下述4点:
1、讲究气口
气口是*民族唱法中用来说明吸气点和吸气方式的术语。*民族声乐的曲调结构复杂,有时一字数音,一腔数板,必须在正常的气口外,补充一些气口。如有时为了美化唱腔,常在附点音符和切分音的长音之后加进临时气口;或者为了渲染音乐气氛和感情的高潮,在适当的地方加上临时的感情气口等等。使用气口的方式除一般歌唱吸气的方法外,还需采用偷气(不让人察觉的吸气)、抢气(在短时间内的急速吸气)、快吸气、慢吸气、浅吸气和深吸气等。
2、气息的支持
*民族唱法在声带使用上张力较强,共鸣比较集中,采用以腹式呼吸为主的胸腹式联合呼吸法,其呼吸对抗力量的集中点(支撑点)在脐上至腰间,这样便于贮存气息,控制呼气,以灵活地支持发声。
3、气息的控制
在呼气发音时,气流外围的肌肉(吸气肌肉群)始终做与气流相反方向的下沉运动,以此形成与呼气动作明显对抗的力量,起到节制呼气,保护声带,发挥充分共鸣和变化音色的作用。
4、气息的灵活运用
除经常使用的基本呼气方法之外,还要做和灵活变化的呼气训练,以便在声带和共鸣的配合下,完成各种不同的润腔发声。如润腔中的“嗽音”是一股较粗散的气流,刹那间冲破声门的阻力弹发出来;“顿音”是呼气在支点处做半顿半连的弹性的对抗运动形成的;其他如:“截音”、“颤音”、“沉音”等的呼气使用方法也都各不相同。
二、民族唱法声带的运用
*民族唱法对声带的使用较重,要求声带的功能强,音质坚实、脆亮,有利于咬字和唱词。
1、声门积极靠拢闭合,主动向下挡气,使呼出的气流最大限度地转化为声波,使发音集中明亮。
2、保持声带的弹性和运动中的*衡,以此来减轻声带的负担与疲劳,获得更多的谐音振动,以便与头腔共鸣相策应,产生全面的广泛的共鸣效果。
3、声带振动的灵活多变,如声带可做不同张力、厚薄、长短、整体与边缘等各种不同程度的振动,以及振动幅度的大小、声门不同程度的闭合等,从而奠定发出各种不同声音的物质基础。
三、民族唱法共鸣的运用
使用各种不同的共鸣方法来变化音色和音量,润饰唱腔,表达情感。
1、全面地*衡地使用共鸣腔体。充分发挥鼻腔(头腔)、咽腔和喉腔的共鸣,适当地运用胸腔共鸣,配合上吐字唱词中变化频繁的口腔共鸣,形成以咽腔为轴心的上通头腔(鼻腔)、下通喉腔和胸腔的垂直柱状的共鸣通道,以求达到最佳的整体共鸣效果。相对来说,*民族唱法中由于咬字和润腔等技法的使用,在共鸣效果上,与欧洲美声唱法的宽、洪、粗、大有所不同。
2、共鸣腔管的使用适度。总的说来,*民族唱法的共鸣腔管相比欧洲唱法要细一些和短一此,喉、咽腔并不开得太宽,喉结相对稳定,发出的声音比较集中、结实、明亮,便于咬字行腔。
3、打开喉咙,抬起软腭,放松下巴,在咽腔形成一个开阔的“三叉腔”(“三角区”),获得良好的泛音共鸣(即鼻腔、头腔共鸣),使声音更加通畅甜美。
4、两种共鸣焦点的使用。*民族唱法的歌唱家们在演唱中通常采用两种共鸣焦点。一个共鸣焦点是指鼻腔、头腔共鸣的最高位置——固定共鸣焦点,这是永久性的,是演唱中始终保持的,起保证头、鼻、胸共鸣的作用;另一个共鸣焦点是指在演唱的行腔韵味中临时形成的特殊共鸣焦点——游走共鸣焦点,是形成重国民族唱法中各种特殊风格、韵味的'主要技法。
民族唱法发声技巧
一、呼吸
呼吸在民族唱法中也是最重要的部分,就像汽车的发动机。和通俗唱法一样,民族唱法采用的也是胸腹式联合呼吸法。通过鼻道吸入气体后,进入到肺部和腹部,胸腔和小腹扩张,横隔膜下降,两肋肌肉向外扩张(也就是腰围扩张)。这种方法有一个形象的例子就是,把鼻子靠*鲜花,去闻吸花香。掌握了这种呼吸方法,歌唱时保持住这种状态,歌唱中下胸部和腹部也保持扩张,把气息支点放在横隔膜上保持住,均匀缓慢的呼气。无论吸气和呼气,胸腔和腹部都保持住扩张状态,呼气发声时,给小腹点向内压缩的感觉和力量,发动气体由下向上,冲击摩擦声带发声。越是高音时,腹部和后腰越是用力,嗓子不用力。
二、腔体的打开
民族唱法也分为胸腔、咽腔、口腔、鼻腔和头腔五个腔体。主要用到口腔和头腔,辅助用到鼻腔和咽腔,较少用到胸腔。演唱时,打开口腔中的牙关、提起笑肌(保持微笑时的肌肉状态)、舌头*放、抬起上腭软口盖和小舌头、鼻腔至头腔通道横向打开、放松下颚适当扩张咽腔、喉头稍微下移保持住稳定位置。打哈欠时和受惊发出”啊“时的口鼻咽腔状态同样适用于民族唱法。歌唱时,声音通过口腔传送到头腔额窦(眉毛中间点上方)处共鸣振动发声。声音圆润明亮,具有穿透力!
三、声带的状态
声带是发声器官的主要组成部分。吸气和呼气时打开,*时闭合,发声时不完全闭合震动。唱歌时不能主动用声带振动发声,容易使声带劳累甚至受损。要让呼出的气体冲击声带,声带被动振动,声带不主动使力,也就不容易劳累。高音时,稍微收紧喉部和声带,同样是气息带动声带发声。
四、身体姿势
民族唱法演唱时,要求站立姿势,双脚与肩同宽,左脚稍靠前、右脚稍靠后。双眼*视前方,脖子、肩部放松,后背挺直,臀部向上稍微提起。
五、声乐知识
民族唱法,除了发声方法和技巧外,同样掌握一定的声乐知,像音调、节拍、配乐编曲知识等等。
六、感情投入
唱歌感情投入是非常关键的,要根据不同的作品和不同的艺术要求,投入不同的感情。没有相应的感情投入,再好的发声方法和发生条件唱出来的歌曲,都会索然无味!
七、情绪的把控和发声状态调整
唱歌是一门现场艺术和学问。歌唱前,要通过开嗓,把各个腔体活动打开,调整好各部位状态。歌唱时,不能精神过于紧张,要保持一个*稳的心情和松弛的身体状态,这样才能更好的结合各个发声部位,发出最好的声音。
民族唱法与美声唱法怎样融合
跨界演唱是*年来声乐艺术领域出现的一种新型演唱形式。作为一种新的艺术形式,理论界和学术界贬褒不一,但不可否认的是,它的出现是伴随着当今社会经济、文化的不断发展进步和艺术形式、那么民族唱法与美声唱法怎样融合?以下仅供参考!
两种唱法在发声技术上的融合
科学的发声方法是相通的,民族唱法和美声唱法都同时强调深呼吸、高位置、打开喉咙歌唱。民族唱法强调歌唱的呼吸与发声、行腔与润色等原则,“字韵纯正”是其审美标准的核心;美声唱法则重视呼吸与共鸣、(想获取更多声乐咨询,请关注公众号:声乐家APP)声音的流畅与灵活等方面。而跨界演唱就是借鉴、融合两种唱法在发声技巧上的共性,以达到相互渗透、共融的目的。
呼吸与发声技术的融合
呼吸是歌唱的动力和源泉,而正确的呼吸又是为了良好的发声。无论民族传统唱法还是美声唱法,都强调声音必须有正确的气息来支持,民族声乐的传统经验是“善歌者必先调其气”——气沉丹田,发声上强调以气托声,“唱歌一条线,不要一大片” ,即声从气起,音要集中。美声唱法强调“呼吸是一切的根本” ,推崇胸腹式联合呼吸法,将气吸至肺底部,保持横膈膜的力量,扩大胸腔的空间。发声时声带闭合,气息均匀冲击声带,上口盖兴奋抬起,音在面罩形成共振。(想获取更多声乐咨询,请关注公众号:声乐家APP)不难看出,两种唱法在呼吸与发声的要求上虽有细微差异,但都要求深呼吸,强调声音要来自深沉饱满的气息。两种唱法的跨界演唱正是汲取了民族唱法和美声唱法在呼吸与发声技术中的共同点,正确地运用和控制气息,因而达到声音纯净、优美的效果。
声区与共鸣技术的融合
美声唱法要求运用全共鸣和混合共鸣,把歌唱时所能用的共鸣腔体都调动起来,共同为发声服务。不同声区对应着不同的共鸣腔体,低声区主要使用胸声共鸣,头腔和口腔的共鸣比例减少;中声区主要使用口腔共鸣,胸腔和头腔的共鸣比例减少;高声区主要使用头腔共鸣,胸腔和口腔的'共鸣比例减少。而民族唱法因为民族语言和行腔韵味的特点,则以口腔共鸣为主,采用部分共鸣。因此,美声唱法发出的声音通透、集中、音量大、穿透力强,而民族唱法的声音靠前、明亮、口语化,听起来亲切自然。两种唱法的跨界演唱在声区的共鸣运用上各取所长、相互借鉴,尤其以民族唱法对美声唱法的借鉴为主。由于民族唱法的不断发展,对歌唱技术的要求越来越高,民族声乐作品风格的多样化以及表现力的增强,也对以口腔共鸣为主的共鸣技巧提出了挑战。(想获取更多声乐咨询,请关注公众号:声乐家APP)跨界演唱把美声唱法中混合共鸣的技巧引入到民族唱法中来,依照作品的需要适当使用整体共鸣法,使演唱时声区更为统一,声音更加轻松自如,大大提高了作品演唱的表现力。
两种唱法在演唱风格上的融合
美声唱法与民族唱法演唱风格的区别主要在于表达情感的方式不同,前者的演唱注重声音的音响效果,以控制良好的呼吸和发声来表达歌唱时复杂丰富的内心情感;后者则更强调字正与腔圆、风格与特色以及形体表演与内在情感之间的关系,内外结合地表现演唱时的情感要求。
跨界演唱整合了美声唱法以内在、含蓄的声音来表现丰富、复杂情感变化的演唱风格和民族唱法多种表演方式、更具亲和力与贴切感的演唱风格,使受众在欣赏演唱时不仅可以感受美声唱法优美的音色、(想获取更多声乐咨询,请关注公众号:声乐家APP)延绵的气息,同时还可以领略到民族唱法独特的舞台演唱风格,从而达到雅俗共赏的视听效果。
拓展知识:
民族唱法同美声唱法的共同点
第一、无论民族唱法还是美声唱法,都要求具有精神集中的力量。气息、声带、共鸣三个方面精神集中的结合在一起。
第二、在气息的要求上相同。*很早就有“气自丹田”一说。丹田,《抱朴子 . 地真》:“在脐下者为下丹田,在心下者为中丹田,在两眉间为上丹田”。道家一般称人身脐下三寸为丹田,也就是我们现在说的小腹。美声唱法要求胸腹式联合呼吸,人在无声抽泣时,小腹会自然膨胀,两肋会向外扩张,唱歌者需要的正是这样的呼吸,教师往往用闻花或狗喘气来启发学生。所以,民族唱法和美声唱法对气息的要求应该是一致的。都要求中低声用说话的气息,高音的豪放是内部激动产生的。
第三、声带可以在说话的基础上缩短,二者都能做到真假声结合运用。
第四、按照生理机能方面讲,会厌部分能卷成小管,而且管子能下站,发出的声音教学上称为“咽音”。
第五、民族唱法和美声唱法对声音效果的要求上具有共同点,都要求结实、干净、响亮、开朗。
民族唱法和美声唱法的差别
第一、民族唱法由于声带只会缩短,而不会变薄,因之咽音成分比较少,而美声唱法要“打哈欠”,而且软腭适度抬起,咽壁形成管道,而且它要求声音要“竖”,所以它的咬字发音咽部的能力更强。
第二、由于*语言和咬字的关系,民族唱法要求发音集中在牙齿、唇、舌等口腔的靠前的部分比较多。而美声唱法则不同,其发音多集中在咽部,加之,由于口腔软腭的提高,它对咬字的要求就没有民族唱法那么强调,它要求“字正腔圆”只是相对的而不是绝对的。
第三、民族唱法和美声唱法的发音气势不同。民族唱法是由说话——向远处打招呼的感觉,显得自然、亲切。美声唱法多命令人的气势,声音通达而有力。
第四、民族唱法“啊”字要求响亮,靠前,软腭不提升。所以,口腔共鸣站半管,管子短。而美声唱法从低音到高音,软腭逐渐提升,靠咽部的调节,要求小、中、大管子能灵活运用。
第五、民族唱法的音色亮多暗少,声音的伸缩、强弱靠管子的调节较少,靠气息的作用多,咽部的咬字能力弱。而美声唱法的管子能力强,完全靠咽部的咬字能力,音色较暗。
第六、声音的位置,民族唱法只转为脑后音,不竖上头顶,而美声唱法要求高音必须竖上头顶。
第七、民族唱法“衣”、“啊”有母音的观念,有咬字的力量,而美声唱法由于咽部打开,相对于民族唱法缺乏咬字的力量。
第八、民族唱法由于汉字的特点,有子音、母音的要求,有字头、字腹、字尾的过渡,有归韵,相对较复杂。而美声唱法发音多集中在“啊”“哎”“衣”“奧”“呜”五个母音,相对简单。
鉴于以上原因,美声唱法发音以母音为主,音色较暗,比较容易达到谐和。而民族唱法个性太强,在合唱队伍中很容易突显个性,不容易达到谐和。所以,对于合唱队员的唱法,一般要求用美声唱法演唱。
关于美声唱法的美学特征
美声唱法不仅影响着*的声乐艺术,同样也影响着社会其他国家的声乐艺术。下面是美声唱法的美学特征,一起来学*下吧!
一、发声方法的科学性
发声方法的科学性是美声唱法的第一个基本的审美特征。在美声、民族、通俗三种唱法中,美声唱法的发声方法是最科学的,美声唱法起源于意大利,是从西欧专业古典声乐的传统唱法发展起来的,从文艺复兴以后逐步形成了美声唱法。
美声来自意大利文Bel canto,意思是美好的歌唱,Bel canto在西方音乐界的定义与我们的理解不同,他们对Bel canto的理解指的是由作者家罗西尼(Rossini)、多尼采蒂(Donizetti)、贝利尼(Bellini)等人那个时期的作品和歌唱艺术,它包括那时代歌唱的风格、技巧、内容、形式以及歌唱方法,其主要特征是声音轻松自由,音域宽广有共鸣且表现细腻,科学理论的介入与支撑终伴随着美声唱法的产生、发展壮大,与意大利传统美声唱法相关的学科有人体解剖学、物理音响学、声乐美学等等,并且还衍生出嗓音生理学、嗓音治疗学等边缘学科。这些相关的理论科学,详尽地阐述了歌唱腔体的构造,以及肌肉的运动规律,为美声歌唱方法提供了理论上的指导与帮助。
美声唱法历经几百年传承、总结、发展得更加成熟,在意大利,他们拥有世界上最多最著名的声乐教育家,比如欧洲声乐史上的加尔西亚家族,在他们的努力下,美声唱法形成了科学的教育体系,训练逐渐地规范化、系统化、科学化。在演唱过程中声音的运用完全依照极其严格规范的科学的发声方法。如胸腹式联合呼吸法、深喉头位置、面罩共鸣等等。
二、演唱的严谨性与创造性。
用美声唱法的演唱时,必须严格按照作曲家的原意,依照谱面上写的节奏、表情、速度、力度、呼吸等具体要求演唱,不允许自由发挥,与民族唱法嗓音运用的说唱性、随意性及通俗唱法嗓音运用的自由性、自然性,形成对比。歌唱家在演唱歌曲时,不仅要完成乐谱表面的视唱,充分表现作品的原创意图,更重要的是演唱者用自己的感受与体验来表现作品情感的过程,通过再创造融入个性,从而架起演唱者与观众之间情感交流的桥梁。
创造性使声乐作品在创作中获得生命与价值,体现声乐作品的情感。创造性是依据原作,从各个角度注入符合内容要求的新意,对原作内容和主题做扩展和延伸,丰富作品的外延和内涵。声乐表演还需要融入个性,在很多情况下,人们更希望听到歌唱者有个性的演唱以及对作品独到的见解与解释,个性的体现预示着创造性的逐渐成熟,它表明声乐演唱者已具有清醒的自我意识,不仅对声乐作品有自己独到的见解和认识,并能根据自身的条件和特长,找到适合自己的表演方式,形成独特的个性化的表演风格。
有位音乐评论家在评述20世纪两位世界著名女高音歌唱家和他们扮演多尼采蒂的歌剧《拉美莫尔的露契业》的女主人公时说:“卡拉斯倾心于崇高的激情,使露契亚这个角色的解释有气魄和激昂的表现,她的主人公完全不是个纤弱无力的人物,她不服于命运,而和命运作斗争。萨瑟兰创造的形象则比较抒情,比较温柔,从歌剧开始就使人明确这是位高傲的、体态威严的姑娘……”这两种结果,显然同表演者的个性特征和主观创作造成的。从作品的内涵和生活的真实性出发,通过自己的再创造,融入个性,挖掘作品潜在的,甚至是作者都没有想到的东西,使歌唱达到感人的境界,产生动人心弦的艺术效果。
三、美声唱法演唱风格的多样性
美声唱法是混合声区,混合共鸣,讲究声音真假混合,演唱歌剧作品时口咽腔和鼻咽腔用得多一些,而在演唱艺术歌曲时口咽腔和鼻咽腔用得少一些,到高音也不用掩盖。这些方法虽说都是美声唱法,但唱不同的作品时在唱法上有细微的变化,才能适应作品的需要。不同时期、不同风格、不同作曲家的作品,即使同一个作曲家,选择曲目不一样;演唱时的风格就不一样,嗓子的用法也不一样。比如俄罗斯学派:俄罗斯有些唱法口腔用的比较多,尤其是男中音。这是他们语言的特点,也不绝对是方法好坏,不完全因为用他们的作品、他们的语言,训练出来的就是那样,其中是方法问题,也是风格问题。再拿作品来说,意大利风格的热情奔放、灿烂绚丽,德国风格的是含蓄严谨、细腻优美,而法国的风格则是浪漫秀丽、清新典雅,俄罗斯的风格又是深沉厚重、雄浑博大,*的则是以朴实真挚、婉转悠扬。
四、声音特征的变化丰富性
表达人类感情的工具再没有比人的`声音更强烈,更有效果了,有时甚至不依赖语言,当它完全让声音的内在音色及音调来表达时,也一样使人感动。德国音乐理论家舒巴尔特说:“人的喉咙是剧作的第一个最纯洁的、最卓越的乐器。”美声唱法要求有一定规范和一定准则的音色,这种音色能穿透几百人的交响乐队,再传到几十米甚至几百米外的最远的听众耳朵里。帕瓦洛蒂说:“我追求的是清彻而带金属声的音色,当然决不是太监那样的声音”。
意大利世界级男高音歌唱家斯泰芳诺能用丰满厚实、自由飞翔的声音,细致、多样的力度变化,强有力的高潮,丰富的音色色彩征服听众。著名女高音歌唱家*六十岁的尼尔森到美国演出时,“她那独具一格声音象激光一样集中,金属般的音质和高音区奇特的音色发挥了震荡屋宇的威力。”《*》曾评述过著名女高音琼.萨瑟兰:“高音区干净、清彻如银铃一般,使人想起长笛,中声区热情、充实使人产主双簧管沁人肺腑的歌唱的印象,而柔润、浑厚的低声区仿佛发自大提琴。以银铃、长笛、双簧管、大提琴等乐器的“声音形象”来比喻萨瑟兰的嗓音魅力。意大利女中音菲奥伦萨·考索托也认为歌手一定要找到自己的音色或自己的声音。
五、美声唱法的时代性
艺术是时代反映、记录着时代的本质特征,不同时代的同一种艺术形式,有着不同的特征。西洋歌剧艺术的发展也是这样,声乐艺术作品遵循那个时代历史,具有鲜明的时代性。例如:莫扎特的歌剧《费加罗的婚礼》中费加罗的咏叹调《你不要再做情郎》.就充分表现出18世纪意大利青年男女为追求爱情自由而机智斗争的时代特征。作为男仆的费加罗为了娶女仆苏珊娜为妻,机智地劝说对苏珊娜垂涎已久的主人阿尔马维瓦伯爵:“男子汉大丈夫不要一天天谈爱情,再不要梳油头喷香水,不要满脑袋风流艳事……”等等。
六、美声唱法的情感
情感是一切音乐作品的审美特征中最为重要的特征,是音乐艺术的灵魂,正如德国伟大的哲学家黑格尔所言:“音乐所特有的因素是单纯的内心方面的因素,即本身无形的情感。” 音乐情感的丰富性,来源于作曲家情感的丰富性。莫扎特、威尔第、比才、柴科夫斯基等许多歌剧作曲家,既是情感十分丰富的人,又是善于用情感作曲的人。剧中人物情感丰富,是作曲家与演唱者情感世界的桥梁。例如普契尼的歌剧《蝴蝶夫人》中女主人公蝴蝶夫人的咏叹调《晴朗的一天》,充分表现出蝴蝶夫人幻想着自己朝思暮想的丈夫……美国海军上尉*克尔顿乘船归来的那种期盼、惊喜、怀疑、羞涩、徘徊等丰富而又复杂的情感。演唱者情感丰富,是连接人物情感与听众情感的纽带。演唱者通过对人物情感的表达,引起听众情感的共鸣,最终达到“以情动人”的艺术效果。
声乐艺术,既要声音悦耳,又要情感浓深,即“声情并茂”。“声情并茂”一语,道出了声乐艺术的基本特点,也道出了人们对声乐艺术的重点要求。声乐美学的核心,也就是“声情并茂”。人们要求声乐艺术,既要声音悦耳,又要情感浓深。
再说语言,声乐语言是通过音乐的手段获得旋律节奏感的歌唱性语言。它要具备高度准确、鲜明的形象、强烈的动作等显著的美学特征才行。语言中讲究依字行腔, 语调色彩讲究轻重强弱、高低抑扬、快慢疾徐、顿挫连断,以及语气、语势的表现丰富, 优美的声音是由自然嗓音、科学发声和音乐修养、审美心境等多种因素构成的。
美声唱法的歌手,要想唱好歌,在表演艺术框架内,借鉴戏曲、戏剧的一般规律,结合声乐表演的音乐性、多元性、歌唱性、虚拟写意性、形体表演的造型性、舞蹈性等艺术特征,揣摩表演的心理技巧与形体技巧,推敲形体表演,总结分解的、系统的基本功训练与整体综合的艺术创造及舞台实践,继承、借鉴世界各国的戏剧、歌剧、话剧、电影等表演艺术的优良传统与精髓就能更加快速的发展。
关键词:
美声唱法 审美特征 文化含量 发声方法 声音特色
美声唱法又称“欧洲歌剧唱法”、“西洋唱法”,是声乐艺术的重要一种,在世界各国广为流传,深受广大听众喜爱。
研究探讨美声唱法的审美特征,对于美声唱法美学品位的提升与审美的把握,具有重要的理论启示价值与实践参照意义。本文就此作粗浅论述,引起引起关注与讨论。
具体而言,美声唱法的审美特征,可以分解为以下三大层面分别予以解读。
一、文化含量的丰厚性
文化含量的丰厚性,是美声唱法的第一大审美特征。
美声唱法伴随着欧洲音乐文化同时产生、同时发展。可以说,美声唱法的产生,直接源于西方的文艺复兴运动,其文化底蕴十分丰厚。文艺复兴运动是14-16世纪欧洲新兴资产阶级的思想文化运动,16世纪资产阶级史学家认为这是古代文化的复兴,故而命名为“文艺复兴运动”。它始于意大利,后很快遍及德、法、英、荷等国家。它以复兴古希腊、古罗马文化为标榜,冲破*千年*宗教思想的禁锢,摧毁了严禁男女恋爱和婚姻自由的旧礼教,彻底被判了崇“神”观念而追求“人”的生活,主张“人的个性**”,形成了“人文主义”思想体系。在意大利,代表人物有诗人但丁、作家薄伽丘、建筑师波鲁涅列斯基、画家达·芬奇、拉斐尔、雕塑家米开朗琪罗、音乐家帕莱斯特里耶、拉索等。在法国,代表人物有散文家蒙田、小说家拉伯雷等。在英国,代表人物是剧作家莎士比亚。
在帕莱斯特里耶、拉索等人音乐创作的`影响下,佛罗伦萨的一批具有进步人文主义思想的音乐家佩里、卡奇尼、卡瓦列尼联合诗人里努契尼等,成立了“弗洛伦萨艺术创作小组”,创作出新的独唱歌曲。1594年,佩里与卡奇尼根据里努契尼的台本创作出历史上第一步歌剧《达芙纳》(Dafne)。1594年首演,获得巨大成功,令人遗憾的是该歌剧曲谱已失传。1600年,佩里与卡奇尼再度联手,根据里努契尼的台本创作出歌剧《尤里迪茜》,成为目前尚存的世界最早的一部歌剧,创造出宣叙调和咏叹调。随着歌剧的兴起,美声唱法便应运而生,各种声乐举派与许多声乐家也层出不穷,于是正式形成了美声唱法流派。
后来,随着西方艺术歌曲的产生与发展,美声唱法更加丰富多彩,也更加成熟繁荣。
由此可见,美声唱法文化含量之丰富,是不可言喻的。
二、发声方法的科学性
美声唱法的发声方法,融声学、物理学、人体解剖学、生理学等各种科学知识为一炉,形成了鲜明的科学性审美特征。
在发声特点上,它根据人体自身特征划分出不同的声部(男声、假声、混合声)。有声学划分法、音域划分法、省区划分法、生理划分法等等,还有固定唱法与首调唱名法等。
在呼吸方法,美声唱法运用科学的胸腹式联合呼吸法,充分调动人体所有呼吸器官的能动作用,共同完成呼吸与气息控制任务。吸气深,速度快,吸气量大,呼吸控制能力强。始终在均匀*稳而有节制的状态下进行呼吸,气息的强弱与长短均能有效地调节,从而使声音的应变力强,并形成明显的呼吸支点。
在共鸣方法上,美声唱法综合运用人体的共鸣腔体,并重点强调“打开喉咙”、“寻找‘面罩”’。所以美声唱法共鸣好,音量宏大。
三、声音特色的美妙性
声音特色的美妙性是美声唱法的第三大审美特征。
所谓“美声唱法”,是意大利文的意译,原文为“bell can-fo”,其中“bell”为美好、美丽之意;“canto”为歌唱、歌声之意,因此美声唱法的准确翻译应为“美好地歌唱”或“美丽的歌声”。但不管如何翻译,都以声音特色的美妙性作为重要的本体审美特征。总的来说,“意大利美声唱法是以音色优美,发音自如,音与音的连接*滑匀净,花腔装饰,乐句流畅灵活为其主要特点。”
声乐的三种唱法介绍
声乐,是指用人声演唱的音乐形式。声乐是以人的声带为主,配合口腔、舌头、鼻腔作用于气息,发出的悦耳的、连续性、有节奏的声音。作为一名专业的声乐学*,具备声乐的基本知识是非常重要的。那么你知道声乐有几种唱法呢?下面一起来看看吧!
声乐的三种唱法介绍
一、民族唱法
是由*各族人民按照自己的*惯和爱好,创造和发展起来的歌唱艺术的一种唱法。民族唱法包括*的戏曲唱法、说唱唱法、民间歌曲唱法和民族新唱法等四种唱法。
民族新唱法主要是在继承*民族传统唱法的基础上,借鉴了美声唱法的特点,经过不断的实践,不断的总结出来的一种完美的唱法。这种唱法既有民族唱法的优点,例如咬字吐字清晰,声音甜美,气息灵活;又有美声唱法的声区统一,音域宽广,真假声结合的特点。
二、通俗唱法
包括爵士、POP、蓝调等。表演形式随着流行元素而变化,更新换代很快。
三、美声唱法
又称“柔声唱法”。它要求歌者用半分力量来演唱。当高音时,不用强烈的气息来冲击,而用非常自然、柔美的发声方法,从深下腹的位置发出气息,经过一条顺畅的通道,使声音从头的上部自由地放送出来(“头声”)。
美声唱法强调呼吸是歌唱发声的动力,是歌唱的基础。也强调共鸣,把歌唱所能用的共鸣腔体都调动起来。美声唱法不仅影响着*的声乐艺术,同样也影响着社会其他国家的声乐艺术。
声乐三种唱法的区别
一、声音走向的比较
美声唱法,声音成管状,竖向运行,即声音从喉室发响后经过喉腔、口咽腔,往上通过鼻咽腔到上部共鸣腔体(鼻腔、额腔蝶腔)后再送出来。主张声音从后面上去到头顶,再从前面出来,有如抛物线,象投掷铅球一样,声音可穿透得更远,取得良好的高位置,反对声音直接从口腔唱出。民族唱法要求明亮的音色,因此声音的走向普遍靠前。追求声音亲切、自然、直接,也讲究高位置,忌“窝”着唱或“包”着唱。而通俗唱法,发音管短小,声音靠前,亲切自然。
二、喉位的区别
美声唱法要求喉头下降,保持在吸气时的低部位,喉咙打开,特别要把喉咙低部打开,发音管拉长,稳定喉器。认为呼吸是歌唱的动力,开喉是发声的关键。民族唱法认为喉咙打开的大小或喉位的.高低,应就作品风格的.需要而定,不能千篇一律地要喉咙开大,允许喉头上下挪动,唱山歌或某些风格性作品时,喉头可上移。从以上比较可以看出,民族唱法较美声唱法的喉位略偏高喉咙打开得也较小些。而通俗唱法男女声都以真声为主,喉位普遍偏高,喉咙打开不大,一切服从风格的需要。
三、共鸣方面的对比
美声唱法讲究混合共鸣,强调整体歌唱感,整个声区充分发挥共鸣作用,要求声区统一,转换音区不能有痕迹,因此音量大,穿透力强,不必借助麦克风来扩大音响。民族唱法多用局部共鸣,允许中间换气,形成独特风格。民族传统唱法中称头腔共鸣为“脑后音”,胸腔共鸣为“膛音”。通俗唱法,由于借助话筒扩音,不需要强大的共鸣(少数劲歌除外),轻唱为主,多用真声,下部共鸣较多,多用口腔共鸣,尽力保持自然状态,就像朗诵、说话一样。
四、呼吸的运用
美声唱法有一整套训练呼吸的方法,可见其对呼吸的重视,它多运用胸腹式联合呼吸,要求吸得深而饱满,气息流畅自如,声音托在气上。民族唱法要求气沉“丹田”,即用横膈膜呼吸。民歌手中,有意识运用深呼吸的人不多,由于某些风格的需要,大多利用胸式呼吸。但民歌唱法在呼与吸的控制上还是有相同之处的,引用著名歌唱家吴雁泽先生的一句话叫做“吸气一大片,呼气一条线”。通俗唱法不太讲究呼吸的深度,以胸式呼吸为多,吸气部位偏高,只有少数艺术型歌手,演唱深情类歌曲时,呼吸才运用较深。
声乐的四中唱法
声乐是以人的声带为主,配合口腔、舌头、鼻腔作用于气息,发出的悦耳的、连续性、有节奏的声音。那么声乐有几种唱法呢?下小编为你整理声乐地几种唱法,别忘了收藏哦!
1.美声唱法又称“柔声唱法”。它要求歌者用半分力量来演唱。当高音时,不用强烈的气息来冲击,而用非常自然、柔美的发声方法,从深下腹(丹田)的位置发出气息,经过一条顺畅的通道,使声音从头的上部自由地放送出来(即所谓“头声”)
2.通俗唱法(流行唱法)始于*二十世纪30年代得到广泛的流传。其特点是声音自然,*似说话,中声区使用真声,高声区一般使用假声。很少使用共鸣,故音量较小。演唱时必须借助电声扩音器,演出形式以独唱为主,常配以舞蹈动作、追求声音自然甜美,感情细腻真实。
3.民族唱法是由*各族人民按照自己的*惯和爱好,创造和发展起来的歌唱艺术的一种唱法。民族唱法包括*的戏曲唱法、说唱唱法、民间歌曲唱法和民族新唱法等四种唱法。
4.原生唱法的存在是客观事实。它最初源自于我国民间极少数人的口中,但分布广泛。之后又数次成为央视青歌大赛的亮点声音,并深受广大听众的喜爱。它的发声原理是新生儿的哭声,该哭声的发声位置恰恰是在人体的胸腔,于是原生唱法就成为了人类唯一的原自然声发声方法。原生唱法的问世对于我国民族声乐的未来乃至对世界声乐的发展都将起到承前启后的作用。
声乐有有四种唱法,即美声、民族、通俗、戏曲。把戏曲从民族唱法中单独提出来。下面是小编整理的浅谈声乐的四种唱法,欢迎来参考!
美声唱法是根据人体解剖学发声原理的'一种科学唱法,源于意大利。其演唱方法是胸腔、喉咽腔、口腔、鼻腔、头腔等所有共鸣腔同时共鸣,拖腔中有很明显的颤音,声带及喉部肌肉的紧张度稍差。其演唱特点是音量大,穿透力强,注重咏叹性,声音饱满宏亮,音域宽广,高、中、低三个声区比较统一。是学院派极力推崇的一种唱法,需要专门练*才能掌握。
美声唱法是从西欧专业古典声乐的传统唱法发展而来,自文艺复兴逐步形成的。当时的西方音乐更多的是建立在多声部教堂音乐、复调音乐基础上,唱法本身脱离不了宗教音乐的影响,男女唱法一样,只是声部不同,高低也不一样。最初的歌剧以阉人代替女生来唱,由女中音代替男生来唱。随着歌剧剧情的发展,一些情感激烈的戏剧性唱段,阉人的唱歌满足不了表达剧情激烈发展的需要,于是歌唱家们努力探索钻研,改进自己的唱法,以适应剧情的需要,这样就产生了今天表现力丰富多彩的美声唱法。
美声唱法以声色优美,发声自如,音与音的连接*滑匀净,花腔装饰乐句流利灵活为其特点,但因忽视词义表达上的细致,故常表现出追求声音效果,炫技和程式化的倾向,它自产生以来,其演唱风格及演唱技巧,一直随时代以及所演唱作品的发展,这种演唱方法由于具有很强的科学性,因此是歌唱艺术中最具权威和代表性的唱法之一。
民族唱法是在继承*民间唱法的基础上,借鉴和吸收西洋唱法中的某些技巧,从而形成的发声方法。民族唱法的特点是,口腔、鼻腔和头腔都参与共鸣,胸腔、喉咽腔共鸣用得较少,气沉丹田,气息较深,用横膈膜呼吸,声音稍稍靠前,声带及喉部肌肉的紧张度较大。著名歌唱家吴雁泽先生形容说“吸气一大片,呼气一条线”。其演唱特点是声情并茂,音色明亮。
通俗唱法是我所喜爱的一种唱法,稍微多说一些。
通俗唱法顾名思义,是一种通俗的、大众的唱法,又叫自然唱法或流行唱法,是随着*代电的发明而出现的一种新的'演唱形式,要借助于麦克才能放大音量。这种唱法往往是天赋成份大于后天训练,为广大青年群众所喜爱。其演唱方法是以口腔共鸣为主,下部胸腔基本不共鸣,喉咙不打开,呼吸较浅,声带及喉部肌肉用力较多。其演唱特点是以轻唱为主,多用真声,音域不宽,唱歌就像与你谈心一样,亲切、自然、流畅,注重情感表达,具有随意性。通俗唱法流派较多,风格各异,有低吟唱法、轻声唱法、气声唱法、呐喊唱法、说唱唱法等(这是我的分类)。有时还用滑音、假声、尖叫、呐喊、抽泣、呜咽、气声等演唱技巧,极富感染力,加上电声乐队的伴奏,常常会产生震撼人心的艺术效果。其典型的代表人物就是*台湾的邓丽君、美国迈克尔杰克逊。我年轻时候是邓丽君的粉丝,现在依然崇拜得五体投地,常常模仿她的唱法。
戏曲唱法是*特有的一种唱法,约有一千多年历史,是*的传统声乐艺术(当然日本等国也有类似戏曲的唱法)。戏曲唱法主要以京剧为代表,包括昆曲、豫剧、越剧、*剧等各种地方戏;曲艺也是戏曲的一种,包括弹词、大鼓、二人转等。其演唱方法以喉咽腔共鸣为主,胸腔基本不共鸣。其演唱特点是讲求腔调韵味,有板有眼,拖腔慢颤,富有地方语言特色和鲜明的音乐个性,为广大老年群体所喜爱。
哭苗员外呈张参军(苗公即参军舅氏)
司空曙〔唐代〕
思君宁家宅,久接竹林期。尝值偷琴处,亲闻比玉时。
高人不易合,弱冠早相知。试艺临诸友,能文即我师。
凌寒松未老,先暮槿何衰。季子生前别,羊昙醉后悲。
寿堂乖一恸,奠*阻长辞。因沥殊方泪,遥成墓下诗。
揠苗助长
孟子〔先秦〕
宋人有闵其苗之不长而揠之者,芒芒然归,谓其人曰:“今日病矣!予助苗长矣!”其子趋而往视之,苗则槁矣。天下之不助苗长者寡矣。以为无益而舍之者,不耘苗者也;助之长者,揠苗者也,非徒无益,而又害之。(闵 通:悯)
竹窗闻风寄苗发司空曙
李益〔唐代〕
微风惊暮坐,临牖思悠哉。
开门复动竹,疑是故人来。
时滴枝上露,稍沾阶下苔。
何当一入幌,为拂绿琴埃。
黍苗
佚名〔先秦〕
芃芃黍苗,阴雨膏之。悠悠南行,召伯劳之。
我任我辇,我车我牛。我行既集,盖云归哉。
我徒我御,我师我旅。我行既集,盖云归处。
肃肃谢功,召伯营之。烈烈征师,召伯成之。
原隰既*,泉流既清。召伯有成,王心则宁。
送缙云苗太守
王维〔唐代〕
手疏谢明主,腰章为长吏。方从会稽邸,更发汝南骑。
按节下松阳,清江响铙吹。露冕见三吴,方知百城贵。
题苗员外竹间亭
卢纶〔唐代〕
高甃绝行尘,开帘似有春。风倾竹上雪,山对酒边人。
步暖先逢日,书空远见邻。还同内斋暇,登赏及诸姻。
赠苗发员外(一作李端诗)
祖咏〔唐代〕
宿雨朝来歇,空山天气清。盘云双鹤下,隔水一蝉鸣。
古道黄花落,*芜赤烧生。茂陵虽有病,犹得伴君行。
中峰居喜见苗发(一作李端诗)
祖咏〔唐代〕
自得中峰住,深林亦闭关。经秋无客到,入夜有僧还。
暗涧泉声小,荒冈树影闲。高窗不可望,星月满空山。
崔驸马山池重送宇文明府(得苗字)
岑参〔唐代〕
竹里过红桥,花间藉绿苗。池凉醒别酒,山翠拂行镳。
凤去妆楼闭,凫飞叶县遥。不逢秦女在,何处听吹箫。
苗侍中挽歌二首
岑参〔唐代〕
摄政朝章重,持衡国相尊。笔端通造化,掌内运乾坤。
青史遗芳满,黄枢故事存。空悲渭桥路,谁对汉皇言。
天子悲元老,都人惜上公。优贤几杖在,会葬市朝空。
丹旐飞斜日,清笳怨暮风。*生门下客,继美庙堂中。
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