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声乐唱法的特点
唱法;实际上就是一种特有的演唱模式, 这种模式直接影响着演唱的外在表现风格,不同唱法表现不同风格。主要分为美声唱法,民族唱法、流行唱法(又叫通俗唱法)、原生态唱法等种类。唱歌是从古到今都有,下面就是小编整理的声乐唱法的特点,一起来看一下吧。
我国声乐的唱法基本有三种:具有*特色的民族唱法,源自意大利的美声唱法,20世纪80年代以来盛行的通俗唱法。这三种唱法各具特色,也各有不同的欣赏群体。
美声唱法这个词出自意大利语Bel canto,意思是精美、优美的歌唱。是一种着重声音华采优美,咏叹性重于朗诵性或戏剧性的歌唱方法。其显著特点在于通过人体解剖学倡导的一系列迫使发声机构以最精细和微妙的变化自我调整的方法,获得与人类语言有关的音质、强度、音色以及共鸣进行协调变化出乐感的声音,来积极参与音乐形象的表现,从美声技巧的效能中可以建立出这些概念。因此说,美声唱法注重发声的科学性,特别讲究声音,追求声音的光彩、力度和连贯、流畅、柔美。要求气息通畅,高、中、低三个声区统一,音域宽广,声音幅度大,嗓音中始终含有增强音响的“微颤”(Vibrato),即弦乐器上“揉弦”般的效果。颤动的幅度比其他唱法也大,声带及喉部肌肉的紧张度较其他唱法小一些。
民族唱法,广义地讲,是指包括戏曲、曲艺、民歌和具有这三类风格的创作歌曲的演唱方法;狭义地讲,主要指演唱民族风格较强的声乐作品时运用的技术方法与规律,是“民族民间唱法”与“中西结合唱法”的统称。其特点在于:在提炼和继承传统唱法的基础上,借鉴和吸收了西洋唱法中的某些优秀技巧,从而形成具有*民族特色的正确发声方法。民族唱法注重声音的民族性,音色较真实、明亮、靠前。讲究声情并茂,要求气息深,多用局部共鸣,高音多用真声,声带及喉部肌肉的紧张度较大。
通俗唱法,又叫自然唱法或流行唱法,是指演唱通俗和流行歌曲所用的表演手段。其演唱技巧有气声唱法、假声唱法和低吟唱法。从演唱的风格角度,大致可分为劲歌型,柔美型和艺术型三大类。通俗唱法一般以轻唱为主,共鸣运用不多,喉咙不要求打开,呼吸运用普遍较浅,声音自然流畅,无多大修饰,音域不宽,声带及喉部肌肉用力较多。但注重情感表达,有重情轻声的倾向,表演具有随意性。
下面对三种唱法在嗓音运用上的异同进行综合的比较:
一、呼吸的运用
美声唱法有一整套训练呼吸的方法,可见其对呼吸的重视,它多运用胸腹式联合呼吸,要求吸得深而饱满,气息流畅自如,声音托在气上。民族唱法要求气沉“丹田”,即用横膈膜呼吸。民歌手中,有意识运用深呼吸的'人不多,由于某些风格的需要,大多利用胸式呼吸。但民歌唱法在呼与吸的控制上还是有相同之处的,引用著名歌唱家吴雁泽先生的一句话叫做“吸气一大片,呼气一条线”。通俗唱法不太讲究呼吸的深度,以胸式呼吸为多,吸气部位偏高,只有少数艺术型歌手,演唱深情类歌曲时,呼吸才运用较深。
二、喉位的区别
美声唱法要求喉头下降,保持在吸气时的低部位,喉咙打开,特别要把喉咙低部打开,发音管拉长,稳定喉器。认为呼吸是歌唱的动力,开喉是发声的关键。民族唱法认为喉咙打开的大小或喉位的高低,应就作品风格的需要而定,不能千篇一律地要喉咙开大,允许喉头上下挪动,唱山歌或某些风格性作品时,喉头可上移。从以上比较可以看出,民族唱法较美声唱法的喉位略偏高喉咙打开得也较小些。而通俗唱法男女声都以真声为主,喉位普遍偏高,喉咙打开不大,一切服从风格的需要。
三、共鸣方面的对比
美声唱法讲究混合共鸣,强调整体歌唱感,整个声区充分发挥共鸣作用,要求声区统一,转换音区不能有痕迹,因此音量大,穿透力强,不必借助麦克风来扩大音响。民族唱法多用局部共鸣,允许中间换气,形成独特风格。民族传统唱法中称头腔共鸣为“脑后音”,胸腔共鸣为“膛音”。通俗唱法,由于借助话筒扩音,不需要强大的共鸣(少数劲歌除外),轻唱为主,多用真声,下部共鸣较多,多用口腔共鸣,尽力保持自然状态,就像朗诵、说话一样。
四、声音走向的比较
美声唱法,声音成管状,竖向运行,即声音从喉室发响后经过喉腔、口咽腔,往上通过鼻咽腔到上部共鸣腔体(鼻腔、额腔蝶腔)后再送出来。主张声音从后面上去到头顶,再从前面出来,有如抛物线,象投掷铅球一样,声音可穿透得更远,取得良好的高位置,反对声音直接从口腔唱出。民族唱法要求明亮的音色,因此声音的走向普遍靠前。追求声音亲切、自然、直接,也讲究高位置,忌“窝”着唱或“包”着唱。而通俗唱法,发音管短小,声音靠前,亲切自然。
五、音域的不同
美声唱法由于上下声区贯通,音域展衍最快,一般能达到两个八度,甚至三个八度。民族唱法,作品音域一般不宽,但也有些山歌上下流动很大。通俗唱法,作品音域大多在十至十二度之间。部分民歌改编曲音域稍宽,某些劲歌或戏剧性作品音域宽广,嗓音条件一般或未经训练的较难胜任
六、咬字部位的异同
美声唱法要求声音圆润柔和,音色偏“暗”咬字部位稍靠后,母音讲究“圆”嘴巴呈圆形。民族唱法,母音发音较靠前,声音反射至硬腭部分,嘴巴呈扁*状,嘴角向两边分开,让字吐得更清楚。通俗唱法吐字方法与嘴型和民族唱法相似,有时更靠前些,齿音、唇音较重,强调吐字,因而语言清晰,感情亲切。
综上所述,美声唱法强调共鸣与音质,演唱偏于唱“声”,注重发声的科学性,歌者不易患声带疾病,但由于其来自异域,与本民族的审美观有些差异,因此还不能被广大民众普遍接受,是一种高雅和寡的声乐演唱形式,随着我国严肃音乐的推广,现在也逐渐被大家接受和欣赏了。民族唱法讲究吐字清晰,以字带声,字正腔圆,注重声音的民族特性,嗓音中具有一种符合民族审美*惯的质朴感和亲切感,是一种雅俗共赏的演唱方法。通俗唱法注重直与*,发声自然,崇尚口语化,对声音考究偏于“情”与前两种唱法的相似之处在于要求歌者有良好的乐感和表达能力,关于这种唱法有褒贬不一的争论,但作为一种演唱风格,其*易*人的表演方式和强烈的感染力使其成为一种大众喜爱的演唱方法,是一种客观存在,拥有一大批的著名歌手和热爱它的听众。
【拓展】声乐唱法介绍
1. 美声唱法
简介:在人类声乐艺术的发展历史上,Bel Canto是最重要的发展主线,Bel Canto应翻译为“美好的歌唱”,在我国一般译为“美声唱法”。《格罗夫音乐词典》、《牛津音乐词典》及《辞海》中都从各个角度,用各自的方法对此进行了阐释。《辞海》中说:“Bel Canto是17世纪产生于意大利的一种演唱风格。它以音乐优美、发声自如、音与音连接*滑匀净、花腔装饰乐句流利、灵活为特点”。Bel Canto自产生以来,经历了数百年发展,已具有深刻的内涵。它既是科学的发声方法,也代表着歌剧发展中的—个重要的历史时代、一种音乐风格和一种歌唱风格,同时也贯穿着规范的歌唱技能技巧的一种发声训练法,因此,也可视为“美声学派”。作为科学的声乐学派,Bel Canto自产生,经历了历史的考验,才逐渐形成了完整、系统、科学的发声方法和演唱风格。“美声”的诞生,是有各个方面的原因和前提的。
2.民族唱法
广义地讲可以包括戏曲、曲艺、民歌和带有这三类风格的创作歌曲的唱法。
这里所指的民族唱法则是作为狭义地来理解,主要是指演唱民族风格较强的声乐作品时所用的技术方法及一些规律。它们既是从戏曲、曲艺、民歌这些民族传统唱法中提炼和继承下来的,同时又借鉴和吸收了西洋唱法中优秀的结果。 研究民族唱法尤其不能离开民族语言,因为歌唱语言是生活语言的艺术加工。 我国民族传统唱法上常提到“字是骨头,韵是肉”、“字领腔行”,甚至带有艺术夸张地说:“千斤白,四两唱”,可见对语言因素的强调与重视。 因此语言规律的差别以及对咬字、吐字、语言在演唱上的不同处理与强调程度,是民族唱法和西洋唱法的原则区别。 语言既是咬字吐字的依据,也是发声、用气、共鸣等技术手段的依据,又是音乐曲调的依据。而语调、语气、语势则是形成风格的主要因素。
民歌和民歌风格的歌曲带有浓郁的地方音调,在演唱时如能用方言更能表达其内容与色彩,但是地方语与汉语普通话的总规律是相同的,因此用普通话来演唱也是行得通的。
在风格处理上北方民歌要豪放悍犷一些,南方民歌则要委婉灵巧一些,高原山区民歌要高亢嘹亮一些,*原地区民歌要舒展自如一些。我国是个多民族、地域广大的国家,因而语言丰富、民歌风格多彩,不能一言以蔽之。 一首歌曲是先有歌词后再谱曲的,演唱者不仅是在重视词作者和作曲者的歌词和音乐,而且是在进行一次艺术再创作,要使词曲溶为一体。既要考虑到曲调的规律又要照顾到语调的起伏,用咬字吐字的技巧将语言加以艺术化、音乐化,才能达到词曲结合的要求。
3. 流行唱法
流行唱法(又名通俗唱法) 始于*二十世纪30年代得到广泛的流传。开始叫流行歌曲唱法,后来称通俗唱法。为适应与国际接轨,现在又改回流行歌曲唱法,简称流行唱法。
其特点是声音自然,*似说话,中声区使用真声,高声区一般使用假声。很少使用共鸣,故音量较小。演唱时必须借助电声扩音器,演出形式以独唱为主,常配以舞蹈动作、追求声音自然甜美。感情细腻真实。
流行唱法声音的主要特点是完全用真声唱,接*生活语言,轻柔自然。强调激情和感染力,演唱时有意借助电声的音响制造气氛,所以很注意话筒的使用方法和电声效果。
流行唱法以青年为中心,可以说是:写青年,唱青年。青年唱,青年听。
古己有之的那种通俗唱法,并非我们目前所指的典型意义的通俗唱法。现代通俗唱法,有两个重要的特性,一是它风格样式国标化;二是它与现代高科技电子技术结合。
二十世纪八十年代,由于政治经济上的改革开放,文化上的禁锢被解除,国门大开,首先是港台通俗音乐一拥而进,形成热潮。这决不仅仅是因为年轻人在经济上的独立,而是由于流行音乐有青春活力。展示了人们是如何生活的意愿。
同时,一大批通俗歌手不断涌现,并风格各异,五彩缤纷。流行歌曲从此也受到了国家和人民以及音乐界的极大关注和重视。
在如今这个各类流行音乐充斥于大街小巷电台电视网络的时代里,也许流行唱法这个词大家一点也不陌生了,我们可以这样肤浅的认为流行歌手演唱所使用的方法和技巧就是流行唱法。曾经有朋友在聚会的时候当面质疑过通俗歌曲有唱法吗,唱流行歌曲需要学吗?虽然普遍意义上来说流行歌曲应该是以易于上口便于传唱为前提的,但是任何事物都是发展的,当它发展到一定高度和层面的时候大俗的东西往往会变成大雅,流行音乐发展了这么多年,已经从曾经的所谓的“自然声区,不足一个八度”的演唱发展到一个相当高的水*,随随便便抓一大把最*相当走红传唱度很高的歌手,比如周杰伦,林俊杰,陶喆,其实他们的歌并不是很好唱的,做一个不太适当的比较,其实在唱法上被许多人有相当程度质疑的周杰伦在《发如雪》里面高音的高度甚至比帕瓦罗蒂还要高,但是这并不影响他和他的歌曲被大家所接受和喜欢。从某种意义上来讲这就说明了其实流行音乐和流行音乐的听众已经发展到一个相当的水*了,所以流行歌曲有唱法,流行歌曲的演唱需要学*,如果仅仅还停留在“自然声区,不足一个八度”的层次,那么它最终会被时代淘汰.
4. 原生态唱法
原生态民歌,顾名思义,就是我国各族人民在生产生活实践中创造的、在民间广泛流传的“原汁原味”的民间歌唱音乐形式,它们是中华民族“口头非物质文化遗产”的重要部分。
民歌是各族人民智慧的结晶,是各个历史时期人民生活的生动写照。这些歌曲直接产生于民间,并长期流传在农人、船夫、赶脚人、牧羊汉以及广大的妇女中间,反映着时代生活的方方面面,可以说是各个历史时期人民生活的生动画卷。这些歌由大众口头创作,并在流传中不断地得到丰富和发展,歌词越加精炼,曲调渐臻完美,具有很高的艺术价值。民歌的语言生动传神,它并不是将简简单单的生活语言直接拿来,而是也讲究韵律,讲究比兴等传统的诗歌手法,源于生活而高于生活,是百姓的杰作,是大众语言的精华。
我国民歌的种类极为丰富,主要有内蒙古的长、短调牧歌,河套及周边地区的漫翰调、爬山调,陕北和山西西北部的山曲、信天游,甘、青、宁地区的花儿,新疆的十二木卡姆,陕南、川北的姐儿歌、茅山歌,江浙一带的吴歌,赣、闽、粤交汇地区的客家山歌,云、贵、川交界的晨歌、大定山歌、弥渡山歌,藏族聚居区的鲁体、谐体民歌,以及其他各民族的山歌等。
据专家介绍,“原生态”这个词是从自然科学上借鉴而来的。生态是生物和环境之间相互影响的一种生存发展状态,原生态是一切在自然状况下生存下来的东西。原生态民歌是老百姓很自然地表达出的东西,而把很多民歌进行改编等则是原生态状况的变异,属于非原生态。
原生态唱法只是区别于学院派民歌唱法的一种说法,学院派民歌唱法大多吸收了一些西洋唱法,原生态唱法却是一种原始的未加工过的唱法。
民族唱法与流行唱法的异同
民族唱法吸取并继承了传统戏曲、曲艺和民歌等演唱精华,借鉴和采用了美声等歌唱方式,是一种以民族语言为基础,伴有形体表演,具有甜、脆、宽、亮等嗓音特征,将情、声、字、腔融为一体的一种演唱方式。下面是小编整理的民族唱法与流行唱法的异同,一起来看看吧。
民族唱法普遍适用于歌剧、民族歌唱等表演活动。通俗唱法又被称为流行唱法、自然唱法,常借助于音响等现代设备,演唱注重直与*,发声具有自然、口语化等特点,且强调歌唱情感的流露,可依据作品内容,加入或者渗透一定量的舞蹈表演,达到唱与动两者有效的结合,进而产生与听众间的交流。
一、民族唱法和通俗唱法的共性
(一)呼吸运用
呼吸是歌唱的关键、根本,对歌唱艺术的重要性不言而喻。我国古代音乐典籍中就有关呼吸的相关记载,如:“启动则发生”、“气沉丹田”、“
善歌者必先调其气”等等。可以说,呼吸是歌唱艺术的表现形式,是发声的基本动力。民族唱法中呼吸与通俗唱法下呼吸虽然存在深浅上的差异,但在呼吸运用方法上是一致的,所要到达的目的也是相同的。在两者呼吸相关训练教学中,老师都普遍采用闻花香、叹气式等方法让学生感知呼吸要领,都要求学生掌握吸气深、存气多、运气足、灵活用气等呼吸技巧。
(二)声音走向与咬字部位声音走向即声音的传播方向。
民族唱法与通俗唱法的声音走向都要求亲切、自然和直接,声音明亮,声音的走向靠前。但民族唱法讲究高位置,切忌“窝着”和“包着”的唱法,而通俗唱法主要是借助于口腔的共鸣腔,发音管较短等。民族唱法与通俗唱法的咬字强调语言清晰,感情亲切,声音明亮,两者在吐字方式、咬字嘴型等方面是相同的。如:吐字时嘴型呈微笑状,发音靠前,声音发射在硬腭部位。
(三)作品表演
民族唱法和通俗唱法两者歌唱表演都注重作品情感的流露,强调作品蕴含的感情因素。民族唱法曾有“余音绕梁,三日不绝”的描写,即是唱法歌曲唱情,生动传情,注重对歌曲作品的情感传达。通俗唱法重情轻声,一大特点是感情跌宕起伏,舞台表演大方,生动活泼,具有很强的感染力,注重对作品情感的表达。甚至为了生动细腻的传达歌曲的情感,可以割舍噪音。
(四)审美品位
通俗唱法与民族唱法都属于音乐艺术的范畴,作为一种艺术表演活动,必须肩负着一定的社会责任。即是通俗唱法、民族唱法的自我表现形式、情感内容具有能提高听众的审美情趣,陶冶欣赏者的情操的效用,帮助人们在精神追求、道德评价、是非观念和美丑选择等方面有着一定的帮助作用。因此,这就要求通俗唱法、民族唱法等所要传达、表达作品艺术的思想内容是积极性上、激人奋进的,其表演形式也是健康多样、优美动听的。
二、民族唱法与通俗唱法的区别
(一)共鸣方式
民族唱法为了使声音明亮、饱满和优美,其共鸣运用采用混合共鸣的方式,有效的发挥了个共鸣腔体的作用。常用的共鸣方式有脑后音(头腔共鸣)、膛音(胸腔共鸣)等,形成了独特的声音风格。比如说,真声多使用在中低声区,混合声、假声主要运用到换声区和高音部分,造成了民族唱法声音统一、自如,富有表现力、感染力的效果。而通俗唱法的共鸣运用则为不同。通俗唱法可借助于话筒达到扩音的效果,在歌唱表演时不需要强大的共鸣作用。且通俗唱法为了保持歌唱的自然状态,达到似说话、朗诵的效果,多采用真声轻唱的方式,共鸣方式也多使用口腔共鸣。
(二)喉咙打开方式
歌唱发声器官由喉头、声带喉头好声带三部分组成,打开喉头是声乐学*的重要环节,直接关系着声音的是否优美动听、有色彩和感染力。通俗唱法与民族唱法中喉咙打开的方式存在很大不同,比如说,民族唱法要求声音流畅,上下自然贯通,喉咙打开的方式、喉位的高低就要根据作品的风格进行调整,不能千篇一律或者随心所欲的想开多大就开多大,或者允许其上下移动。而通俗唱法主要是以真声歌唱为主,这就要求喉咙位普遍偏高,喉咙打开不能过大,最好形成管状。综上所述,喉咙打开的式要根据演唱风格的需求而定,要服从于演唱作品的要求。
(三)咬字、吐字
民族唱法和通俗唱法在咬字、吐字等方面也存在很大的区别,究其原因主要是由于民族唱法以民族语言为基础,是通过以字带声、以声传情的方式来表达作品的思想感情。而通俗唱法的音域一般不宽,歌词语言都较为接*生活化、口语化,歌词通俗易懂,咬字、吐字不应过于雕琢。这就要求在民族唱法的咬字、吐字要准确、明晰,达到咬字行腔的效果。比如说,歌唱咬字、吐字时要强调字头情绪表现的作用,加大声母部分的力量力度,具体量化的力度是比说话力度更集中、更夸张,进而使声母的阻力气更有分量。通俗演唱的咬字、吐字要能与作品风格相符合,要亲切自然,发挥语言的感染力,通过歌词的语言性、生活性传达歌曲作品的诗意、意蕴。
三、民族唱法和通俗唱法的灵活转换
了解和掌握了民族唱法和通俗唱法的两者的内在联系和区别后,就可以做到两者之间的灵活转化。注重共鸣方式、喉咙打开、咬字和吐字等方面,还要重视作品风格、题材的转换处理。对于可以采用民族唱法、通俗唱法的同一歌曲作品,在歌唱方法的选择上要找出最为适合歌曲作品、风格的演唱的'方法。另外,还要做到两者演唱方法的灵活转换,找到两种演唱方式之间相同的地方,相互吸收借鉴,进而不断丰富歌曲的表现方式和手段。对于每一首歌曲作品在演唱表演时要尽可能的打破惯用的演唱方式,采用多样化的演唱形式,进而推动歌曲作品演唱方法的创新。
1、起源不同
(1)通俗唱法
通俗唱法也原本叫“流行歌曲唱法”。由于中外语言的特点各有不同,但是也有不少共同之处。在西方直到1900年,古曲的“美声”和“通俗的”的歌唱方法,并没有根本上的区别,虽然演唱歌剧要比演唱轻歌剧和流行歌曲需要更为丰满的声音和更高的歌唱技巧。
(2)流行唱法
流行唱法起源于欧洲,后在美国发展壮大,逐渐形成了爵士、摇滚、说唱、民谣、灵歌、舞曲等风格门类,又通过媒介直接把流行音乐推向整个世界,形成了庞大的流行音乐产业及流行音乐文化。随着流行音乐的快速发展,一种新的演唱形式——流行唱法也应运而生。
(3)民族唱法
民族唱法起源,最早可以追溯到公元前六千多年前的母系氏族社会。它产生于劳动人民的生产劳动和生活实践。《吴越春秋》中记载的黄帝时期的“弹歌”,和《淮南子》中记载的“劳动号子”,是*民族声乐的基本雏形。
从上世纪的八十年代开始,*很多声乐爱好者开始系统的学*和研究西洋唱法,特别是以朱逢博为代表在具有*民族声乐特色的基础上,融合了美声唱法科学的发声方法,创造了新的民族唱法,后以*、张也、吴碧霞等这些新一代歌唱家为代表。
2、基本特征不同
(1)通俗唱法
通俗唱法声音的主要特点是完全用真声唱,接*生活语言,轻柔自然。强调激情和感染力,演唱时有意借助电声的音响制造气氛,所以很注意话筒的使用方法和电声效果。
吐字清晰是通俗唱法中最重要的特征之一。*的通俗歌曲中,普通话为通俗唱法中的主流,演唱大陆创作的歌曲时,语音大多比较规范,讲究“出字、归韵、收声”的咬字吐字过程,字字清晰、质朴无华。
(2)流行唱法
流行唱法的风格多样,没有固定的模式,演唱风格追求自然、随意,强调用自己最真实的声音歌唱,从而体现声音的个性化与特色,感情自然流露,表演有很强的即兴性和煽动性,主要利用话筒等音响设备扩大制造声音效果。
流行唱法讲究“高音低唱”,演唱流行歌曲,往往采用以真声为主的演唱方式,从而表达出歌曲内容的真实感。所谓“高音低唱”,越高的音越往下边唱,与气息结合起来。这样的声音听起来更实,具有很强的穿透力。
(3)民族唱法
民族唱法的特点是,声音听起来很甜美,吐字清晰,气息讲究,音调多高亢。借鉴了美声唱法的特点,经过不断的实践,不断的总结出来的一种完美的唱法。这种唱法咬字吐字清晰,声音甜美,气息灵活;又有美声唱法的声区统一,音域宽广,真假声结合的特点。
民族唱法在原有的基础上,结合并运用了美声唱法的发声方法,使音域和音量扩大,咬字轻松自然,呼吸流畅、声音明亮集中、极具表现力,同时,能够演唱的歌曲技巧难度增大,风格也更为多样化。
3、演唱技巧不同
(1)通俗唱法
将身体与精神放松一些,气息调整均匀,空气不要吸入过满,不要太刻意注意姿势及口、鼻吸气的动作,因为身体状况处于常态时,外界气压大于身体内压力,在完成正确的吸气息动作后,肺部即形成负压,空气自然进入肺部,这样在演唱时吸气迅速,在话筒前无任何杂音。
(2)流行唱法
它要求气息冲击声带时,声带要完全闭合发声,这种声音出来响亮而结实,具有穿透力。这就是我们经常提及的发声术语——“关闭”。而流行唱法中,由于歌曲感情或风格的需要,有意使气息与声音不完全的结合,造成一种“漏气’的状态。
(3)民族唱法
*民族声乐的曲调结构复杂,有时一字数音,一腔数板,必须在正常的气口外,补充一些气口。如有时为了美化唱腔,常在附点音符和切分音的长音之后加进临时气口;
或者为了渲染音乐气氛和感情的高潮,在适当的地方加上临时的感情气口等等。使用气口的方式除一般歌唱吸气的方法外,还需采用偷气(不让人察觉的吸气)、抢气(在短时间内的急速吸气)、快吸气、慢吸气、浅吸气和深吸气等。
一、共鸣运用的不同
局部共振是民族唱法中普遍使用的方式,这个过程中主要作用的是口腔共鸣和胸腔共鸣,真声主要用在中低声区,头腔共鸣则主要用在换声区和高音区的混声和假声演唱时,但并不是说每个谐振腔都可以被单独使用,而应该是“整体共振”,也就是所有的谐振腔集合在一起形成的。胸部、嘴、头三个谐振腔的整体使用就是整体共鸣。流行音乐是以真实的声音演唱为主,口腔共鸣为辅,在这一点上与其他不同,在很大限度上保持自然状态,类似于演讲和朗诵,随着话筒对歌声音量的扩大,也就不需要很强的共振(除了少数歌曲外),而其他的共振方式运用就更少了。
二、喉位运用的不同
苗家大院 在湘黔边界的青山绿水间,
在风情浓郁的少数民族居住地,
有一个生态王国,
有一方开心乐园,
坐落着一幢苗家大院,
背靠青山,面朝秀水;
鸟语花香,四季花开,
最是休闲旅游的好去处!
宏伟壮观的苗家大院,
高低起伏、错落有致;
木瓦相嵌、土色土香;
雕梁画栋、巧夺天工......
是新农村建设的典范,
是民族艺术的精华,
是劳动人民智慧的结晶!
我不是画家,画不出这里的美丽;
我不是诗人,写不出这里的神奇;
我不是歌星,唱不出这里的生动。
我只是“到此一游”的旅客,
只有尽情地按下快门:
苗家的米酒、苗族的歌鼟、苗乡的热情......
无不珍藏在生命的回忆里!
2015年11月29日参观靖州三锹乡凤冲村半田段苗家大院有感于11月30日写
美声唱法技巧及方法
无论在学*、工作或是生活中,许多人对美声都不陌生吧,你知道什么样的美声才能称之为经典吗?下面是小编精心整理的美声唱法技巧及方法,仅供参考,大家一起来看看吧。
怎样学好美声:
1、呼吸
2、打开喉咙
3、共鸣(唱歌三要素)
练声的目的:
做到声区统一,声音连贯流畅,母音统一,吐字清晰,从而达到声情并茂地表达歌曲内容的目的。
练长音的要求:
1、加强横膈膜的锻炼,体会横膈膜的呼吸支持感,尽量唱得长些。
2、腹肌、两肋、腰部都要积极配合起来行动,要有兴奋的横向扩张感。
3、起首要用软起首,仿佛带点“Ha”即“哈”的感觉,要在胸的支点上起首。
4、要打开喉咙体会面罩共鸣的感觉,在慢练中,保持好上面和下面的位置。
5、在一个音上变换母音时,位置要在音色、音量、力度上保持一致。
哼鸣练*的要求:
1、尽量把声音位置挂在面罩上,用一种擤鼻涕的感觉来哼。尽量找到一种晕乎乎的感觉。
2、笑肌要提起,自然地面带微笑状。
3、喉咙不要捏,要打开,喉结放在最低位置上。
4、要在横膈膜有力的支持上哼。
5、全身要通畅,尤其是肩、胸部位要放松,胸口不要憋着劲,向下叹着哼。
几种吸气方法:
(一)叹气式吸气
先叹后吸,叹到哪就吸到哪。
(二)闻花式吸气
容易使气吸得深,而且没有吸气时的抽气声和多余动作。上身完全放松。
这种吸气松畅适度,人很兴奋,气息通畅,声音圆润。
(三)惊讶式吸气
快速吸气,吸得快且深。表现悲愤和讲情绪好。
美声唱法的声音连贯(Legato)
声音的连贯是美声唱法最重要的技法。(精髓)
起音要准确而稳定,音色要统一而优美,音波要*稳而自然,歌唱发声时的呼吸、发声、共鸣、吐字等部位要统一而又连贯。
比喻:
歌唱时的每个字都好像是珍珠,而声音仿佛是一条线,要用声音这根线把大小一样的闪闪发亮的珍珠穿在一起。
具体做到如下几点:
1、要有良好的呼吸支持
2、发声、咬字部位要统一
子音的发声位置大多在口腔的前半部分
母音的发声位置大多在口腔的后半部分
声音的共鸣位置始终要放在头腔,或说放在面罩共鸣里。
3、要有良好的音乐修养
4、声区要统一
5、克服不正常的音波
母音统一
意大利语中元音只有五个:A、E、I、O、U
每个母音的发音在口腔里的部位都不同:
“I”和“E”的发音部位靠前
“A”略靠后
“O”和“U”则更加靠后
不管是哪个母音,都要搁到一个地方去唱。
美声歌唱大师贝基:
“唱歌的人嘴是长在里面。”
民族唱法的技巧
民族唱法是按照特有的民族演唱*惯、审美来进行演唱,主要语言以民族语言为基础,有着别致的韵味,以下是小编精心整理的民族唱法的技巧,欢迎大家借鉴与参考,希望对大家有所帮助。
一、民族唱法气息的运用
*民族唱法有吸气深,存气多,运气足,用气活等特点。在*古代音乐典籍上早有“气动则声发”、“气沉丹田”、“善歌者必先调其气”等记载。在气息的运用上强调下述4点:
1、讲究气口
气口是*民族唱法中用来说明吸气点和吸气方式的术语。*民族声乐的曲调结构复杂,有时一字数音,一腔数板,必须在正常的气口外,补充一些气口。如有时为了美化唱腔,常在附点音符和切分音的长音之后加进临时气口;或者为了渲染音乐气氛和感情的高潮,在适当的地方加上临时的感情气口等等。使用气口的方式除一般歌唱吸气的方法外,还需采用偷气(不让人察觉的吸气)、抢气(在短时间内的急速吸气)、快吸气、慢吸气、浅吸气和深吸气等。
2、气息的支持
*民族唱法在声带使用上张力较强,共鸣比较集中,采用以腹式呼吸为主的胸腹式联合呼吸法,其呼吸对抗力量的集中点(支撑点)在脐上至腰间,这样便于贮存气息,控制呼气,以灵活地支持发声。
3、气息的控制
在呼气发音时,气流外围的肌肉(吸气肌肉群)始终做与气流相反方向的下沉运动,以此形成与呼气动作明显对抗的力量,起到节制呼气,保护声带,发挥充分共鸣和变化音色的作用。
4、气息的灵活运用
除经常使用的基本呼气方法之外,还要做和灵活变化的呼气训练,以便在声带和共鸣的配合下,完成各种不同的润腔发声。如润腔中的“嗽音”是一股较粗散的气流,刹那间冲破声门的阻力弹发出来;“顿音”是呼气在支点处做半顿半连的弹性的对抗运动形成的;其他如:“截音”、“颤音”、“沉音”等的呼气使用方法也都各不相同。
二、民族唱法声带的运用
*民族唱法对声带的使用较重,要求声带的功能强,音质坚实、脆亮,有利于咬字和唱词。
1、声门积极靠拢闭合,主动向下挡气,使呼出的气流最大限度地转化为声波,使发音集中明亮。
2、保持声带的弹性和运动中的*衡,以此来减轻声带的负担与疲劳,获得更多的谐音振动,以便与头腔共鸣相策应,产生全面的广泛的共鸣效果。
3、声带振动的灵活多变,如声带可做不同张力、厚薄、长短、整体与边缘等各种不同程度的振动,以及振动幅度的大小、声门不同程度的闭合等,从而奠定发出各种不同声音的物质基础。
三、民族唱法共鸣的运用
使用各种不同的共鸣方法来变化音色和音量,润饰唱腔,表达情感。
1、全面地*衡地使用共鸣腔体。充分发挥鼻腔(头腔)、咽腔和喉腔的共鸣,适当地运用胸腔共鸣,配合上吐字唱词中变化频繁的口腔共鸣,形成以咽腔为轴心的上通头腔(鼻腔)、下通喉腔和胸腔的垂直柱状的共鸣通道,以求达到最佳的整体共鸣效果。相对来说,*民族唱法中由于咬字和润腔等技法的使用,在共鸣效果上,与欧洲美声唱法的宽、洪、粗、大有所不同。
2、共鸣腔管的使用适度。总的说来,*民族唱法的共鸣腔管相比欧洲唱法要细一些和短一此,喉、咽腔并不开得太宽,喉结相对稳定,发出的声音比较集中、结实、明亮,便于咬字行腔。
3、打开喉咙,抬起软腭,放松下巴,在咽腔形成一个开阔的“三叉腔”(“三角区”),获得良好的泛音共鸣(即鼻腔、头腔共鸣),使声音更加通畅甜美。
4、两种共鸣焦点的使用。*民族唱法的歌唱家们在演唱中通常采用两种共鸣焦点。一个共鸣焦点是指鼻腔、头腔共鸣的最高位置——固定共鸣焦点,这是永久性的,是演唱中始终保持的,起保证头、鼻、胸共鸣的作用;另一个共鸣焦点是指在演唱的行腔韵味中临时形成的特殊共鸣焦点——游走共鸣焦点,是形成重国民族唱法中各种特殊风格、韵味的'主要技法。
民族唱法发声技巧
一、呼吸
呼吸在民族唱法中也是最重要的部分,就像汽车的发动机。和通俗唱法一样,民族唱法采用的也是胸腹式联合呼吸法。通过鼻道吸入气体后,进入到肺部和腹部,胸腔和小腹扩张,横隔膜下降,两肋肌肉向外扩张(也就是腰围扩张)。这种方法有一个形象的例子就是,把鼻子靠*鲜花,去闻吸花香。掌握了这种呼吸方法,歌唱时保持住这种状态,歌唱中下胸部和腹部也保持扩张,把气息支点放在横隔膜上保持住,均匀缓慢的呼气。无论吸气和呼气,胸腔和腹部都保持住扩张状态,呼气发声时,给小腹点向内压缩的感觉和力量,发动气体由下向上,冲击摩擦声带发声。越是高音时,腹部和后腰越是用力,嗓子不用力。
二、腔体的打开
民族唱法也分为胸腔、咽腔、口腔、鼻腔和头腔五个腔体。主要用到口腔和头腔,辅助用到鼻腔和咽腔,较少用到胸腔。演唱时,打开口腔中的牙关、提起笑肌(保持微笑时的肌肉状态)、舌头*放、抬起上腭软口盖和小舌头、鼻腔至头腔通道横向打开、放松下颚适当扩张咽腔、喉头稍微下移保持住稳定位置。打哈欠时和受惊发出”啊“时的口鼻咽腔状态同样适用于民族唱法。歌唱时,声音通过口腔传送到头腔额窦(眉毛中间点上方)处共鸣振动发声。声音圆润明亮,具有穿透力!
三、声带的状态
声带是发声器官的主要组成部分。吸气和呼气时打开,*时闭合,发声时不完全闭合震动。唱歌时不能主动用声带振动发声,容易使声带劳累甚至受损。要让呼出的气体冲击声带,声带被动振动,声带不主动使力,也就不容易劳累。高音时,稍微收紧喉部和声带,同样是气息带动声带发声。
四、身体姿势
民族唱法演唱时,要求站立姿势,双脚与肩同宽,左脚稍靠前、右脚稍靠后。双眼*视前方,脖子、肩部放松,后背挺直,臀部向上稍微提起。
五、声乐知识
民族唱法,除了发声方法和技巧外,同样掌握一定的声乐知,像音调、节拍、配乐编曲知识等等。
六、感情投入
唱歌感情投入是非常关键的,要根据不同的作品和不同的艺术要求,投入不同的感情。没有相应的感情投入,再好的发声方法和发生条件唱出来的歌曲,都会索然无味!
七、情绪的把控和发声状态调整
唱歌是一门现场艺术和学问。歌唱前,要通过开嗓,把各个腔体活动打开,调整好各部位状态。歌唱时,不能精神过于紧张,要保持一个*稳的心情和松弛的身体状态,这样才能更好的结合各个发声部位,发出最好的声音。
民族唱法、通俗唱法和美声唱法的区别是什么
声乐的唱法分为通俗唱法、美声唱法、民族唱法。那么这三者的区别是什么呢?下面小编为大家整理的三种唱法的基本区别,一起来看看吧!
一、音域的不同
美声唱法由于上下声区贯通,音域展衍最快,一般能达到两个八度,甚至三个八度。民族唱法,作品音域一般不宽,但也有些山歌上下流动很大。通俗唱法,作品音域大多在十至十二度之间。部分民歌改编曲音域稍宽,某些劲歌或戏剧性作品音域宽广,嗓音条件一般或未经训练的较难胜任。
二、咬字部位的异同
美声唱法要求声音圆润柔和,音色偏“暗”咬字部位稍靠后,母音讲究“圆”嘴巴呈圆形。民族唱法,母音发音较靠前,声音反射至硬腭部分,嘴巴呈扁*状,嘴角向两边分开,让字吐得更清楚。通俗唱法吐字方法与嘴型和民族唱法相似,有时更靠前些,齿音、唇音较重,强调吐字,因而语言清晰,感情亲切。
三、共鸣方面的对比
美声唱法讲究混合共鸣,强调整体歌唱感,整个声区充分发挥共鸣作用,要求声区统一,转换音区不能有痕迹,因此音量大,穿透力强,不必借助麦克风来扩大音响。民族唱法多用局部共鸣,允许中间换气,形成独特风格。民族传统唱法中称头腔共鸣为“脑后音”,胸腔共鸣为“膛音”。通俗唱法,由于借助话筒扩音,不需要强大的共鸣(少数劲歌除外),轻唱为主,多用真声,下部共鸣较多,多用口腔共鸣,尽力保持自然状态,就像朗诵、说话一样。
四、声音走向的比较
美声唱法,声音成管状,竖向运行,即声音从喉室发响后经过喉腔、口咽腔,往上通过鼻咽腔到上部共鸣腔体(鼻腔、额腔蝶腔)后再送出来。主张声音从后面上去到头顶,再从前面出来,有如抛物线,象投掷铅球一样,声音可穿透得更远,取得良好的高位置,反对声音直接从口腔唱出。民族唱法要求明亮的音色,因此声音的走向普遍靠前。追求声音亲切、自然、直接,也讲究高位置,忌“窝”着唱或“包”着唱。而通俗唱法,发音管短小,声音靠前,亲切自然。
五、呼吸的运用
美声唱法有一整套训练呼吸的方法,可见其对呼吸的重视,它多运用胸腹式联合呼吸,要求吸得深而饱满,气息流畅自如,声音托在气上。民族唱法要求气沉“丹田”,即用横膈膜呼吸。民歌手中,有意识运用深呼吸的人不多,由于某些风格的需要,大多利用胸式呼吸。但民歌唱法在呼与吸的控制上还是有相同之处的,引用著名歌唱家吴雁泽先生的一句话叫做“吸气一大片,呼气一条线”。通俗唱法不太讲究呼吸的.深度,以胸式呼吸为多,吸气部位偏高,只有少数艺术型歌手,演唱深情类歌曲时,呼吸才运用较深。
六、喉位的区别
美声唱法要求喉头下降,保持在吸气时的低部位,喉咙打开,特别要把喉咙低部打开,发音管拉长,稳定喉器。认为呼吸是歌唱的动力,开喉是发声的关键。民族唱法认为喉咙打开的大小或喉位的高低,应就作品风格的需要而定,不能千篇一律地要喉咙开大,允许喉头上下挪动,唱山歌或某些风格性作品时,喉头可上移。从以上比较可以看出,民族唱法较美声唱法的喉位略偏高喉咙打开得也较小些。而通俗唱法男女声都以真声为主,喉位普遍偏高,喉咙打开不大,一切服从风格的需要。
七、唱法区别
1、对声带要求的区别: 美声唱法对声带天赋有*乎苛刻的要求,根据声带的长短厚薄,把人声分为不同声部; 民族唱法则不分声部,以高音为主,男女都一样,要求嗓音脆亮、甜美; 但流行唱法不分声部,对声带没有特殊要求,但要求有特色音质、有磁性、即使带些沙哑也可以。美声唱法和民族唱法需要良好的嗓音条件,流行唱法则要求嗓音的个性。
2、对呼吸要求的区别: 三种唱法均要求演唱者运用胸腹式呼吸和会运用横隔膜的技巧,都要求声道通畅,姿势自然,勿耸肩、耸胸。
3、对共鸣要求的区别: 任何声音的发出,都不只需要振动体,还要有共鸣腔体,才能把声波扩大、美化并发出好听的、音量较大的声响。美声唱法用全共鸣,即胸腔、头腔、口腔、鼻咽腔、额腔和骨骼都参与共鸣的过程,要求音色圆润,强弱明暗变化能力强,声音有穿透力。
民族唱法则主要使用头腔、口腔、鼻、喉咽腔共鸣,要求音色明亮、高亢或柔美,有力度变化,共鸣区较靠前; 而流行唱法主要用口腔、鼻,喉咽腔,并不谋求大音量,而是使音色能美化。要着重指出的是,流行唱法并非不重视、不需要共鸣腔,而是通过话筒,充分利用了电声扩大混响等音响设备这个巨大的体外共鸣器。
4、对真假声要求的区别: 声带振动会发出声音,不同的振动方式又可发真声和假声,假声多在高音区,对其中的机能,至今没搞清楚。
美声唱法全用混声; 民族唱法则多用真声,在高音区也使用混合声; 由于通俗歌曲的音域多不宽,用真声演唱即可应付。
5、对表演要求的区别: 歌曲演唱时,演与唱是不能分家的。以音乐本身的特点以及欣赏人群的爱好、*惯来说,我觉得,在美声唱法与民族唱法的演唱中,适合多用戏剧的表演手法,而通俗歌曲的演唱,则适合多用舞蹈性的表演手法,这与通俗歌曲的节奏特别强烈有关,也与通俗歌曲的听众大多为青少年有关。
6、情感要求的区别: 美声唱法更注重的是声音内在的感染力,不需要过多的表演方式、演唱方式的变化,更多的是通过演员声音技术等内在的方式变化达到感染观众的目的,美声唱法中即使是感情极其激烈的,其表现也是比较有节制的。民族唱法民族唱法注重声音的民族性,音色较真实、明亮、靠前,讲究声情并茂,表现方式也是比较节制的。通俗歌曲更重视歌曲的表现形式,通过表演方式、演唱方式等变化达到感染观众的目的。通俗歌曲的许多方面都受到拉美民族音乐的影响,感情比较真挚,奔放,敢于释放。
另外,三种唱法在演出场合、服装、道具、伴奏方式等许多方面还存在的诸多的不同。就是这种不同,使三种唱法各有不同的拥护者。特别是年轻一代,对流行唱法的追捧可以以狂热来形容,而美声唱法和民族唱法的听众有一定的局限性。但从戴玉强、廖昌永、*许多歌唱家的地位就可以看出来,这种局限性仍然不能阻止他们发光发热。三种唱法的共存造就了声乐艺术多姿多彩的魅力。
了解了三种唱法的联系与区别,我们在把握各种风格的歌曲的时候就会更加的准确。声乐艺术作为人类音乐文化的一个重要组成部分,其特殊的传情达意的方式是任何一门学科都不能替代的。
美妙的歌声是人类的精神财富,它可以感动万千听众,产生强烈的共鸣。第十二届全国电视歌手大奖赛已经开始,这项赛事吸引了海内外的华人观众的高度关注,人们在感受声乐艺术无限魅力的同时,对各种唱法,歌手的表现进行热烈的探讨和评论,这说明声乐艺术在我国的逐渐普及和人们的审美情趣的日益提高。随着人类文明程度的不断提高,相信声乐艺术这朵奇葩将会开放得更加绚丽夺目。
声乐分几种唱法
对于一位专业的嗓音训练师来说,具备声乐的基本知识是非常重要的。以下是小编整理的关于声乐分几种唱法,希望大家认真阅读!
声乐的三种唱法:
一、民族唱法
*民族民间唱法是我国传统民族唱法的一个总称,它是以演唱民歌为主要目的的具有浓郁民族特色的一种演唱模式。我国是一个多民族的国家,就汉民族而言,由于各地区在风土人情,生活*惯,以及思想感情的表达形式上的差异,其表现民歌内在含意的重要手段一唱法及其风格也是不相同的声乐分为几种唱法声乐分为几种唱法。造成这种差别的主要原因,应该说还是来自于不同的民族种类与不同的民歌风格的影响。为此,在研究与探索民族唱法及其风格的同时,简介民歌之特点也是非常必要的。
二、美声唱法
美声唱法产生于17世纪初叶的意大利,以音质圆润饱满,音色华丽流畅而著称。在长达几个世纪的发展过程中,美声唱法因为有大批专家学者的精心研究,其歌唱理论与训练方法在三种唱法中,是最完整和系统化的。由于该唱法的发声方法符合人体生理机能的自然规律,依靠科学的呼吸方法和科学的发声方法的歌唱,减少了声带因长期歌唱所带来的负荷过重与磨损,从而延长了声带的有效使用时间。许多中外歌唱家如男高音藏玉琰、楼乾贵、梯·斯基帕(意大利)、男中音特·鲁卡(意大利)等的歌唱寿命都达到七十岁以上的高龄。
三、流行唱法
流行唱法是“流行歌曲唱法”的简称,又称通俗唱法。“流行歌曲”这个概念是不准确的,准确的概念应为商品歌曲,即以赢利为主要目的创作的歌曲。它的市场性是主要的,艺术性是次要的。因而流行唱法准确的概念应为“商品歌曲唱法”。
流行唱法最大的`特点,就是简单易唱、通俗方便。虽然在国内起步较晚,但发展迅猛,从某种程度上来看,其影响力已超过了美声唱法与民族唱法,正所谓:极易上口,人人歌之。
拓展知识:声乐专业的五种唱法你都知道是什么吗?
第一种、 美声唱法
美声唱法(Bel canto)喉头在保持吸气位置状态下,呼出气流吹响声带,使打开的共鸣腔体能够完全、均匀共鸣的歌唱方法。歌唱呼吸是发声的动力,是歌唱的基础。美声区别于其他唱法的最主要的特点,用一句话来概括就是美声唱法是混合声区唱法。美声唱法不仅影响着*的声乐艺术,同样也影响着社会其他国家的声乐艺术。美声唱法起源于欧洲,它的产生不仅与欧洲音乐的发展过程有着密切联系,而且作为人类文化意识形态的一部分,它同样也是社会、时代发展的产物。
美声唱法也叫全共鸣唱法,全共鸣共有七个共鸣腔,口腔共鸣,鼻腔共鸣,额窦共鸣,颅腔共鸣,咽腔共鸣,头腔共鸣,胸腔共鸣,将这七个共鸣腔全部打开,才能叫做美声唱法。很多声乐爱好者说自己是唱美声唱法的,但他的声音却远远没有达到美声唱法的标准,美声唱法是需要很长时间去训炼的,上次我们讲过声乐训练的十个步骤,想要把这是个步骤练好是非常困难的。所以美声唱法的歌唱家都是经过十年甚至二十年的训练才能达到。而且美声唱法的高音非常难唱,因为美声唱法对声音的质量要求极高,并不是把一首美声作品唱下来你就是美声唱法了,评判你是不是美声唱法靠的是声音,而不是歌曲。所以我们在所有共鸣腔打开之前只能说你是学美声唱法,而不能说你是唱美声的。每多一个共鸣腔去发音,声音都会产生很大的变化。除了共鸣腔以外,声带的比合力也是极为重要的,闭合不够就会造成声音假,大,空。音色中没有一个明亮的质感,共鸣再大再宽也不是美声唱法。我认为任何唱法的技术都是从美声唱法中得到的,所以美声唱法是最高级最科学的唱法。
第二种、民族唱法
民族唱法是由*各族人民按照自己的*惯和爱好,创造和发展起来的歌唱艺术的一种唱法。民族唱法包括*的戏曲唱法、说唱唱法、民间歌曲唱法和民族新唱法等四种唱法。民歌和民歌风格的歌曲带有浓郁的地方音调,在演唱时如能用方言更能表达其内容与色彩,但是地方语与汉语普通话的总规律是相同的,因此用普通话来演唱也是行得通的。在风格处理上北方民歌要豪放悍犷一些的特点,南方民歌则要委婉灵巧的特点,高原山区民歌要高亢嘹亮一些,*原地区民歌要舒展自如一些。由于民族唱法产生于人民之中,继承了民族声乐的优秀传统,在演唱形式上是多种多样的,演唱风格又有鲜明的民族特色,语言生动,感情质朴,因此,在群众中已有深深扎根,成为人们不可缺少的精神食粮。
民族唱法有一个演变的过程,现在的民族唱法和过去的民族唱法区别很大,之前的民族唱法要求声音非常明亮,相对对共鸣的要求就很少。老一辈的民族歌唱家的大部分都是声带闭合非常强,声音很亮,很干净的音色。而现在的民族歌唱家如阎维文老师,刘和刚老师,声音都再闭合的基础上,加了较多的共鸣。共鸣腔主要以口腔和头腔共鸣为主,咽腔不是特别多,因为咽腔特别多了声音就会靠后,胸腔共鸣也比较少,胸腔和咽腔这两个共鸣腔多了以后就是使声音靠后变宽,这样就会使声音更像美声唱法。从旋律上来说,民族唱法与美声唱法再旋律上有极大的区别,我们*人在听美声歌曲是觉得旋律很奇怪,在唱的时候找不到旋律的感觉,就是因为我们听欧洲的调式风格的作品比较少。而*的旋律我们听的多就很熟悉,*民族唱法结合了各民族地区的音乐特点。形成了非常繁多复杂的旋律风格,如藏族民歌,新疆民歌,蒙古民歌,陕北民歌,云南民歌等等。还有一种民族唱法不是任何地区民族的,比如父亲,母亲这两首歌,再比如我作词作曲的歌曲妈妈的双手。这样的民族唱法作品不属于哪个民族地区的但他有民族调式风格,所以也属于民族唱法。
第三种、通俗唱法
通俗唱法始于*二十世纪30年代得到广泛的流传。其特点是声音自然,*似说话,中声区使用真声,高声区一般使用假声。很少使用共鸣,故音量较小。演唱时必须借助电声扩音器,演出形式以独唱为主,常配以舞蹈动作、追求声音自然甜美,感情细腻真实。
通俗唱法不能成为流行唱法,因为那种唱法流行就可以称之为流行唱法,比如*早期通俗唱法还没有流行的时候,民族唱法是很多人传唱的,那么当时的流行唱法就是民族唱法,在美声时代,美声唱法是非常流行的,那么当时的流行唱法应该就是美声唱法,所以通俗唱法这个名字才是准确的,通俗易懂的唱法。那么通俗唱法的难度在哪里呢,美声唱法和民族唱法有非常明显的界地,而通俗唱法却没有明显的界地,我来简单的说一下,通俗唱法是以口腔共鸣为主的其他共鸣腔为辅助常态。比如四大天王之一的歌神张学友,他就是口腔开的非常大,用了一点头腔和胸腔的感觉。但是有也很多通俗唱法加了戏曲的感觉比如屠洪刚等。特别是现在流行的一些通俗歌曲加的戏曲风格的更多比如悟空,狂浪声等歌曲。所以说通俗唱法是非常多元化的。这里要强调的是摇滚唱法是不属于通俗唱法的,通俗唱法声带用的力是比较轻的。那种声嘶力竭的歌唱是属于摇滚唱法,而不属于通俗唱法的。有些通俗唱法歌曲的头腔用的比较多,比如九儿,时间都去哪了等。
第四种、摇滚唱法
摇滚(Rock and Roll)是一种音乐类型,起源于20世纪40年代末期的美国,20世纪50年代早期开始流行,迅速风靡全球。摇滚乐以其灵活大胆的表现形式和富有激情的音乐节奏表达情感,受到了全世界大多数人的喜爱,并在1960年和1970年形成一股热潮。
摇滚唱法最开始也属于通俗唱法,后来分开了,我的观点是,我们听到的摇滚唱法大多都不是真正的摇滚唱法。我们可以听到很多国外的摇滚歌唱比如铁心乐队在演唱时用了很多专业的技巧非常强的声带闭合能力已经很多的头腔共鸣,国内的很多个歌手在歌唱时都是用嗓子在喊。所以说摇滚在传入*的时候已经变了味道。
第五种、 原生态唱法
原生唱法的存在是客观事实。它最初源自于我国民间极少数人的口中,但分布广泛。之后又数次成为央视青歌大赛的亮点声音,并深受广大听众的喜爱。它的发声原理是新生儿的哭声,该哭声的发声位置恰恰是在人体的胸腔,于是原生唱法就成为了人类唯一的原自然声发声方法。原生唱法的问世对于我国民族声乐的未来乃至对世界声乐的发展都将起到承前启后的作用。
原生态唱法是没有经过专业发声训练,如阿宝等歌手。现在很多老一代的歌唱家唱的作品在新时代也可以归为原生态唱法。原生态的歌曲和民族歌曲区别不大,都是各地区的歌曲作品。比如山丹丹花开红艳艳这首歌,用民族的发声方法来唱就是民族歌曲,用原生态的发声方法来唱这首歌就是原生态歌曲。
有关通俗流行唱法的基本训练技巧
特点是声音自然,*似说话,中声区使用真声,高声区一般使用假声,很少使用共鸣,故音量较小。以下是小编帮大家整理的有关通俗流行唱法的基本训练技巧,欢迎大家借鉴与参考,希望对大家有所帮助。
一、通俗唱法基本功
通俗唱法的基本功是"压缩声带"和建立"动态下的气息支持"。在此有必要引证一段帕伐洛蒂的话来说明压缩声带的意义:"当中声区进入高声区时,喉咙部位有一种"收紧"的感觉,这不是肌肉的力量,相反,有关有肌肉必须是很放松的,像正在"打呵欠"一样,但你必须促使声音更压缩(Squeezed)在开始学*掌握这种感觉时,似乎"失声"了(Socrificed),这样使声音变化了。开始时,会经常把声音挤压破了,这是正常的,然而,当正确的方法开始被掌握时,那就是十分安全而保险的方法了。即使一时还不能有漂亮的声音,驾驭熟练后就会漂亮起来。"
这一段话对通俗唱法的训练,有着同样积极的意义,因为它具体地提供了解决高音的方法并阐明了产生高音过程中会出现的反应。不仅如此,这个方法也同时解决了令女声同样困扰的"换声"问题。帕氏所说的喉咙收紧,实际上是声带收紧。他说有关肌肉必须是放松的,用笔者的话说,声带的收紧是建立在喉咙放松的基础上的,喉咙处于打呵欠的状态就是打开喉咙,但二者是一种不容易掌握的矛盾统一,因为喉咙和声带处于同一位置(据说帕氏为解决"高音的过渡"化了六年时间)人的*惯本能是:要么喉咙和声带同时都"紧"起来,要不就是一起都"松"了。但只要化功夫,肯定是能够学会的,这一点下面还要详细探讨。
用"压缩声带"来发声或唱歌的原理,听起来似乎有些"玄乎"。其实并不,因为声带的形状很象人的嘴唇,只要看到吹小号或吹笛子的人怎样吹奏这些乐器时的口唇形状,就不难理解声带在歌唱时的状态,"压缩"或"收缩"声带的涵义也变得很形象化了。
另一个基本功是建立动态的气息支持。为什么要加上动态二字?气息支持不是人所共知的理论么?理由是"知道"歌唱要有气息支持的道理并不难,但"做到"气息要有支持其难度不亚于上述要求;同时还要做到声带紧----喉咙松的矛盾统一。虽然说通俗唱法最接*说话,但说话和歌唱毕竟是有区别的。主要反映在音域上,说话音域"狭",唱歌音域"宽",说话有一个八度就够了,歌唱绝对不够;气息也同样有区别,说话时用气"持续"短,歌唱时用气"持续"长。作为能源消耗量而言,说话消耗少,歌唱消耗多。更何况歌唱有高低、强弱、刚柔之分,因而必须要建立一种能调控的呼吸机制。常见的所谓呼吸训练法往往有三个错误倾向:1、重"吸"不重"呼",而忘了歌唱是在"呼气"状态下进行的;2、重"姿势"而不重实效,认为只要保持两肋张开的姿态去唱歌,就是做到了有支持的呼吸,这样做的结果常常适得其反,"保持"在大多数情况下,都成了"僵持",试问气息不流动了,能源供应停止了,声音还怎么再能流动?歌声又如何流畅?(这个问题在下文《误区》中还要谈到。)3、"提气"与"压气"的失调:提气----压气在歌唱中是矛盾的统一,气息是"往上的,没有气息对声门的压力,又何来声音?压气是对所提气势大小的"制动阀",所谓排泄式呼吸法就是把压气当成了目的,完全忽视了提气的主导作用。具体的方法是要求在收下腹和鼓上腹同时工作,但鼓上腹的力永远不能大于收下腹的力,二者的*衡就成了"僵持",如果光是下腹鼓出,就成了排泄式;如果光是上腹"收紧",声音会"憋"住而唱不出。
有人说:"唱歌是呼吸的艺术。"不无道理。这对通俗唱法而言同样适用。从建立歌唱的呼吸机制,以学会控制这种机制,是需要时间和功夫的,它毕竟和日常生活的呼吸是完全不同的。
由于以上两种机制都要经过专门训练才能使用到歌唱的实践需要上,所以称之为歌唱的基本功。不论西洋传统唱法、抑或其他任何唱法,这种生理上的发声要求都是一致的,唯一稍有差别的只是通俗唱法对于喉咙打开的出发点更多是为了声道通畅无阻,不像西洋传统唱法打开喉咙的出发点是为了"建造共鸣腔",以求在自身建立一个扩大器。
二、通俗唱法小技巧
通俗唱法是一门和电声密切结合的学问,因而与话筒结下不解之缘,话筒有质量上的区别,而更重要的却是音响师(或称主调音师),"调音"是一门相当高深学问,不仅要充分了解各种键钮的性能,更重要的是对各种嗓音要具有高度敏锐的瓜能力。大歌星都有自己特聘的调音师,一个优秀的调音可以造就一个歌手成为"星"一个拙劣的调音师也可以毁掉一个歌星。所谓"录音棚歌手",大多只有乐感(有的甚至乐感都很差)而没有唱法基本功,从音量到音色,全靠电声塑造。随着科学的高度发展,很可能有一天会产生电脑歌手,不过这就不在本收探讨范围内了。但作为一门唱法来讨论,"唱"始终该是"主",电声应该是"客",这个概念不能颠倒(现实中的确存在这种颠倒现象)。有些拙劣的音响师(俗称开关师)根本不懂音响,更无自知之明,效果不佳时,还一味埋怨歌手唱得不好,弄得歌手啼笑皆非。音响学是一门非常高深的科学,国际上从事音响工作的人,是相当受人尊崇的;特别是这个"师"的头衔,它要求高度灵敏的听觉辨别力加上熟练的控制调音台的能力。才配得到"师"的桂冠。
作为歌手而言,使用话筒的主观方面和音响师配合的客观方面都属必须重视的技术课题。成为通俗唱法比别的唱法更占有重要地位的内容。它的具体要求是:
1、 声音必须要让听众感觉到清晰的"质感"。要做到这一点,就必须在演唱时,声音充分靠前。这种靠前还必须是"高度集中的"。"质感"是以高度"聚焦"的形式来体现的,点子越小,质量愈高。
美声唱法的发展历史
所谓“唱法”,实际上就是一种特有的演唱模式,这种模式直接影响着演唱的外在表现风格。下面一起去了解一下美声唱法的发展历史吧!
美声唱法
简介:在人类声乐艺术的发展历史上,Bel Canto是最重要的发展主线,Bel Canto应翻译为“美好的歌唱”,在我国一般译为“美声唱法”。《格罗夫音乐词典》、《牛津音乐词典》及《辞海》中都从各个角度,用各自的方法对此进行了阐释。《辞海》中说:“Bel Canto是17世纪产生于意大利的一种演唱风格。它以音乐优美、发声自如、音与音连接*滑匀净、花腔装饰乐句流利、灵活为特点”。Bel Canto自产生以来,经历了数百年发展,已具有深刻的内涵。它既是科学的发声方法,也代表着歌剧发展中的—个重要的历史时代、一种音乐风格和一种歌唱风格,同时也贯穿着规范的歌唱技能技巧的一种发声训练法,因此,也可视为“美声学派”。作为科学的声乐学派,Bel Canto自产生,经历了历史的考验,才逐渐形成了完整、系统、科学的发声方法和演唱风格。“美声”的诞生,是有各个方面的原因和前提的。
发展历史:
1).圣咏音乐是美声唱法的萌芽
美声唱法起源于欧洲,它的产生不仅与欧洲音乐的发展过程有着密切联系,而且作为人类文化意识形态的一部分,它同样也是社会、时代发展的产物。13世纪前的欧洲音乐均为单声部音乐,其中,古希腊的声乐也以单声部为主,并受到严格的诗歌韵律的支配,主要以独唱、齐唱、领唱、说唱和吟唱为歌唱形式。在这一时期产生了诸如《荷马史诗》、《伊利亚特》、《奥德赛》这样出色的作品,它们是由盲人诗作者荷马创作并以说唱的方式演唱的。可以说这就是比较初期的声乐表现形式。随着古罗马帝国不断对外扩张,欧洲进入了长期的教会统治的时期,在历史上被称之为“中世纪”,教会教义几乎垄断了一切思想意识领域,歌唱同样成为各种宗教的附属品。古罗马帝国扩张不仅带来了领土的扩大,也为音乐世界带来了许多来自亚洲、非洲、欧洲的优秀艺人及丰富的音乐文化,他们聚集到罗马并使之成为当时欧洲最大的音乐中心。当时的教会演唱圣诗和朗诵《圣经》,这就成为了最早的合唱形式。教堂中用拉丁文演唱与宗教相关的内容即为被称咏的音乐形式。公元590年,罗马教皇格里高利一世选编、修订了配合教仪的《唱经本》,即著名的《格里高利圣咏》,实际上相当于规定了教堂中演唱教义的歌调。圣咏是欧洲声乐艺术的萌芽,它要求庄严、肃穆的演唱配合教堂的氛围。虽然圣咏有宣叙性和旋律性两种歌调,但由于它只是单旋律音乐,使人乏味。随着发展,演唱者将它作了一些华丽、流畅的“再创造”,形成了新的、更好的演唱方法。
在圣咏音乐流行的时期,从11世纪起出现了一些促进音乐艺术的发展、丰富声乐艺术内容的音乐形式。由于当时手工业和商业得到了发展,城市开始出现了针对宗教音乐的世俗音乐,它要求人们用音乐反映生活和世俗的情感。此后,又相继出现了游吟歌手、恋诗歌手、民歌手等专业的歌唱者,他们虽无法完全摆脱宗教的浓厚色彩,但已可堪称为对宗教音乐的大胆突破。
2).阉人歌手促使歌唱技巧的发展
13世纪中期的欧洲音乐逐步突破单声部,开始进入复调音乐时期,声乐演唱也为多声部合唱形式,分别由女高音(soprano)和女低音(Alto)担任,圣咏旋律则由男高音(Tenor)担任,后来又加入了男低音声部(Bass)。由于圣经的古训规定“妇女在教堂中应保持缄默”,因此,演唱中的女声部均由男童声代替。这些男童是被阉的男童声歌手,在声乐发展史上被称作“阉人歌手”。他们的出现曾为欧洲声乐艺术的发展做出了巨大的贡献,并奠定了“美声唱法”的基础,也在一定程度上推动了歌剧的产生与发展,他们盛极的时代同时也带来了美声唱法的黄金时代。早在4世纪,意大利就建立了专门训练童声演唱圣咏的歌唱学校,他们遵循古训,严禁妇女在唱诗班演唱,由于童声会随着年龄的增长而发生音色的变化,而不能唱出符合圣咏需要的优美自然的歌声,所以出现了这种不人道的“阉人歌手”现象。他们的声带及喉头不会随着年龄和身体的成熟而变化,阉人歌手具有女声的声带,同时又具备男子的体魄,所以,无需用假声就能发出悦耳的女声。虽然他们的声音不如真正的女声柔美,但他们华丽、轻巧、明亮的音色,宽广的音域,能令听众激动不已。在阉人歌手兴起和盛行的时期,不仅排挤了女声,甚至在一定程度上几乎抢占了男声在歌坛上的地位。阉人歌手在欧洲盛行了*两个世纪之久,还有学校和教育机构专门训练阉人歌手。意大利著名阉人歌唱家法瑞奈里和卡法瑞里就是阉人歌手盛行时期的典范,他们的演唱技巧已经达到出神入化的地步。不容置疑,他们将欧洲的声乐水*推进到了一种较高的境界。18世纪末19世纪初,欧洲封建制度开始动摇,人们纷纷要求废除这种不入道的歌唱现象,同时妇女们也要求冲破封建束缚走上舞台,加上此时的男声也通过“关闭”的唱法提高了演唱能力,因此,阉人歌手在18世纪末开始走向衰落。
3).歌剧与美声唱法的产生
美声的发展与歌剧的诞生有密切的关系,如果说阉人歌手的出现奠定了美声唱法的基础,那么歌剧的诞生和发展又从更符合歌唱艺术发展的文化层面促使了美声的发展。歌剧诞生于文艺复兴运动的极大影响之中,当时,佩里、卡契尼、蒙特威尔第等作曲家,在歌剧创作中为了仿效希腊悲剧的朗诵调,他们使旋律与歌词内容、情绪变化,以及语言的起伏紧密结合,在歌剧中主要起着展开情节的作用。他们突破了传统和保守的束缚,创造了采用自然声音,由各角色来演唱自己段落的宣叙调演唱形式。为了使宣叙调的演唱更具有古希腊人在广场上演悲剧朗诵的那种声音效果,就不能采用声音微弱的童声和假声,而需要采用有足够气息支持,有丰厚声音共鸣,丰满宏亮而咬字清晰、真切、并富于穿力的声音。“这些就促使佛罗伦萨小组的成员除了创作之外,还必须研究解决如何演唱的问题,于是就在前人,特别是维基的三幕仅供清唱用的16世纪恋歌剧《安菲帕那索》的演唱经验基础上,发展出了美声唱法”(摘自尚家骧的《欧洲声乐发展史》)。卡契尼提出要以宏亮致远的声音演唱歌剧的要求;蒙特威尔第则进一步使歌剧音乐戏剧化,写出了歌唱性的宣叙调和具有强烈感染力的咏叹调,这些都使得歌唱家们感到提高自己的演唱能力和技艺是良好表现音乐作品的基本保障。同时,蒙特威尔第在威尼斯建造了世界上第—座歌剧院,使歌剧从最初的宫庭和贵族的厅堂走入了正规的歌剧院,也为社会各阶层的观众提供了良好的欣赏场所。这样,随着观众层次的扩大,欣赏要求不断提高,必然地促使歌唱家们开始研究训练完善他们的歌唱技术,以便自己的演唱能达到卡契尼、蒙特威尔第所提出的宏亮、致远、富于戏剧性的声音要求。于是,许多卓越的歌唱家以他们高超的演唱技巧、华丽的嗓音,穿过庞大的乐队“音墙”,清晰地把歌声送到剧场的每个落,征服了观众,使歌唱艺术达到了新的高峰,所以可以说“美声”随着歌剧而得到极大的发展,是文艺复兴时期人文主义思想在音乐艺术上的表现;它不仅是一种歌唱技术和一种演唱网络,而且还是一定美学原则和艺术思想的体现。
透过17世纪欧洲诸多乐派中最具影响力的四大歌剧乐派佛罗伦萨乐派、威尼斯乐派、罗马乐派、那波里乐派对演唱风格的要求,我们不难看出它们对“美声”的发展的重大意义。
佛罗伦萨乐派:在佛罗伦萨歌剧乐派中有—个小组,他们突破传统的演唱形式,采用自然的声音,男演男角,女演女角。在贵族的宫庭里,在文人的聚会上他们都会尽情地演唱,弗朗西斯科卡契尼就是当时最早、最优秀的女歌唱家之一。为了能使演唱再现古希腊人在广场上演出的悲壮效果,佛罗伦萨小组的成员开始了对声音及唱法的探究。传统的童声或假声已不能满足现实的需要,一种强调充分的呼吸,丰满、明亮的共鸣,清晰真切的咬字及宏亮而致远的音质的演唱要求被提出。他们不仅创作歌剧,而且还要不断地对演唱、发声的技巧进行研究。于是,随着《达芙妮》、《犹丽狄契》等抒隋音乐剧的诞生而产生了代表佛罗伦萨乐派风格的演唱要求:在自然、朴素的演唱基础上要求甜美、柔和、典雅,旋律优美抒隋给人以舒适之感。
威尼斯乐派:在17世纪的歌剧史上,蒙特威尔第创立了威尼斯歌剧乐派,为早期意大利歌剧奠定了基础。如果说佩里和卡契尼是歌剧音乐抒隋的创始人,那么蒙特威尔第则是音乐戏剧性的创始人,可以说歌剧诞生在佛罗伦萨,发展在威尼斯。蒙特威尔第创作的宣叙调加大了乐队伴奏的比例,丰富和烘托了独唱的气氛,他的第一部歌剧《奥菲欧》与佩里和卡契尼的《犹丽蒂契》来自于同—题材,而他写出了戏剧性的悲剧效果。在歌剧的创作上,蒙特威尔第首先使用了减七和弦,大胆地使用了转调和半音音阶,在乐队伴奏上,他首创了弦乐器的拨弦和揉弦的技巧。威尼斯乐派使歌剧走向社会,并使其走上了“花腔”——加花演唱的道路,他们追求华丽的演唱技巧和声音效果,他们以高超的声乐技巧出现在舞台上,引起了阵阵狂热。这种戏剧性的宣叙调和咏叹调使Bel canto的演唱获得了更大的表现力。
罗马乐派:作曲家卡瓦里埃原是佛罗伦萨人,后定居罗马,成为了罗马有名的作曲家,同时也成为了罗马乐派的代表人之一。歌剧这种体裁在罗马乐派中成了宗教的附属品。卡瓦里埃在宗教的气氛包围中,创作了寓言性的,颂扬封建道德的歌剧《灵魂与肉体》,以他为代表的罗马乐派的歌剧创作虽然在题材和形式上模仿佛罗伦萨乐派,在演唱上局限于宗教风格,但同时也具有自己的特点,在舞台布景、装置、服装上追求富丽豪华的场面。
那波里乐派:17世纪下半叶,意大利的歌剧被那波里歌剧乐派所取代,同时也为Bel canl0的演唱提供了更广阔的天地。其中包括A斯卡拉蒂。A斯卡拉蒂是一位颇有才能的作曲家和歌唱家,他创作的歌剧具突破性,使美声从此走向一个新的发展阶段,而且也逐渐形成了那波里的美声风格:重视声音的明净、优美的音质和华丽的声韵效果。同时,他还为社会培养出了许多教授美声的教师。
17、18世纪美声的演唱风格具体表现在:
1.要求演唱者深入理解歌词,力求自然质朴,追求高度的艺术表现。
2.培养声音的美学观念,提高鉴赏力,使演唱更加合乎美声的要求。
3.歌唱中特别强调气息的控制,强调Legato(连贯性)及音色的优美,要求歌唱中语气富于变化,情感表达真挚。在即兴演唱高难度的华彩乐段时,要求严格的音准和节奏,流利灵活的乐旬,松弛、明亮、丰满的声音形象。
随着美声的成熟,它在声音训练方面的各种技术也日趋规范,主要表现在以下六个方面:
1.正确的呼吸。美声强调呼吸是歌唱的基础,要求“用气息托住声音”,肯定了胸腹式呼吸法,提出用调整呼吸状态来调整歌唱状态的观点。
2.准确的起音。认为美声只有完成良好的起音,才能获得轻松柔和、明亮圆润的声音。而要完成良好的起音,一定要正确呼吸,喉头稳定、思想集中、心理上作好充分准备,声带积极闭合。著名声乐家加尔西亚具体地概括出起音的要领:舌头*放、准确地唱到音高,*稳而不能滑动。
3.声音的连贯性。美声强调保持音质的一致、声音位置安放不变,音与音的连接讲究*滑匀净,音量渐强渐弱控制自如。
4.声音的灵活性。18世纪比较崇尚花腔技巧和复杂的装饰音演唱,所以美声注重训练声音的灵活性,发展音域,打开喉咙,锻炼声音的控制能力应多练*快速音阶、快速走句、跳音,要求声音清晰明亮而准确。
5.声区与共鸣。声区是一个复杂的技术问题,很多专家对此都有自己的理论观点。但无论将声区如何划分,Bel canto都始终坚持在教学中统一声区,并认为声区是教学的关键,声区与共鸣是相辅相成的。要达到音色统一动人,富有穿透力,共鸣的位置必须相对稳定、准确。
【拓展内容】
欧洲声乐艺术的美声唱法
一、美声唱法声乐艺术产生的原因
欧洲声乐史料中表明:美声唱法正式形成的直接原因是歌剧的诞生。歌剧17世纪兴起,是文艺复兴时期音乐艺术在各个领域长期发展并取得一系列实践经验之后的必然结果。歌剧的诞生不仅是为声乐艺术增添了一新品种,还为音乐艺术增添了一种新体裁。由于歌剧演唱方法与剧情的需要,美声唱法与之诞生,从此美声唱法与歌剧紧密相连,共同携手走向了一个辉煌的新世纪。其具体原因分析如下:美声唱法得益于歌剧在意大利诞生,并且因为早在16世纪大批歌唱家在意大利的诞生奠定的得天独厚的声乐艺术教育环境和传播*台,为17世纪歌剧与美声唱法的同时诞生奠定了坚实的基础,营造了良好的外部环境。歌剧是以运用美声唱法演唱单声部独唱的歌唱家作为舞台声乐表演的先决条件。歌剧艺术把歌唱家推到了一个显赫的重要位置,是歌剧培养了歌唱家,歌唱家繁荣了歌剧的文化,并成为歌剧的主宰者,共同开启了用美声的演唱方法。歌剧的兴旺发达,歌唱家的风起云涌,歌剧院的不断兴建,为歌唱家创造了展示声音艺术的'*台,提供了显示歌唱技巧、嗓音色彩和表演才华的机会,掀起了崇拜歌唱家的狂热,推动了美声唱法的全球效应。歌剧的繁荣,人们娱乐的喜爱,歌剧演出市场形成规模和产业化,催生了相关行业的诞生。比如:研究声乐理论和教授美声唱法的学校、团体、机构等。逐步使歌唱家由业余转变为专业化和职业化,开始了声乐唱法的专门训练和教育机制,促进了职业竞争,推动了美声唱法进一步的完善。歌剧的音乐风格与过去的世俗歌曲和宗教歌曲的音乐风格截然不同,它们在演唱方法上发生了明显的差异。歌剧中的宣叙调和咏叹调有显著的戏剧性和演唱难度,对歌唱家的演唱技巧提出了更高的要求和严格的标准,需要一种新的演唱方法来代替。美声唱法和歌唱教学应运而生,并迅速成为新时期声乐艺术的唯一的演唱方法。进入18世纪这种美声唱法波及全球,世界各国声乐教育深受意大利歌剧的影响,到处掀起意大利歌剧热和意大利美声唱法热。尤其是*现代对*声乐的发展影响很大。
二、美声唱法声乐艺术的风格和特点
在欧洲的很多声乐史料记载中很少谈及美声唱法的风格和特点,则侧重在于谈论歌剧的流派、歌剧的表现形式和歌剧在发展过程中的演变,以及歌唱家们对不同风格歌剧采用什么唱法,摒弃复调音乐,主张单声部主旋律的演唱形式,认为这样易于表达歌剧的思想和情感。突出了意大利歌唱家们的高超的演唱技巧在歌剧中表达出来的美妙,强调用声音的色彩、声音的共鸣、声音的强弱变化等技巧对歌剧中故事情节的渲染和人物个性的塑造。显然,17世纪的美声唱法声乐艺术的风格与特点与歌剧创作的风格与特点是紧密联系的,尤其是歌剧中人物角色的定位(男性、女性、老人、小孩、妇人、少女等)对美声歌唱的技巧提出了新的要求,在歌唱音色的讲究提出严格的标准;再就是歌剧剧情中故事情节的起承转合也对歌唱家们的美声唱法提出音色和共鸣的要求,故事的情节要求美声唱法散发出的美妙多变的音色和共鸣渲染和烘托。美声唱法在这里显示的特点就是一个发声技巧和歌剧情节相融相通的风格问题,突出了美声唱法在这个时代对于歌剧演唱的重要性和必要性。歌剧作为戏剧性比较强的歌唱表演艺术,它包括文学、诗歌、音乐、舞蹈、戏剧等综合要素,对于歌唱方法就像是一场新的革命一样,要求有一个新的适合歌剧创作和表现的与之相适应的声音表达方式,这就为美声唱法的存在和发展找到了嫁衣。美声唱法是一种强调声音华彩优美、具有咏叹性风格、体现高难度技巧的发生唱法,突出单声主调音乐和和声相结合的风格。
三、美声唱法声乐艺术的成就
这一时期的美声唱法声乐艺术掀起了欧洲各**剧演唱方法的狂潮,不仅继承和发展了世俗歌曲和宗教歌曲的唱法中接*于科学与倾向于完美的部分,提炼和积累了过去声乐教育成果中的精华和优秀经验。在音乐理论上,创立了一系列有科学依据和理论价值的歌唱原则,形成了具有自身特色和有应用价值的较为科学、完整的歌唱方法体系;在歌唱教学上,声乐教育家们建立起了一套完整的、严格、规范、有效的歌唱训练方法,极大地提高了歌唱水*,保证了歌唱的质量,培养造就出了一批优秀的世界级歌唱家;在舞台实践上,首次展现了优美、华丽、高亢、辉煌的高难度歌唱音响,赋予声乐艺术极强的魅力,广泛第影响和支配着其它声乐体裁的演唱,至今也占据着歌坛绝对的主导地位,尤其是艺术院校学校教育的主导地位。几百年来的世界声乐发展史充分证明了美声唱法对于世界声乐教育的巨大影响,自美声唱法兴起的那一天开始,就紧紧地和声乐教育紧密结合在一起,推动着美声唱法声乐艺术向前发展,改变着一个国家、一个民族和一个世界的生活方式。
美声唱法与通俗唱法的差异
1.在呼吸上
歌唱呼吸包括胸式呼吸、腹式呼吸及胸腹式联合呼吸三种歌唱呼吸法,这是一种运用胸腔、横隔膜和腹部肌肉共同控制气息的呼吸法。在通俗歌唱中,三种呼吸形式均可适当使用,以自然为好,根据不同的声线与歌唱风格来自由选择,让气息尽可能支撑声带振动体,延长疲劳期,完成较大的演唱量。美声唱法由于共鸣的需要,对气息能源消耗相对比通俗要大,要求有饱满的气息支持和灵活自如的呼吸控制能力,主张胸腹混合式的横隔膜呼吸法。美声歌唱的格言是“谁懂得呼吸和吐字,谁就懂得歌唱”。通俗唱法在呼吸上也要求气息的支撑,譬如通俗唱法中的气声,有气息支持的气声就比无气息支持的气声质量高,但程度不同于美声,过多刻意调动你的所谓呼吸肌,过多用力加劲,会失掉通俗的世态特征。
2.在共鸣上
美声唱法在歌唱发声时运用“混合共鸣”的方法,即掌握好共鸣腔的混合运用,使各共鸣腔保持一定程度的*衡,才能获得良好效果。它强调整体歌唱感,整个声区充分发挥共鸣作用,要求声区统一,转换音区不能有痕迹,因此音量大,穿透力强,不必借助麦克风来扩大音响。通俗唱法由于借助话筒扩音,不需要强大的共鸣(少数劲歌除外),轻唱为主,更注重自然或半自然的声音特色,下部共鸣较多,多用口腔共鸣,尽力保持自然状态,就像朗诵、说话一样。根据作品风格、音乐体裁,喉咽腔的开合状态也有不同。软腭的状态与喉咽的开合有着紧密的关系,只有在喉咽腔打开的情况下,才能要求软腭的状态。
3.在喉位上
美声唱法要求喉头下降,保持在吸气时的低部位,喉咙打开,特别要把喉咙底部打开,发音管拉长,稳定喉器。美声唱法认为呼吸是歌唱的动力,开喉是发声的关键。而通俗唱法男女声都以真声为主,喉位普遍偏高,喉咙打开不大,一切服从风格的需要。
4.在声音走向上
美声唱法声音成管状,竖向运行,即声音从喉室发响后经过喉腔、口咽腔,往上通过鼻咽腔到上部共鸣腔体(鼻窦、额窦、蝶窦)后再送出来。美声唱法主张声音从后面上去到头顶,再从前面出来,犹如抛物线,像投掷铅球一样,声音可穿透得更远,取得良好的高位置,反对声音直接从口腔唱出。而通俗唱法发音管短小,声音靠前,亲切自然。
5.在音域上
美声唱法由于上下声区贯通,音域展衍最快,一般能达到两个八度,甚至三个八度。通俗唱法作品音域大多在十至十二度之间。部分民歌改编曲音域稍宽,某些劲歌或戏剧性作品音域宽广,嗓音条件一般或未经训练的较难胜任。
6.在咬字部位上
美声唱法用它的基本原则之一是在“掩盖”的位置上“亮”出来,要求声音圆润柔和,音色偏“暗”,咬字部位稍靠后,母音讲究“圆”,嘴巴呈圆形,因而产生了一种明亮、丰满、松驰、圆润而又具有一种金属色彩的、富于共鸣的音质。通俗唱法吐字方法与嘴型和民族唱法相似,是永远在“开放”的状态之下充分地唱出来,不包在嘴里就行,也不一定要求声音亮,有时更靠前些,齿音、唇音较重,强调吐字,因而语言清晰,感情亲切。从生理上说这是由于喉头位置要求不同形成的;从感觉上说,唱美声是垂直(竖)和水*(横)意识的综合,唱流行歌则始终在水*意识中进行,口型永远是“横”的。
美声唱法与民族唱法的差异
一、语言规律的差别
美声唱法发声方法
美声唱法实际上是从西欧专业古典声乐的传统唱法发展起来的,从文艺复兴以后逐步形成美声唱法。美声唱法是混合声区唱法。歌唱者不断提高自己的修养和高尚的艺术是其成功路上不可缺少的条件。以下是小编带来的相关内容,希望对你有帮助。
美声唱法发声方法
(一)发声前的基本训练。
1、打开喉咙。打开喉咙就是在正确的气息支撑下,将口腔硬腭和软腭适度地张开,让声音毫无阻碍的从腰腹部发出并穿过头顶出来,不能挤压声带使其变得尖而细窄。在这里一定要注意的是口腔的打开必须是要有所节制的,若打开的太过,会造成口腔肌肉僵硬。相反若打开的不够,声音则不具备美感。
2、发声管道通畅。练*发声时,气息从丹田发出,由喉咙直通头顶。音域越高,气息越往下沉,这时的声音与气息形成了一种对抗,而正是这种对抗,直托着声音向上走。若呼吸过浅,喉部紧塞,发出的声音就会给人一种不通畅感。好的歌唱声音需要高中低声区转换自如,而且音色统一,这就使得在练声过程中格外注意换声区的训练了。
3、嘴型及声形的竖立。美声的发声要求嘴巴竖着张开,“竖”的声音由于充分得到了咽腔、口腔、鼻腔和头腔等腔体的共鸣,特别是头腔的共鸣,使声音音色变得丰富并且极富穿透力。这种“竖”是相对“横”而言的,并不是像有些声乐初学者一味地把嘴巴竖着张得很大,发出的声音显得极不自然,“竖”着张嘴是为了让我们歌唱的时候音色圆润且富有美感,与*时说话的声音或其他唱腔的发声方法区别开来。
(二)呼吸训练。
呼吸是歌唱的源动力,这是声乐学*中一个毫无疑义的事实。在发声练*过程中,首先在身体上就要有一定的规范:身体要自然放松地直立,双手自然下垂。两脚自然分开或一脚在前一脚在后。下巴微收,面部表情自然。在站姿正确后再进入下一步的训练。
1.吸气训练。歌唱时的气息用一个很恰当的比喻来形容,那就是闻“花香”。想象自己走入一片森林,自己会忍不住地深呼吸一口新鲜的空气。这里的深呼吸自然与*时的呼吸不能等同。这里就需要一种有目的的呼吸,要气沉丹田。
2.呼气练*。常见的训练呼气的方式是“狗喘气”。这种练*方式很简单,在身体站稳的前提下,上胸保持放松和自然挺立的状态下,让腹部肌肉有节奏的弹起,使口腔与鼻咽腔等呼吸器官做连续有节奏的快速吸气呼气便可。这种状态类似乎狗在很累的时候的急促呼吸,因此被比喻为“狗喘气”。
美声唱法发声口诀
1、歌唱姿势要领口诀
头正、颈直、看前方,“脊梁插着擀面杖”。
自然挺胸双肩垂,张嘴下巴“懒洋洋”。
双腿站立前后分,重心放在前脚上。
手势自然形体美,“松而不懈”“紧不僵”。
收腹提臀两胯开,积极、松弛全身唱。
2、歌唱呼吸要领
鼓腹吸气沉“丹田”,贴着咽壁“吸着唱”。
胸口松开向下“叹”,气沉胸底腰扩张。
“又吸又呼”声流动,气向下“铺”音向上。
腰一缓劲儿就换气,被动换气不用想。
“关闭”高音气倒灌,腔体松开“一米长”。
“气行于背”“吹瓶口”,“吹”响头腔点明亮。
后背控制上、下“吸”,全身舒展气流畅。
呼吸稳定最省力,轻松愉快把歌唱。
3、歌唱发音要领口诀
胸口发音不能憋,“声音落底”气通畅。
“声门适度”“三不准”①,腔体上下要“虚张”。
张嘴“内视”往下“看”,喉结下沉底宽敞。
“忘掉喉头”没感觉,“听着、看着”咽腔响。
胸口往下找气柱,音色纯净又明亮。
“高音气大嗓眼儿小”,声带不躲要敢唱。
气混声儿来声混气,贴边儿向后进咽腔。
4、歌唱共鸣要领口诀
共鸣位置在咽壁,共鸣音响灌咽腔。
共鸣反射找“焦点”,前“哈”后“哼”气通畅②。
音域升高变母音,腔体“打开”要舒张。
“关闭”拢住共鸣点,声音胀满鼻咽腔。
抬起软腭“打哈欠”,“打开喉咙”气通畅。
5、歌唱语言要领口诀
“贴着咽壁吸着念”,咬字吐词在咽腔。
“挂住字头”往后送,胸口换字不能忘。
被动念字最轻松,语音清晰声音棒。
“挂住前面往后兜”,高音“说”、唱在头腔。
言语生动情感深,音色、力度巧变样。
传情达意需准确,语气“喷口”要恰当。
“字正腔圆”真功夫,表现内容有分量。
“声情并茂”才感人,歌唱艺术魅力强。
1.声带上“不准挂音,不准用劲儿,不准通气儿”是感觉上的三不准。
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