古诗中的音律基本知识

水泥基本知识

水泥基本知识

　　水泥按其主要成分可分为硅酸盐类水泥、铝酸盐类水泥、硫铝酸盐类水泥和磷酸盐类水泥等。下面由小编为大家整理的水泥基本知识，欢迎大家参考借鉴。

　　一、水泥基本知识介绍

　　1、什么是水泥?

　　水泥制成方法：水泥以石灰石和粘土为主要原料，经破碎、配料、磨细制成生料，然后喂入水泥窑中煅烧成熟料，再将熟料加适量石膏(有时还掺加混合材料或外加剂)磨细而成。

　　水泥基本特性：水泥是粉状水硬性无机胶凝材料。加水搅拌后成浆体，能在空气中硬化或者在水中更好的硬化，并能把砂、石等材料牢固地胶结在一起。

　　2、家装常用的水泥种类：普通硅酸盐水泥

　　水泥按其主要成分可分为硅酸盐类水泥、铝酸盐类水泥、硫铝酸盐类水泥和磷酸盐类水泥等。其中最常见的水泥为硅酸盐水泥。

　　硅酸盐水泥：国家标准规定凡以硅酸钙为主的硅酸盐水泥熟料，用5%以下的石灰石或粒化高炉矿渣，适量石膏磨细制成的水硬性胶凝材料，统称为硅酸盐水泥。硅酸盐水泥自身又有较多分类，家居装修选用的一般为普通硅酸盐水泥。此外也可能需选用一些装饰用的白色硅酸盐水泥。

　　3、适合家装的水泥标号：325号

　　目前我国生产的水泥一般有225#、325#、425#、525#等几种标号。生产不同标号的水泥，是为了适应制做不同标号的混凝土的需要。而用于家居装修的水泥，一般都选用325的，因为装修的水泥不需要承受太大的力，不要求高标号的水泥，再者，往墙上钉钉子，325水泥相对高标号的水泥软，更容易顶进去。

　　4、水泥的价格计算

　　水泥的计算方式是以吨为单位，因为其容重趋于稳定，相当于一个常量，故以吨为单位计算。不同品牌的水泥，一吨的价格都有差别，一般在300-500元之间。此外水泥采购还需计算上运输费用。

　　5、家装水泥用量计算

　　家装中水泥而用到的地方不同，水泥沙子的配比也不同。如贴墙砖配比最好为1:2，铺地砖配比则为1:3为好;此外瓦工师傅铺贴时手法不一，水泥沙浆用量也有差别。因此，很难准确计算出需要的水泥用量。不过大概的计算方式是：面积x铺贴厚度x水泥沙浆中的水泥比。装修时，水泥可以先少买点，不够再买。

　　二、水泥选购技巧

　　水泥是隐蔽工程中用量比较大的产品，目前在市场中以次充好的现象也比较多，如果买到假水泥，质量不靠谱不说，出了问题翻修也很困难。下面就介绍几个检查步骤，教你在选购时做好水泥质量检查。

　　1、了解假水泥危害

　　水泥市场比较混乱，一不小心就可能碰到假的水泥。假水泥一般由小作坊生产，套上名牌水泥包装袋后进入建材市场销售。假水泥的危害较大，不但往往含有超标放射性物质，威胁人体健康，更可怕的是，因为凝固性很差，容易造成粉酥、墙面脱落等问题，而返修非常麻烦。

　　2、火眼金睛选真水泥

　　检查水泥生产日期

　　真水泥袋子在侧面或者背面会有批号标明生产日期，因为水泥放久了容易受潮或结块，一般从出厂到购买时间不会超过一星期，执行标准应是GB175-2007。假的因为是小作坊生产出来的，一般不会有批号或者是使用的是过期的包装。

　　查看水泥包装外观

　　国家标准规定：水泥包装标识中水泥品种、标号、工厂名称和出厂编号不全属于不合格品。还可看包装的装订线，看品牌标签，纸袋上方有“绿色产品”4个字，封口的封边是圆形闭合的，如果是2个单片纸边，表示此包装被打开过。真水泥袋子后面的品牌标签颜色比较柔合，定点二字是用小篆体书写的，这一点与假水泥区别较大。

　　称水泥重量

　　水泥可以袋装或散装。但是袋装水泥每袋净重50kg，且不得小于标志重量的98%。可以随机抽取20袋，只要水泥总重量不得小于1000kg就是合格的重量。有关袋装重量要求，必须符合这些原则规定。

　　辨水泥色泽

　　观察色泽是否深灰色或深绿色，色泽发黄、发白(发黄说明熟料是生烧料、发白说明矿渣掺量过多)的水泥强度比较低。一般来讲，水泥的正常颜色应呈灰白色，颜色过深或有变化有可能是其它杂质过多。

　　捏水泥手感

　　假水泥在手感上也比不上真水泥好，用手指捻假水泥粉，感到有粗砂粉较多，且有不少粗硬粒子，而且有受潮和结块现象。若是感到有少许细、砂、粉的感觉，表明水泥细度正常。

　　三、水泥运输存放

　　根据各种方法、途径终于选购到了百分之一百的真水泥，很多业主就松了一口气。其实，真水泥并不能确保用于装修中不出问题，要保证万无一失，从水泥的运输、存放到使用，都有需要注意的事项。

　　1、水泥运输注意事项

　　家装的水泥用量一般都以吨计，运输是一个大问题，不仅需要运输费用，而且运输过程中如果不注意防潮与防水等保护，很容易导致到货的水泥出现硬块等问题。

　　2、水泥进场注意事项

　　水泥进场后，送货人应向家装项目经理提供每批水泥的清单，说明厂商名称、水泥种类及数量，以及厂商的试验说明，证实该批水泥已经试验分析，在各方面符合标准规范要求。此外应对进场的每批水泥按试验规程取样检验，并将结果上报监理工程师批准，不合格水泥不得使用。

　　3、水泥存放注意事项

　　应在适当地点建立完全干燥、通风良好、防风雨、防潮湿的足够容量的库房放置水泥，水泥堆垛应至少离开四周墙壁200mm，各垛之间应留置宽度不小于700mm的通道;散装水泥宜在专用的仓罐中贮放，贮放时，存放的地面和外墙内侧应进行防潮处理。

　　4、水泥使用注意事项

　　水泥运到工地后应尽快使用，水泥由于受潮或其他原因，监理认为变质或不能使用时，应从工地运走。水泥不宜久存，超过三个月的水泥须重新试验，确定其质量。

　　5、受潮结硬水泥的处理

　　受潮结硬的水泥会降低甚至丧失原有强度，所以规范规定，出厂超过3个月的水泥应复查试验，按试验结果使用。对已受潮成团或结硬的水泥，须过筛后使用，筛出的团块搓细或碾细后一般用于次要工程的砌筑砂浆或抹灰砂浆。对一触或一捏即粉的水泥团块，可适当降低强度等级使用。

　　拓展：水泥厂学*知识总结

　　一．理论部分

　　1、水泥行业最常见的硅酸盐水泥：凡由硅酸盐水泥熟料，0~5%石灰石或粒化高炉矿渣、适量石膏磨细制成的水硬性胶凝材料，称为硅酸盐水泥。

　　2、混合材料分为活性混合材料和非活性混合材料两种。

　　①活性混合材料：具有火山灰性或潜在的水硬性，以及兼有火山灰性或潜在水硬性的矿物质材料，称为活性混合材料。

　　②非活性混合材料：在水泥中主要起填充作用，而又不损害水泥性能的矿物质材料，称为非活性混合材料。简单点就是加在其中只是无力的混合，没有化学反应。

　　3、添加混合材的作用：

　　磨制水泥时加入混合材不仅可以调节水泥的标号与品种，增加水泥产量，降低成本。而且加入混合材在一定程度上能够改善水泥的某些性能，满足工程上对水泥的`某些特殊技术要求。此外，还可综合利用某些工业废渣，具有节能意义。比如我们厂就要加磷渣就是增加水泥产量，降低成本技能环保。

　　4、水泥粉磨的意义：

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钢琴的基本知识

钢琴的基本知识

　　引导语：下面小编给大家带来钢琴的基本知识，希望能够帮助到您，谢谢您的阅读，祝您阅读愉快。

　　一、钢琴属于的乐器种类

　　和管风、手风琴、电子琴、脚踏手风琴乐器一样，钢琴被称为"键盘乐器"。他有键盘装置及固定的音高。但从钢琴结构以及弹奏方法上来说，钢琴应该属于：

　　1、弦乐类乐器的一种:由于它是以琴弦特有的方式来发音，以称为"击弦机"的机械装置为媒介， "弦槌"( 以轴来转动)击弦并发出声音。钢琴要想弹出连贯和圆润的效果，就要一口气弹下来，这其 间不能有任何的停顿。

　　2、打击类乐器的一种: 我们弹奏钢琴时用手指的力度触键发出洪亮的声音，在弹奏八度、和弦时,力量的运用与发挥是关键。著名音乐家贝多芬曾从钢琴上获得了犹如管弦乐队般的效果,让人称绝。

　　二、钢琴的种类

　　现代的钢琴是由古钢琴经过了五、六百年的不断沿革而发展演变而来的。 现代钢琴种类有三角钢琴和立式钢琴两种。其中三角钢琴又称做卧式钢琴，造型美观气派,规格从四尺到15尺都有。音量大、音质纯厚丰满。钢琴采用十二*均律,音律准确又便于转调,还可以为其它乐器定音用。钢琴音域宽广,音色优美, 是目前大众化乐器中音域最宽的乐器。通常作为独奏乐器来演奏,或是与其它乐器进行合奏。

　　三、钢琴的发展历史

　　(1)古钢琴时代

　　据史料记载，最早的古钢琴叫克拉维卡，在12世纪到14世纪之间创制。古钢琴有拨弦古钢琴和击弦古钢琴之分，其中拨弦古钢琴也称为羽管键琴。这两种古钢琴尽管发音较弱,力度不能 变化表现力弱,却风靡一时，到了18世纪逐渐被槌击式钢琴所取代。但早在巴洛克时期,古钢 琴地位极其重要，那时的乐队与室内乐中，演奏拨弦古钢琴的人，常处于领奏的地位。在歌 剧演奏中，也需要它伴奏宣叙调，此风一直延续到莫扎特时期。

　　(2)现代钢琴时代

　　*三百年来，现代钢琴不断发展、不断提高而日趋完善。意大利钢琴制造家克利斯托弗 利早在1709年改进了羽管键琴，将小槌的木芯改用皮革来包，发明了键盘机械槌击式钢琴，奠定了现代钢琴键盘机械的基础。这样一来，古钢琴的音量可以调节了。弹奏钢琴时，可以 通过随便改变琴键的敲击力而调节音量变化，这种音量的变化按照对琴键敲击的力度而被分成不同的等级。因为有了强弱音，这种琴被人们称为有强弱音的羽管键琴。此后，经过很多钢琴家的不断探索，法国的埃拉尔于1812年再次对击弦机械的结构进行改进，使它成为复震奏机械，钢琴的弹奏性能得到进一步的提高，通过迅速、重复地敲击琴弦，复杂的乐曲也动 听极了。1825年，人们试着用铸铁制成的弦架,增强了弦架对琴弦拉紧以后所产生巨大张力的承载能力，使紧张的琴弦不会因为弦架变形而发生松弛。这个改进对钢琴的音准稳定和使用寿命的提高都起到很大的作用。经过不断地改进和发展，钢琴出现了交叉排列式的琴弦布列，取代了以前琴弦只是*行排列在一个*面上的*列式布排，低音琴弦太长而使弦码和琴弦不 好安置等问题得到解决，为使用音板共振面积及缩小钢琴体积另辟捷径。通过人们不懈地努力，用毛毡加木芯制成的敲击琴弦发音的小槌取代了皮革裹制的小槌。这种毛毡小槌经过改进，给钢琴的弹奏效果增加了新的表现力。

　　四、钢琴键盘

　　键盘好比学*用的笔，对初学者来说，很重要。 目前我们正广泛使用的是有着黑键、白键共88个键的钢琴，其中黑键36个，白键52个。黑键和白键二者的分布和排列呈现的规律性。即：黑键是两个一组和三个一组。该88个键共7又1/4组(每组12个半音),从最低音的27 .5赫兹到最高音的4185.5赫兹,几乎包含了现代音乐最常用的全部乐音(少数钢琴只有85个键 )。下面展示的是钢琴的88个键与其中的52个白键和5个黑键对应的简谱音符：

　　从上图可知，整个键盘基本上就是由位于"中央1(C)"的白键上面的"1 2 3 4 5 6 7"这 七个*数字音构成的。这七个*数字叫做音符。如果我们试着依次弹奏、演唱一下中 央的"1 2 3 4 5 6 7"七个音(姑且先不用顾及手指的运用)如下：

　　1 唱do 2 唱re 3 唱mi 4 唱fa 5 唱so 6 唱la 7 唱xi 弹完"7"音符(xi)后,如果从上面加点的"1"音开始依次弹奏，感到这个上加点的"1"音与中央"1"音的发音一致，只是音调高了些，这就被称为"高八度"音。同样，弹奏中央"1"下面加一点的"7"音，感觉音调低了些，这被称为"低八度"音。而位于键盘"中央1(C)"的七个音的白键和黑键部分。黑键重复出现"b"和"#"这两个符号。"b"是降半音号，"#"是升半音号。它们都是定义其右下方的音符。如"b2"表示"降2"即"2"音降半音;"#1"表示"升1"即"1"音升半音。黑键可以用两个音符标示：

　　如："1"和"2"之间的黑键可以用"b2"与"#1"这两个个音表示，即："b2"="#1"。要很快记住这88个键盘和与之相对应的音符就要 记住标有"中央1(C)"的"1 2 3 4 5 6 7"这七个白键。

　　要记住两点：

　　(1)中央"1"位于钢琴键盘盖子上的钥匙孔附*;两个一组的黑键左面的那个白键就是这个中央"1"。无论如何这个中央"1"是一定要牢记的。另外六个音顺序向右方排列而成。

　　(2)白键低音"7"和1，3和4之间没有黑键，余下的1和 2;2和3;4和5; 5和6;6和7之间都有黑键。

　　五、钢琴踏板

　　钢琴最重要的部分除了键盘外，还有踏板，因为是用脚来操纵的故又称脚踏板。被成为 "钢琴的灵魂"。踏板是利用杠杆系统来修饰音响，增加和减弱音的大小，让音乐变得更加 丰富多彩。钢琴的右踏板用的最多，如果想增强钢琴的音量就用右脚踩右踏板，使压在琴弦上的止音器同时抬起来，引起全部琴弦的共鸣而增音。此外，踩下右踏板后，当手指离键时，声音也可以延续。如果想减弱钢琴的音量则用左脚踩左踏版，使击弦的小槌靠*琴弦，缩短小槌的行程，从而减少小槌的敲击力。而中央踏板只有立式钢琴才配有，这是为了方便在晚 上练琴的人。把中央踏板踩下后向左边的缝隙移动即可让它长时间保持减弱音量的目的而不 影响其他人休息。中央踏板联动一个装有呢毡的木条，踩下踏板时木条下落挡住击弦的小槌不能直接击弦，而是击打在呢毡上，从而使音量大为减弱。钢琴踏板的运用千变万化，每一首曲子的风格和要求不同，踏板的运用也不同。

　　六、钢琴调音

　　(1)钢琴的调音

　　钢琴应该有一个基本的调。钢琴上的琴弦长时间处于蹦紧状态，小槌不断的击打琴弦，加上外界震动、钢琴机械构造本身的原因，以及气候、温度的变化影响都必然导致琴弦松懈，就会偏离标准的音律。这就需要调律。钢琴调律是一个非常专业的工作，一般专业的调律师才可很好地解决。调律的时间以半年左右调一次钢琴为适。

　　(2)钢琴调律常识

　　A：音色

　　音色指的是音的色彩。音色是由各音里所含的谐音数和它们的强度决定的。影响音的色彩如：气候的变化、弦锤的强度、音板材质等。

　　B：音准

　　音准指的是音的标准。按国际标准，钢琴的小字一组a的振动频率是440赫兹，全音域 88个弦组各有其固定频率。影响音准的因素很多起决定作用的是琴弦能否具有足够的张力。

　　C：音准的稳定性

　　音准稳定性指的是钢琴音准是否能在较长时间内保持稳定不变。影响钢琴音准稳定性的主要因素就是钢琴弦轴与轴孔的配合，钢琴是否按期调音。一般家庭用琴的调律周期在半年左右(一季度调律一次更佳)，长时间不调音会影响音准的`稳定性、缩短钢琴的寿命。

　　钢琴乐理基本知识

　　一、基本音级

　　在乐音体系中，具有独立名称的7个音级叫做基本音级。这7个音级表就是现在钢琴上白色琴键所发出的声音。

　　基本音级的名称有音名和唱明两种标记方法，每个音级的音名是用字母来标记的。唱名则利用读音来表示。(关于音名和唱名的关系，我们将在后面的调式与调性的部分具体讲解。)以C大调为例：C大调基本音级的音名从低到高分别标记为：C、D、E、F、G、A、B与其对应的唱名则是do、re、mi、fa、sol、la、si 七个读音。

　　在乐音体系中7个基本音级的标记(音名和唱名)是循环使用的。即C、D、E、F、G、A、B之后又回到c、d、e、f、g、a、b或do、re、mi、fa、so l、la、si之后还是do、re、mi、fa、sol、la、si……如此循环往复。

　　但是，每一个循环中的音级是音高不同的，也就是说，虽然音名(或唱名)相同但音高是不一样的。在标记音名时时采用大写、小写，或者是在大写字母后加入下标、小写字母后加入上标的方法加以区别。如：C、a、a1(后面的数字“1”应为上标形式)、B3(数字“3”应为下标形式)。其中两个相邻的、具有同样名称的音的关系叫做“八度”。

　　二、变化音级

　　在七个基本音级中，除了E和F(C调唱名为mi和fa)、B和C(C调唱名为si和do)之外，其他的两个相邻的音级之间还可以得到一个音，也是人耳可以明显分辨出来的。

　　我们举一个例子——在C音和D音之间还可以得到一个音高既不同于C又不同于D的音，也就是说这 个音要比C音高但是又比D音低。我们可以认为这个音是升高C音或者说是降低D音得来的。这种升高或降低基本音而得来的音，叫做变化音级。变化音级表现在钢琴上就是黑色琴键所发出的声音。变化音级的标记方法是在基本音级的前面加入#(升号)或b(降号)。如C音和D音之间的音，我们可以说它是升高C音而得来的，这样就把它标记为#C(读做“升C”)，同时，我们也可以认为它是降低了D音而得来的，因此也可以把它标记为bD(读作“降D”)。

　　由此可见，#C和bD实际上是一个相同的音，只不过标记方法不同罢了。这种标记方法不同、实际音高相同的音叫做“等音”。

　　三、音的分组

　　前面我们讲过，在乐音体系中七个基本音的名称是循环重复使用的。因此就会产生许多音名相同而音高不同的音，为了加以区别，我们将音列分为许多个“组”。

　　最中央的一组叫做“小字1组”，用小写字母并在右上方加数字1来表示，如c1、d1、e1、f1……(字母后的数字应为上标形式，下同)比小字1组高的音组依次命名为“小字2组”、“小字3组”、“小字4 组”、“小字5组”，其中，小字2组的标记方法是——用小写字母并在右上方加数字2。其他各组的标记方法依此类推。

　　比小字1组低的音组依次命名为“小字组”、“大字组”、“大字1组”、“大字2组”

　　小字组的音用不加数字上标的小写字母来标记，如c、d、e、f、g、a 、b;

　　大字组的音用不加数字下标的大写字母来标记，如C、D、E、F、G、A 、B;

　　“大字1组”和“大字2组”的音用大写字母并在右下方加数字下标来表示：如F1、G1、B2、A2……

　　同名变化音级的标记方法只要在基本音级的前边加上#(升号)或b(降号)即可，如#A1、#e、#f2、bA、bg3……

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七绝古诗的基本知识69句

九首七绝古诗欣赏

　　1、七绝·李清照

　　清聪婉丽是奇葩，千古词风第一家。

　　独领风骚诗苑去，文山处处映明霞。

　　2、七绝·蔡文姬

　　萧萧边草向戎羌，颠沛流离嫁异乡。

　　朔漠长风干血泪，胡笳低泣自凄凉。

　　3、七绝·王绾

　　辅助秦王治国邦，一生*淡少风光。

　　朝堂理政寻常过，勤勉为官自久长。

　　4、七绝·李斯

　　策灭*逐客令，不甘寂寞赴秦宫。

　　革新朝政舒身手，妒灭韩非造孽中。

　　5、七绝·冯去疾

　　谏停戍役向秦王，抚恤人间百姓伤。

　　*为民身受罪，临刑不辱美名扬。

　　6、七绝·赵高

　　沙丘*扶胡亥，铲除忠良万古伤。

　　指鹿秦宫能为马，*生作恶乱朝纲。

　　7、七绝·萧何

　　远虑深谋建巨功，安民献策镇关中。

　　鞠躬尽瘁为隆汉，月下追回旷世雄。

　　8、七绝·曹参

　　楚汉相争挥剑去，冲锋陷阵建奇功。

　　忠君报国贤丞相，清静无为政事通。

　　9、七绝·孙武

　　拜将吴都破楚城，普天无可与争锋。

　　南征北战关山去，兵法十三万世行。

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太极拳的基本知识

太极拳的基本知识

　　太极是一种将五行、易学这样的哲学思想与武术相结合的充满中华文化魅力的运动方式,它既能防身又能养身。以下是小编为大家整理的太极拳的基本知识相关内容，仅供参考，希望能够帮助大家。

　　太极拳的基本知识

　　太极拳，是一种武术项目，也是体育运动和健身项目，在*有着悠久的历史。起源于古代骑兵的枪法、长柄大刀法。其基本用法是：开、合、发。踩着高跷来使用长枪、长柄大刀。太极始于无极，分两仪。由两仪分三才，由三才显四象，演变八卦。依据“易经”阴阳之理、中医经络学、道家导引、吐纳综合地创造一套有阴阳性质、符合人体结构、大自然运转规律的一种拳术，古人称为“太极”。另有电影以此为名。

　　发展简史

　　太极拳太极拳起源众说纷纭：民间大致有唐朝许宣*、南宋或元末明初时期的张三丰、清朝陈王廷和杨露禅、王宗岳等说法。戚继光的32势长拳理论、王宗岳的“太极拳论”、张三丰道家理论等都在太极拳中有体现。太武当太极拳极拳的定名、成型、传播靠的是杨露禅。可见太极拳并非一人、一时、一地所创，而是前人不断总结、整理、创新、发展而来的。纵观*、现代太极拳的发展就可见一斑，事物只有不断发展才具有生命力。也有人称太极拳发源于武当张三丰原式太极拳，赵堡太极拳为武当太极拳的一支。目前可以明确的是，太极拳由河南温县陈家沟陈氏第十四世陈长兴传给河北永年人杨露禅，而后社会依次出现杨式、武式、吴式、孙式等太极拳流派。目前流传的陈式太极拳为人所知则是20世纪20年代的事情了，而这个陈式太极拳和陈长兴传给杨露禅的是否一致，以及陈长兴后陈家沟武术传承则是一件悬案了。

　　太极拳数百年来代代有传人，绵延不绝，名手辈出，尤其杨氏，在藏龙卧虎的北京，更是赢得“杨无敌”的美誉，而为天下所知，为太极拳的发展、传播、造福人类，居功至伟。而在太极拳传承历史上占有重要地位的陈家沟，位于河南省温县县东清风岭上，六百年前为常阳村。明洪武五年(公元1372年)，山西泽州(今晋城)人陈卜率全家由*县迁居温县城北，立村陈卜庄 ，越二年，因嫌地势低洼，复迁常阳。后因陈氏人丁繁衍，家传武术在附*又大有声望，加之村中有一条南北走向的大沟，久而久之，便易常阳旧名为陈家沟。陈氏总结了许多拳术套路。计有五套拳、五套锤、十五红、十五炮、红炮锤、一百单八式长拳以及别开生面的演练方法双人推手等。又据此理，创编了刀、枪、剑、棍、锏、双人粘枪等武术器械套路。这些拳械套路均据太极之理，由无极至太极，由无相而生有相，由静而生动，每个招式都分阴阳(即虚、实、柔、刚、静、动等)，形成了太极拳械的雏形。 陈氏十四世的陈长兴，在祖传拳术的基础上再树里程碑。他将陈王廷编的一至五路太极拳由博归约，精炼归纳，创造性地形成完整套路，成为陈氏太极拳一路二路，后人称之为“老架”，他还大胆地打破门规限制，拳传外姓，收河北广*府(今永年县)杨露禅为徒。杨露禅艺成回乡后，后到达北京，经历了一段“闯天下、打天下”的传奇经历，并担当骑营总教*。杨氏祖孙三代在北京与人交手无数，授徒广众，流传甚广。其拳架在不断的实践中日臻完善，最后由杨澄甫定型，成为目前流行最广的杨式太极拳。

　　和兆元(1810 –1890年)温县赵堡镇人，赵堡太极名师陈清*的入室弟子。1836年进京供职武当太极，曾统领皇宫大内侍卫(据传)。因屡有功绩被皇室例封为“武信郎”。在京期间，他广交武林同道，切磋交流，集思广益，反复实践，所以和兆元提出：“由外带内，周身顺遂浑圆，由内达外，阴阳变易莫测”的理论。制定出一套集拳架、推手、散手为一体，三者互为检验印证，寓技击、修身、养身于一道，既保持赵堡镇原传太极拳传统又独具特色的新型太极拳理拳法，即和式太极拳，因地域因素也被称为“赵堡太极拳”。

　　和兆元晚年归里，处世低调，除传子和润芝、和敬芝、孙和庆喜、苗彦升外，只在赵堡镇附*传播。

　　和庆喜，字福棠(1857—1936)，和润芝长子，是和式太极拳第三代宗师。他自幼随父*拳，又深得祖父真传。庆喜公为人和善，德高望重，1928年起开山收徒，视学者年龄、体质、文化不同施以不同教法，教学有方。一时间赵堡镇及周围各地*拳之风盛行，从学者如流，在短短数年内，教出了一大批如和学信(侄)、和学敏(子)、和学惠(侄)、郑伯英、郑悟清、刘世英、郝玉朝、陈桂林、柴玉柱、郭云等各怀绝技之门徒，这些传人成为日后传播和式太极拳的中坚力量。

　　武当太极拳来源

　　太极八卦太极拳的来源有下列3个方面：

　　①综合吸收了明代名家拳法。明代武术极为盛行，出现了很多名家、专著和新拳种，太极拳就是吸取了当时各家拳法之长，特别是戚继光的三十二势长拳而编成的。

　　②结合了道家导引、吐纳之术。太极拳讲究意念引导气沉丹田，讲究心静体松重在内壮，所以被称为“内家拳”之一。 ③运用了道家的阴阳学说和中医经络学说。以意行气，通任督二脉，练带脉、冲脉。各式传统太极拳也皆以阴阳五行学说来概括和解释拳法中各种矛盾变化。

　　太极八卦发展

　　太极拳中华人民共和国成立后，在杨式太极拳的基础上创编了简化24式和88式太极拳，对太极拳的传播和普及起到了重要作用。如今，打太极拳的人遍及全国。当前，仅北京市公园、街头和体育场就设有太极拳辅导站数百处，吸引了大批爱好者。卫生、教育、体育各部门都把太极拳列为重要项目来开展，出版了上百万册的太极拳书籍、挂图。太极拳在国外，也受到普遍欢迎。欧美、东南亚、日本等国家和地区，都有太极拳活动。据不完全统计，仅美国就已有30多种太极拳书籍出版，许多国家成立了太极拳协会等团体，积极与*进行交流活动。太极拳作为*特有的民族体育项目，已经引起很多国际朋友的兴趣和爱好。

　　太极拳是中华民族辩证的理论思维与武术、艺术、引导术的完美结合，是高层次的人体文化。其拳理来源于《易经》、《黄帝内经》、《黄庭经》、《纪效新书》等*传统哲学、医术、武术等经典著作，并在其长期的发展过程中又吸收了道、儒等文化的合理内容，故太极拳被称为“国粹” 。

　　太极拳的运动特点：中正安舒、轻灵圆活、松柔慢匀、开合有序、刚柔相济，动如“行云流水，连绵不断”这种运动即自然又高雅，可亲身体会到音乐的韵律，哲学的内涵，美的造型，诗的意境。在高级的享受中，使疾病消失，使身心健康。

　　相关研究

　　太极拳是一种技击术。其特点：“以柔克刚，以静待动，以圆化直，以小胜大，以弱胜强”。

　　48式太极拳拳谱解读

　　预备

　　太极拳身体自然直立

　　起势

　　1.左脚开立2.两手前*举3.屈腿下蹲

　　一、 白鹤亮翅 1.收脚抱手2.向后退步3.坐腿转腰分手4.虚步分掌

　　二、 左搂膝拗步 1.右手前摆2.转腰摆臂收脚3.屈臂上步4.弓步搂手推掌

　　三、 左单鞭 1.转腰坐腿带手2.收脚抱手3.转身上步穿手4.弓步*云手5.坐腿转腰*云

　　6.勾手收脚7.转身上步8.弓步推掌

　　四、 左琵琶势 1.跟步摆臂2.坐腿挫手摆臂3.虚步合手

　　五、 捋挤势(3)(1)1.移脚活步穿掌2.弓腿抹掌3.收脚捋手4.上步搭手5.弓步前挤

　　(2)1.坐腿扣脚穿手2.3.4.5.同上

　　(3)1.扣脚穿手 2.3.4.5.同上

　　六、 左搬拦捶 1.撇脚转腰分手2.收脚握拳3.摆步搬拳4.收脚转腰摆臂5.上步拦掌

　　6.弓步打拳

　　七、 左掤捋挤按

　　1.转腰撇脚分手2.收脚抱球3.转腰上步4.弓步掤手5.旋臂送手

　　6.坐腿后捋7.转腰搭手8.弓步前挤9.坐腿引手后掤10.弓步前按

　　八、 斜身靠 1.转身扣脚分手2.收脚抱手(两手成十字交叉)3.上步握拳4.弓步斜靠

　　九、 肘底捶 1.转身摆掌2.抱手收脚3.摆步撑手4.跟步提手5.坐腿握拳

　　6.虚步劈打

　　十、 倒卷肱(4(1)1.撤手翻掌2.退步屈臂卷肱3.虚步推掌 (2)(3)(4)同上

　　十一、转身推掌(4)(1)1.撤步碾脚转身2.屈臂上步3.丁步搂手推掌 (2)1.碾脚转身2.3.同上 (3)(4)同上

　　十二、右琵琶势 1.向后撤步2.坐腿摆臂挫手3.虚步合手撅臂

　　十三、搂膝栽捶 1.撤步捋手2.上步搭手3.跟步*云手4.坐腿转腰摆臂5.屈臂握拳上步

　　6.弓步搂膝栽捶

　　十四、白蛇吐信(2)(1)1.转身提拳2.转身摆脚摆掌3.歇步推掌 (2)1.转腰摆臂2.屈臂上步3.歇步推掌

　　十五、拍脚伏虎(2) (1)1.转腰展臂2.上步抡臂3.抡臂拍脚4.盖步摆臂5.转身上步

　　6.弓步贯拳 (2)1.扣脚穿手2.3.4.5.6.同上

　　十六、左撇身捶 1.坐腿扣脚翻手2.弓步分手3.收脚握拳4.上步举拳5.弓步撇拳

　　十七、穿拳下势 1.撇脚转腰分手2.收脚握拳3.穿拳开步4.仆步穿拳。

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合唱的基本知识

合唱的基本知识

　　合唱（hé chàng；chorus）指集体演唱多声部声乐作品的艺术门类，常有指挥，可有伴奏或无伴奏。它要求单一声部音的高度统一，要求声部之间旋律的和谐，是普及性最强、参与面最广的音乐演出形式之一。下面就让小编介绍一些关于合唱的基本知识吧，仅供参考，希望喜欢。

　　合唱是什么：

　　合唱（hé chàng；chorus）指集体演唱多声部声乐作品的艺术门类，常有指挥，可有伴奏或无伴奏。它要求单一声部音的高度统一，要求声部之间旋律的和谐，是普及性最强、参与面最广的音乐演出形式之一。人声作为合唱艺术的表现工具，有着其独特的优越性，能够最直接地表达音乐作品中的思想情感，激发听众的情感共鸣。声部的数量没有规定，一般有四个声部。多为男高音区，男中低音区，女高音区，女中低音区。

　　合唱的种类

　　1、同声合唱：这种合唱形式包括三种不同的类型：

　　①童声合唱，由男童和女童共同演唱的合唱。

　　②男声合唱，由单纯的男声演唱的合唱。

　　③女声合唱，由单纯的女声演唱的合唱。

　　2、混声合唱：由成年男声和成年女声共同演唱的合唱。

　　合唱的形式

　　1、由乐队、钢琴或其它形式伴奏的合唱。如《黄河大合唱》(光未然词，冼星海曲)、《长征组歌》(肖华词、晨耕、生茂、遇秋、吕远曲)，《阿拉木汗》(新疆民歌、谢功成编合唱)，《游击队歌》(贺绿汀词曲)，《在太行山上》(桂涛声词、冼星海曲)，《蓝色多瑙河》(约翰﹒施特劳斯曲)等。

　　2、无伴奏合唱，如《牧歌》(内蒙民歌，海默词，瞿希贤编合唱)、《半个月亮爬上来》(青海民歌，蔡余文、杨嘉仁编合唱)，《回声》([比]拉 索曲)，《金黄色的云朵过夜了》([俄]莱蒙托夫词，柴科夫斯基曲)，《摇篮曲》([德]布拉姆斯曲)、《梦幻曲》([德]舒 曼曲)等。

　　在大合唱形式中，还可包含男女声独唱、齐唱、对唱、朗诵及男女声合唱、混声合唱等多种声乐表演形式，由此构成大合唱的整体。

　　合唱的组织

　　合唱的组织是依据人声的分类来划分的。依据人声的不同，一般将合唱分为两大类，一是同声合唱，二是混声合唱。

　　一、同声合唱

　　同声合唱，是由相同声部类型的声音组合而成的合唱，按照声音类别划分，同声合唱又可分为童声合唱、女声合唱和男声合唱三种。

　　1、童声合唱：

　　①童声二部合唱：全部由男童和女童组成、并分为高低两个声部。

　　②童声三部合唱：全部由男童和女童组成、并分为高中低三个声部。

　　为了演唱更为复杂的作品，有时会将高低两个基本声部再分为四个声部：即第一高音声部、第二高音声部、第一低音声部、第二低音声部。

　　2、女声合唱：

　　①女声二部合唱：全部由成年女子组成、并分为高低两个声部。

　　②女声三部合唱：全部由成年女子组成、并分为高中低三个声部。

　　为了演唱更为复杂的作品，有时会将两个基本声部再分为四个声部：即第一女高音、第二女高音、第一女低音声部、第二女低音声部。

　　3、男声合唱：

　　①男声二部合唱：全部由成年男子组成、并分为高低两个声部。

　　②男声三部合唱：全部由成年男子组成、并分为高中低三个声部。

　　③为了演唱更为复杂的作品，有时会将两个基本声部再分为四个声部：即第一男高音声部、第二男高音声部、第一男低音声部、第二男低音声部。

　　二、混声合唱

　　①混声二部合唱：由成年男女声组成、并分为高低两个声部。

　　②混声四部合唱; 由成年男女声组成、并分为女高、女低、男高、男低四个基本声部。

　　为了演唱更为复杂的作品，有时会将四个基本声部再分为八个声部：即第一女高音声部、第二女高音声部、第一女低音声部、第二女低音声部、第一男高音声部、第二男高音声部、第一男低音声部、第二男低音声部或更多。

　　声音要求:

　　声音质量的优劣，不能脱离音乐和合唱艺术的特殊需要来加以评价。无论什么样的声音，只有当它完全吻合了音乐的需要，完全吻合合唱艺术的特殊要求，成为合唱艺术表演所需要的声音时，才能被认为是好的、美的声音。

　　综述

　　合唱是包含着同声的、混声的齐声、轮声、领唱、重唱以及和声的、支声的、复调的、有伴奏或无伴奏的一种集体歌唱艺术。常见的合唱有同声合唱（男声、女声、童声），混声合唱（男声与女声、童声与男女声），演唱形式有齐唱、轮唱、二部、三部、四部等合唱、无伴奏合唱。合唱有声域更宽、气息更长、力度更大、音色更多的特点。好的合唱应该是均衡而协调。合唱的均衡取决于声音的音量、音色的*衡。合唱的协调取决于声音的谐和、音准。混声合唱一般为男女声部混合，如女高音SOPRANO，女低音ALTO，男高音TENORE，男低音BASS。女高音：明朗、轻柔、柔和。女低音：充沛、坚实而圆润。男高音：柔和、明朗、清晰、坚实。　男低音：坚实、有力、充沛而宽厚。

　　呼吸

　　1、整体性的呼吸——即全体合唱队员同时呼、同时吸、同时换气，数十百人都如一人，是最基本也是最常用的呼吸。

　　2、声部性的呼吸——即以声部为单位呼、吸、换气，常用在复调作品中。

　　3、循环性的呼吸——即每个人根据自己的深浅长短作不同时的呼、吸、换气。整体声音延连不断，从而做出各种力度、速度、色彩的技巧变化。

　　发声

　　要求合唱音响起声的统一是很重要的，发声开始的一刹那叫做“起声”。鉴别一个合唱队的好坏，起声是一个最容易鉴别的方法。

　　激起——合唱的主要起声法。声带是非常紧迫靠拢。发声前准备好气息的支持，声带的闭合，共鸣腔的打开，意识中想好所要发声的音高、音量、音色并作好相应的器官状态的准备，以横膈膜的突然向内挤压，以恰如其分的气流冲击声带而发声。发声干净、整齐而有弹性并带有音头的声音。

　　舒起——声带并不靠得太拢，发声前先出气再发声，无音头，音质较暗而沙，发声时有声母“h”的`声音。

　　为了对合唱队音量的统一，轻声、半声、抑制声的歌唱方法是合唱队员必须具备的技巧。这种音量小的弱声不等于松弛的轻声，相反要求更集中，更有力。

　　半声——指演唱设较少使用本嗓，通过饱满而有弹性的气息支持，均匀节制而富于流动感地控制声音。这种声色的穿透力很强，凝聚并有良好的共鸣。

　　轻声——正常唱法减少音量的技巧，属于色调处理中的力度对比，优美的含蓄。

　　抑制声——更恻于表情意义，用有力的气息支持着每个唱词的始终，显得多用本嗓而不过于强调共鸣，往往表现悲伤，愤怒，痛苦这类感情。

　　直声——发声后不让声音波动。现代偏向灵活，但以少波动为好。

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舞蹈基本知识大全

舞蹈基本知识大全

　　舞蹈这一古老的艺术形式因其集健身、益智、塑形、娱乐、社交等多功能于一体，在现代社会受到越来越多的朋友追捧，但因舞蹈在漫漫的历史长河中，始终在小范围内扮演着不同的角色，致使大众对舞蹈的认知并无全面的了解机会，在此，小编为大家搜集、整理出重要的舞蹈基本知识，供舞蹈爱好者收藏、共享。

　　舞蹈是什么?

　　从字典上来说舞蹈是以经过提炼、组织和艺术加工的、有规律的人体动作为主要表现手段，反映社会生活，表达人的思想感情。其基本要素是动作姿态、节奏和表情。舞蹈与音乐、诗歌等结合在一起，是人类历史上最早产生的艺术形式之一。(小编认为词典上的释义是有问题的，质疑理由有以下几点：经过提炼、经过组织、经过艺术加工、有规律;这四个限定词是相对于舞蹈作品，对舞蹈的定义而言不严谨，供有兴趣的朋友参考)

　　舞蹈的种类

　　根据舞蹈的作用和目的来划分，舞蹈可分为生活舞蹈和艺术舞蹈两大类

　　生活舞蹈，包括有：*俗舞蹈、宗教祭祀舞蹈、社交舞蹈、自娱舞蹈、体育舞蹈、教育舞蹈等六类。

　　艺术舞蹈，又可以分为下面三种：

　　一、根据舞蹈的不同的风格特点来划分，可分为古典舞、民间舞、现代舞和流行舞四类。

　　二、根据舞蹈表现形式的体裁和样式的特点来划分，可分为独舞、双人舞、三人舞、群舞、组舞、歌舞、歌舞剧、舞剧等八类。

　　三、根据反映社会现实生活的方法和塑造舞蹈形象的特点来划分，可分为抒情性舞蹈、叙事性舞蹈和戏剧性舞蹈三类。

　　常见舞蹈种类：古典舞、民族民间舞、国际标准舞、现代舞、流行舞、健身舞

　　古典舞：古典舞是指在民间传统舞蹈的基础上，经过历代专业工作者提炼、整理、加工、创造，并经过较长时期艺术实践的检验，流传下来的被认为是具有一定典范意义的和古典风格特点的舞蹈。(芭蕾舞、*古典舞、宫廷舞均属古典舞范畴)。

　　*民族民间舞(民间舞)：特指*少数民族特有舞蹈形式，例：藏族舞、蒙古舞、新疆舞、傣族舞、朝鲜舞、汉族舞等。

　　外国民族民间舞(外国代表性舞蹈)：指*外其他国家特有舞蹈形式，国内统称为外国代表性舞蹈。

　　国际标准舞(国标舞)：摩登舞和拉丁舞

　　现代舞：现代舞，是20世纪初在西方兴起的一种与古典芭蕾相对立的舞蹈派别。其主要美学观点是反对古典芭蕾的因循守旧、脱离现实生活和单纯追求技巧的.*倾向，主张摆脱古典芭蕾舞过于僵化的动作程式的束缚，以合乎自然运动法则的舞蹈动作，自由地抒发人的真实情感，强调舞蹈艺术要反映现代社会生活。

　　当代舞：“当代舞”主要指广泛吸收而又不拘一格地运用*传统舞蹈素材和外来艺术素材进行的创作和表演。

　　流行舞：街舞、肚皮舞、爵士舞、钢管舞、有氧舞蹈等

　　健身舞：(例)瑜伽、广场舞等

　　古典舞常见舞种有哪些?

　　芭蕾舞、*古典舞

　　*民间舞中常见哪些民族舞蹈?

　　蒙族、藏族、*尔族、傣族、*、汉族、苗族

　　现代舞常见舞种有哪些?

　　现代舞、踢踏舞

　　形体舞蹈拉伸动作的基本知识

　　【拉伸的好处】

　　提高运动水*

　　拉伸常常被教练、体能教练或康复治疗师视为训练和治疗的一个组成部分。运动前拉伸可以减少肌肉粘度，减少运动时的内部的能量消耗。同时，弹性增加有可以提高肌肉收缩速度和肌肉收缩力量。

　　运动拉伸可以增加肌肉和关节活动范围，令运动员可以完成更加合理的技术动作和减少不必要的能力损耗，例如游泳运动员可以通过加大肩带活动范围来增加划水的幅度和对水效率。另一方面，运动员出现肌群不*衡而引起的身体型态不良，如短跑运动员的屈髋肌会太紧，而往往使髋关节后伸范围受限，并阻碍伸髋肌群力量的发展。通过有针对性的拉伸能把屈髋肌放松拉长，并配合前后肌群的力量训练，从而达到一个比较合理的肌力*衡，最终改善跑姿和动作的效率。

　　但是，有研究报告发现，运动前的长时间静态拉伸会令某些运动的肌肉力量、爆发力、起跳高度，力量和速度下降，直接影响运动水*的发挥。目前大多数人认为运动前动态拉伸更加合理。另一方面，在运动间和运动后适当拉伸，能使肌肉更有弹性，对肌肉力量和动作速度都有帮助。拉伸的方法和使用应该有针对性和较高的技术要求，应由经过拉伸培训的专业人员，如教练、医生、体能教练或康复治疗师来设计和执行，才能达到最佳想过。

　　加速恢复

　　运动拉伸作为训练后的恢复手段已经有20年以上，研究指出拉伸能有效令肌肉放松，减少肌肉僵硬，令血液微循环增加，养分得以到达需要修补的组织已经加快代谢废物的排除。

　　拉伸能够有效减少肌肉酸痛，包括运动后短期肌肉酸痛和延迟性肌肉酸痛(DOMS见下)。研究显示，运动后静态拉伸能减少肌肉的紧张反应，从肌电图(EMG)中可以看出，拉伸能有效减少肌肉紧张的肌电讯号，直接令肌肉痛楚减少。另一方面，拉伸能够加快微循环从而减少肌纤维间的肿胀亦是令肌肉痛楚减少的原因之一。最后，拉伸能减少局部痛楚的神经讯号产生和传递，是最直接令肌肉痛楚减少的原因之一。

　　随着现代科技的发展和生活方式的改变，越来越多的人们缺少足够的运动，不少白领长期伏案工作容易导致颈椎和上背部肌肉疲劳紧张，引起头部供血不足，导致头昏脑胀，工作效率下降，精神压力增加。工作间隙的拉伸能令肌肉放松，舒缓肌肉紧张及改善精神压力。

　　预防伤病

　　传统理论认为，僵硬的肌肉是导致运动中肌肉拉伤的主要原因，研究也指出欠缺柔韧性是许多运动创伤的诱发因子。拉伸能减少肌肉拉伸的频率、严重程度和恢复时间。拉伸能令肌肉弹性更好，能吸收更多能量以及增加肌肉的收缩能力。

　　另一方面，肌肉疲劳也是运动创伤的诱因。利用运动训练后的拉伸，能加快肌肉的恢复，减少次日肌肉在疲劳状态下训练和工作的情况，以达到防止受伤目的。然而，目前拉伸在防伤的机制和原理尚未有一个统一的定论，尽管如此，大多数人仍然推荐拉伸作为一个完整的运动处方的重要组成部分。

　　【安全拉伸守则】

　　1、 错误的拉伸会造成麻烦。

　　2、 无痛拉伸。

　　3、 热身后(如慢跑)拉伸。

　　4、 拉伸时均匀用力并注意调整呼吸(在肌肉被逐渐拉长的过程中呼气，保持放松)。

　　5、 拉伸到肌肉感觉紧张时停止，注意循序渐进增加强度。

　　6、 注意拉伸对称肌肉，保证对称肌肉的放松有利于保持关节功能位。

　　7、 拉伸时注意保持正常**，有利于保证目标肌肉获得良好拉伸，并且不影响到其他肌肉。

　　8、 避免在静态拉伸后立即参加爆发力训练。

　　9、 在柔软固定的表面拉伸(人工草坪、瑜伽垫等)。

　　10、 以坐姿仰卧或俯卧姿势为主，有利于身体放松，提高拉伸效率。

　　【四种常见错误拉伸方法】

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萨克斯基本知识介绍

萨克斯基本知识介绍

　　萨克斯是以发明者的名字命名的木管乐器，音色介于木管乐器和铜管乐器之间。常出现在酒吧或者是需要好的气氛的场合。以下是小编整理的萨克斯的基本介绍和萨克斯乐器特点及演奏特色。

　　萨克斯的基本介绍:

　　萨克斯有倍低音萨克斯，低音萨克斯，上低音萨克斯，次中音萨克斯，C调萨克斯，中音萨克斯，F调高音萨克斯，高音萨克斯，C调高音萨克斯，超高音萨克斯。

　　萨克斯有多种音域和调性，其中以中高音、中音、次中音、上低音四种最多见。古典萨克斯以中音萨克斯为主，而在爵士乐、流行乐里是以中音、次中音为主。所有的萨克斯指法基本都是一样的，吹奏者可以不用指法练*就更换乐器。

　　高音萨克斯(Soprano Saxophone)通常为降B调，是萨克斯家族中音调第二高的乐器，仅此于超高音萨克斯(Sopranino)，管的体积也是第二小。常见的为直管，略微曲颈或类似中音萨克斯的形状。相对于黑管，高音萨克斯音量更大，更有穿透力。但由于小管身，使得高音部分更难以控制音准，较难上手。高音萨克斯主要用于独奏，在木管重奏中常用来替代双簧管。著名的高音萨克斯演奏家有Sidney Bechet，约翰·柯川，Wayne Shorter，肯尼·基等。

　　中音萨克斯(Alto Saxophone)是最常见的萨克斯，降E调，也是应用在古典乐合奏中最多的萨克斯。由于按键距离适中，气息要求和嘴部控制难度介于高音萨克斯和次中音萨克斯之间，以及相对便宜的价格和搬运容易，成为初学者入门最常使用的萨克斯。中音萨克斯音色较次中音清亮，较高音温和。中音萨克斯构成了管乐队萨克斯声部的最主要部分，在爵士大乐队编制中和次中音占同等重要位置。作为独奏乐器出现相对少一些。中音萨克斯是萨克斯家族最有代表性的'种类。著名的中音萨克斯演奏家有爵士乐：Charlie Parker，Cannonball Adderley，Kenny Garrett，古典乐：Marcel Mule，Sigurd Raschèr等。

　　次中音萨克斯(Tenor Saxophone)通常为降B调，外形比中音萨克斯稍大，弯管前端多了一个弯曲，音色温和稳重。在管乐队中次中音萨克斯数量少于中音，一般作为辅助角色和小低音号和长号用同样的乐谱。而在爵士乐中次中音起核心作用。1920年代Coleman Hawkins沙哑厚重的声音重新定义了人们对次中音音色的概念。后来的约翰·柯川，Stan Getz，Sonny Rollins，Michael Brecker一步一步地奠定了次中音声音的个性。

　　上低音萨克斯(Baritone Saxophone)通常为降E调，是4种中相对少见的类型。体积重量较大，*中音两倍左右。很少有人用它作为独奏乐器，而在萨克斯四重奏或爵士大乐队中上低音萨克斯以它低沉浑厚的音色把其它声音承托起来，以较简单的吹奏维持着音乐进行的稳定步伐。在管乐队中常和低音号起类似的作用，有时让人联想起大提琴的声音。著名演奏家有Gerry Mulligan。

　　萨克斯乐器特点及演奏特色：

　　乐器本调：B(次中音高音)，E(超高音中音上低音)

　　应用谱号：高音谱号，根据乐器本调移调记谱

　　实用音域：约三个半八度(变调时会有差异)

　　结构组成：金属制抛物线性圆锥管体，与单簧管类似的哨头，波姆体系音键系统.除bB高音萨克管外，均弯成烟斗型。

　　乐器类别：超高音萨克斯(E Sopranino Saxophone)、高音萨克斯(B Soprano Saxophone)、中音萨克斯(E Alto Saxophone)、次中音萨克斯(B Tenor Saxophone)、上低音萨克斯(E Baritone Saxophone)、低音萨克斯(B Bass Saxophone)和倍低音萨克斯(这个几乎见不到)

　　还有一种特别的萨克斯是C调的，其音域在E Alto Saxophone和B Tenor Saxophone之间，这个也用的比较少。

　　使用材质：铜制.铝制(但是是属于木管乐器)

　　乐器特色：音色丰富，高音区介于单簧管和圆号间，中音区犹如人声和大提琴音色，低音区象大号和低音提琴.

　　典型应用：爵士乐、现代流行轻音乐中大量使用。拉威尔为穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》“古堡”配器;比才的《阿莱城姑娘》组曲;沃思·威廉斯在假面剧的舞蹈音乐《乔布》(Job)中和他创作的第6、第9交响曲;理查施特劳斯的《家庭交响曲》;乔治·格什温《蓝色狂想曲》、《一个美国人在巴黎》;德彪西的《狂想曲》、维拉一洛博斯的《幻想曲》、格拉祖诺夫的《萨克斯管协奏曲。

　　演奏特点：萨克斯管是金属制作的，强弱幅度大，在声音的力度上可与其它铜管乐媲美，也是其它木管乐器所不可及的，在音质上又有木管乐器的特点，并带有金属的明亮度。

　　在演奏上，由于它的结构是采用波姆式长笛按键科学原理设计的，因此，它的机械系统比较合理，机件运用灵活。所以，它能和长笛、单簧管一样地演奏高难度的乐曲。同时，它与其它木管乐器相比，在演奏滑音、颤音、吐音、超吹方面，又有它独到之处。

　　拓展：萨克斯管的起源

　　萨克斯管是由比利时人阿道夫·萨克斯发明的，故以他的名字命名。阿道夫·萨克斯喜爱音乐，15岁的时候就在音乐上表现出了特别的能力。大约是在1840年，阿道夫·萨克斯发明了萨克斯管，开始的时候，萨克斯管也只是应用于室外的一种乐器，主要有两个特性：拥有弦乐器的表现力及铜管乐器的音量等。后来慢慢经过改良，萨克斯管开始应用于爵士乐中，也使越来越多的人开始关注这种崭新的乐器。

　　萨克斯管的构造原理

　　萨克斯管，集合多种乐器特征功能于一体，不仅发声原理接*于木管，同时兼具铜管乐器的功能，在演奏的过程中实现木管乐器与铜管乐器之间的音色过渡。铜质的材料主要构成其管体，具备铜管乐器的金属特征以及张力。管身模仿了双簧管锥形的管体，在指键系统、运指以及泛音超吹部分则借鉴了木管乐器。因此，在音色方面，萨克斯与木管又有所相似。

　　萨克斯的演奏技巧

　　萨克斯管的演奏技巧发展到现在有着十分多的分类，包括流行萨克斯，摇滚萨克斯，爵士萨克斯、古典萨克斯等等。其中通过对不同萨克斯技巧的组合便形成了现有的多样的萨克斯演奏风格。其中运用的萨克斯技巧有：超高音、舌拍音、单双吐音、微分音、循环音等等技巧。不同的曲子会将其中不同的技巧进行穿插融合联合运用，以达到更富表现的音乐效果。

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有关西方古典音乐基本知识大全

有关西方古典音乐基本知识大全

　　古典音乐有广义、狭义之分。广义是指那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的西方古典音乐，主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。狭义指古典主义音乐，是1750-1820年这一段时间的欧洲主流音乐，又称维也纳古典乐派。此乐派三位最著名的作曲家是海顿、莫扎特和贝多芬。下面是小编带来的有关西方古典音乐基本知识大全，希望对你有帮助。

　　一、什么是“古典音乐”?

　　在国外，这种音乐类型被称之为“classical music”，“classical”有“古典的、正统派的、古典文学的”之意，所以我们国人将之称为“古典音乐”，确切地说应该是“西洋古典音乐”。首先从概念上解释，“古典音乐”是一种音乐类别的名称。然而即使在国外，对于“classical music”一词的具体意义，也有诸多不同的解释，其中主要异议来自于对“古典音乐”时代划分理念的不同。最狭义的解释是，把十八世纪下半叶至十九世纪20年代，以海顿、莫扎特、贝多芬三巨头为代表的“维也纳古典乐派”的作品特指为“classical music”。最广义的解释则是，把时间前移到欧洲文艺复兴时期，从那时起直到后来的巴洛克时期、维也纳古典时期、浪漫主义时期、民族乐派、印象主义直至十九世纪末、二十世纪初出现的现代乐派，甚至包括所有非纯粹娱乐性质的现代专业音乐，统称为“classical music”。

　　或许大家看了上面的文字会感觉有些复杂，因为对音乐这样一种自由的艺术形式进行分门别类本来就是一件非常费神的事情。不过我们还是应该尽可能应该把古典音乐的概念简要化。普遍的观点认为，相对文艺复兴时期的早期音乐和十九世纪末期开始初露端倪的现代乐派，巴洛克时期直到印象乐派出现之间这几百年的西洋古典音乐发展最为迅捷，也最容易被大众所接受。因此，短歌行的这个入门系列主要为大家介绍的将是从十七世纪直到十九世纪末期，这样一个将*300年时间跨度内的经典西洋音乐作品，这同样也就是我们所特指的“古典音乐”概念。当然一些超出这个时间跨度的优秀著名作品，譬如二十世纪，苏联现代派作曲家肖斯特科维奇的音乐，我们也会适当的择以介绍。

　　二、别称——“高雅音乐”与“严肃音乐”?

　　在我们国家，很多人喜欢把“古典音乐”与“高雅音乐”、“严肃音乐”混为一谈，而且其中有很大一部分还是古典音乐的“推崇者”。粗看之下似乎并不不妥，但这两种观点在某些人理解下，却很容易成为“让古典音乐走向大众”道路上的一道鸿沟。

　　第一个问题，古典音乐是不是“高雅”?我觉得应该肯定这种说法，不过我们对于这里所指的“高雅”要有一个正确的理解和认识。有些朋友之所以认为古典音乐“高雅”，是因为瞧见了台上指挥家们西服笔挺、冠冕堂皇的庄重模样;是因为看到演奏这些音乐的乐团演奏家们整齐划一、一丝不苟的装束;是因为注意到了音乐厅典雅华贵、祥和隆重的布置气氛;甚至连观众们都要衣冠楚楚、注重礼节。其实，这些表面的“高雅”并不能体现出古典音乐的精髓所在，音乐的高雅气质是从旋律中透出来的!严谨而完整的结构、优雅而曼妙的旋律、丰富而深邃的思想内涵，这些才是古典音乐“高雅”的根源。其中我们可以听到属于人类最圣洁的情感、发自心灵最深处的呼唤和最崇高的理想。表面的高雅其实只是长期以来西洋音乐发展中形成的定式与惯例，虽然我们可以将之看作一种“浮华”，但却又很难想象，一群衣冠不整、装束各异、甚至蓬头垢面的演奏家、指挥家出现在观众面前，能够演绎出好的效果。因为表面的堂皇正好可以烘托出西洋古典音乐中那独特的严谨、庄重气质。其实当今的欧美古典乐坛也在力图改变自己过于拘谨、与大众较为疏远的形象，著名的柏林森林音乐会就是很好的例证，在那里人们可以无拘无束的以悠然自得的方式欣赏古典音乐，不必拘泥服饰是否得体，也不必正襟危坐，更可以随心所欲的鼓掌喝彩甚至一边野餐一边听音乐。

　　当今*的教育界尤其喜欢把“古典音乐”称作“高雅音乐”，原因很简单，老师们看不惯学生沉迷于对港台歌星的追捧，所以时常组织学生去欣赏一些所谓的古典音乐会，美名曰“陶冶情操、提高品位”、“让高雅音乐进入校园”等等。这种做法的初衷无可厚非，但如果只是简单的组织学生去看、去听，而不加以正确的引导，很难有实质性的效果，甚至会让学生从小就在心中埋下对古典音乐(高雅音乐)的厌恶之情。加上如今的大环境、大气候，通俗娱乐占据了大部分视线，或许很多人就会终生对古典音乐心存畏惧。

　　其次，一些媒体把古典音乐和“严肃音乐”之间划上等号，我觉得更是一种极大的不妥。很多外行人对古典音乐的第一感觉就是“晦涩、难懂”，如果再不分青红皂白统统被冠以“严肃音乐”的统称，恐怕今后对古典音乐感兴趣的人将越来越少。虽然从某种角度来看，一部分古典音乐的表达形式以及旋律主题确实是“极其严肃”的，但同样应该看到大部分西洋古典音乐的主题是歌颂、是赞美，拥有美妙明快的旋律以及无比欢畅的情怀。而且即使是某些主题严峻、思想深邃的古典音乐，也往往想要传达出一种“严肃中的快乐”。譬如贝多芬著名的《欢乐颂》、勃拉姆斯著名的《第一交响曲》第四乐章和柴科夫斯基《第四交响曲》的第四乐章，虽然这些作品都饱含着高尚而深沉的哲理，但最终无不给人一种积极向上的振奋之感。其实入门之后，听众们就会发现其实古典音乐并不难懂，也并不只有严肃和深沉。

　　之所以在国内出现古典音乐的这两个并不准确的“别称”或者说“代名词”，我只能遗憾的说，一些媒体和“学者”对古典音乐的推崇只停留在一个十分形式化的层次上，他们并没有真正对古典音乐有系统的、深刻的理解，以至于弄巧成拙，反而让更多的人感觉到了自己与古典音乐之间遥远的距离，成为一个误区。

　　三、古典音乐魅力何在?

　　很多没怎么接触古典音乐的朋友，往往觉得听古典音乐的人有些古怪，这是因为他们还不能接受这种音乐表现形式。更有不少朋友，面对古典音乐百年来长盛不衰、乃至世界范围内遍地开花的形势感到不可理解，他们对于古典音乐能够历久弥坚的解释是——“每个年代、每个群落总有那么一些以听古典音乐为高雅情趣的“附庸风雅之士”;这群人并不懂得古典音乐的真谛，却煞有介事的和着音乐，闭目凝神、摇头晃脑;正是因为这样的人多了，所以造就了古典音乐在现代社会的繁华，或者说“浮华”，事实上古典音乐早就已经是时代所淘汰东西了”。很多对古典音乐了解甚少，或者有兴趣入门的朋友，在这种言论下会显出犹豫、彷徨，他们会怀疑古典音乐在当今社会还有没有存在的价值?那么我们不妨来和大家谈谈这个话题，如果延伸开去，其实就是——古典音乐究竟有什么好听?它的魅力究竟何在?或许，这对于培养入门者的欣赏兴趣是具有一定引导作用的。

　　如果只看表象，那么音乐最基本的功能只是取悦听众的耳朵罢了。如果我们要挖掘音乐深层次的内涵，那么我觉得，音乐对作曲家而言是一种表达心境、抒**感的途径;对于聆听者而言，则是为了从音乐中获取自己需要的情感慰藉、求得精神世界的共鸣。以上两点正体现了音乐的两个特性——娱乐性和思想性。即使是流行歌曲也并非纯娱乐性，而是有思想的。但是古典音乐中蕴含的思想性却要更加深刻、含蓄、多变且耐人寻味。他能够表现出人类最深层、最炽烈的情感和最为跌宕起伏的情绪变化。古典音乐不像流行音乐那样直白，但是留给我们遐想、思考、回味的余地更大，所以它耐听、能够经历岁月和时间的考验，有人说：一旦喜欢上古典音乐，你就找到了自己一生中除了爱人以外的另一个终生伴侣，而且古典音乐是永远不会和你离婚的。虽然比喻有些令人忍俊不禁，但也颇有哲理。

　　另外，古典音乐拥有经久不衰、常听常新的优美旋律，这与眼下流行音乐源源不断出炉，却迅速又被流行趋势所淘汰的境况形成十分鲜明的对比。虽然古典音乐肯定不会被这个时代大部分人所接受，但是也不可能被历史所淘汰。原因很简单，不同的听众需要不同的音乐来抚慰心灵。古典音乐中蕴含的那份宁静致远和激情澎湃，能够给我们带来其他音乐类型无法实现的心灵安慰与精神鼓舞。在如今这个物欲横流、纷繁复杂的商业社会中，古典音乐的天地无疑如同世外桃源。

　　不过写到这里我突然想到，与古典音乐所具备的丰富内涵相比，我的文字实在有些苍白无力。或许一些已经入门的朋友读了上面的文章，会与我取得一定的共鸣，但对于更多站在古典音乐大门外的朋友而言，这些“说教”或许依然难以打动他们。音乐选择是很主观的，所以古典音乐并不适合所有人，尤其是生活在如今社会环境下的人们。有些朋友一生对音乐这种艺术都没有兴趣，将之视为“噪音”，有些人则一生都不愿意接受古典音乐，认为它过于“枯燥、晦涩”。这些观念上的不同都和每个人的人生经历、个人偏好乃至知识层面、思想境界有着紧密的联系。所以我明白，这个系列文章不可能改变古典音乐在当前的境遇，我只是为了一个理想和爱好，尽自己的绵薄之力。因为我遇到了另外一些朋友，他们对古典音乐不熟悉，但是通过一两部作品的引导，却对此发生了浓厚的兴趣，又苦于古典音乐唱片过于昂贵，也不知道该从哪个地方入手进一步提高自己的欣赏能力与欣赏范围。短歌行的这个古典入门系列正是为这类朋友“踱身定做”的。让我们共同在古典音乐的天空中翱翔，寻找属于自己的音乐理想，共同交流，相互促进，把古典入门进行到底!

　　古典入门第一步

　　在序章中，和大家探讨了一些问题，看到不少朋友很期待这个系列文章的未来，也看到自己的一些观点能够被大家所认可，这就更坚定了把这篇东西写下去的信心。在前面的序章里，我只是很笼统地谈了一些自己对于古典音乐的看法和认识，而在今天我想和大家继续探讨，究竟应该如何走进古典音乐殿堂的大门。

　　我自己是什么时候，如何喜欢上古典音乐的呢?我想和许多爱乐者一样，应该是循序渐进，逐步跨入的，说不上是从哪一年哪一天开始的，更说不好是怎样开始喜欢上的。记得在自己很小的时候，对于音乐就很有兴趣，听得最多的应该是父亲用那台结婚时候买来的港产“四喇叭”从电台节目中录下来的磁带。诸如王结实、谢丽斯的通俗歌曲、苏小明的《军港之夜》、邓丽君的优柔小调等等。不过在我记忆中家里有一盘唯一的JVC牌60分钟录音磁带(其它录音带都是SONY的)——标签上没有任何文字说明录音的内容，但我至今还记得磁带的塑料外壳是灰色的。之所以念念不忘，是因为里面的录音节目令童年的我十分着迷，那时候曾经问过父亲，回答只说放的是外国音乐。记得当时自己会经常拿出这盘灰色的磁带来，放进“四喇叭”中翻来覆去的听，丝毫不觉厌倦。那时候的我，应该还在念小学。

　　进入了初中之后，也许是那个时期必然的兴趣变化，和很多同学一样，我开始迷恋港台流行歌曲，只是烧得还不算高，从来没去看过现场演唱会，只是陆陆续续积攒了大约几百盒正版磁带。如今回想起来，那时候自己听流行歌曲，似乎只是跟着媒体的炒作、宣传而在刻意追逐着一种虚无缥缈的潮流。歌词中的情与爱自己能懂得多少?歌曲中激荡的旋律又有多少现在还能被我记起?似乎一切过往的时尚前卫、流行趋势，都随着自己慢慢的成长与时间的推移而烟消云散。自己再也无法从流行歌曲中找到精神的寄托。一个偶然的机会，我又找到了那盘灰色的磁带。熟悉的旋律再次在耳边响起，似乎把我带回了童年时，专心致志守在“四喇叭”跟前，不断按动“BACK”与“PLAY”，不知疲倦反复聆听的场景。音乐依然如此的动听，令我感动，似乎让我隐隐约约感受到了音乐中最美好的东西。

　　当有了一套真正的高质量音乐回放系统之后，我开始尝试着接触古典音乐，这已经是参加工作以后的事儿。在吃惯了流行歌曲带给我们的“娱乐快餐”之后，接受古典音乐的表现风格，自己着实花了不少时间。记得最早的时候，每当电视台、电台播放那些偏于阴沉、艰涩的古典音乐时，我总会有昏昏欲睡之感。看到一些评论文章介绍，说是能够从古典音乐中听很多东西，我虽觉匪夷所思，但又不由不信。只觉得那些音乐应该距离自己比较遥远。所以最初听古典，我显得没什么耐性，总是回避那些篇幅较长，“旋律找不到准心”的曲子，刻意寻找那种录音效果出色、曲目篇幅较短的古典或交响题材的唱片来练耳。起先，被逼真、辉煌的音响效果震撼了一阵子，其后却又隐约感觉这些唱片中的某些段落好像在哪儿似曾相识过，似乎早就浅埋在脑海中。冥思苦想一番，终于找到了根源——那盘灰色的录音磁带。

　　原来，磁带中所录制的这些我小时候百听不厌的“外国音乐”，其实是由古典名曲改编的联奏，荟萃了许多优美经典的段落，不过当时还叫不上名来，后来才逐渐认识——《卡门》中的《斗牛士之歌》、罗德里格《吉他协奏曲》的第二乐章开始部分、亨德尔《弥赛亚》中伟大的《哈里路亚大合唱》高潮部分等等等等，实在是不胜枚举。虽然演绎得并不正统，带有些轻音乐倾向，乐团规模也不算很大，但却足以让古典门外汉驻足聆听。因为其中挑选的名曲片断旋律优美无比，而且是连续演奏，曲目之间的过渡十分自然流畅，乐团也充满了澎湃的激情。当我对古典音乐有最初了解的时候，方才明白这盘灰色磁带里众多动听旋律的渊源，更重要的是自己恍然大悟——原来古典音乐离我们这么*!

　　再次回味磁带中那一段段名曲联奏，虽然音色与CD不可同日而语，甚至比MP3都不如，但却如此倍感亲切。更重要的是让我看到了蕴含于古典音乐中无尽的宝藏。此时的我自然不再满足于欣赏联奏中的片断，而是急不可耐的想投入古典音乐浩瀚的海洋中，寻找一个个曾经令我着迷过的亮点。就这样，我对古典音乐的兴趣与日俱增，从中获得的精神财富也越来越充实。有时候回想起来，那盘灰色的录音带真是我最好的入门导师。虽然磁带早已被封存箱底，但每当我回忆起来总是倍感欣慰。

　　以上谈了我自己的一些经历，目的只是想告诉大家——不要把古典音乐看得离我们很遥远，其实她就在我们的身边，就在我们的生活中。留意一下如今精美玲珑的手机铃声、听听某些电视广播节目的背景音乐，您会惊异的发现，我们被林林总总的古典音乐名段所包围着。

　　所以，抛开对古典音乐的心理障碍是普通听众入门的第一步，也是最重要的第一步!跨出这一步说难不难、说容易也不容易，所谓“功到自然成”，急不来也求不来。如果您看了我们的系列入门文章，依然感觉对古典音乐毫无兴趣，千万不要强求自己，否则只会适得其反。在序章中我就说过，古典音乐并不适合每个人，大家的性格脾气、人生观、世界观、文化观各不相同，因此古典音乐对不同人的吸引力也就不尽相同。甚至于同一个人在不同的年龄阶段，对古典音乐的认识与态度都会有千差万别。所以读者们尽可以用洒脱的态度来看待这第一步，水到渠成之时您会很自然的跨出，甚至是在不知不觉中实现的……

　　古典音乐与音响器材

　　如果能够跨出古典入门的第一步，以一个开明的心态来接受古典音乐，那么我的经历可以告诉大家——后面的路就相对好走了。不过大家也千万不要以为从此便是前途坦然、一帆风顺。我深知对于很多朋友而言，在他们心中关于古典入门这个话题，肯定还有许多问题等待进一步地解释。今天我们来分析第一个，也是最具代表性的问题——听古典音乐是否一定需要发烧器材?

　　不可否认，古典音乐的魅力，其中有一部分来自于音响效果。不少交响乐、协奏曲所体现出的力量、震撼乃至光辉灿烂，很大程度上得益于各种不同器乐合奏所营造出的美妙音色。欣赏现场表演的时候，这种感觉无疑最为强烈，这便是很多爱乐人始终钟情于音乐会的原因。但并不是经常有高水*的音乐会上演，即便是一场普通的音乐会，票价也往往令普通工薪阶层望而却步。因此，感受古典音乐，在家中欣赏唱片无疑是最为廉价、便捷的方式。谈到唱片，那就必须谈到用来播放唱片的器材。或许有些古典入门者会听到这样的忠告——想真正听好古典音乐，一定要购置一套稍微像点样的音响系统，否则你根本感受不到古典之美。我觉得，这话不算全对，也不算全错。古典音乐包括各种各样不同的类型，其中尤以交响曲、协奏曲这类有大编制乐团参与演奏的作品对器材要求为高。如果要深切体验每一种乐器的音色之美，那么对音响设备优劣更是讲究颇多。就拿古典音乐中最常见的弹奏乐器钢琴来说，要完美重现它的音色决不是很多朋友想象中那么简单的事情。

　　读到这里，有些朋友或许会困惑——是不是没有优秀的器材，就无法体验古典音乐之美了?当然不是这样。著名作家辛丰年老前辈就在条件非常艰苦，器材非常差劲的年代，坚持对音乐真谛的追求，数十年间积累了丰富的经验与素材，攒下了《辛丰年音乐笔记》一书，令无数后来者受益匪浅。这正说明，欣赏古典音乐，一颗赤诚之心才是最重要、最可贵的，器材设备是次要的。不过像辛老前辈这样虔诚无比的爱乐人只是少数，对于目下大部分入门听众，要听好古典音乐，要培养起内心对古典音乐的兴趣，拥有一套较为优秀的回放系统还是有一定必要的。如果说，我们前面曾经谈过的“入门第一步”是让大家从心理层面抛开对古典音乐的误解和排斥，那么建立在良好器材基础上的欣赏，则可以理解为从主观感知层面更好地接*古典音乐，从而喜欢上她。或许有朋友要问：“什么价位、或者说哪个等级的音响产品，才够得上欣赏古典音乐的要求呢?”事实上这是一个很难回答的问题，因为每个人的要求不一样，感受也不一样。就我个人的经验简而言之，对于器材在古典音乐，尤其是交响乐领域的回放效果，由低到高分成下面几个层次——响度与厚度、细节与音场、动态与感染力。

　　首先，回放大编制的作品，需要有足够的响度方才能够体现出音乐中所蕴含的力量。很难想象，在又轻又柔的音量下能够表现出贝多芬《命运交响曲》中不屈不挠的抗争精神。所以保证音响器材拥有足够的功率，能够提供比较响亮又不至于失真的回放能力，是最基本的要求。接下来声音的厚实度显得尤为重要。有些器材嗓门“傻大”，但出来的声音给人的感觉总是漂浮、玄虚而缺乏底气。这样单纯的“响亮”，依旧无法表现出交响乐厚重、沉稳的气质。因此保证声音还原的厚度，才能让交响乐回放效果更上一个台阶。选择采用大口径、高品质扬声器单元的音箱以及大功率、高保真的功率放大器乃至专业的Hi-Fi CD唱机、更换材质设计优秀的信号线和音响线，都是提高声音厚度的途径。当然每个人对“厚度”的要求是不同的，不必刻意穷追，否则很可能适得其反。如果您的系统能够在一定的大音量条件下保证不出现明显失真的情况，同时声音播放又具有一定的厚度与底蕴，那么它基本就可以胜任交响乐以及绝大多数古典音乐的播放。然而这仅仅是胜任而已，古典作品的音色之美还体现在许多细节处理和宽阔精准的音场上。所以进一步提高声音的细节表现能力，注重系统的音场定位效果便是第二个层次。这中间除了需要在器材上投入更多的资金之外，对您听音室房间的声学环境、器材的摆位方法等都会提出各种各样更高的要求。如果您的音响系统能够表现出唱片中的一些“细枝末节”，譬如：演奏过程中乐器、旋律、音色、音准等方面的细微变化、演奏者呼呼的喘气声、提琴乐器的擦弦声甚至指挥翻动曲目总谱的声音，那么显然您的设备具有很好的细节表现力。如果您在欣赏音乐的时候闭上双眼，能够准确、生动地体味出乐团不同乐器、乐手所在的位置以及他们的变化，完美还原出*乎真实的声场宽度和纵深度，那么您的系统用来播放古典音乐将会非常不错，因为他能够让音乐表现力更趋于真实、准确。第三个层次则是动态与感染力。拥有一套动态出色的器材是很多音乐爱好者兼发烧友所期待的，因为这样能够带来最强烈的听觉刺激，从而触发心灵，而让音乐更富感染力。兼顾声音的厚度与细节，加上良好的声场定位还原，超大的动态无疑将起到锦上添花的作用。

　　音色应该是音乐之美中最为直截了当的吸引力、最容易被普通听众体味到的魅力。许多入门的朋友需要通过体验来自音色的美妙，通过听觉层第一个环节的刺激，来进一步体验古典音乐作品美妙的旋律，进而从音乐中提炼其精髓，最终获得精神上的满足。从这个意义上来说，古典音乐入门听众确实需要一套较为优秀的音响器材。但我们必须了解，古典音乐之美是多方面的。说得片面一点，高档器材所能体现出的仅仅是音色之美(当然这里所指的“音色”概念是很宽泛的)，仅仅是音乐的“外表美”。古典音乐更多的精髓蕴含于其内在的“心灵美”。“心灵美”由浅入深体现在优美的旋律、强烈的表现力以及作品丰富的情感内涵等方面。显然，旋律、节奏、调性等对于器材的依赖性就不像音色表现那么强了。假设播放同一张唱片，对比普通器材与高档器材之间的差异，可能在音色的饱满度、音场的开阔度和纵深度方面优秀器材会有更好的表现，但是曲目的旋律、节奏、调性是不会随着器材改变有明显变化的(当然，除了个别十分劣质的器材)。因此即使在最普通的收音机上欣赏广播电台的古典节目，只要信号接收*稳，听众同样可以感受到来自音乐的曼妙美感。而我觉得大多数音乐作品的思想核心与精神内涵主要是通过跌宕起伏的旋律编织、抑扬顿挫的节奏与调性变化体现出来的，丰富多彩的音色变化起到的是次要作用(当然不是说不重要)。

　　所以说到这里，我们应该能够领悟出一些道理来。在家中欣赏古典音乐，并不一定强求听众要有很高档的音响器材。普通的低档音响，同样能够体现出古典音乐的魅力，只是在音效贫乏的条件下，入门听众对于音乐的感受和理解将会打一些“折扣”，“折扣”的大小视不同听众的主客观条件的具体情况而会有所不同。在经济环境允许的条件下，主张用优秀的音响器材来播放古典音乐，尤其是交响乐题材的作品，这样可以把作品的魅力以及作曲家的意志、甚至指挥家、演奏家们的二度创作意图最完美的体现出来。一般而言，拥有足够大的不失真功率以及一定声音厚度的器材基本可以满足大多数古典音乐的播放要求。

　　对于器材的追求千万不要走火入魔，应适可而止，我们应该记住一点——再好的器材最终也是服务于音乐的。笔者周围有很多朋友，在拥有了一套入门级的音响设备之后，却没有把心思用到音乐欣赏中，而是反复在器材的音色表现力方面寻不足、找缺点。试问这样如何能体验到音乐中的美妙与乐趣?如何从音乐中获取力量和慰藉?我坚信，在很普通的低档器材上仔细聆听音乐，会比在高档器材上反复对比音色效果得到更多的东西。因为前者是在追求音乐的“心灵美”，而后者只是在追求音乐的“外表美”。目前正在使用或者准备使用随身听、多媒体音箱或者家用台式组合系统等低档设备聆听古典音乐的听众，也千万不要妄自菲薄，只要能够从音乐中有所得，那么这种精神是非常可贵的。在有条件的时候,升级更好的器材，再来欣赏您所钟爱的作品，您会感受到更多惊喜!

　　认识巴洛克音乐

　　在系列文章的前三篇和大家交流了一些古典入门的心得体会，很多朋友都嫌我闲话太多了，OK!从本篇开始让我们开始正式启航。不过此前一直有一个问题困挠着我——我们该从哪里说起?按照很多前辈的经验，似乎从贝多芬开始入手最为合适，而我自己的经验也是这么告诉我的。但同时又觉得按照时间顺序来介绍，似乎更加合乎逻辑，能让大家更好的了解古典音乐发展的足迹，那么按照计划就应该从巴洛克音乐说起。但问题又出现了，很多有经验的爱乐者都会告诫说：对于入门听众而言巴洛克似乎枯燥、深邃了一些。回顾自己的历程，非常赞同这种说法，初听巴洛克往往会令人感觉宗教气息过于浓重、旋律*淡无奇，从而产生不知所云的困惑，需要经历一段时间方能领悟其中奥妙。这就令我感到两难了，究竟应该遵循音乐发展的时间顺序，还是该向巴洛克妥协?突然脑海中浮现出了《四季》、《皇家焰火音乐》、《水上音乐》这些耳熟能详作品的旋律。没错!巴洛克音乐中同样也有很好的古典入门曲目，这些被录制过无数次的经典曲目至今依然受到绝大多数爱乐者的喜爱。所以我决定还是从巴洛克音乐讲起，但只向大家推荐一些相对较为通俗易懂且悦耳动听的巴洛克曲目。

　　首先我们要知道，“巴洛克”是一个时期的简称，这个时期通常是指从1600年到1750年之间这150年的范围。这个时期内产生的音乐作品，*惯上便称之为“巴洛克音乐”。当然时间的概念是刻板的，艺术形态则是相对灵活的。或许有人要问，“巴洛克”为何意?其实它本与音乐无关，“巴洛克(Baroque)”一词来源于葡萄牙语，意思是形态不够圆或不完美的珍珠，而且最初是建筑领域的术语，后来才逐渐用于艺术和音乐领域。

　　在这里不得不提到巴洛克时期之前的西方音乐发展，从十五世纪中叶一直到1600年，我们*惯将之称为“文艺复兴时期”。正因为巴洛克音乐同文艺复兴时期的音乐，在诸多方面都存在很大的区别，所以才被后人划分为两个时代。提倡人文主义思想的文艺复兴时期是西方文明的一个标志，也是文学艺术以及现代科学的开端，在音乐艺术方面也取得了一定的发展。但缺乏有规律的节奏感、没有强弱音变化也是文艺复兴时期音乐在创作技巧上的局限。此后的巴洛克音乐能够风靡至今，与它在诸多领域的创新与变化是有密切联系的。有人曾经将文艺复兴时期与巴洛克时期的美学观放在一起，做了如下的对比——“如果把文艺复兴的美学观比做浑圆的珍珠，而巴罗克的美学观则是形状不整的珍珠，它是宁可打破形式上的均整也要着重于表现强度的一种形式”。所以我们可以很形象地总结巴洛克音乐的特点，那就是“对比强烈而略带夸张”。相比文艺复兴时期音乐作品力求获得和谐统一、舒缓流畅的效果以及整体四*八稳的风格，巴洛克音乐冲破了这种传统，而变得更加热烈而张扬。虽然这种风格在历史上也曾被指责为“过于夸饰而不够规范”，但巴洛克音乐带动整个西方音乐历史发展的事实，没人能将之否定。西方艺术史认为，在巴洛克时期音乐艺术获得了前所未有的迅猛发展。

　　通常来说，巴洛克音乐有如下一些特色——它的节奏特别强烈、活跃，短促而律动;旋律精致、跳跃且持续不断;采用多旋律、复音音乐的复调法;作曲家普遍强调作品的情感起伏，以至于音乐的速度、力度变化在当时相当被看重;曲目的调性也从文艺复兴时期单一而保守的教会调式发展为采用大小调形式。同时西洋管弦乐器也在巴洛克时期得到了迅速的发展，小提琴的出现、拨弦古钢琴的成形都为巴洛克音乐提供了更丰富的表现力;其他乐器的发展也使得某些特定风格的巴洛克音乐其配器得以朝着多元化、大规模的方向发展。不过诸如管风琴、羽管健琴、维奥尔琴这类颇具历史的古乐器依然被广泛使用。

　　在音乐表现形式方面，巴洛克时期要比文艺复兴时期的体裁丰富的多。皇室以及贵族对音乐的需求，促使许多巴洛克音乐家开拓出很多新的音乐表现形式，歌剧的兴起(并不是起源，歌剧的起源要追述到更久之前)便是最为突出的一点。虽然巴洛克时期的歌剧曾被一些专家批评为“矫揉造作”，但却是此后歌剧发展的一个基础。声乐领域的其他表现形式还有神剧、经文歌、清唱剧、受难曲和弥撒曲等，这些都是带有强烈宗教色彩的。由此可见在巴洛克时期，宗教音乐在西洋音乐中依然占有很大的分量。巴洛克时期的器乐曲发展很迅速，出现了大协奏曲、独奏协奏曲、管弦乐组曲、各种舞曲、前奏曲、幻想曲、托卡塔、赋格和奏鸣曲等诸多表现形式。其中很大一部分通过发展、演变，从而成为了后来更为成熟的形式。

　　音乐在巴洛克时期的大发展也得益于这个时期涌现出了一大批优秀的作曲家。巴洛克时期最早的著名作曲家应该是意大利人蒙特威尔蒂，他出生于1567年，被誉为“文艺复兴时期向巴洛克时期过渡中显赫的人物”、“歌剧改革之父”以及“十七世纪最出色的作曲家”，但现如今他似乎被我们所忽视，起码在国内普通音乐爱好者当中，熟悉蒙特威尔蒂以及他作品的人不会很多。维瓦尔蒂是大家很熟悉的作曲家，其实他和蒙特威尔蒂一样，也是意大利人，但是他却比蒙特威尔蒂晚出世一百多年!所以蒙特威尔蒂堪称巴洛克音乐的祖师爷。另外，巴洛克时期的法国音乐不可小视，库普兰是其中的代表者，同样出生于法国的拉摩也是同期著名的音乐家，他曾被誉为“十八世纪法国最杰出的作曲家”。拉摩与库普兰一同构建了法国巴洛克音乐的辉煌，两者都是拨弦古钢琴领域出色的作曲家。巴洛克时期德国音乐家的代表是泰勒曼和J.S.巴赫，其实亨德尔也是德国人，但他的创作大多在英国完成，而且还入了英国国籍，所以通常被视为英国作曲家。泰勒曼这个名字或许显得比较陌生，但在十八世纪他在世的时候，声誉甚至超过巴赫，但作品流传却不是很广泛。

　　我们的文章将要为大家着重介绍的将是其中大家较为熟悉的三人——维瓦尔蒂、J.S.巴赫以及亨德尔。他们属于同一时期的伟大音乐家，维瓦尔蒂最年长，出生于1678年;而巴赫与亨德尔都出生在1685年。维瓦尔蒂的名字与他的小提琴协奏曲《四季》紧密联系在一起，这部作品应该是最通俗的巴洛克音乐，甚至堪称流传最广泛的古典曲目。虽然其贡献远不如后面二人来的大，但知名度却非常之高，他所作的协奏曲也具有一定的品质。巴赫被誉为“音乐之父”，他的功绩自然非同一般，作品之多、水*之高也是亘古罕见的。亨德尔则具有天才的旋律大师，从他的音乐中可以感受到愉悦、优雅，他的协奏曲作品、歌剧、神剧都是巴洛克时期最为宝贵的音乐财富。这些大师以及有关的作品我们会在后面详细撰文介绍。

　　最后简要谈谈巴洛克音乐的演奏。对当今的指挥与乐团而言，演绎巴洛克音乐有两种主要的方法。其一是采用现代乐器演奏，但是缩小乐团规模，以符合巴洛克作品的特定需要。其二则是采用古乐器或者仿古乐器演奏，甚至成立专门的小编制巴洛克乐团或者古乐团。两种方法相比，显然后一种演绎更能贴*巴洛克音乐的本质。当然也不能一概而论，曾经有专业乐评人说过——乐手手中的乐器是次要的，关键是他们对音乐的领悟与表现力，现代乐器同样能够体现出古乐的精妙、感人之处。当今巴洛克音乐演奏方面的好手包括：加迪纳与他的英国巴洛克独奏家乐团、哈农库特与他的维也纳爱乐协会古乐团以及马里纳与他的圣马丁室内乐团，他们都是当代乐坛巴洛克音乐最为权威的诠释者。所以购买由这三位名家指挥的巴洛克作品录音是相当安全的。

　　好了，在和大家一起仔细倾听诸多巴洛克音乐名作之前，希望这篇文章能够起一个引导、铺垫的作用。后面的章节，我们会向大家详细介绍维瓦尔蒂、J.S.巴赫以及亨德尔三人的一些比较容易普及的作品。在此之前，大家可以先去听一下我们同期为您奉献的一张非常好的巴洛克音乐精粹集锦——RR公司出品的《Baroque Favorites》，感受一下巴洛克音乐的风韵。

　　亨德尔的协奏曲与管弦乐作品

　　在上一篇中，为大家介绍了一生命运坎坷的作曲大师亨德尔，今天我们来一起探讨亨德尔的作曲风格，同时为大家介绍他一生中所作的几部重要作品。亨德尔的一些经典名著从古至今都是受到听众喜爱的，而作曲家本人也始终受到后辈的敬重。乐圣贝多芬曾经称亨德尔为“我们之中最伟大的”，“他是所有大师中无可企及的大师”。而对于普通欣赏者而言，亨德尔的音乐也有其独到的特色——既有欢快、明亮而通俗的旋律，也有庄严、壮丽而恢宏的圣咏。

　　亨德尔处于巴洛克晚期，所以他的音乐中充满着这个时期特有的明快韵味，某些作品甚至堪称那个领域的巅峰之作。他的歌剧虽然如今上演的机会相对较少，但却是巴洛克同类题材作品中最为上等的创作。他的管弦乐协奏曲与同时期巴赫、维瓦尔蒂的一些作品并列为当时最优秀的协奏曲。而亨德尔的宗教清唱剧，更以《弥赛亚》为代表，成为同类题材中最伟大的作品之一。当然，由于作曲家本身的性行使然以及来自生活压力，另外的不少作品难免会有“敷衍了事、草率而行”的弊端，缺乏思想深度与音乐内涵，但亨德尔的作品却总能够给人一种光彩四射、明亮照人的色调，并将意大利、德国、英国等地不同的音乐传统和创作技巧融为一体。而源自亨德尔大脑的源源不绝的音乐灵感，则更令他的作品充满着灵性的可爱。

　　先来谈谈亨德尔的歌剧。作曲家一生所著的歌剧有将*50部，这些作品大多作于他在意大利留学以及英国生活期间。虽然亨德尔并不是歌剧领域的改革者，他更多担负起了继承、发扬意大利歌剧的职责，但由于其良好的音乐创作天赋，加上在意大利留学期间得到了众多名师的指点，因此在歌剧领域取得了超乎寻常的成就。起码在同时期的作曲家当中，几乎没有人能在歌剧领域超越亨德尔的作品。可惜的是，这数十部歌剧作品如今能够上演的却不多，因为很多曲谱和剧本早已遗失，只留下了一小部分，且录音资料屈指可数。记得在去年的某个时候，曾经有幸在电视中欣赏到一台国外制作的亨德尔歌剧咏叹调选唱。虽然场景布置和人物服饰都是极富现代感的，甚至连故事情节都被赋予全新的表现手法，但是演员们却演唱着300年前亨德尔编写的旋律。那档节目给我留下了很深刻地印象，流畅而妩媚的旋律充满着巴洛克特有的艳丽色彩，无论是快板还是慢板，都浮现出令人耳难忘的润泽，听完之后感觉意犹未尽。然而第二天当我专门前往各大唱片店，欲寻亨德尔的歌剧唱片时，却落得两手空空，不禁令人惋惜。

　　除了歌剧之外，作曲家最受欢迎的作品当属协奏曲以及标题管弦乐，这也是本篇的介绍重点。在这些器乐作品中，亨德尔同样展现出其无与伦比的才华。他的大协奏曲被出版整理的主要有两部——Op.3以及Op.6，前者一共有六首，而后者一共是12首。相比较而言，作于1739年的Op.6更受到人们的好评与喜爱。这套协奏曲是亨德尔在一个月内写完的，而目的也很简单——只是为了在伦敦市内、郊外的公园、花园内演出而作。当时作曲家在英国的境遇已经较为惨淡，他的歌剧已经无法吸引伦敦听众的耳朵。所以为了能够生存下去、为了能够得到最起码的经济保障，他不得不依靠创作这些大协奏曲来讨得贵族听众们的欢心，以求自己的温饱。虽然如此，但这套作品却充满着浓厚的艺术底蕴，显然并不是作曲家敷衍了事的结果。因此，亨德尔的《Op.6 12首大协奏曲》被公认为与J.S.巴赫所作的《六首勃兰登堡协奏曲》并驾齐驱，誉为巴洛克时期最精美的协奏曲之一。

　　亨德尔的大协奏曲更多倾向于意大利风格，因为作曲家十分欣赏其中的对比思想。这种对比体现在一组2-4件的独奏乐器(通常是两把小提琴和一把大提琴)与整个乐团的音色形成对比，同时配以大健琴，营造出丰富透明的色调。在Op.6这套作品中，亨德尔流露出他个人内心世界细腻而丰富的情感，同时又借优美而明亮的旋律，将自己对于大自然万物的美好向往与歌颂表达出来。这12首协奏曲每曲由3-6个乐章所构成，每一首作品又有自己独到的风格与特色，譬如：No.1庄严而雄伟;No.2透出田园牧歌气息，No.3充满悲剧色彩;No.12则显出安宁与和谐。其中尤以No.2以及No.6最为著名，也最常被上演。每个乐章的曲式也是丰富多样的，从典型的舞曲到笨重的赋格，有明快悠扬的快板，也有忧郁感伤的片断。评论家们将这些作品的高度艺术性赞誉为“即兴创作的巅峰”，而对于普通入门者而言，亨德尔的这套大协奏曲也堪称巴洛克音乐的入门佳选。

　　除此之外，亨德尔的管风琴协奏曲则是他在器乐作品领域的又一套佳作，目前我们可以听到的主要有12首，分别被编入Op.4以及Op.7出版，各6首。亨德尔原本就是一位演奏技巧极为高超的管风琴家，他所作的管风琴协奏曲自然也有很高的水准。虽然亨德尔在英国时主要把创作精力放在了歌剧以及神剧方面，但他对于管风琴的喜爱却始终没有减退。作曲家首创了在神剧演出之前先演奏一段管风琴的*惯，以便在剧场内形成一种肃穆的氛围。一开始只是管风琴独奏，后来逐渐演变为乐队与管风琴一同演奏，既而造就了亨德尔的这些管风琴协奏曲。虽然这些作品的知名度以及受欢迎程度可能不如先前的大协奏曲，但同样也具有相当高的艺术价值。

　　不过亨德尔最著名的器乐作品不是他的大协奏曲、也不是管风琴协奏曲，而是两部标题组曲——《水上音乐》以及《皇家焰火音乐》，下面我们就来仔细剖析这两部大作。先介绍《水上音乐》，而在上一篇文章中，已经为大家略略带到过这部作品。1714年亨德尔正在英国大施才华，早已把自己的故乡德国抛在脑后，也正在这一年，十分赏识其才华的英国女王安妮去世了。由于女王无后，直到第二年新国王才登基，而新主却是来自德国的汉诺威选帝侯乔治，他也正是亨德尔在德国时候的主人。乔治国王接位后不久，伦敦的齐尔曼林克男爵为庆祝新帝即位，便准备在1715年8月于泰晤士河上举行一个水上游乐会。这种水上夜游是当时英国皇室最时髦、最热衷的夏季活动，而在游览过程中音乐却是必不可少的娱兴节目。亨德尔恰好受命编写这样一套背景音乐，他当时正在忐忑不安中，因为生怕乔治一世国王记恨他当初在德国时的背叛，而受到惩罚，所以接到这个任务后亨德尔十分卖力，很想将功赎罪。到了游览日这天，泰晤士河*彩旗飘扬，围观者数以千计，河面上舟帆荡漾，场面尉为壮观。乔治一世的龙船开路在前，旁边则有乘坐着乐团的小船相伴。演奏家们在乐长亨德尔的带领下，演奏着由作曲家精心创作的《水上音乐》，为国王、贵族们的游览助兴。曲目旋律流畅、欢快而热烈，最终的演出效果非常之好，亨德尔因此受益匪浅。

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学*剑术的基本知识

学*剑术的基本知识

　　剑术，即舞剑或用剑刺杀的技艺或技能。剑术具有轻快敏捷、潇洒、飘逸等的特点。下面小编为大家整理学*剑术必须知道的几个要点，别忘你收藏哦!

　　武术器械种类很多，刀、枪、剑、棍是长、短器械的代表，拳谚曰“刀如猛虎，剑似飞风。枪扎一条线，棍打一大片”。要求练*者根据不同的器械特性，表现出不同的演练风格。本节主要介绍剑术。

　　一、剑的指法、持剑法和握剑法

　　1、剑指

　　无名指小拇指的第二、三向掌心弯曲，拇指折曲以第一指节扣压无名指与小拇指的第一指节上成剑指。拇指一侧向上，指尖向前为立剑指;手心向下，指尖向前为*剑指。

　　2、持剑法

　　左手虎口对剑格食指或食指、中指伸直贴附于剑柄之上，其余手指内屈紧握剑格。

　　3、握剑法

　　(1)、满把：右手五指形似握拳状，较有力握紧剑柄前部，剑与小臂略*似直角。

　　(2)、螺把：右手五指形呈螺壳状，握住剑柄前部，剑与臂几乎在同一支线上。

　　(3)、活把：右手以拇指与食指握剑为主，其余三指为辅助和维持剑体灵活运转用于*衡作用。

　　二、基本剑法

　　基本剑法是剑术技术的核心，是剑的技击运用方法和运动方法。主要有：刺剑、劈剑、撩剑、挂剑、云剑、点剑、崩剑、截剑、剪腕花等。

　　1、动作与要点

　　(1)刺剑

　　动作：立剑或*剑向前直出为刺，力达剑尖。

　　要点：剑与手臂成一直线。

　　(2)、劈剑

　　动作：立剑，由上而下为劈，力达剑身。

　　要点：肘关节由屈至伸，剑由上至下，力达剑身。

　　(3)、撩剑

　　动作：立剑，由下向上方为撩，力达剑身前部。

　　要点：贴身弧形撩出，力达剑身前部。

　　(4)、挂剑

　　动作：立剑，剑尖由前向上、向后或向下、向后为挂，力达剑身前部。

　　要点：立剑贴身挂出，力达剑身前部。

　　(5)、云剑

　　动作：*剑，在头顶或头前上方*圆绕环为云。

　　要点：上云剑要仰头，左(右)云剑头向左(右)肩侧到，腕关节灵活。

　　(6)、点剑

　　动作：立剑，提腕，使剑尖猛向前下为点，力达剑尖。

　　要点：提腕，力达剑尖。

　　(7)、崩剑

　　动作：立剑，沉腕使剑尖猛向前上为崩，力达剑身前端和剑尖。

　　要点：沉腕有力，力达剑身前端和剑尖。

　　(8)、截剑

　　动作：剑身斜向上或斜向下为截，力达剑身前部。

　　要点：剑身斜*。上截剑斜向上，下截剑斜向下。

　　(9)、剪腕花

　　动作：以腕为轴，立剑在臂两侧向前下贴身立圆绕环。

　　要点：腕关节灵活，剑运行要贴身立圆，力达剑身前端。

　　2、练*方法

　　(1)、按上述动作要求，单个动作反复练*

　　(2)、配合手、眼、身、步法进行两个或多个动作练*

　　关于神剑干将莫邪剑的故事传说

　　上古神剑之干将莫邪剑：

　　传说为世间宝剑与上古神剑之莫邪剑为一对，上古神剑之干将剑是雄剑，上古神剑之莫邪剑是雌剑。是铸剑师干将和莫邪打造。

　　干将莫邪是*古代志怪小说集《*》中所记故事。*古代传说中造剑的名匠。干将，春秋时吴国人，曾为吴王造剑。后与其妻莫邪奉命为楚王铸成宝剑两把，一曰干将，一曰莫邪(也作镆铘)。干将将雌剑献与楚王，雄剑传给其子，被楚王所杀。其子眉间尺长成，终于为父报仇。此一传说赞颂了剑工高超的技艺，宝剑文字的神采，统治者的残暴和少年的壮烈。

　　干将莫邪的故事传说

　　干将、莫邪是两把剑，但是没有人能分开它们。干将、莫邪是两个人，同样，也没有人能将他(她)们分开。干将、莫邪是干将、莫邪铸的两把剑。干将是雄剑，莫邪是雌剑。干将是丈夫，莫邪是妻子。干将很勤劳，莫邪很温柔。干将为吴王铸剑的时候，莫邪为干将扇扇子，擦汗水。三个月过去了，干将叹了一口气。莫邪也流出了眼泪。

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黑匣子基本知识

黑匣子基本知识

　　黑匣子有两种功能，记录飞行数据和记录飞机停止工作或失事前半小时的语音数据。所以黑匣子其实分为飞行数据记录器和座舱话音记录仪。那么，下面是小编为大家整理的黑匣子基本知识，欢迎大家阅读浏览。

　　什么是黑匣子?

　　黑匣子准确的名字应该叫航空“飞行记录器”，它是飞机上专用的电子设备之一。黑匣子有两种功能：记录飞行数据和记录飞机停止工作或失事前半小时的语音数据。所以黑匣子其实分为飞行数据记录器和座舱话音记录仪。

　　金刚不坏的黑匣子

　　黑匣子作为分析空难原因的重要证物，其自身的坚固是毋庸置疑的。往往飞机解体，甚至爆炸后，人们最后都能找到这个“目击证人”。为了承受巨大的冲击力、高温等恶劣环境，黑匣子的表面有着很厚的钢板和许多层绝热防冲击的保护材料。据统计，黑匣子可以在1100℃的烈火中承受30分钟的炙烤，能经2吨左右重的物体挤压5分钟，能在机油、酸性溶液等腐蚀性液体中浸泡几个月之久。能在如此多的恶劣条件中“生存”，黑匣子真可谓是金刚不坏的“小强”啊!

　　黑匣子未必“黑”!

　　人们口中的'“黑匣子”其实并不“黑”，是人们为了它的神秘和缅怀空难事故，才给它按了一个“黑”字!相反黑匣子的颜色是很鲜明的桔红色!这种醒目的颜色可以在事故发生后，方便事故调查人员的寻找。

　　在黑匣子落入水中后，黑匣子会依靠自身的蓄电池，连续30天自动向四面八方发射信号，让人们来确定它的位置。

　　黑匣子的发展

　　在早期黑匣子刚刚问世的时候，只能记录5种飞行数据，而且误差较大。经过人们的不断改进，70年代后广泛使用的数字记录磁带已经可以记下100种以上的飞行参数，保存最后25小时内的飞行数据。而今天，集成电路存贮器已经非常成熟，能记录阻力、升力、飞行姿态等200多种飞行数据，而且准确度非常高。

　　什么是黑匣子

　　黑匣子的学名是飞行数据记录仪，记录飞机飞行期间的详细信息资料。

　　现代商用飞机一般安装两个黑匣子，分别是“驾驶舱语音记录器”和“飞行数据记录器”。

　　“驾驶舱语音记录器”用来记录驾驶舱和座舱的飞行员、飞行员之间及座舱内乘客的讲话录音及各种可听到的声响。

　　“飞行数据记录器”则记录飞行参数，如水*速度、垂直速度、加速情况以及磁角等飞行数据。

　　黑匣子名称虽然带“黑”字，但通常为橙红色，是长约40厘米、宽与高约为20厘米的长方形金属盒子，每个重约20公斤到30公斤。

　　两个黑匣子一般安装在飞机尾部，因为机尾在空难事故中通常保存相对完整。黑匣子携带水下信号标识器，一旦落入水中受到浸泡，会自动激活电池供电系统，不间断向外发射频率为37.5千赫的电磁波，供搜寻者用专门接受器确认其方位。

　　法律规定，黑匣子入水后电池必须保证发射信号至少30天。一些专家指出，在30天之后，依据黑匣子的电池电力不同，还能发出15天或更长时间的噪音。

　　黑匣子的诞生

　　法国工程师弗朗索瓦·于斯诺和保罗·博杜安是记录飞行数据的最早尝试者之一。1939年，在法国马里尼昂飞行测试中心，他们展示了“typeHB”飞行记录仪。这种装置以影像记录为基础，因为飞行记录被制作成一卷长8米、宽88毫米的电影胶片。

　　澳大利亚人戴维·沃伦1956年发明了结合“飞行数据记录器”和“驾驶舱语音记录器”的黑匣子原型。1953年至1954年间，发生一系列致命坠机事故，包括世界第一架喷气式民航班机“彗星”号坠毁。

　　作为一名航空燃料专家，供职澳大利亚航空研究实验室的沃伦参加一个调查“彗星”号坠毁的专家组。鉴于没有目击者和幸存者，沃伦设想以一种可以抵御冲击的方式，记录机组人员对话以及其他坠毁前数据的装置，这将对确认事故原因甚至对将来防范事故都有很大帮助。

　　按照他的设想，这些数据保存于抗冲击和防火装置中。他于1956年发表一篇标题为《一种帮助调查飞行器事故的装置》的文章，并于次年制作“飞行数据记录器”的原型。这个名为“航空研究实验室飞行记忆设备”的装置可以保存4小时语音和飞行数据。但是，沃伦的发明当时没有引起澳大利亚乃至世界航空管理部门的兴趣。

　　数年后，在澳大利亚昆士兰州一架飞机坠毁后，调查法官1960年强烈建议，所有客机都应安装飞行记录仪。随后，澳大利亚成为世界首个强制安装“驾驶舱语音记录器”的国家。

　　黑匣子学名叫“飞行数据记录仪”，它是一个数据储存容器，可以将飞机的飞行数据记录下来。从功能是来说，飞行数据记录仪更像是一个U盘，可以存储数据，也像汽车行车记录仪，可以保存声音数据。总的来说，它就是一个虚拟记录员，记录飞机飞行中的数据。

　　对于黑匣子，很多人其实并不了解它，人们只知道它是记录飞行状况的设备，却并不知道，关于黑匣子，人们一直都有三个常识性错误。今天我在这里就为大家盘点和纠正一下。

　　第一个错误：黑匣子是一个黑色盒子

　　这个错误极其普遍，几乎80% 知道黑匣子的人，都会认为它就是黑色盒子。就连笔者本人在查阅资料之前，也这么认为。然而事实却是，黑匣子根本不是黑色的。

　　实际上，黑匣子是一个红色的长方体金属盒子，大红色涂装是为了人们更好发现和找到它。黑匣子长度大概相当于5块板砖并在一起，搬过砖的人都知道，这个长度并不长。

　　既然黑匣子是红色的，那为什么人们要叫它黑匣子呢？这个名字的由来，和西方一个神话故事有关，这个故事叫做《潘多拉的魔盒》，在这个故事中，哈德斯的姐姐潘多拉意外得到一个魔盒，希腊诸神告诉潘多拉不要打开这个盒子。但好奇害死猫，好奇心太重的潘多拉，最终忍不住打开了魔盒，放出了各种灾难和恶魔。潘多拉也因此受到牵连，被诸神关了起来。

　　由于飞行数据记录仪，大多记载飞机失事内容。回放只会给人带来无尽痛苦，所以人们管这个设备，叫做“黑匣子”，也是想说明它储存灾祸，是不祥之物。

　　第二个错误：黑匣子无法摧毁

　　在很多人的认知中，飞机失事黑匣子都毁坏不了，由此可见，黑匣子应该是一个无法被摧毁的东西。然而真相并非如此。

　　黑匣子虽然可以经受1100度高温烘烤数小时，但抗压能力却只有1吨。虽然这个抗压足以应对黑匣子掉落深海，但却无法经受大爆炸产生的巨大压力。一旦被大爆炸冲击波击中，黑匣子瞬间就会被挤压变形。里面的内容也会损坏。所以黑匣子并非不可摧毁。

　　第三个错误：黑匣子记录时间无限长

　　这个错误几乎100%的人都会有，大众认为，黑匣子是飞机升空之后就开始工作，然后直到出事才停止工作，如果没有出事，第二次飞行信息和数据，就会覆盖第一次飞行数据。工作原理和行车记录仪相似。

　　然而真相却是，黑匣子只记录飞机失事前30分钟内容，而且是飞行员语言内容。而并非什么都记录。黑匣子工作原理非常简单，一旦它监测到飞机参数出现异常，它就会迅速进入工作状态。但如果黑匣子监测不到异常，它就不会进入工作状态，继续沉睡。

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