古诗中的艺术形式

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  • 我喜爱的文学艺术形式普通话考试

  • 考试,喜爱
  • 我喜爱的文学艺术形式普通话考试

      普通话水*测试是对应试人运用普通话的规范程度、熟练程度的口语考试。考试形式为口试。下面为大家带来了我喜爱的文学艺术形式普通话考试,欢迎大家参考阅读。

      工作之余,我最喜欢读书了。在书籍的海洋里遨游,真是一件非常惬意的事情,因为这样不仅可以使我忘却身边的烦恼,而且还可以增长知识,开阔。从上学认字以来,我看了很多的书:有李白和杜甫的诗歌,也有余秋雨的散文。但我最喜欢小说,每当自己买回一本新的小说后,总会迫不急待的翻开它,一读就放不开手,遇到感人的情节时,也会掉下眼泪。小说读了不少,包括《呼啸山庄》、《复活》这样的国外名著,也有《家》《*凡的世界》这样的*名著,以及我最喜欢的《西游记》、《红楼梦》等*古典小说。

      《西游记》既有神话小说的离奇又有武侠小说的精彩,满足了我的好奇心,因此也让我爱不释手。《西游记》塑造了个性鲜明的人物形象:唐僧的善良,孙悟空的机智勇敢,猪八戒的好吃懒做和沙僧的忠厚老实都给人留下了深刻的印象。我现在脑海中依然可以清晰的反映出孙悟空与妖怪打斗的场面,不仅被他的勇敢与机智所佩服,也为唐僧的顽固不化而感到惋惜。后来,有时间又把《西游记》读了几遍。每次都有新的收获。慢慢的,我也读懂了唐僧的'良苦用心,也被他的菩萨心肠所感动!是啊!只有尊重生命,爱惜生命,才能使自己有一颗宽容博爱的心。

      《红楼梦》也是我喜爱的一部小说。记得第一次读《红楼梦》时的时候,正值青春期的开始。当时只是完全着迷于作者笔下缠绵的男情女爱,对作者的“荒唐言”、“辛酸泪”,并无太多感觉。与《西游记》一样,多读几遍之后,我不仅感受到一个家族由盛而衰的过程,也对当时的社会环境深有体悟,于是在一定程度上,读懂了那个社会变革的历史。

      中华文化博大精深,在历史的长河中也留下了许多经典的小说给后人,所以在以后的生活学*中,我将更加努力的读书,读一切好书。

      我看电视、看报纸,最注意的首先就是广告。广告篇幅不大,但凝聚了相当的艺术力,是广告人精心考虑的结晶。在商品经济飞速发展的今

      语言,就是人与人之间进行思想沟通的一种手段。随着社会的发展,语言,已经成为一个人学识,风度的标志。一个人,他的学识,风度如何,从他的言谈举止就可以反映出来。那么,什么语言才是美的语言呢?

      我是这样认为的:首先,语言要准确,就是读音要准确,为什么说美的语言首先的要求就是读音准确呢?因为我们国家是个多民族国家,每个民族都有不同的语言文化,那么各民族之间的交流主要就是靠普通话,如果你的语音不准,那么别的民族的人就听不懂你的话,就无法进行交流,这在交际当中也就谈不上美了。

      比如说,我曾经听到过这样一个相声,有一个外地人,来到一家饭店,他对服务员说:“我要水饺(睡觉),服务员听不懂他的话,以为他要上旅店休息,就对他说:“这里是饭店不是旅店”。你看,这不闹出了笑话,可见,如果在交流当中语言不准,就不能够进行很好的交流。因此,语言也就谈不上美。再一点,语言还要得体,在不同的场合,要注意到当时的环境以及对象,比如说,你去安慰一位高考落榜的朋友,你就不能反反复复的指责他不争气,这种试题你也不会做吗?等等。

      将来我们对学生进行批评教育时,也要注意使用得体的语言,否则会伤害学生的自尊心,做老师的要特别注意语言的使用。总之,语言美起码就要有以上的标准,一是语言要准确;二是语言要得体,只有做到这两点,我觉得语言才能谈得上美。

      喜爱的文学艺术形式是小说,因为小说有趣,好玩,情节曲折,尤其是短篇小说,情节紧凑、短小精悍,有着深刻、丰富的社会意义。看过的短篇小说中,我最爱的是鲁迅先生的《故事新编》。鲁迅的文章大多是议论文,所以大家比较少看过她写的小说。《故事新编》汇集了鲁迅先生的短篇小说。不过,他的短篇小说可一点都不唯美,而是体现了生活现实的一面。

      里面有个故事,我印象特别深刻,故事发生在三十年代,男主人公叫涓生,女主人公叫子君,他们不顾家人的反对,一起私奔了。可是,婚后的生活一点都不美好,涓生失去了经济来源,每天都在不停的找工作,不停的碰壁。子君开始觉得生活很浪漫,后面也不得不向生活低头,因为她每天要洗碗做饭,而且也不能再涂雪花膏了。因为贫穷,他们互相埋怨,几乎天天吵架。终于有一天,他们吵完架,涓生继续出门找工作,子君在家里想不开,自杀了。这个故事以浪漫开始,却以悲剧结束。毕竟,王子娶了公主是童话的结局,并不是最后的许诺。这个故事揭露了一个现实的问题:爱情需要“物化”,他基于基本的生活,没有生活基础的爱情势必会破灭。

      这就是最喜爱的文学形式,短篇小说。

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2022-07-26 21:32:32
  • 博物馆展示设计的艺术形式分析

  • 设计,艺术
  • 博物馆展示设计的艺术形式分析

      博物馆作为一个传播文化、鉴证历史的永久性机构,其展示的空间以及展品需要与观众心灵产生共鸣,以下是小编J.L为大家分享的关于博物馆展示设计的艺术形式的论文范文。

      摘要:博物馆一直以来都是传承和发展文化的载体,是一种展示设计创造性的活动,也是展览中的一部分,其不仅具有展示设计中的共同性质,同时也具有自身的特性。通过合理的展示设计能够更好地体现出地域性、文化性以及民族性的特征,满足人们的物质和精神生活,提升生活的品质。当代博物馆展示设计也随着展示手段和技术的丰富和创新,迸发出不同的艺术价值。本文主要对博物馆展示设计的艺术形式进行具体的研究。

      关键词:博物馆;展示设计;艺术形式

      博物馆展示设计是一种设计范畴的学科,随着设计手段和技术的发展,博物馆展示设计也具有了更多新的内涵。相对于一般地点的展示设计来说,博物馆的展示设计对设计的风格、手法以及类别等都提出了更高的要求。博物馆的展示设计涉及心理学、传播学、建筑学、心理学、美学以及人机工程学等多个学科领域。因此在进行博物馆展示设计时,需要以深厚的文化内涵为底蕴,进而使设计的艺术形式感更强烈,符合当前人们的审美观。

      一、博物馆展示设计原理分析

      (一)博物馆展示设计的目标

      博物馆存在的主要意义是为了能够科普知识、传播社会文明,是一个具有公共性的机构。其具有特殊的艺术展示形式。也可以说博物馆就是一种艺术作品,其建筑的风格、展品的设计以及整体的规划都能够带给人一定的视觉享受。

      (二)博物馆展示设计要素

      博物馆展示设计主要可以涵盖展示的空间、展示的设备以及展示的物品。其中展示的空间也就是概念空间,是一种没有形体的空间展示,主要是以展品的内容来体现其存在的价值。同时博物馆的展示空间也是展示活动的主要载体,在博物馆的展示空间中,其结构、色彩以及灯光等都是必要的组成元素;展示设备包括展墙、展架、展柜以及展板等。[1]展示设备具有组合化、方便化以及标准化的特点。组合化是指在展示的过程中,展示的设备可以根据具体的展示要求进行搭配组合,方便化是指结合现代的拼装技术和先进的设计方案,使设备的安装以及拆卸更加方便;标准化是指展示设备的规格具有一定的通用性;展示物品是博物馆展览中的主要内容,是博物馆展示的主要目标和任务。

      二、博物馆展示空间设计艺术

      展示空间是博物馆展示活动的主要场所,在设计上不仅要满足展品的展示承载功能,同时还要符合参观者的审美要求,因此在博物馆的展示空间设计上必须做一定的艺术处理。

      (一)注重空间的和谐性

      博物馆展示空间的设计不能分成不同的部分进行设计,而是要注重设计的整体性和系统性,因此在空间的设计中必须考虑和谐的因素,将空间中不协调的因素进行统合。但是这种统合并不表示所有的空间都要具有统一的模式,而是既要有多样性又要具有统一性。在博物馆展示设计中需要从空间的规划、色彩、材质以及结构等多个方面的变化来构建统一的空间模式。

      (二)展示设计需要遵循均衡性原则

      设计的均衡性能够使视觉的构图更加和谐,均衡性设计是指以某一个点为中心,两边的设计分量相等或者相似。同时在均衡原则的设计上,也分为规则均衡和不规则均衡。规则均衡设计在视觉上能够给人一种两边完全相等的感觉,无论是在体量、形状还是色彩上都具有较强的对称性,形成规则的镜面式对称,这也是博物馆展示空间设计中的重要设计原则;而不规则均衡性主要是根据杠杆*衡原理,在两边的设计中元素相*,但是却又存在差异。这种设计方式能够增加展示空间气氛的活跃性,同时又不失整体*衡感。

      (三)强调展示设计的节奏以及韵律

      展示空间设计的节奏主要是指在特定的范围或者单位内,空间的设计具有规律性的重复或者形体的运动分解。在具体的设计中是在空间构成重复的基础上再进行的分段运动,因此能够使空间的分布具有一定的规律性。而韵律则主要是指通过对相似元素或者空间环境的组合,使其具有一定规律的同时也有一定的变化。在博物馆的'空间设计中,节奏性以及韵律性是单元空间设计的主要方式,具有重复和渐变的表现形式。重复的单元空间能够给人一种稳定的、持续的视觉感觉,从而在纷乱的展品中,使人能够以一种*和的心态去观赏,同时也能够为人们的参观起到导向的作用;渐变的单元空间可以分为单一空间的渐变以及复合空间的渐变,通过这种渐变的方式能够给人一种既灵活又不乏整体性的感觉有序的空间变化不会影响人们参观的心理,而且能够突出展示的主体。[2]

      三、博物馆展示内容设计艺术

      (一)硬件内容设计艺术

      1.陈列室设计艺术

      博物馆展品在展览时主要的储藏位置就是陈列室,因此在陈列室的设计中需要注意室内的环境、通风、干湿度以及采光等因素,这样不但能够突出展品的展示效果,同时还能够对展品起到一定的保护作用。由于博物馆所展示的展品都具有非常大的传承价值,所以在陈列室的设计中必须做好消防措施。在施工的过程中严格按照相关规定选择材料,严格操作规范。同时在陈列室的设计中还需要对空间进行一定的艺术处理,比如陈列室的地面、墙壁以及天花板等具体的色调以及肌理等,都需要与所展示的展品相契合,能够烘托出展品的背景,从而使观众在参观的过程中,能够进入到展品展示的主体中,起到强烈的视觉引导效果。

      2.光环境的设计艺术

      光是感知物象的基本视觉条件,因此在博物馆的创造、改变以及优化空间的设计中都离不开光环境。在博物馆展示设计中的光源主要有两种,一种是自然的采光,另一种是人造光。自然采光主要是通过太阳照射而形成的光环境,因此室内的光线会随着地球的转动而发生变化,这使得一些方向朝北的展厅会选择自然光照,因为这个方向的展厅受光照变化影响较小,而且光照柔和。人造光主要是指利用电灯形成的光照环境,通过对灯具的调节和设置达到一定的照明效果。目前在国内外博物馆使用比较广泛的灯具包括基本照明灯具、装饰灯具以及慢射照明灯具等。同时在照明的效果上也分为直接照明、间接照明和重点照明。首先,直接照明。是一种经常应用的照明手段,一般常用的有吸顶灯、导轨射灯以及吊灯等,这种照明方式能够保证95%以上的灯光都被充分利用。因此在博物馆的大厅、主要通道以及大件展品的顶部,一般都会采用直接照明的方式,这样能够保证灯光的光线分布更加广泛,不会产生遮光角。但是在直接照明的亮度选择上,还需要根据照射面积、照射物以及展厅的高度来设定,一般的照度设定在300lx。因为如果光线过弱,会使得展厅视线不清,无法达到预期的展示效果;如果光线过强,则容易使观众产生视觉疲劳,同时也会对展物产生一定的损害,特别是书刊、漆器等容易产生褪色变质的情况。其次,间接照明。间接照明是指将灯光投射在墙面或者天花板上,形成二次光源,在博物馆展厅的吊顶、地台、展板侧面等,使灯的光线由内而外发光。间接照明的光线扩散性较好,不会产生阴影,光亮适度,光质柔和。[3]因此在展览馆的设计中,需要根据其自身的特点合理设置,可以根据展品的位置、类型对色彩照明以及亮度的需求等进行设计,使展厅形成层次变化的光环境。最后,重点照明。重点照明也称为局部照明,是指利用较强的灯光对展品的某个部位进行投射,进而形成特写的效果,能够突出产品的展示重点,产生一种立体感。这种灯光设置的方式具有较强的针对性,一般用于展览馆中比较具有代表性的展品。比如北京故宫博物院的《大禹治水玉山子》,利用这种方式能够体现出实体和虚空的连贯性。但是在应用重点照明时,必须注重光照的方向性,这样才能够塑造出一种立体感。需要从顶光、顺光以及逆光三个方向进行组合,同时在灯具前添加滤片,通过对紫外线的过滤,有效控制炫光。此外在重点照明的设计中还需要根据展台的间距、尺寸等适当设定距离,形成主次分明、松紧适度的视觉效果。

      3.陈列设备设计艺术

      陈列设备一般体积较大,数量较多,因此陈列设备的设计对艺术的整体效果具有非常重要的作用,在博物馆的设计中需要对展柜、展墙以及展台的尺寸、比例以及造型灯进行认真的研究和推敲,使得陈列设备能够与展品内容和特点相符,进而体现其陈设的作用和突出展品的优势。

      (二)软件内容设计艺术

      1.陈列组合设计艺术

      陈列组合设计是空间展示设计的核心,同时在设计工作中也是最繁重和最花费精力的。陈列组合中包括整体和局部陈列组合部分,整体陈列组合是总设计风格下设计的组合方式;而局部组合设计则主要是根据具体的标本、文物为展览的基本资料,在设计的过程中根据设计框架或者大纲而有顺序和层次地排列展品,使展品间建立起一定的联系性。[4]

      2.辅助展品资料设计艺术

      辅助展品资料包括灯箱、图表、沙盘以及照片等辅佐原件展出的一些资料,能够补充展示作品的学术研究成果,同时也有一些辅助展品本身就是艺术作品,具有一定的观赏价值。

      (三)其他方面的设计艺术

      除了软硬件的设计外,还有一些介于软硬件之间的设计内容,比如安全标志、文物等。以陈列室的路线布局为例,在设计的过程中,首先要考虑防盗报警、消防等设施的健全和完善,同时要保证紧急疏散口的通畅,其次要注重这些设施与博物馆整体设计的契合,保证博物馆整体的艺术效果。

      四、结语

      综上所述,博物馆作为一个传播文化、鉴证历史的永久性机构,其展示的空间以及展品需要与观众心灵产生共鸣,因此在博物馆的展示设计中要从艺术的角度拉*与观众的距离,使观众置身于博物馆,不仅能够欣赏到展物的风采,同时通过博物馆的设计艺术寻找与其相同的艺术语言。营造出创新的格局,使博物馆的展示风格具有较深的文化内涵,同时又贴*于生活,能够更好地服务社会,弘扬民族文化。

      参考文献:

      [1]杨正宏.多元体验下的博物馆展示设计———以镇江博物馆为例[J].东南文化.2013(5):117-122.

      [2]肖科坤,卢伍强.博物馆展示设计艺术初探[J].赤峰学院学报(自然科学版),2015(13):163-164.

      [3]谢小雄.当代博物馆展示设计艺术研究[J].大众文艺,2015(24):36.

      [4]徐晶.*传统元素在历史博物馆展示设计中的应用———谈南京六朝博物馆展示设计艺术[J].艺术科技,2014(9):59-60+62.

      博物馆的陈列设计是一种信息传播的手段,在确定整体设计理念和形式风格的前提下,对陈列的要素进行总体的布局安排,通过分配空间与设计展墙、组合编排展品顺序、处理重点展项等手段,实现博物馆视觉效果体验和信息传达,让观众接受博物馆的历史熏陶和文化教育。因此,博物馆陈列设计过程中需要借助传播学、艺术学、社会学等学科原理来达到呈现效果。

      一、博物馆展示陈列的基本要素

      展示陈列的基本要素是指在博物馆展厅空间里呈现给观众的所有展品和展项。观众走进博物馆通过视觉、触觉、听觉去感受展品传播的信息,达到受教育的目的。因此,按照展品的形状和信息传播特点可以把展示陈列的基本要素分为两类。

      第一类是指博物馆的各种实物藏品,这类展品是博物馆展示的基石,属于静态展示资料。在展示陈列过程中通过独立的静态展示,将原始信息直接和客观地反映给观众。实物藏品具有非常强的真实性和可信性,是博物馆展示的最重要组成部分。这类展品包括文物、标本、照片、复制品、模型、沙盘、图解资料、文件档案等。

      第二类是指记录人类文明和历史发展的各种音频、录像资料等影音资料,属于动态资料。这类展品能够更加直观地呈现自然、社会生活环境,以及历史人物和事件的关系。这类展项的展示方法主要是通过数字技术与多媒体设备向观众展示。例如,位于美国纽约犹太人历史博物馆休息通道中的一段历史资料,通过视频投影在碎片式的墙面去唤起大家的记忆。

      二、博物馆展示要素的陈列原则与要点

      (一)文物藏品的陈列原则与要点

      第一,文物藏品展示的安全性是首要问题,陈列时要注意对文物藏品的保护,不能触碰的文物藏品要做好防护工作。

      第二,文物藏品展示的科学性原则,即将文物藏品按系统分门别类地排列,同时注意文物藏品之间的逻辑顺序和主次关系,切忌杂乱无章的堆砌。

      第三,文物藏品展示的艺术性原则,即注意文物藏品与背景空间之间的美学关系,以形成富有艺术性的展示效果。

      (二)影像资料的陈列原则与要点

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2021-12-11 22:03:14
  • 探究美术馆空间设计的艺术形式论文

  • 艺术
  • 探究美术馆空间设计的艺术形式论文

      无论是身处学校还是步入社会,大家都不可避免地会接触到论文吧,论文是学术界进行成果交流的工具。写起论文来就毫无头绪?以下是小编为大家收集的探究美术馆空间设计的艺术形式论文,欢迎阅读,希望大家能够喜欢。

      摘要:在21世纪的今天,美术馆已慢慢由被动展示向主动引领的方向迈进,由幕后转为台前,在教育知识和提高审美的同时,引发了人们对美术馆公共性空间设计的关注和探索。本文通过对美术馆空间设计的研究和整理,深度审视“公共性”在美术馆中的表现,结合国内外优秀案例的调研与分析,总结出适合当下社会发展的美术馆空间组成形式。

      关键词:美术馆;公共性;空间组合;空间设计要素

      随着时代的发展变化,美术馆的展览内容与形式、社会职能及角色也随之发生着变化,传统意义上的美术馆需要不断地升级自身的建设理念满足越来越多的参展者的需求。分析美术馆的空间组成要素与空间组成形式,希望带给人们更多思考的同时也给之后的美术馆设计提供更多的参考。

      一、空间设计的组成要素

      1、展示空间

      展示空间作为美术馆最基础的公共空间,具有展示作品和传递信息的功能。根据展品的类型和展示方式的不同,展示空间将是美术馆所有空间中最灵活,最变化多样的存在。在展览作品时,想要展示空间达到完美效果,需要通过展示形式与其内容的相互配合,还有多样性的展示方式。例如浙江美术馆整体设计明朗、开阔,选取大面积的玻璃幕墙做立面和屋顶的建筑材料,使空间更加的通透宽敞,内外景色连成一体。其中书画类展品多是在空间较大的区域,以竖直或*铺的方式陈列;而雕塑类展品则相反独立的空间更有利于细节的观察。进入21世纪,现在情景化展示逐渐成为美术馆历史再现类展示的需要,在带给参观者视觉冲击的同时也引领全新的展示模式。例如上海喜玛拉雅美术馆展厅的敦煌展览,整体空间仿照莫高窟的形式建成,墙壁和天花板的材质都选用仿真砂石,力求从各个方面去还原藏品所处的地理环境,以此希望引导人们对展览进行深思。根据展示方式的不同可将展厅的展览分为以下几种,线性展示方式是通过几何形的动线引导形式,让参观者的参观过程更具有目的性。游散性展示方式对人的参观动线没有明确的规定性,人的参观行为自由发生,空间动线更加的灵活多变。体验性的展示方式,是*几年逐渐出现的,将艺术品以触摸或是聆听的方式展现给公众,空间动线以聚集和环绕为主,这样的展厅将吸引更多的参观者,并拉*艺术品与参观者的距离。

      2、公共空间

      作为各展示空间之间的联系与纽带,公共空间是美术馆空间设计的重要环节,其设计直接影响到美术馆的整体形象,公共空间主要体现在门厅与中庭的设计中,是美术馆带给参观者的第一印象之所。在观展的整体过程中,公共空间起到舒缓情绪的作用,例如美国国家美术馆东馆的公共空间是一个的三角形中庭,较大的中庭设计即可举办各类社会活动,起到休闲、娱乐的作用,又具有及时疏散人员的功能。

      3、交通空间

      通过对参观人流的组织与疏导,交通空间多以线性方式在潜移默化中引导观众参观的流程,是一次性浏览区域,主要包括走廊、楼梯,电梯等其他通道。交通空间作为过渡空间的重要部分,其面积有限、空间狭小,不易引人注意的特征反而在设计过程中独具一格,许多的设计师采用天窗、玻璃幕墙、灯光等独特的方式融入到交通空间,将其设计成为更具吸引力的局部空间。例如柏林犹太博物馆,高耸入云的狭小通道,尖锐的墙面设计都给人以反思与沉重的心情,更易将参观者带入展览的主题中。

      二、空间组合形式

      美术馆经常每个空间或是几个空间展示不一样的主题,致使其空间将要进行组合和划分,使得观赏过程更为流畅的同时让参观者充分享受空间变化的乐趣中。

      1、序列化组合方式

      序列化组合是将相似或相同的单位空间按照几何动线的形式组成展览者所需的空间系列,空间之间具有明确的循序性和明显的节奏感。整体的参观模式较为固定,在动线的引导下进行有序的参观,如十和田美术馆,将草坪两边散落的单元空间相互串联,建立起展品、室外空间、参观者三方的交流。古根海姆博物馆采用环形连续的空间组合,横向与竖向的动线相交融,增强观展的连贯性,满足参观者娱乐的心情。

      2、中心放射组合方式

      中心放射式组合是采用由中心向四周发散或是四周向中心聚拢的结构模式,形成各空间围绕放射中心的布局。中心放射式多以几何图形为核心区域,通过门厅、中庭或主展厅的组合,给人以紧凑的视觉倾向。中心放射式组合的核心空间一般会是参观者交流或休息的聚集中心,并且起到疏导人流的作用,在空间功能上具有丰富的弹性。如东京国立新美术馆,通过巨大的波浪形中庭做为过渡区域,连接美术馆的外部空间与室内空间,使各个展厅相互串联,具有较大的震撼性。

      3、自由组合方式

      整个空间组合在布局上受立体主义影响以整体设计为主,在具有较大可支配区域的基础上,根据展览的主题和内容进行灵活多变的布展形式。由于空间组合形式的自由,参观路线具有较大的随意性,才能做到空间使用和表现效果的完美统一。如以“打破传统设计框架,敞开文化的大门”作为设计要求的巴黎蓬皮杜艺术中心,将管道与功能部件设计在建筑物外立面,采用框架结构使内部空间最大化,同时办公室和卫生间的可移动性,加强了美术馆内部的自由度,也赋予了展览者更多的设计空间

      4、网格化单元组合方式

      利用建筑结构的轴线*面网格,把空间分隔成若干部分,最终组成空间网格单元,使单元之间具有一定的秩序性和连续性。网络化组合是相对细分化的组合形式,具有均质并置的特征,可降低动线空间之间的等级与秩序上的差异。虽然空间的引导性较弱,但参观者可根据自己需要进行路线划分,做到最大程度的自由,所以网格化单元的有序性和灵活性是其他组合形式无法比拟的。如金泽21世纪美术馆,美术馆中散落着盒子似得展厅,通过相互拼接、组合而形成了迷宫一样的网络结构,参观者在选取浏览路线时具有较大的可变性。

      三、总结

      进入21世纪,人们更注重美术馆的文化与教育意义,因此互动型美术馆、电子型美术馆越来越成为主流,这在传递信息的同时更加注重多变的展示形式,然而不论美术馆怎样的变化,最主要的还是体现美术馆“公共化”与“以人文本的”的设计目标,面对新时代的美术馆我们能够以更加多变的形式参与到其中,直接的与展览者进行精神交流。

      拓展

      艺术体现和物化着人的一定审美观念、审美趣味与审美理想。无论艺术的审美创造抑或审美接受,都需要通过主体一定的感官去感受和传达并引发相应的审美经验。对艺术的审美分类,主要应根据主体的审美感受、知觉方式来进行。依据这个原则,艺术可以分为语言艺术、造型艺术、表演艺术、综合艺术四大类。

      造型艺术

      所谓造型艺术即美术,是指通过人的视觉感官(眼睛)及与之相适应的审美手段去传达和接受审美经验的艺术。

      在人的各种感觉器官中,视觉最为复杂、精细和灵敏,同时也是人获取信息的主要来源,外在世界的`丰富性和多样性,常常通过视觉活动而被人感知。因而,视觉艺术的种类和样式也最为丰富,甚至其他艺术也往往需要以视觉感受为基础来构造艺术形象。

      人类从远古时代就开始了视觉造型的探索,留下了最早的绘画和雕塑。随着人类文明的进步,以视觉为审美途径的艺术种类和手段也日渐增多,绘画、雕塑、建筑、工艺美术、剪纸、书法、摄影等是最为典型的视觉艺术种类。

      直观性是视觉艺术最基本的审美特征。视觉所直接感知的,是直观的形状、色彩(或色调)和质感(质地或体量)及其构成关系。因此,在视觉艺术中,无论是*面(绘画、书法与摄影)还是立体(雕塑、建筑)的造型,都十分重视形式美规律的运用,多样统一、对称、均衡、对比、和谐以及图与底的关系等,都是构成视觉艺术审美特性的重要因素。在视觉艺术中,形式和内容、形象与意味以各种方式表现出来,构成了视觉艺术无比丰富的审美魅力。例如,基于对生命运动变化和不同质感或量感的高度概括能力,线条可以产生直接的审美感染力,不同的线条则能给人不同的审美感受,因此,线条不仅成为绘画的主要语言要素,也是其他视觉艺术的重要语言。色彩具有影响人的情感的功能,它也是视觉艺术的主要审美要素,不同的色彩配置或色调能使人产生不同的情感倾向,获得视觉快感并体悟其表现意义。

      (一)绘画和雕塑

      绘画和雕塑都主要运用形、色、质以及点、线、面、体等造型手段构成一定的艺术形象。前者是在二维*面上表现,后者则在三维空间中塑造,造型性是它们最重要的审美特征。

      由于表现手段不同,绘画种类非常丰富,而写实与表现是两种最主要的方式。写实性绘画直接模仿自然和现实事物形象,多用逼真的手段达到特定的具象效果;表现性绘画侧重强调主观精神,多采取夸张、变形、象征、抽象等手法直接表达主体情感体验与审美需要,实现艺术形象的创造。例如,*画的特色不仅在于其工具材料(毛笔、宣纸、墨色)有着很大的特殊性,更重要的,是它高度重视抒发主体的内在精神,强调“以形写神”、“神形兼备”,追求气韵、传神和意境,不是向着客观世界去研究形象的物质特性,而是为着心灵需要去触及绘画的形象性,含蓄、深沉地表现主体精神品质,由此形成*画独特的审美意蕴。

      雕塑对于艺术形象的塑造具有高度的概括性和象征性。它以物质实体性的形体,在三维空间中塑造可视、可触及立体的艺术形象,其审美特性是在空间中获得的,与雕塑有关的周围环境也是雕塑作品的有机组成部分。一般来讲,雕塑主要通过两种方式表达:一是清晰地呈现,二是含蓄的暗示。例如,现代主义雕塑便往往通过抽象与暗示来获得新颖的艺术效果。

      (二)建筑

      建筑是一种具有象征性的视觉艺术,它“一般只能用外在环境中的东西去暗示移植到它里面去的意义”,“创造出一种外在形状只能以象征方式去暗示意义的作品”①。

      建筑充分体现了功用和审美、技术与艺术的有机结合。尽管各种建筑的形式、用途各不相同,但它们总体上都体现了古罗马的建筑学家维特鲁威(Vitruvius)所强调的“实用、坚固、美观”的原则,总是力图展现各种基本自然力的形式、人类的精神与智慧。也就是说,建筑在具备实用功能(可以供人居住等)的同时,有其一定的审美功能特性。它通过形体结构、空间组合、装饰手法等,形成有节奏的抽象形式美来激发人在观照过程中的审美联想,从而造成种种特定的审美体验。如*古代宫殿的方正严谨、中轴对称,使人感觉整齐肃穆;哥特式教堂一层高似一层的尖顶、昂然高耸的塔楼,则令人有向上飞腾之感。北京的天坛、埃及的金字塔、法国的巴黎圣母院、澳大利亚的悉尼歌剧院等等,都以风格特异的抽象造型,给人以独特的审美感受和启迪。随

      着当代人类对生态环境的自觉意识的日益提高,建筑与环境的和谐也越来越成为人类的迫切需求,蓝天、绿地、水面、林荫使人们对建筑的视觉审美扩展到了一个更大的范围。

      建筑也是时代文化精神的一面镜子,犹如用石头写成的历史。雨果在《巴黎圣母院》里谈到大教堂时,就曾经指出:“这是一种时间体系。每一个时间的波浪都增加它的砂层,每一代人都堆积这些沉淀在这个建筑物上”。面对各式各样的建筑,人们不仅能够欣赏它的造型之美,而且可以从中认识和感受历史的风貌、时代的变迁、民族的精神和文化的创造。古希腊建筑的庄严与优美,哥特式建筑的挺拔高耸,洛可可建筑的华丽风格,现代建筑光滑*薄的立面,后现代建筑充满隐喻的变形、分裂、夸张的装饰,都相当准确地反映了各个历史阶段的时代文化精神面貌,反映出不同历史时期人们的审美趣味。

      (三)书法

      书法作为一门独特的*艺术,是从实用升华而来的。它利用毛笔和宣纸的特殊性,通过汉字的点画线条,在字体造型的组合运动与人的情感之间建立起一种同构对应的审美关系,使一个个汉字仿佛具有了生命,体现出书法家的精神气质与审美追求。“*的书法,是节奏化了的自然,表达着深一层的对生命形象的构思,成为反映生命的艺术。”

      具体而言,书法的审美特征主要体现在:第一,姿态。草书和行书或轻盈、或敏捷、或矫健,隶书、楷书在安定稳重里透露着飞动流美,篆书分行布白圆润齐整、用笔流畅飞扬,它们各各具有造型姿态的美。在书法作品中,笔法墨法相兼相润,字型笔画自由多样,线条曲直回环运动,传达出各种姿态和气势,形成了一种变化无穷的艺术效果。而书法家自身人格的蕴藉,更使点画笔墨形成一种用笔之力、运笔之势,反映出生命的运动美。唐代书法家孙过庭曾经惊叹:“观夫悬针垂露之

      东晋 王羲之《兰亭序》异,奔雷坠石之奇,鸿飞兽骇之资,鸾舞蛇惊之态,绝岸颓峰之势,临危据槁之形;或重若崩云,或轻如蝉翼;导之则泉注,顿之则山安;纤纤乎似初月之出天崖,落落乎犹众星之列河汉”。王羲之的《兰亭序》,便具有一种浑然天成、洗练含蓄的秀润之美,“字势雄强,如龙跳天门,虎卧凤阁”,达到了姿态美的高峰。

      第二,表情。书法是一种心灵的写照。南齐书法家王僧虔认为:“书之妙道,神彩为上”。张怀瓘《书断》也说:“文则数言乃成其意,书则一字已见其心”。书法创造中,线条变化与空间构造表现出某种宽泛的情感境界,自由灵活地将书法家的内在气质和个人生命情调带入笔墨,使之成为一种人格与精神的映照。“喜怒哀乐,各有分数。喜则气和而字舒,怒则气粗而字险,哀则气郁而字敛,乐则气*而字丽。情有轻重,则字之敛舒险丽亦有深浅,变化无穷”。这种情感化的线条笔墨与鉴赏者之间产生情感对应效应,唤起相*的审美体验,使之得到美的陶冶、审美的享受。

      第三,意境。意境创构是书法的最高境界。“*古代的书家要想使‘字’也表现生命,成为反映生命的艺术,就须用他所具有的方法和工具在字里表现出一个生命体的骨、筋、肉、血的感觉来”。在笔画形式中,书法艺术无色而具绘画的灿烂,无声而有音乐的和谐。而意境深远的书法作品,必定体现出书法家特定的审美理想。唐代颜真卿在精神上追求“肃然巍然”的磅礴之境,他的书法端庄宽舒、刚健雄强,令人感觉酣畅淋漓、正气凛然。清人郑板桥天性自然,其“六分半书”也是那样真率与活泼。有形的字迹飞动中创造了一种形而上的神韵,使书法艺术超越有限形质而进入无限境界。“一点一画,意态纵横,偃亚中间,绰有余裕”。这种意境之美,是一切*书法艺术的总体审美意向,也是书法艺术的灵魂。

      (四)摄影

      摄影是一种现代感很强的视觉艺术。自从法国人达盖尔(Daguerre)在1839年发明摄影术以来,无论在技术还是审美方面,摄影都取得了全面迅速的发展。尤其是,随着摄影技术的发展,人类的审美视野扩展到了从太空到海底、从微观到宏观的广阔世界。摄影已成为今天人的视觉审美的主要表现工具之一,成为人类的“第三只眼睛”。

      摄影艺术独特的审美特征,是从其运用照相机和感光材料在现场拍摄实有物体景象这一基本特性派生出来的,主要表现为纪实性与艺术性的统一。一方面,摄影直接面对被拍摄的实际对象,从纷纭复杂、瞬息变化的对象运动中撷取生动感人的瞬间,以作品高度的生活真实感来创造具有审美价值的艺术形象,唤起人对生活现象特有的审美视觉感受。这是摄影艺术不同于其它艺术的根本审美特性。另一方面,由于摄影艺术形象的诞生总是通过照相机快门开启的短暂瞬间来完成的,它不仅需要艺术家有意识的审美选择,而且经过了艺术家摄影造型手段(包括构图和光影控制等)的处理,是在线条、光影、色彩有机结合基础上形成的,因此,摄影艺术的审美表现力、概括力和感染力有其自身特殊性。比如,与同样以造型审美为特征的绘画相比,虽然都是对视觉形象的选择和表现,但摄影、尤其是现代摄影艺术独具的客观、真实、快速、简便的长处,却是绘画所无法比拟的。

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2022-03-21 03:47:36
  • 浅论艺术作为模仿和表现的两种形式论文

  • 艺术
  • 浅论艺术作为模仿和表现的两种形式论文

      在日常学*、工作生活中,大家都不可避免地要接触到论文吧,论文可以推广经验,交流认识。你知道论文怎样才能写的好吗?下面是小编为大家整理的浅论艺术作为模仿和表现的两种形式论文,供大家参考借鉴,希望可以帮助到有需要的朋友。

      中外艺术史上,“模仿说”和“表现说”是两种颇有影响的观念。

      一、艺术作为“模仿”

      这一学说认为,艺术是对现实生活的模仿,最早提出这种观念的是亚里士多德。他是伟大的哲学家、科学家和教育家。

      在古希腊,人们普遍赞成这种把客观存在放在首位的艺术观,后来,俄国19世纪革命民主主义者车尔尼雪夫斯基从他关于“美是生活”的论断出发,认为艺术是对生活的“再现”,是对客观现实的“再现”。所以,“模仿说”也称为“再现说”。

      这种艺术观对艺术创作产生了非常巨大的影响。在亚里士多德看来,模仿现实世界内在的本质和规律,应该按照事物应当有的样子去模仿。苏格拉底也认为,艺术模仿生活应当高于生活。那什么是现实世界应当有的样子?艺术模仿生活怎样去高于生活呢?现实生活中,很多事情的发展都是不合目的、不合逻辑的,很多生活里发生的事情不具备典型性。我们在创作的时候应该进行提炼、加工、概括,还应该注意合逻辑性、合目的性。比如,《蜗居》为什么人们评价它“现实太虚假,蜗居太真实”?正是因为它反映的社会生活是典型的,而且故事发展合目的性、合逻辑。我们*常看穿越题材、科幻题材的作品,那都是虚构的故事。这类作品虚构的故事如果出现了不合逻辑的情节,欣赏者是不能接受的。比如,当电视剧《步步惊心》用果冻代替了原小说中描写的布丁,网友吐槽“不仅若曦穿越了,某某牌果冻也穿越了”。

      苏格拉底认为,艺术模仿生活不仅要形似,更要神似。形似容易,神似却很难达到,但是这应该是我们不断努力追求的层次。蒙娜丽莎的肖像画告诉我们这个层次是可以达到的。我们虽然不曾亲眼看见过蒙娜丽莎本人,但是可以肯定:《蒙娜丽莎》这幅画像非常像她,为什么?当时,请画家来画像是必须付报酬给画家,画得不像,谁会付钱呢?另一方面,有记载称,蒙娜丽莎的好朋友看了这幅画也很惊叹,这幅耗时四年多的作品画出了*常不太看得到的蒙娜丽莎的一面,非常神似。

      苏格拉底还强调了艺术只要成功的模仿了现实,都能引起审美的享受。*时我们看见路人打架斗殴,避之唯恐不及。但是没有人会在动作片电影播放激烈武打场景时,从座位上跳起来,跑出电影院去。*时,普通人看见尸体都会觉得害怕。但《马拉之死》这幅画中,虽然马拉的鲜血染红了浴缸里的水,我们看到这幅画,不会有丝毫的恐惧、害怕。*常大家看到一堆排泄物,都会觉得恶心,但是当懒羊羊作了一堆大便似的发型,我们都笑了。

      二、艺术作为“表现”

      在西方,“模仿说”曾经长期占据主流位置。直到18世纪以后,人们开始慢慢接受另一种艺术观“表现说”。摹仿说认为艺术是客观世界的再现,而表现说却认为艺术是主观世界的表现,这看起来似乎是两相对立,水火不容。但其实并非如此。

      美国学者艾布拉姆斯曾经做过一个著名的比喻“镜”与“灯”,他用镜隐喻摹仿说,认为艺术可以像镜子一样反映客观世界;他用灯隐喻表现说,认为艺术可以像灯一样流溢主观情感。在18世纪后半叶到19世纪上半叶欧洲出现了两大文艺思潮:其中,现实主义是以艺术摹仿说为基础,浪漫主义思潮以艺术表现说为基础。在这两大文艺思潮下产生的大量优秀艺术作品进一步的宣传了“模仿说”和“表现说”。比如,杰出的浪漫主义诗人华兹华斯,我们都知道,他是“湖畔派”诗人。曾经被授予“桂冠诗人”的称号。科尔律治也是英国诗人、评论家。他是华兹华斯的好朋友。在1798年,两个好朋友共同出版诗集了《抒情歌谣集》。这在当时引起了很大的反响。有的人喜欢,有的人却不能接受。为什么呢?因为在此之前,人们已经很*惯新古典主义诗歌*板、典雅的风格,所以对于这样新鲜活泼的浪漫主义诗歌,有那么一些人当然是不能接受。于是1800年再版时华兹华斯写了序,表明他的创作观念。他在序言中提出:“诗是强烈情感的自然流露。”比如,华兹华斯的《水仙花》表达了华兹华斯在看到水仙花时那满心的喜悦和幸福。诗歌可以表达我们强烈的情感,扩展到整个艺术领域,“表现说”认为“艺术是强烈情感的自然流露”。生活中每个人都会经历情感强烈的时刻,但只有艺术家才能将强烈的情感化作艺术作品。

      在西方,艺术表现说产生了重要影响。20世纪意大利美学家克罗齐在《美学原理》中英国美学家科林伍德在《艺术原理》中都主张艺术是情感的表现。

      三、艺术作品中的模仿与再现

      纵观艺术史,我们会发现有的艺术家在创作中偏重于客观,有的艺术家偏重于主观。再现客观世界和表现主观情感并不是截然分开的,两者有机地结合在一起,共同完成了艺术的创作。我国清代画家郑板桥和八大山人就是如此。郑板桥画竹,上面题诗“衙斋卧听萧萧竹,疑是民间疾苦声,些小吾朝州县吏,一枝一叶总关情。”郑板桥画的竹子不仅是对自然中的竹子的模仿,而且通过竹子表现了他特殊的情感。古代文人通常用竹子表现人的清高,而郑板桥在衙斋竹声中听见了民间疾苦之声。我们都知道“胸有成竹”这个成语说的就是文同,别人问他为什么竹子画得那么好啊?他说“胸有成竹矣”。可见,他对竹子的观察非常细致,所以画的竹子是非常写实非常逼真的。我们可以清楚地看到郑板桥画的竹子都是挺拔向上的,没有向下和向旁边的枝枝蔓蔓。难道郑板桥衙斋里的竹子都不受到地心引力?没有向下和向旁边的枝枝蔓蔓吗?很显然不是,我们可以感受到郑板桥在画竹子、兰草、石头的时候,在浓淡疏密之间,他更多的是在表达他的内在情感和精神气度。

      八大山人,是朱元璋的后代,明朝皇室成员。通过他的这张画像,我们看到他满脸沧桑、满腹苍凉。他画的花鸟当然是对自然的模仿,但是他更重写意,他画的是山山水水、花花鸟鸟,可是表达的却是自己国破家亡的悲愤。我们看他的落款,逐字来看是“八大山人”,可是如果连起来看就像是哭之笑之,隐喻了朱耷的身世之痛。我们看他其他的作品,他画的荷花总是残破的,他画的石头总是嶙峋的、不稳定的,他画的鸟总是白眼向上。郑板桥在他的画作上题诗“横涂竖抹千千幅,墨点无多泪点多”。八大山人的画是“泪点”多于“墨点”。

      摘要:

      实施美育或审美教育,其最根本形式或主要形式就是艺术教育,而音乐是艺术中的一种重要形式,音乐教育隶属于艺术教育范畴。

      关键词:

      艺术教育;音乐教育;审美

      教育是培养人的一种社会现象,是人类传承文明的重要手段。就学校教育而言,它是教育者根据一定社会或集团的要求,按照受教育者身心发展规律,对其实施的有目的、有计划、有组织的影响,使其掌握一定的知识、技能,形成一定的思想品德和审美情操,具有强健的体魄,最终成长为一定社会所需要的人的活动。音乐艺术教育,作为人类最最的文化教育活动之一,千百年来一直以“润物细无声”的方式传承着人类文明,提升着人类情感,丰富着受教育者的审美体验,愉悦着人们的身心,促进了社会交往,通过激活受教育者的想象力和创造力,促进了社会的进步和发展。在新的历史条件下,“一切为了孩子,为了一切孩子,为了孩子的一切”和终生教育的现代教育理念日益深入人心,音乐艺术教育正以其独特的功能在培养高素质人才的教育活动中,发挥着不可或缺的重要作用。

      跨入21世纪的*,为推进社会主义现代化建设事业,落实科教兴国战略,已把教育放在优先发展的基础地位,为培养社会主义事业的建设者和接班人,实施全面素质教育,又十分明确地把美育纳入社会主义教育方针中来,给予美育以应有的地位,终于使社会主义教育成为一种完全的教育。

      艺术教育,作为一种艺术产品为媒介或手段,由施教与受教双方共同运作的活动,要求施教者创造、选择、运用艺术,充分发挥艺术教育功能,要求受教育自觉地接受艺术感染、陶冶、锻炼,实现艺术教育效应。艺术教育审美效应落实在个体素质的陶冶和塑造,使个体素质走自己全面协调而自由的发展,落实在群体素质的陶冶与建构,使社会群体和谐有序而自由的发展,从而促进社会文明的建设和提高。

      一、音乐教育的性质

      音乐教育是以音乐为内容的一种教育实践活动。它是人类自身发展的产物,也是一种社会文化现象。音乐教育的本体隶属于艺术教育,不仅它的内容体现着一种独特的艺术美,而且在健全的国民教育机制中,它还肩负着审美教育的职能。从这种意义上说,音乐教育的最基本的性质就是审美性,它是通过音乐进行的一种审美教育。

      二、音乐教育的本质

      音乐是长于抒情的艺术。它是对人类情感的直接模拟和升华。其教育功能是通过情绪感染和情绪共鸣为途径才能实现的。人们可以从音乐的审美过程中,通过情感的抒发和感受,产生认识和道德的力量。作为美育的一个组成部分,它所培养的审美情感是一种高级的情感。由于音乐教育手段中的音乐感知和感情体验的关系,比其他艺术教育中这种关系更加直接和密切。

      由于艺术教育不仅要提高学生对美的感受和理解。而且还需要培养对艺术的表现和创造力。因此艺术教育必须进行必要的技能训练。音乐教育也因此不能停留在单纯的知识传播、感受音乐、鉴赏音乐而必须掌握一定技能。

      艺术审美活动具有审美愉悦的心理效应。这种复杂综合的心里过程体现在艺术教育中,变产生了“寓教于乐”的共性规律。在音乐教育中,愉悦性可以构成一种审美的本质力量。音乐以优美的旋律和特有的艺术魅力感染着人类愉悦着人类。当热,作为音乐教育决不能停留在纯生理的听觉官能情感上,而是存分发挥音乐的审美功能,发挥教师的引导作用,把音乐教育的愉悦性从“感性”升高至“理性”层次,从而更加领悟音乐内涵,感受艺术魅力,获得更高境界的审美自由。音乐是时间性的艺术,但也不排除空间的体验。音乐结构首先要考量的是音与音之间的关联。音乐中没有任何曲风的要素能够独自存在。相反地,高音与低音的差距、节奏的对比、赋格中主题与反主题形成的张力、各调性不同的音色,都会浮现一个空间。在巴洛克音乐里,特别是巴哈的音乐世界,空间的体验会浮现一个层级的观念,举例来说,从高音到低音的转移、从流动性弱到流动性强的改变,或是从简单到复杂的转变,都可见到空间的转换。

      透过音音之间的关联与层级的观念来谈论巴哈的音乐空间,必须将空间流动性的`转变置於首要的地位。透过圣歌旋律所提供的作曲的基本要素以及旋律所给予空间意义的前导,空间的流动性从而诞生。此外,简短的动机透过不同音域、诸多不同却和谐的音色相互呼应,会不断产生丰繁的效果,有如镜子反射的影像一般,空间的流动性从而诞生。

      空间的流动性表现出时间的独特体验。受於形式与调性的限制,音乐创造的是封闭却又循回的空间。然而,巴哈在此一空间放入时间的定向,对於无边无际的天,以不连续的方式如停顿、节奏的切断、半音性、上升下降音的暂停等来处理,以求方位转换的可能性。在文本说出或唱出的过程中,内心忽然浮现的欲求的独特体验,就是方位的转换。这个方位转换的过程正描绘一个故事。从清唱剧、圣咏合唱曲或是耶稣受难曲的开始到结束,事实上交织著一个个阶段性的故事,也是充满危机的时刻。在聆听上帝的话语的过程中,随著内心的微妙感受与个人自由的奥秘,会不断体验吸引与排斥的力量。巴哈音乐作品的历程告诉我们,上帝话语在聆听者的生活中成为血肉的故事。音乐形式的历程所呈现的,是天与心的过渡。

      综前所述,艺术教育是以艺术为基本内容的审美教育。它包括有音乐、绘画、舞蹈、电影、电视、文学、戏剧等各种艺术形式。它们的表现手段、传播途径和存在方式不尽相同,但都是进行美育的重要内容和有力手段。因此,以审美活动为核心的艺术教育,有许多共同的属性。就音乐教育而言,以音乐为表现手段,通过“诉诸心灵的精神洋溢的情感以及声音所显示出的这种内容精华的表现”来实现自身价值;以真挚、生动、深刻的感情形象区拨动人的心弦,比其它艺术能够更直接、更有力“使人的心灵爆发出火花来”。因此,音乐的美感力量既是独特的,又是巨大的,没有任何一种艺术可以涵盖和替代。

      参考文献:

      1.杨恩寰,梅宝树.《艺术教育学》[M].北京:人民出版社,2003.

      2.曹理.《普通学校音乐教育学》[M].上海:上海教育出版社,2000.

      摘要:

      随着时间的推移,图象逐渐超越语言成为人们把握现实的途径,以电影为代表的现代艺术已经破茧而出,成为人们在新时代认识世界,审视自己的主要艺术形式。本文尝试通过对于本雅明“灵韵”概念的批判和“机械复制理论”的梳理和细节性考察,为以电影为代表的很大程度上由技术因素决定的现代艺术正名,也试图为“灵韵”的消散找到真正的原因。

      关键字:

      本雅明;灵韵;机械复制;电影;技术;祛魅

      一、憧憬与焦虑:机械复制时代的艺术作品

      1895年12月28日,巴黎的一些社会名流应卢米埃尔兄弟的邀请,来到卡普辛大街14号大咖啡馆的地下室观看电影。在潮湿和昏暗中,卢米埃尔兄弟放映了几部影像短片: 《工厂的大门》、《拆墙》、《婴儿喝汤》、《火车到站》。从接受的角度来看,我们今天非常熟悉的“第七艺术”就是在此刻诞生的。然而,出于当时人们对于传统艺术的“膜拜”之情,在“震惊”之余并没有给这个新生的艺术品类给予多少支持和掌声,纷纷称其为“科学的怪胎”。只有本雅明,那个几乎和电影同时诞生的文学评论家,嗅到了技术祛魅后的艺术特质,在以一个诗人的敏感心灵哀挽正在消逝的传统文明和艺术的同时,觉察到了艺术进入现代性的脚步,并由衷地赞美机器和技术主宰艺术时代的来临,提出了著名的“机械复制时代的艺术理论”。即便本雅明已经几乎采摘到了真理之花,但是由于对于失落岁月和过往艺术的追忆和迷恋,他不免还是在他的批评中流露出了矛盾性的思考痕迹,尽管这些在一定程度上昭示了现代主义与后现代文论的发展。

      二、灵韵观:在传统艺术中安身的神学性思考

      在本雅明看来,“灵韵”是艺术品独一无二的原真性,是即使*在咫尺也会感到无法接*的距离感。面对有灵韵的传统艺术品,人们会产生膜拜的心态,不管是宗教式的膜拜还是对纯粹美的膜拜。现代艺术中的技术因素则驱散了灵韵,通过对艺术品的大量机械复制使艺术品能够被大众以自己愉悦的方式占有,从而消除了对艺术品的虔敬和膜拜。

      我们可以从以上本雅明对“灵韵”的解释看出,独一无二性是本雅明所谓的“灵韵”产生的基础,一个决定性因素。艺术作品存在的“真确性”与“距离感”以及感应与完整的历史经验也都与之息息相关。本雅明说:“一个东西的真确性,包括它实际存在时间的长短和它曾经流传过的历史的证据,从它们问世的那一刻起,就是世上一切可供流传的东西的本质。”显然,对于一件艺术品而言,只有它是独一无二存在的,其真确性才是可考究和显得重要的。因为对于大批量的技术复制艺术品而言,其真确性问题就无关宏旨,譬如要在一叠相同的相片中鉴定哪张是“真品”就毫无意义;而即使是艺术作品的最完美的复制物,也会“缺少一种成分:它的时空存在,它在其偶然问世的地点的唯一无二的存在。”不过,技术复制却可以将原型的摹本置入原型本身无法达到的境地,尤其是它为原型创造出——无论是以照片还是唱片的形式——便于大家欣赏和接受的可能性。

      而且,“灵韵”自始自终都是一个闪现着神学性质的概念。它的存在是在人类对待艺术的功能和态度的基础上实现的,而不是所谓的“独一无二”。当人类在审美之路上走得更远时,对艺术的态度从“膜拜”变成了“展览”,那种存在于接受者心中神秘的光环效应正在逐渐消散。所以,“灵韵”的消散,也不是由于技术因素介入了艺术,或者是由于大量的机械复制,而是人们对艺术所承载的责任的期望的改变造成的,是社会文化心理氛围的变异导致的。这种态度和期望的转变,打破了艺术“灵韵”的贵族性与仪式性外壳,重新启动锁闭在里面的社会现实生活关系,让人类在对更高的理想生活向往中,在对自己的真实需要与真实愿望有了更深刻的认识之后,获得在现实中重建合理生活的希望与信心。

      三、电影作为艺术:技术祛魅后的艺术典范

      技术祛魅完成了艺术在现代的改朝换代,它的革命性和进步性使其迅速攻城掠地。对艺术形式变化产生最大历史影响的技术因素是摄影技术,它最显赫的艺术结晶是电影。在电影艺术中,技术在艺术中的地位和作用有了一个历史性的飞跃,技术不再像以前那样仅仅是复制和传播现成艺术品的手段,它同时成为创作艺术品的一个必要且非常重要的因素。由于摄影技术的帮助,电影扩大了人类的视域,使人类接触到了以往根本无法关注的视觉无意识领域,既然在以城市生活为特征的现代社会中“人际关系表现在眼的活动大大超越耳的活动”失去视觉的人比失去听觉的人更感到不安,图像超越语言成为人们把握现实的途径,那么电影就必然替代语言叙事艺术成为新时代的主要艺术形式,这是不容质疑的历史趋势。而电影本身,因为由于对直接现实的观照成为技术之乡的一朵兰花。

      而电影的发展,也由于技术因素的进步而一日千里。从卢米埃尔兄弟的《火车进站》后,随着时间的推移,人们已经不再满足它的简单记录和真实幻觉,而要求电影能够承载更多的内涵。而剪辑、蒙太奇、大大扩充了电影的创作空间,赋予了电影影象更为广泛的意义。正是利用了剪辑,格里菲斯于1915年摄制出了《一个国家的诞生》这样具有深厚历史意义的影片,摆脱了简单的“运动”和“定格”,人们开始感到了电影作为艺术的魅力。当声音回归后,人们的注意力也从纯净的卓别林默片转到了1927年华纳兄弟公司的《爵士歌王》。而伴随着1935《浮华世界》的色彩还原,人们逐渐相信,这将是一个属于电影的时代。不过由于技术因素的介入,本雅明矛盾地判定,电影由于“破碎的表情”与“分割的动作”击碎了“灵韵”和“此时此地性”。而技术祛魅的结果是,电影作为艺术,拥有着独属于它自己的另一种全新“灵韵”(如果也使用这个术语的话)。在电影拍摄过程中,演员缺乏与观众的现场交流及一气呵成的完整表演因而确实丧失了戏剧舞台上特有的灵韵,但他们的交流对象并不只是机器,还有导演,摄影师等,这些艺术的专家们代替观众出现,抵消了演员因为缺乏观众而产生的恐惧,并首先对电影作品作出反应和处理,不能因为台下观众眼中围绕演员的“氛围”消失而认为围绕他所扮演的角色的灵韵也随之消失了。相反,在镜头前,由于意识到拷贝将大量发行,会有难以想象的人看到自己的表演,心理会产生出一种全新的“灵韵”,而且在观众眼中,银幕上的角色演员与自己有着若即若离的距离,也会产生神秘的“灵韵”。电影公司就利用这一点,采用“明星制”以明星崇拜代替对神灵的崇拜。这一点本雅明也不得不承认:“为了弥补氛围的萎缩,电影在摄影棚外制造出‘名人’。

      结论

      正是由于本雅明的二元对立思维方式,让他走入了非此即彼的极端。在复制过程中,并不是如他所说,灵韵就完全消失了。在对照相摄影艺术进行分析时,其实文中所指的摄影复制品极为狭窄,只限于对已完成的艺术品的影像复制,如将一幅名画拍下来等等。本雅明在这里混淆了通过摄影而得到的艺术复本与摄影艺术作品之间的差别,后者并非艺术复本而是原本本身之一。

      而且,机械复制的出现与艺术世界的“灵韵”消逝并不存在直接的因果关连。因此,人们把一切艺术中美学意蕴失落的现象仅仅指向技术发达时,有失公允,甚至是对社会进步的自我否定。技术可以使艺术更加精致,复制同样可以使艺术更加完美,关键在于审美主体自身。而电影,这个技术介入最具代表性的艺术,则沿着它的独特的步履,勇敢地前行着。

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2021-12-27 18:29:25
  • *面设计艺术中“点”的表现形式

  • *面设计艺术中“点”的表现形式

      在*面构成这个富与智性美的视觉体系内,纯粹而又基本的造型元素主要是点、线、面。点是最具有变化潜力的视觉要素。下面Y小编为大家搜索整理了关于*面设计艺术中“点”的表现形式,欢迎参考阅读,希望对大家有所帮助!

      “点”是最基本的形。在*面设计意义上的“点”可以是一个形,也可以是一块色彩、一张小小的照片或图像,点可以以任何一种形态呈示。“点”在几何学中只表明位置并不具备面积和方向。而在*面构成中,“点”作为造型要素之一,却具有不可忽视的重要作用。尽管在人类远古时期的手工制品表面装饰纹样中,“点”就已被大量应用。然而时至今日,当代的设计家依然运用着“点”的多种变异和排列组合,再现着“点”的令人惊叹的艺术魅力。用于*面设计艺术的构成手段可谓风格各异、流派繁多。但最富于时代精神的表现形式之一莫过于“点”的构成运用。纵观*十年来在*面设计艺术中“点”的表现形式,大体可以归纳出四种类型:

      一强调整齐划一,以形成秩序美

      秩序美也是一种韵律美。它蕴含在大小相同、间隔相等、横*竖直的严格模式中。整齐划一极易陷入板滞。然而背水一战,也会产生极具个性的优秀作品。 香港著名设计师靳棣强为“香港联合企业有限公司”设计的标志,就是以点为诉求对象的典型例子。该标志根据香港联合企业有限公司没有固定的营业范围和不销售货物,以贸易发展为主的性质,采纳他们精打细算,争取利润的经营方针,标志借助于算盘这个特定的物质特征来表现。算盘迄今已有两千六百年多年的历史,由于珠算口诀便于记忆,运用又简单方便,在*数字出现前是世界广为使用的计算工具,被称为人类历史上计算器的重大改革,就是在电子计算器盛行的今天,它依然发挥着它特有的作用。尤其在算盘矩形形状内排列一串串数目的算珠,将一个个算珠这个特定的点,巧妙地组合成香港联合企业有限公司的英文名称"aic"的缩写字母,表现出其行业特性,使异质同构的事物形象超越其性质属性而跃入标志的精神层面,并赋予标志的思想性和丰富的内涵。诸如此类,还可举出许多。

      二运用自然散点的构图,造成多变的视觉效应。

      如果说整齐划一如同节奏感很强的打击乐,那么散点构成就是旋律优美的`丝竹乐。散点构成活泼多变,散而不乱,变化有序。设计者需惨淡经营,而又不露声色。 瑞士的设计大师尼古 拉斯特罗斯勒所做爵士乐演奏会海报设计,尼古拉斯本人就拥有一家爵士音乐厅,他为爵 士乐的所有设计都尽可以随心所欲。尼古拉斯关注形形色色的生活形态,婚 礼、戏剧、工业展览,连一个小小的万花筒都能给他以启发,用于表现一群吹 奏萨克斯的人随着节奏脚步不断变幻出异彩纷呈的形态。他运用自然散点的构图,造成多变的视觉效应。十分自然,毫无做作,表现出一种高妙的艺术境界。 如同散文风格的多样化,散点构成的规律亦难于一言以蔽之。

      三采用类似群化的组合,显露时代风格

      “点”的外形并不局限于圆形一种,也可以是正方形、三角型、矩形及不规则形等等。但其面积的大小,当然要限制在必须是呈现“点”的视觉效应的范围之内。在等间隔构成的网络上,把某一个或某一组单元的圆点,变换为上述其它各种形状中的某种或某几种,这种手法被称为类似群化组合。类似群化组合的特点在于统一之中蕴育着变化。《*凡社大百科事典》的装帧是由日本当代著名设计家杉浦康*完成的。这是一部全十八卷本的大部头书籍,精装封面材料为偏冷黄色调的涂塑纸。封面装饰图案是用圆点、方点、菱形点、十字点等12种形状共126o个点的类似群化组合构成,均匀分布在16开的封面上。加工手法是烫金色电化铝,星星点点的凌饰效果,显得这部百科事典更贵重高雅,内涵更为丰富。《楠田枝里子的情绪科学》一书的封面装饰也是采用类似群化组合,不过更具有空间感。先以横排9个、竖排6个共54个不同颜色的淡雅的色点等间距排列于版面,然后在各色点上又套印各不相同的几何图案,其中五个“点”套印的是与内容有关的、略有些突破“点”的范围的、大小不一的人物插图,画面气氛活泼,可读性很强。

      四借方为圆巧用汉字,形成理念的表述。

      一般说来,包括汉字在内的方块字在视觉上是呈“点”的排列组合,因此也可以把汉字作为“点”的装饰“材料”来加以利用。靳埭强先生的许多作品中都出现了一个重要的元素――红点,一个朱红而鲜亮的红点。他说“红点是我在八十年代开始衍生的一个视觉元素,也是精神元素,它可以融汇我的设计意念,有生命地传递着丰富的讯息。”如同他说的那样,在作品中反复出现的红点成为了他设计中的一个重要的视觉元素和精神元素。靳先生在不同的作品中奇妙地将红点融入,成为画龙点睛的神来之笔,既令人惊讶,又令人叹服。在十几年的时间里,红点反复进入他的作品,作为一个视觉元素,红点其实是艺术家作品中的一个中心和焦点;作为一个精神元素,红点是艺术家精神在作品中的凝聚和爆发。红点本身是一个无意义的符号,但它与作品中的其他元素在一起时,却能产生无限的联系和非同寻常的深刻含义。艺术家在此即为红点,红点即为艺术家,这是一种艺术家心灵与物的契合,是艺术家与他人、与社会、与自然的契合点。如靳先生《爱护自然》海报(1992)中,层层包裹石块的宣纸之中的红点,在此既为自然之伤口,警示人们,又可做为人类良知之眼,正视自身,以保护环境,保护自然。而在《日本IDEA杂志专题评介靳埭强作品》(1999)海报中,红点则“化物为意,点出创意的精神”,同时红点作为日本**图案的主要元素而象征杂志的日本概念,亦点出杂志是以日本人的视觉来评价靳埭强先生作品的。同样,《名古屋香港著名画家十三人展》海报亦表达了此种创意精神。

      *面构成规律的运用应该是有机的,不能让定式把自己禁捆起来。方块字形成的“点”与几何形的“点”结合使用,也具有新意。当今设计家们正在因此而无穷尽地挖掘着“点”的艺术表现力和感染力。也正因为如此,“点”也更具有无穷尽的艺术表现力和感染力。愿*面设计师们们,重视“点”这个最基本的造型要素,借以激发灵感,记录下自己艺术思维活动中那闪光的理念世界。

      *面设计理念

      一、设计表现的意义

      1、设计家的特殊的语言

      设计师的想象不是纯艺术的幻想,而是把想象利用科学技术使唤之转化为对人有用的实际产品。这就需要把想象先加以视觉化,这种把想象转化为现实的过程,就是运用设计专业的特殊绘画语言。把想象表现在图纸上的过程。所以,设计师必须具备良好的绘画基础和一定的空间立体想象力。设计师只有精良的表现技术,才能在给图中得心应手。才会充分地表现产品的形、色、质感到遗憾,引起人们感觉上的共鸣。设计师面对抽象的概念和构想时,必须经过具体过程。也就是化抽象概念为具象的塑造,才能把脑中所想到的形象、色彩、质感和感觉化为具有真实感到遗憾的事物。设计的过程是非常微妙的。一个好构想会瞬息即逝,设计师必须立刻捕捉脑中的构想才行。设计是一项为不特定的对象所做的行为,往往要超越国界、时空等距离。可以用语言、文字来描述、传达。但是,作为人类共同语言,设计者必须具备的又不可缺少的技能---绘图。绘图的意义就像音乐家手中的五线谱一样。一目了然。所以说,设计表现的表达能力是每一位设计者应具备的本领。

      2、设计领域的沟通工具

      在设计师思考的领域里,采用的是集体思考的方式来解决问题。互相启发,互相提出合理性建议,经帮结构上的比较。再说现代工业设计不同于传统的手工艺品的设计和制作同出一人之手。而现代工业生产的产品设计者和生产制造者不可能是个体,工业设计经常是一种群体性的工作。因此,产品造型设计师在构想制作产品之前,就必须向有关方面人员---企业决策人、工程技术人员、营销人员乃至使用者或消费者,说明该产品的有关情况,使该产品在政策不变的情况下,制造出最有利于生产美观且受欢迎的产品。产品在生产酝酿过程中,生产者对产品的了解程度愈高,就能更好更顺利地组合产品,并使其更具效率。这一系列的说明和陈述工作构成了表现的基本内容和任务。

      3、推销产品的武器

      许多产品设计公司,在生产出新型产品时,要推销产品,运用摄影技巧,加上精美的说明文,作广告宣传。但是摄像机无法表现超现实的夸张的富有想象力的画面。这时运用给画专业的特殊技法,效果上更突出。因为人类具有很强的表现能力,可以随意添加主观想象,将产品夸张或有意的简略概括。与摄像机相比,表现图比摄像机拍出的产品多了几分憧憬和神秘感到遗憾。照相机技术无法满足无穷无际的想象。所以说,设计表现图是推论销产品的武器。

      二、设计表现图的特点

      1、传真

      通过色彩、质感的表现和艺术的刻画达到产品的真实效果。表现图最重要的意义在于传达正确的信息。正确地让人们了解到新产品的各种特性和在一定环境下产生的效果。便于各种人员都看得懂,并理解。然而,用来表现人眼所看的透视图,却和眼睛所看到的实体有所差别。透视图是追求精密准确的,但由于透视图与人的曲线视野有所不同,透视往往是*面的。所以透视图不能完全准确地表现实体的真实性。设计领域里“准确”很重要。它应具有真实性,能够客观地传达设计者的创意。忠实地表现设计的完整造型、结构、色彩、工艺精度,从视觉的感受上,建立起设计者与观者之间的媒介。所以,没有正确的表达就无法正确地沟通和判断。

      2、快速

      现代产品市场竞争非常激烈,有好的创意和发明,必须借助某种途径表达出来,缩短产品开发周期。无论是独立的设计,还是推销你的设计,面对客户推销设计创意时,必须互相提出建议,把客户的建议立刻记录下来或以图形表示出来。快速的描绘技巧便会成为非常重要的手段。

      3、美观

      设计效果图虽不是纯艺术品,但必须有一定的艺术魅力。便于同行和生产部门理解其意图。优秀的设计图本身是一件好的装饰品,它融艺术与技术为一体。表现图是一种观念,是形状、色彩、质感、比例、大小、光影的综合表现。设计师为使构想实现,被接受,还须有说服力。同样表现图在相同的条件下,具有美感作品往往胜算在握。设计师想说服各种不同意见的人,利用美观的表现图能轻而易举达成协议。具有美感的表现图--干净、简洁有力,悦目、切题。除了这些还代表设计师的工作态度,品质与自信力。

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2021-12-12 12:58:24
  • 形容艺术的的诗词

  • 艺术
  • 形容艺术的的诗词

      艺术的大道上荆棘丛生,这也是好事,常人都望而怯步,只有意志坚强的人例外。今天小编为大家推荐形容艺术的的诗词,希望对大家有所帮助。

      一·关于琴的

      独坐幽篁里,弹琴复长啸。深林人不知,明月来相照。

      ——王维《竹里馆》

      泠泠秋泉韵,贮在龙凤池。油油春云心,一杯可致之。

      自古有琴酒,得此味者稀。只应康与籍,及我三心知。

      ——白居易《对琴酒》

      孤桐秘虚鸣,朴素传幽真。仿佛弦指外,遂见初古人。

      意远风雪苦,时来江山春。高宴未终曲,谁能辨经纶。

      ——王昌龄《琴》

      蜀僧抱绿绮,西下峨嵋峰。为我一挥手,如听万壑松。

      客心洗流水,余响入霜钟。不觉碧山暮,秋云暗几重。

      ——李白《听蜀僧氵睿琴》

      十指生秋水,数声弹夕阳。不知君此曲,曾断几人肠?

      心造虚无外,弦鸣指甲间。夜来宫调罢,明月满空山。

      声出五音表,弹超十指外。鸟啼花落处,曲罢对春风。

      ——白玉蟾《无题》

      五音六律十三徽,龙吟鹤响思庖羲。一弹流水一弹月,水月风生松树枝。

      ——卢仝《风中琴》

      二·关于棋的

      黄梅时节家家,青草池塘处处蛙。

      有约不来过夜半,闲敲棋子落灯花。

      登观音台望城 白居易

      百千家似围棋局,十二街如种菜畦。

      遥认微微入朝火,一条星宿五门西。

      别房太尉墓 杜甫

      他乡复行役,驻马别孤坟。

      *泪无干土,低空有断云。

      对棋陪谢傅,把剑觅徐君。

      唯见林花落,莺啼送客闻。

      江村 杜甫

      清江一曲抱村流,长夏江村事事幽。自去自来堂上燕,

      相亲相*水中鸥。老妻画纸为棋局,稚子敲针作钓钩。

      多病所须唯药物,微躯此外更何求。

      更漏子 冯延巳

      夜初长,人*别,

      梦断一窗残月。

      鹦鹉睡,蟪蛄鸣,

      西风寒未成。

      红蜡烛,半棋局,

      床上画屏山绿。

      搴绣幌,倚瑶琴,

      前欢泪满襟。

      杨柳枝 温庭筠

      井底点灯深烛伊,

      共郎长行莫围棋。

      玲珑骰子安红豆,

      入骨相思知不知。

      弈棋二首呈任渐 黄庭坚

      偶无公事客休时,*上谈兵校两棋。

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2022-05-17 20:37:55
  • 古诗词艺术歌曲的发展历史

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  • 古诗词艺术歌曲的发展历史

      阅读是一种主动的过程,是由阅读者根据不同的目的加以调节控制的,陶冶人们的情操,提升自我修养。以下是小编帮大家整理的古诗词艺术歌曲的发展历史,欢迎大家分享。

      古诗词艺术歌曲的发展历史

      古诗词艺术歌曲是*的古典诗词与音乐相结合的一种声乐体裁,它最显著的特征是歌词全部来源于古典诗词。*的古典诗词是中华民族文学史上一株绚丽的奇葩,千百年来被人们广为传颂。它以洗练的语言、高远的意境、深邃的内涵,传达着*文化特有的神韵。古典诗词作为*文学史上的一颗闪亮“明珠”,其影响力之大、影响范围之广是毋庸置疑的。就音乐创作而言,古典诗词曾激发了无数作曲家的创作灵感,使他们写下了传唱不衰的经典之作。早在上世纪二三十年代,就有以青主、黄自、赵元任等为代表的一批作曲家选用古代诗词创作艺术歌曲,那些具有*古典韵味的艺术歌曲至今仍是艺术歌曲创作领域的精品之作。时至今日,有更多的作曲家把目光投向了古典文学的“宝藏”,那些传颂了千百年的古代诗词几乎成了作曲家取之不尽、用之不竭的“粮仓”。本文就古诗词艺术歌曲的创作在不同历史阶段所体现出来的特征作一番综述和比较,以揭开它那颇具神秘色彩的面纱,使其创作和发展的概貌展现在我们眼前。

      古诗词艺术歌曲的发展从创作技法上来讲大体经历了三个阶段。

      第一个阶段是从上世纪20年代初到40年代,技法上大多采用欧洲浪漫派晚期的创作技法。这一时期青主创作了《大江东去》和《我住长江头》,这是两首艺术造诣达到较高境界的作品,其中《大江东去》创作于1920年青主留学德国之际,是*艺术歌曲的开山之作。黄自先生毫无疑问是这一领域的佼佼者,诗歌和音乐相结合的声乐作品最能代表他的创作风格和艺术成就。黄自以*古代诗人的诗词为题材作曲,谱写了《花非花》(白居易)、《峨眉山月歌》(李白)、《点绛唇·赋登楼》(王灼)、《卜算子·黄州定慧院寓居作》(苏轼)、《南乡子·京口北固亭有怀》(辛弃疾)等曲。在这部分作品中他能深刻地理解原诗的含义,并通过音乐给予生动、具体的形象刻画。其中《点绛唇》的音乐充满着宽广的气势和明朗乐观的情愫,是一首富于浪漫主义气息,具有一定民族风格的独唱曲。《南乡子》的音乐则充满着豪壮的气魄和澎湃的热情,是一首富于爱国激情的抒情独唱曲。其他像《花非花》《卜算子》等作品以素雅的笔调、深情优美的旋律、新颖细致的和声进行,勾画出一幅幅*式的恬淡幽静的意境。黄自的这些艺术歌曲可以说是当时我国学院式艺术歌曲创作的精品,并对后来许多作曲家产生了深刻的影响。这一时期的作曲家还有江文也、应尚能、刘雪庵、马思聪等,他们在古诗词艺术歌曲的创作领域也都颇有建树。江文也所写的艺术歌曲的词,全部取自唐诗、宋词、元曲和明清诗词,并且按照朝代顺序结集编作品号码。作品有《江村即事》(司空署诗)、《垓下歌》(项羽词)、《宋词李后主篇》(李煜词)等;应尚能作为一名作曲家和男中音歌唱家,他的代表作有《无衣》(诗经)和《我侬词》(管道声)等。

      古诗词艺术歌曲的创作从技法上来讲,第二个阶段即是上世纪40年代,这一时期最具代表性的作曲家即为谭小麟先生。谭小麟在美国留学期间曾追随现代作曲理论大师亨德米特学*,并被视为亨氏高足,回国后执教于上海国立音专。他是将现代作曲观念与技法引入*专业作曲教学的第一人,可惜英年早逝,令人扼腕!作为一名作曲家,他对我国传统音乐有着深厚的感情,除了直接从事民族器乐的创作外,他所写的声乐作品也大多取材于古代诗词。谭小麟具有颇深的古典文学和音乐功底,在创作中他尊重民族的审美取向,以*传统文化的思维为基础消化吸收应用亨氏作曲体系中可取的部分,因而他的作品具有鲜明的民族性。他强调:“我应该是我自己,不应该像亨德米特。”“我是*人,不是西洋人,我应该有我自己的民族性。”谭小麟一生创作了十多首声乐曲,他精心制作,力求尽善尽美,故其中多精品。代表作有《自君出之矣》(张九龄)、《彭浪矶》(朱希真)、《正气歌》(辛弃疾)等。从谭小麟的作品当中,不难感受到其中既有现代作曲技巧较成熟的展示,又有民族风格较纯熟的体现。罗忠曾这样评价其师谭小麟的歌曲创作成就:“他的艺术歌曲是我们民族音乐创作的精华,不仅继承了我们传统声乐曲的'许多优秀成果,而且在创作上,不论在精神方面还是技术方面,都踏入一个新的天地。”从分析研究谭小麟的作品中不难看出,其中体现出一种远远超过他前辈的强烈个性和新颖独特的民族风格,为后人在音乐创作上积累了不少富于启发性、值得深入探讨的宝贵经验。

      接下来谈谈以罗忠为代表的“五声十二音”作曲技法在古诗词艺术歌曲创作中的运用。

      罗忠先生于1980年发表在《音乐创作》杂志上的《涉江采芙蓉》,在当时来说可谓是石破天惊之作。这是一首严格按照十二音序列音乐的规则来进行创作的古诗词艺术歌曲。在当时,大部分作曲家对现代创作技法几乎一无所知,十二音体系的作曲方法在人们印象中是与“垂死的帝国主义”“没落的资产阶级”等政治化的概念联系在一起的,在“左倾”思潮的影响下,写这种东西常常会招灾引祸。罗忠先生大胆地突破了这个禁区,进行了有意义的探索,开创了用五声十二音技法作曲的先河。从此以后,*内地的作曲家们争先恐后地进行现代作曲技法的补课、探索和实践,出现了一系列利用五声十二音序列创作的作品,中断了30年的现代作曲技法创作之路得以延续。五声十二音序列是罗先生独创的,这种创作实践引领*音乐从封闭走向开放,从隔绝走向会通,对*现代音乐的发展具有深刻的启迪意义。我们可以把它看作是古诗词艺术歌曲发展的第三个阶段,即采用西方十二音技法,同时又赋予它五声性的内涵,在二者之间找到了一个最佳融合点。

      罗忠的作品数量繁多,体裁各异。创作大体可分为两个阶段,这两个阶段在创作题材和所应用的作曲技法方面截然不同,表现出不同的艺术情趣。第一阶段创作技法以传统为主,历时17年。他创作了独唱、合唱曲31首,大部分为艺术歌曲,还有其他体裁的音乐作品30余部。第二阶段迄今26年,创作合唱独唱歌曲19首,全部为艺术歌曲,此外其他体裁的作品数量也很大。这一时期的作品更加注重与*文化相结合,创作技法以现代为主。

      通过上述分析我们看到,在古诗词艺术歌曲创作之初,作曲家基本按照(转第59页)(接第74页)欧洲浪漫派初期的原则来安排调性布局,其间或多或少带有一些五声色彩以使作品接*本民族的欣赏*惯,如青主、黄自等。40年代中后期,谭小麟将亨氏作曲理论带回*,他本人也是这一理论的实践者。他的作品基本不用传统的大、小调式,而使用五声调式,但又不是传统意义上的五声调式,调式变化非常丰富,他是以十二个半音为材料来构思旋律与和声的,作品透出浓浓的五声性。之后漫长的40年,现代作曲技法仿佛从*大地上消失了,直至罗忠的一曲《涉江采芙蓉》,向世人宣告了现代作曲技法在*的存在,使艺术歌曲的创作进入一个新阶段。通过上述分析,古诗词艺术歌曲的发展脉络基本上就清晰了,大致经历了这样三个阶段:二三十年代(青主、黄自)──40年代(谭小麟)──80年代(罗忠)。从技法上来讲是:欧洲浪漫派技法──亨氏十二音序列作曲法──罗氏五声十二音序列作曲法。

      *现代作曲家在根据古诗词谱曲时具有一个共同的特点,那就是他们不遗余力地在创作中探索如何应用西方现代创作技法来表达*诗词所特有的神韵,无一例外地努力在作品中体现民族气质、民族风格,在音乐如何体现诗词的意境方面作了许多有益的探索。三四十年代的黄自、谭小麟如此,70年代末的罗忠如此,罗先生之后的许多作曲家也是如此。这是历代作曲家留给我们的优良传统之一。黄自曾说:“*自己的音乐必须由具有中华民族的血统与灵魂而又有西洋作曲技术修养的作者创作出来。”他还说:“我们现在所要学的是西洋好的音乐方法,而利用这方法来研究和整理我国的旧乐和民谣,那么我们就不难产生民族化的新音乐了。”由此可见,他对创作新的民族音乐具有鲜明见解和宏伟抱负。他创作的古诗词艺术歌曲或深沉跌宕、或清新淡雅,处处体现出古典诗词的特有意境。又如谭小麟,他在创作当中大量运用西欧古典乐派和浪漫乐派和声中很少使用或几乎不用的和声材料,而是以十二个半音为写作材料,同时有意识地采用*传统的五声调式,使得作品恰到好处地表达了*传统音乐淳朴、亲切的特色。罗忠先生和他的前辈相比又将古诗词艺术歌曲的创作向前大大推进了一步,主要是他独创了“五声十二音技法”,让*的五声体系和西方十二音序列体系找到了一个最佳融合点,让我们从中感受到一个全新的音响世界,而用这样的音乐体系去诠释古典诗词正是罗先生的匠心所在。

      古诗词艺术歌曲经过*90年的创作实践,涌现出许多杰出的作曲家和优秀作品,由于本文篇幅所限不能一一阐述了。从20年代直至当代*90年的历程中,作曲家们始终在探索借鉴西方作曲技法创作具有*特色的音乐之路,在此过程中积累了相当宝贵的经验,值得后人去深入研究,认真分析总结,对新时期*艺术歌曲的创作和发展具有深远意义。只要创作上发展了,相信歌坛也随之会吹来一股清新的、具有古典韵味的“*风”。

      拓展阅读:*诗词的押韵之美论文

      唐继承隋制,实行科举。诗歌列入考试内容。律诗和绝句的体式在这时得以完善。历宋元明清至今相袭不变。唐人作诗依据陆法言《切韵》,但分部过细,有206韵,由于同韵字少,允许*韵通押,有所变通。宋朝景德年间的《礼部韵略》是一部官修韵书,允许*韵通押,订出了“同用”、“独用”的规则。南*水(今山西临汾)人刘渊在江北刊印了《壬子新刊礼部韵略》。将《礼部韵略》注明同用的加以合拼,成为一本107韵的书,即*水韵。此时金人王文郁又将原来并不同用的“迥”、“拯”及去声“径”、“震”合并,共106部,作为金代官韵书,一直流行至今。*水韵106韵韵目如下:

      上*声:东冬江支微鱼虞齐佳灰真文元寒删

      下*声:先萧肴豪歌麻阳庚青蒸尤侵覃盐咸

      上声:董肿讲纸尾语麌荠蟹贿轸吻阮旱澘篠巧皓哿马养梗迥有寝感琰豏

      去声:送宋绛置未御遇霁泰卦队震问愿翰谏霰啸效号箇祃漾敬径宥沁勘艳陷

      入声:屋沃觉质物月曷黠屑药陌锡职缉合叶洽

      其中*声字最常用,收字多少不一。最多“虞”部305字,最少“咸”部41部。作诗必须遵守韵部,不能出韵。*体诗的规则,偶句必押。首句*声韵一般都押。仄声,特别是五言体,则多数不押。以王昌龄的《出塞》为例:

      秦时明月汉时关,万里长征人未还。

      但使龙城飞将在,不教胡马度阴山。

      起句入韵,关、还、山相押,属十五删部。又如杜甫的五绝《八阵图》:“功盖三分国,名成八阵图。江流石不转,遗恨失吞吴。”起句不入韵,偶句押韵,图、吴属七虞部。是五绝的常格。

      如前所述,韵有宽窄。初学写诗的人,不妨从宽韵入手,有较多选择,利于运思。像东韵、虞韵、先韵、阳韵、庚韵字多而不僻,较易措手。

      但是,由于语言的变化,许多当时适口的诗韵,今天已经不谐于口了。以十三元为例:其中如魂、门、孙、繁、言、掀皆与真、文、先、咸相*。江西名士高心夔两次殿试,都以出韵,贬到四等。王闿运嘲以“*声两四字,该死十三元”相嘲。像如此有悖实际的事,为何还要遵守?于右任先生说:“古人用自己的口语来作诗,我们用古人的口语来作诗,其难易自见。我们要想把诗化难为易,和大众接*,第一要改用国语*仄与韵。”中华诗词学会提出“双轨并行”、“倡今知古”,提倡用新声韵,即按普通话声韵写诗。

      在韵的革新上,鲁迅、*也是力行改革的大家。鲁迅诗不但邻韵通押,如《赠画师》“雾塞苍天百卉殚”与“只研朱墨作春山”,“殚、山”是寒删通押。《赠乌其山诗》则“华、书、多、陀”相押,是以方言入韵。而其《脑炎戏作》之“不料仍违众女心”与“无如臣脑故如冰”,更是打通前后鼻韵母以“in”与“ing”相押。大大地放宽了韵的束缚。*的《长征》诗共五个韵脚,其中:难、丸、寒,属“寒”韵,而“闲、颜”属“删”韵,听来浑然无别。其《蝶恋花·答李淑一》词,上片用“有”韵,下片用“麌”韵,皆情韵超迈,气象发皇。

      古典诗词困境之我见论文

      拙作《古典诗词“困境”之我见》一文同时在烟雨和红袖发表后,小有争议。作为一个文笔不成熟,见地甚浅的我来说,诚惶诚恐之中有一丝欣慰。欣慰的是毕竟有读着路过了,并留下了自己的见解可供我参考。很感谢!

      留言不多,句句却是评论者心声。有赞成的,诸如“古诗就应该用古代的那个规范来要求。不然就乱了,和现在那些唱歌的一样,唱什么的都有!”、“支持作者观点!我也是古诗词爱好者,想写律诗但水*有限,所发作品都注明“古绝”,那是无奈之举。律诗虽然对格律要求非常严格,但读起来意境深远,是别的诗歌体裁无法替代的一种美,不然怎么唐诗宋词流传了这么久却长盛不衰,而且百读不厌?本人认为,如果作不了格律诗,大可不必抨击它,完全可以以别的体裁作诗,诗歌的体裁很多也很自由。”之类的。很感谢他们!当然也有反对的,反对之中见真谛,很高兴看到这样的留言。不管只赞成的还是反对的,其中均不乏精彩留言。看后因心有所感,故而摘录下来,再作一番小讨论。

      红袖一位笔名为“非白”的网友这样说道:

      “我非常喜爱读诗词,但是从不去研究什么格律,因为我从没打算去写诗词。鲁迅先生说过:‘我以为一切好诗,到唐已被做完,此后倘非能翻出如来掌心之齐天大圣,大可不必动手。’当然,并不是所有的诗已被做完,但至少格律诗已被做完。说句泄气话,你就是穷其一生,写出的诗也不及那时最末流诗的万分之一。这世上任何东西都有生命周期,有生就有死,有盛就有衰。格律至唐为盛,词至宋为盛,曲至元为盛。文言小说至《聊斋》为盛,章回小说至《红楼梦》为盛,杂文至鲁迅为盛,京剧至梅兰芳为盛。所有的盛之后,便无一避免地走向衰。随着社会的发展,这种由盛至衰的过程将更快。相声盛之后也早开始衰退,取而代之的小品在很短暂的盛之后,也在很快的显出衰退的痕迹。所有这些,都是自然规律,也是艺术的规律。无论你怎样努力,也不会出现梅兰芳时代的京剧,无论你如何地才华横溢,也不可能写出《红楼梦》那样的章回小说。艺术是在发展的,我们为什么不去创造新的艺术生命呢?而要一味地去生硬地模仿越过千年的艺术形式呢?就算你模仿对了,有那么好的经典我不去看,为何要去看你那不伦不类的烂什子呢?郭沫若的格律诗写得要算可以了吧,可是一和唐诗比起来,简直是土的掉渣,哪能算诗,只是在穷对付什么格律吧了。的格律诗也算写得不错了吧,可除了几首还可看之外,其它的读了简直令人啼笑皆非,什么‘土豆烧熟了,再加牛肉,不须放屁,试看天地翻覆’,这就是他老人家写的经典的词,曾向全世界诵唱,真让人恐怖。我非常赞成读唐诗宋词,但决不赞成去写,当然写写玩没有什么不可以,但是要指望出成绩,则肯定是白费力气。因为,虽然月还是唐时月,星还是宋时星,但人已早不再是唐宋人。”

      暂且不说其留言内容如何,首先可以看得出,作者很有自己的一套想法。但是,我觉得这也仅仅只是他一家之言,于诸多细节方面值得探讨。

      “鲁迅先生说过:‘我以为一切好诗,到唐已被做完,此后倘非能翻出如来掌心之齐天大圣,大可不必动手。’当然,并不是所有的诗已被做完,但至少格律诗已被做完。”固然,鲁迅是*大文豪,说出此话定有他的道理,但是我们也不能迷信,认为鲁迅说的一切的一切都是完全正确无可挑剔的。不要忘了,鲁迅的文章为什么在现代人读来艰涩难懂?原因很简单,一定时期的文章是一定时期社会中政治、文化乃至诸多方面的反映,社会是进步的,一切事物都在不断的发展中,鲁迅的文章同样如此,只有把鲁迅先生的文章放在他所生活的那个年代里来解读,才能真正读懂鲁迅;但是如果以现在这个社会中的某些现象来和鲁迅先生所写的来对号入座的话,肯定很难懂。所以说现在如果拿以前的某些东西来衡量的话,我想可能会大有问题。所以,作者说“当然,并不是所有的诗已被做完”,我十分同意。

      但是作者说“至少格律诗已被做完”,最后又说:“当然写写玩没有什么不可以,但是要指望出成绩,则肯定是白费力气。因为,虽然月还是唐时月,星还是宋时星,但人已早不再是唐宋人。”此话就差了,实在不敢苟同。每个人的经历不同、所受的文化熏陶不一样,当然思想也大相径庭,谁能保证、谁又敢说现代人写不出好的诗词?可能有些人说现代人写的诗词都是垃圾,那恐怕还是我说的“这也是一种‘吃不上葡萄说葡萄酸’的心理”吧。况且,现代人有现代人的生活方式,有自己的行为*惯,只要按着既定格律和词谱写,又何尝不会写出“现代人的唐诗宋词”呢?

      “这世上任何东西都有生命周期,有生就有死,有盛就有衰。”,毋庸置疑,这话深在其理。但是,古典诗词作为一种文化,不能和历朝历代各种制度相比,不能和法律条例相比,法律条律只有在经过历史的检验后才能决定其“生死”权,但是古典诗词是人民智慧的结晶,是人民的成果,有谁会把自己来之不易的成果扔掉?所以只要人民喜欢,不管谁前来阻挠,依然会代代相传下去的。大家都知道《诗经》、《国风》等等等等,流传已经很久远了吧?可是他生了之后“死”了么?没有吧?是的,古典诗歌是面临着一些“困境”,有人提出要老歌新唱,但是不管怎么样,古典诗词在社会中的地位是永远不会被别的东西取代的,有盛不会“衰”。

      “艺术是在发展的,我们为什么不去创造新的艺术生命呢?而要一味地去生硬地模仿越过千年的艺术形式呢?就算你模仿对了,有那么好的经典我不去看,为何要去看你那不伦不类的烂什子呢?”说句不客气的话,这个观点简直就是废话!创造新的艺术生命?现代人不是已经创造出来了么?现代诗不是么?我已经不想多言,还是《古典诗词“困境”之我见》中那句话:“诗歌现在又不仅仅是古诗词一种,现代诗歌不就是‘创新’后的古诗词?那个完全没有格律限制的,而且连韵脚也免了,多自由的一种形式!怎么不去写呢?”尤其是后面那句话,我觉得都可笑了。你这不是自寻烦恼吗?又没有谁来逼着你来看古诗词,不管好的不好的自然有感兴趣的来看,不来就算了呗,没人强求的,再说了,难不成说只有你说了好才算好?你说没有价值就没有价值,就是“烂什子”你把自己未免也看得太高了吧?(此话没有人身攻击的意思,只是无心快语罢了)。如果一直是这样的心态,恐怕别说“创新”了,可能自己连“涂鸦之作”都写不出来吧?

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2022-05-19 23:47:20
  • 关于艺术的唯美句子(形容艺术的唯美句子)

  • 艺术,唯美
  • 波提切利 《维纳斯的诞生》

    对于艺术的定义众说纷纭,

    有人说艺术指通过巧妙的手法、构思,

    带给人美的享受。

    有人说艺术是个谎言,

    但却是一个说真话的谎言。

    我们来看看世界上的名人

    是如何理解艺术的。

    米开朗基罗 《创世纪》

    艺术上不同的形式和风格可以自由发展,科学上不同的学派可以自由争论。利用行政力量,强制推行一种风格,一种学派,禁止另一种学派,我们认为会有害于艺术和科学的发展。

    ——*

    艺术是让我们意识到真理的诺言。

    ——毕加索

    没有人能通过模仿别人而成名。

    ——塞缪尔·约翰逊

    事物的美存在于细心观察它的人们的头脑中。

    ——休姆

    艺术不是一种观察方式是什么?

    ——托马斯·伯杰

    达·芬奇 《最后的晚餐》

    妙想就像在外流浪的孩子,会在你最意想不到的时候出现。

    ——伯恩·威廉姆斯

    艺术是精神和物质的奋斗。

    ——宗白华

    艺术应当担负起哺育思想的责任。

    ——白朗宁

    艺术并不超越大自然,不过会使大自然更美化。

    ——塞万提斯

    美是艺术的目的和推动力。

    ——冈察洛夫

    弗朗索瓦·布歇 《戴安娜的休息》

    艺术是发扬生命的,死神所在的地方就没有艺术。

    ——罗曼·罗兰

    艺术的伟大意义,基本上在于它能显示人的真正感情、内心生活的奥秘和热情的世界。

    ——罗曼·罗兰

    艺术是高尚情操的宣泄。

    ——穆 尔

    艺术家是美的事物的创造者。

    ——郁达夫

    任何美的艺术品都不可能没有一点小小的瑕疵,但真正的美却一定能够掩盖这些小小的瑕疵。

    ——迦迪那

    安格尔 《大宫女》

    每当一位艺术家逝去,人类的一些幻想也随之而逝。

    ——罗斯福

    艺术乃德行的宝库。

    ——巴尔扎克

    如果没有音乐,生活就是一个错误。

    ——尼 采

    简洁是艺术性的第一个条件。

    ——陀思妥耶夫斯基

    艺术使自然更完美。

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2022-07-12 05:16:14
  • 形容高雅艺术的句子

  • 高雅,艺术,优美
  • 五、与艺术文化有关的成语 汉语成语民族的绘画、音乐蹈、戏曲、书法等艺式有全面的反映。

    在绘画方面。

    成语“胸有成竹”说的是以画竹闻名的宋代画家文同在落笔之前已在完整的构思,用来比喻办事前心里有成算。

    “兔起鹘落”形容绘画(后又指写作)时为捕捉形象而下笔敏捷。

    “大处落墨”指绘画要从主要的地方着笔。

    “双管齐下”本来指唐代画松名家张操能同时用两支笔齐挥的绝技,又比喻两件事同时进行。

    “得心应手”形容技艺纯熟。

    “画中有诗”形容唐代王维的画富有诗意。

    “烘云托月”指作画(后也指作文)时从侧面点染烘托。

    “画龙点睛”指绘画(后也指写作)中的关键笔墨。

    另外,还有“画蛇添足”、“画虎类犬”、“画脂镂冰”等成语,用来讥讽绘画的拙劣,或嘲笑他们的徒劳乃至弄巧成拙。

    成语与音乐文化也有着千丝万缕的联系。

    我国上古时期的乐律非常精微,有“五音”、“六律”之说。

    “五音”指宫商角徵羽,*似简谱上的123456。

    成语“五音不全”指人完全不懂音乐。

    “移宫换羽”指乐曲换调,也比喻事情的内容有变更。

    “引商刻羽”则指掌握严正的乐律。

    “律”本来指用以定标准音的十二支不同长度的律管,黄钟、大吕为开始的二律。

    成语“黄钟大吕”形容音律或文辞的正大、庄严和高妙。

    “黄钟毁弃”比喻贤才不被任用。

    从“丝竹管弦”“笙箫管笛”“金石弦丝”“琴瑟不调”“抱瑟不吹竽”“钟鼓齐鸣”“秦筝赵瑟”“笙磬同音”等成语中,可以了解到我国古代的乐器有“琴”“瑟”之类的弹拨乐器,“笙”“箫”“笛”“竽”之类的吹奏乐器,还有“钟”“鼓”“金”“石”“磬”之类的打击乐器。

    “黄钟大吕”“一片宫商”“含商咀徵”“引商刻羽”“以宫笑角”“移商换羽”“五音六律”等成语,记录了我国古代特有的音乐理论“十二音律”和由此形成的宫调理论。

    还有“齐钟卫鼓”“秦筝赵瑟”“楚丝燕歌”等成语反映了我国古代音乐生活的地域特色,“阳春白雪”“下里巴人”记录了古曲曲目,“大音希声”“弦外之音”“曲终奏雅”“余音绕梁”反映了古人对音乐境界的追求,“郑卫之音”“正始之音”“桑间之音”“靡靡之音”反映了古人对音乐风格的认识和划分,“急管繁弦”“哀丝豪竹”反映了古代丝竹乐演奏不同乐曲的效果,“弄管调弦”“弄丝弹竹”“敲锣打鼓”表现了不同乐器不同的演奏方式,还有“琴心剑胆”“春诵夏弦”“琴断朱弦”“琴歌酒赋”“琴瑟相调”则表现了我国古人由音乐生发出来的价值观。

    还有戏曲、舞蹈、书法、篆刻、绘画等,也像音乐一样,可以从成语中比较系统、完整地了解它们的基本面貌。

    另外,成语“胶柱鼓瑟”、“滥竽充数”、“室如悬磬”、“铜琶铁板”、“急管吹弦”、“哀思豪竹”、“断金裂石”等,分别用了一些乐器的名称、类别,还描写了一些乐器的形态结构和演奏特色,这里不作一一介绍。

    至于“一板三眼”(也作“一板一眼”)中的“板眼”,是指明清以后戏曲音乐的节拍,这个成语比喻言行有条有理,有时也比喻做事死板。

    黄钟是我国古代的打击乐器,多为庙堂所用,因此成语“黄钟瓦釜”比喻性较高或较低的文学作品,“黄钟毁弃”比喻贤才不用,“黄钟大吕”形容音乐或文辞庄严、正大、和谐、高妙。

    书法是用毛笔书写汉字的艺术,它是在书法家审美观的长期运用和发展之下逐渐形成的一门特殊艺术。

    书法是中华民族优秀传统文化之一,除了具有语言文字的实用价值之外,更具有艺术欣赏价值。

    汉语中不少成语是反映书法艺术的,或喻笔势,或喻风格,或品评其高下。

    如:龙飞凤舞、剑拔弩张、铁画银钩、初写黄庭、柳骨颜筋、春蚓秋蛇、信笔涂鸦。

    另外比如“按部就班”这条成语,原指写文章时结构安排得当,选词造句合乎规范;“尺幅千里”指图画或诗文篇幅短小,但内容却极其丰富,意境非常深远;“烘云托月”原指作画时渲染云彩来衬托月亮的一种技法,后来比喻绘画或作文时从侧面加以点染或描写,从而突出主体或主题的一种表现手法。

    “郊寒岛瘦”是对诗作的某种意境与风格的概括,“骈四俪六”是指盛行于六朝时期的骈体文多用四言、六言的句子对偶排比;“一字一珠”比喻唱歌吐词清楚,婉转圆润,也比喻诗文写得精粹;“鸾飘凤泊”形容书法的笔势盘屈飘散;“剑拔弩张”、“入木三分”,形容书法挺拔雄健,功力深厚。

    成语“磨穿铁砚”、“手不停挥”形容练*书法的用功和坚持不懈。

    “铁画银钩”形容书法刚健而遒劲。

    “龙跳虎致”、“龙飞凤舞”、“龙蛇飞动”、“美女簪花”等成语,都用来形容书法的优美生动,多采多姿。

    至于成语“春蚓秋蛇”则是比喻书法的拙劣了。

    诸如此类的成语,确实不胜枚举。

    阳春白雪 【出处】战国楚宋玉《对楚王问》:“客有歌于郢中者,其始曰:《下里》、《巴人》,国中属而和者数千人。

    ……其为《阳春》、《白雪》,国中属而和者不过数十人” 【释义】原指战国时代楚国的一种艺术性较高难度较大的歌曲。

    现比喻高深的、不通俗的文学艺术。

    下里巴人【释义】下里:乡里;巴:古国名,在今川东一带。

    战国时代楚国的民间乐曲(下里即乡里,巴人指巴蜀的人民,表明做歌曲的人和地方),后来泛指通俗的普及的文学艺术。

    与阳春白雪对举 【出处】战国•楚•宋玉对楚王问:“客有歌于郢中者,其始曰:《下里巴人》,国中属而和者数千人。

    ” 雅俗共赏:形容某些文艺作品既优美,又通俗,各种文化程度的人都能够欣赏。

    是过程,是一种探索;是一种提升,是一种享受。

    它不断学*,不断认识;需断接受,不断消化。

    它需要不断探索,不断追求;需要不断提高,不断升华。

    如此,才能使品味艺术成为一种艺术品味,变成一种高雅艺术;才能使艺术品味变为一种高尚活动,形成一种崇高境界。

    美妙的音乐,令人回味无穷;杰出的画作,让人百看不厌;一件小小的艺术品经你细致的观察,也会有撼动人心的力量。

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2022-02-18 08:15:44
  • 古诗中形容雪的诗句

  • 古诗中形容雪的诗句

      冬天是雪的主场,雪的世界,以下是小编整理的古诗中形容雪的诗句,欢迎参考阅读!

      清代:纳兰性德

      非关癖爱轻模样,冷处偏佳。别有根芽,不是人间富贵花。

      谢娘别后谁能惜,飘泊天涯。寒月悲笳,万里西风瀚海沙。

      译文

      我喜欢雪花不在于其轻盈的形态,更在于其在寒处生长。雪花,虽与牡丹、海棠等人间富贵花不同,而是另具高洁品性。谢道韫是咏雪的著名才女,在她死后已无人怜惜雪花了,只落得漂泊天涯,在寒冷的月光和悲笳声中任西风吹向无际的大漠。

      宋代:范成大

      斜日低山片月高,睡余行药绕江郊。霜风捣尽千林叶,闲倚筇枝数鹳巢。

      炙背檐前日似烘,暖醺醺后困蒙蒙。过门走马何官职,侧帽笼鞭战北风!

      屋上添高一把茅,密泥房壁似僧寮。从教屋外阴风吼,卧听篱头响玉箫。

      松节然膏当烛笼,凝烟如墨暗房栊;晚来拭净南窗纸,便觉斜阳一倍红。

      乾高寅缺筑牛宫,巵酒豚蹄酹土公。牯牸无瘟犊儿长,明年添种越城东。

      放船开看雪山晴,风定奇寒晚更凝。坐听一篙珠玉碎,不知湖面已成冰!

      拨雪挑来踏地菘,味如蜜藕更肥醲。朱门肉食无风味,只作寻常菜把供。

      榾柮无烟雪夜长,地炉煨酒暖如汤。莫嗔老妇无盘飣,笑指灰中芋栗香。

      煮酒春前腊后蒸,一年长飨瓮头清。廛居何似山居乐,秫米新来禁入城。

      黄纸蠲租白纸催,皂衣旁午下乡来。长官头脑冬烘甚,乞汝青钱买酒回。

      探梅公子款柴门,枝北枝南总未春;忽见小桃红似锦,却疑侬是武陵人。

      村巷冬年见俗情,邻翁讲礼拜柴荆。长衫布缕如霜雪,云是家机自织成。

      选析

      “放船开看雪山晴,风定奇寒晚更凝。坐听一篙珠玉碎,不知湖面已成冰!”

      这首诗描绘了冬季雪后初晴,在湖面上乘船漂行时看到的景象。诗的大意说:雪后初晴,乘船在湖面上漂行,远远望去,山上盖满了白雪。风停了,反而让人感到更加寒冷。到了晚间,觉得整个世界似乎都已凝结成一个寒冷的冰块儿。船舱外面传来撑船的竹篙碰碎湖面上的冰凌声,宛如敲碎了珠玉一样,发出清脆的'响声,这才知道,湖面上都已结冰了。

      这首诗为读者绘制了一幅湖山雪景图。画中有人物,有风景,有动,有静,有声,有色,通过视觉、听觉、触觉等多方面描写,把冬季严寒的意境刻画了出来,是描绘冬景诗中的妙品。

      唐代:温庭筠

      三月雪连夜,未应伤物华。

      只缘春欲尽,留著伴梨花。

      译文

      暮春三月一连下了几夜的大雪,应当还未有煞春天的美景。

      只因春色即将逝去,就让我留在枝头妆点梨花的盛开吧!

      唐代:白居易

      同为懒慢园林客,共对萧条雨雪天。

      小酌酒巡销永夜,大开口笑送残年。

      久将时背成遗老,多被人呼作散仙。

      呼作散仙应有以,曾看东海变桑田。

      浅析

      这首《雪夜小饮赠梦得》作于洛阳。这是一首记叙诗。雪夜,诗人与友人小酌慢饮,促膝叙谈,销磨了一整夜时间;谈得高兴了,就开怀大笑,以爽朗的胸怀,度过残年。老年生活情趣,生动而又活跃。

      唐代:白居易

      同为懒慢园林客,共对萧条雨雪天。

      小酌酒巡销永夜,大开口笑送残年。

      久将时背成遗老,多被人呼作散仙。

      呼作散仙应有以,曾看东海变桑田。

      浅析

      这首《雪夜小饮赠梦得》作于洛阳。这是一首记叙诗。雪夜,诗人与友人小酌慢饮,促膝叙谈,销磨了一整夜时间;谈得高兴了,就开怀大笑,以爽朗的胸怀,度过残年。老年生活情趣,生动而又活跃。

      唐代:贾岛

      倚杖望晴雪,溪云几万重。

      樵人归白屋,寒日下危峰。

      野火烧冈草,断烟生石松。

      却回山寺路,闻打暮天钟。

      译文

      独倚竹杖眺望雪霁天晴,只见溪水上的白云叠叠重重。

    [阅读全文]...

2022-04-23 01:49:57
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