古诗野地的花钢琴伴奏

钢琴的三种弹奏方法

钢琴的三种弹奏方法

　　现代钢琴自发明至今已*300年了，由于其在音量、音域和音色方面是所有乐器中最为完善的，所以素有“乐器之王”之称。那么钢琴的弹奏方法有哪些呢?下面跟小编一起看看吧!

　　一、非连音(断奏)

　　非连音的练*是连音弹奏以及各种演奏技法的基础。只有保证了非连音的练*质量，才能为将来弹奏复杂的旋律打下基础。非连音的音色特点在于：由于指尖具有快速反弹的力量，能发出敏锐、灵活、清脆、明亮的声音。初学者为了体会弹奏时身体、肩、臂放松后自然下垂的重量，非连音奏法非常有效。其具体做法为：在弹奏第一个音前，先用手臂带动手腕提起，然后松弛地落在要弹的琴键上，触键时手掌关节及手指的一、二关节都要站稳，不能凹陷，手腕与手掌成水*位，受型呈半握状。

　　在弹奏时要求音与音之间抬手，把每个音都断开弹奏。对于非连音的训练首先从三指开始，因为三指是五个手指中最有力、最容易指挥而且又在手的中央重心较稳的手指，最容易体会到手掌的支撑感。在三指掌握了基本动作要领后，可加入二、四指，它们与三指的情况基本一致，易于掌握，然后再加入五指、一指的训练。

　　二、连音(连奏)

　　所谓连音奏法，即连续地弹奏两个或两个以上的音时，不抬起手臂和手。它要求先用手臂的自然重量落下去弹奏第一个音，将该音保持在琴键底部，再打开掌关节抬起所要弹的第二个音的手指，向下快速触键的一瞬间前一个音的手指离键。要避免过迟离键造成前后两音同时发响、过早离键前后两音断开不连贯的现象。连音奏法的关键是重心转移。要特别注意音与音的连接，后一音未弹下去之前，前一个手指不能离键，否则弹出来的音就不连贯。相反，后一个手指触键后，前一个手指要及时离开，否则弹出来的音就混浊不清。

　　力量的重心应从一个手指尖移到另一个指尖，手腕也要跟随手指力量的重心*稳移动。连音的训练应当从两个音开始，第一个音弹下的同时抬起第二个手指，像走路一样，重心转移，然后弹奏第二个音，紧接着像弹奏非连音一样将手再次提起。在连奏的训练中，手指有准备地抬起来然后结合手臂的运用把声音有力地送到指端，手指的独立性会渐渐增强，声音也会渐渐饱满起来，手指轻松地抬起快速有爆发力地触键，下键后的放松，能使声音富有弹性和颗粒感。经常这样训练五个手指能增强其灵活性，减少手指间的相互依赖性，手掌关节会变得越来越灵活、有支撑力，因此，这种练*是非常必要的。

　　三、跳音(跳奏)

　　跳音就是用手腕主动发力，抬起来迅速下键，手指触键后立即反弹离键。跳音的音色特点在于：短促富有弹性。最初的跳音比非连音更为短促，弹奏起来要轻巧、放松、富有弹性。练*跳音时可同非连音奏法联系起来，先用非连音奏法弹，然后将音符时值减短，像拍皮球一样将音符弹成跳音。学*三种奏法后，可将三种不同的奏法结合在一起进行综合练*。这时常常需要双手同时用不同的奏法弹奏不同时值和不同音高的音，但有一定的难度。因此，要特别强调分手的练*，在分手练*准确熟练后再进行双手弹奏，避免走弯路，避免练*中的重复错误。

　　拓展：钢琴和弦基础入门技巧

　　一、教你和弦练*与放松

　　练*准确地弹奏和弦，是应用和弦冲击的第一步。让我们练*上述的 CEG 和弦。利用手臂的重量，是达到准确弹奏与放松的`最好方法。这个方法在参考书目中（Fink, Sandor）有很详尽的解说，所以在这里只作简短的讨论。

　　把手指正确地放置在琴键上。手臂放松（事实上是整个身体都要放松），保持手腕柔软，然后将手抬高离开键盘5至20公分（开始时用较短的距离），让手自然放下。手与手指应同时落下，手指不要移动。

　　整个手在落下的过程中要完全放松，在手指触键的瞬间，把手指与手腕置于弹奏姿势，让手腕稍微弯曲，接受落下的冲击力道，并将琴键按下。让手自然放下，就是把你的力气或灵敏度交给永恒不变的地心引力。

　　二、手自然放下

　　一个体重不足的6岁儿童与巨大的相扑选手，从相同的距离让手自然放下，所产生的音量是一样的。乍听之下，这实在是难以置信的。原因是，自然落下的速度跟质量是无关的，当弦槌下的滚轴离开顶槌器时，在击弦前最后的几个厘米，弦槌是呈自由飞行状态的。物理系的学生应该知道弹性碰撞（如撞球的碰撞），动能是被保存下来，因此上述说法并不成立。在这种弹性碰撞的情形下，琴键应该以高速飞离指尖，有点像弹奏跳音一样。

　　但这里的情况是，因为手指是放松的，指尖是柔软的（非弹性碰撞），动能没有被保存下来。此时，小质量的部分（琴键）与大质量的部分（手指－手－手臂）并驾齐驱，导致一种受约束的下键。因此，如果钢琴本身是有正常的调校，而下键的有效质量远小于6岁小孩的手指－手－手臂的质量，那么上述说法是成立的了。在触键时，手要撑紧，以确保整个手的重量都传递到琴键上。

　　否则，就当然不可能产生自然放下应有的音量。要注意的是，在手撑紧时，不要多加施力。因此要产生纯粹的自然放下是需要练*的，而且当手抬得越高时，这会变得越困难。对于相扑选手来说，不再施力特别困难，因为他需要更多的力气来停止手臂的动力。适当的撑紧力度，最好是从音量与音质来判断。

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钢琴即兴伴奏的论文

钢琴即兴伴奏的论文（精选4篇）

　　在个人成长的多个环节中，大家都写过论文吧，论文是描述学术研究成果进行学术交流的一种工具。还是对论文一筹莫展吗？下面是小编为大家整理的钢琴即兴伴奏的论文（精选4篇），欢迎大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。

　　摘要：钢琴即兴伴奏在音乐领域显示了其强大的实用价值，本文志在通过对钢琴即兴伴奏特点研究的基础上，从而得出提高钢琴即兴伴奏能力的一些途径，即要增强钢琴基础能力弹奏的水*、和声的合理配置、织体恰当的选择和旋律分析等综合能力，在最短的时间内掌握好钢琴即兴伴奏这一技能。

　　关键词：钢琴 即兴伴奏 能力培养

　　要想把钢琴即兴伴奏这种能力掌握，必须具备钢琴弹奏基本的技巧、扎实的乐理知识，并掌握表现各种音乐形象的织体样式以及旋律分析的能力。下面，我就谈谈自己在这方面学*的体会和认识，仅供同行借鉴参考。

　　一、钢琴基础弹奏能力的培养——较扎实的钢琴基本弹奏技巧自然是必备的条件

　　首先要养成正确的读谱*惯。必须认识到基本功训练不单纯是训练手指的弹奏技巧，正确地读谱也是准确演奏钢琴的前提之一。因为乐谱上的音符不是简单提示弹奏者音高，而是在很大的程度上提示弹奏者注意些什么，比如旋律的走向和和声选择的走向。其次，进行严格而系统的手指训练，循序渐进地弹奏，要重在练*每个手指的灵活性与独立性，切勿盲目练*。笔者认为《哈农》是一本不错的专门练*手指灵活性与独立性的钢琴书。在练熟的情况下要慢慢地增加练*的难度，比如音阶以及琶音，只有这样才是最正规的练*方法，将对以后弹奏高难度的曲目做好足够的准备。在钢琴即兴伴奏中必须把二十四个大小调熟练地掌握，这样首先就避免了以后弹奏即兴伴奏时调不熟的难点。

　　二、和声的合理配置——和声选配是否恰当直接影响到整首歌曲伴奏处理的目的性、合理性和完美性

　　和声是钢琴即兴伴奏的理论基础，和声程度的深浅、水*的高低同样对即兴伴奏的效果与表现力起着重要的作用。要运用好和声，首先要明确各个级数上的和弦在一个乐曲中所起的作用以及音响效果。在大部分西洋歌曲中有两种调式及大调和小调。我们就以一首C大调的歌曲为例，那么I级为135，II级为246，III级为357，IV级为461，V级为572，VI级为613，VII级为724，I级为主和弦，IV级为下属和弦，V级为属和弦，这三个和弦都是大三和，弦给人一种稳定的感觉。一般歌曲在运用和弦的时候都是由稳定走向不稳定，再在由不稳定的和弦解决到稳定的和弦，因此I-IV-V-I也是一首歌和弦的最基本走向。但是一首歌就用这三个和弦也会产生一种单调的感觉，所以就要运用到其他级数的和弦。II、III、VI级为小三和弦(VII级为减三和弦，比较少用，在这里就不过多地介绍)，小三和弦给人一种不稳定的感觉，音响比较柔和。

　　三、织体的恰当选择——伴奏音型运用的灵活性与规律性,熟练掌握不同体裁及风格歌曲的音乐语言

　　伴奏音型和织体也非常的重要，它是一种音乐的语言。伴奏音型有基本的三种形式，即柱式和弦、半分解和弦和分解和弦。柱式和弦伴奏织体，听起来深沉、庄重、热情、饱满。此类伴奏音型适合于如《*》之类的作品，也适合用于一些比较简单歌曲，给人一种打节拍的感觉，安静与稳重。分解和弦的伴奏音型听起来抒情、柔和，这样的伴奏音型适合于舒伯特的《小夜曲》之类的作品，也是在钢琴即兴伴奏中最常用的一种织体。半分解和弦的伴奏织体适合一些活泼欢快的歌曲，给人一种舞蹈的感觉，比如新疆歌曲《阿拉木汗》。

　　然而一首歌曲不可能从头到尾运用一种伴奏织体，这样会给人一种单调的感觉。要根据歌曲的旋律及意境做适当的改变。不同类型的歌曲适合用不同的伴奏音型来表现，在同一首歌曲中要运用不同的伴奏音型来衬托出主题。

　　四、旋律的准确分析——旋律分析能对钢琴即兴伴奏的设计产生更丰富的整体性效果

　　我们知道，弹好一首钢琴即兴伴奏要具备好几方面的要素，那么旋律分析就像是一种纽带将几个要素连接起来，给人一种美得感受。如果以没有旋律分析的帮助，将一首歌曲以一个小节为单位甚至以几个音符为单位弹奏，那么也只能是和弦之间的拼凑、织体之间的乱搭，给人一种杂乱无章的感觉，毫无美感可言。那么，我们*时要怎么注意这方面的能力培养呢?首先，伴奏是为歌唱而服务的,它要服从于歌唱的需要。

　　因此,要调整好伴奏的音量,使其成为歌曲的背景,烘托歌曲的气氛,为歌唱者创造良好的歌唱氛围。特别是在前奏、间奏、后奏中要根据音乐的需要完全表现,以起到对歌唱者的引领、烘托及补充作用。同时,在伴奏中还要注意歌曲曲式结构与钢琴织体层次的关系。在为一首歌曲伴奏的时候，要用有限的时间内看清这首歌曲的题材以及作曲家想要表达的内容，然后带着感情唱一下这首歌曲的旋律，用最短的时间把握这首歌曲的主题思想。然后就是分清这一首旋律的段落，看一下是几段体，哪里是开头、高潮部分以及结尾，将一首歌曲完整地表现出来，而不是单单研究哪一小节，确定在乐曲的开头运用什么样的和弦，高潮部分的前后怎么样对比才能更加突显出主题，以及结尾部分的终止感觉。

　　参考文献

　　[1]赵晓声.钢琴演奏之道[M].长沙:湖南教育出版社,1991。

　　[2]代百生.钢琴教学法[M].武汉：湖北科学技术出版社,1998。

　　[3]刘聪.韩冬.钢琴即兴伴奏教程新编[Z].北京:人民音乐出版社,1999。

　　[4]徐慧林.林棣华.钢琴即兴伴奏实用教程[M].北京：人民音乐出版社，1990。

　　钢琴即兴伴奏不仅是一门艺术性、技术性学科更是一门创造性、综合应用的学科。目前社会儿童学*钢琴已经是非常普遍的社会文化，更多的家长不只是想通过钢琴来培养孩子的爱好，更是想让孩子可以拥有一技之长。而钢琴优美的音色，使孩子可以舒缓压力、陶冶情操、丰富自己的内心世界和生活。但是我们经常见到很多孩子是被逼着学*钢琴的现象，孩子没有任何兴趣，只是为了满足家长望子求成的心态。而从老师方面讲，老师对于钢琴教学只是传授其技巧，并不是音乐。对于音乐素养并不具备的孩子来说，钢琴弹奏级别再高也没有任何意义。因此，钢琴即兴伴奏教学在学前教育中非常关键，而怎样将学前教育钢琴即兴伴奏教学效率更好地提升，是本文所探究的主要内容。

　　一、学前教育钢琴即兴伴奏及教学特点

　　（一）学前教育钢琴即兴伴奏特点

　　钢琴即兴伴奏主要是指依照曲子的韵律快速弹奏伴奏音乐的技能，它不仅融合了钢琴的演奏能力、钢琴的理论知识能力，更是融合了演奏的灵活性和应变能力，是一门培养综合能力的课程。

　　（二）学前教育钢琴即兴伴奏教学特点

　　据调查研究，我国目前幼儿教师以及学前教育专业的学生们在教学实际工作中，声乐水*较好，但是在钢琴即兴伴奏时理论和实际演奏能力较差。由于在钢琴伴奏方面存在着诸多的问题，因此，在实际教学中，会使学生审美疲劳，使得学生在乐感的培养和启发上得不到锻炼和加强，更提高不了学生对音乐的审美能力，最终使得在未来学前教育钢琴即兴伴奏课程实际教学中，音乐课对幼儿失去了吸引力。

　　二、学前教育中钢琴即兴伴奏教学效率的提升途径

　　由于我国目前的学前教育高琴即兴伴奏教学中有着诸多的不足，因此，结合我国教育形式，课程的实际特点来分析，探索出提升钢琴即兴伴奏教学效率的有效途径：

　　（一）加强教师的团队建设并提高技能

　　教师的教学质量，在教学过程中直接影响着学生们学*的能力和效率。因此，必须保证学前教育专业的教学质量，进而使学生的能力得到不断的提升。首先，学前教育钢琴即兴伴奏教学的老师必须拥有钢琴理论知识、曲式、和声、视唱练耳等一些音乐专业知识以及操作实践的能力，并把握好教学的灵活性，才使得钢琴即兴伴奏教学更有效。学校开展的实践活动，一定要结合教学实际工作需求。例如：可以让学前教育专业的学生到各个幼儿园中去听课，使学生对幼儿园教学的实际工作情况、特点以及需求有比较更深入的了解。学生要积极探索新方法、新思路并融入到幼儿园的教学环境、教学任务中。这样使得学生在未来学前教育钢琴即兴伴奏的实际教学课程中，能够更有效地开展和进行教学课程，也使教学的内容和形式更加贴*幼儿园实际教学特点和情况。

　　（二）注重钢琴即兴伴奏教材的编写

　　在钢琴即兴伴奏教材的编写过程中，首先要以教材的实用性为基础，确保教材的编写具有立体型。从我国的教学形式来看，除必修的一些文化课程外，教育专业有十几门课程，因此，诸多的课程使得学生很少有弹奏的时间。针对以上问题，教材编写工作人员，在编写的过程中要注意科学性、合理性，不能以展现教材的广泛性为目的开设更多的课程。没有练琴时间，就会造成能力下降，在对孩子的教育教学过程中，自身的能力水*将会大大下降，因此，教材的编写要具有实用性。

　　（三）加强钢琴即兴伴奏教学的实践

　　通过目前社会形势来看，大多数毕业生在进入工作岗位之后，几乎没有独奏的机会，但是钢琴的即兴伴奏应用之处却非常多。因此，这就要求在教学过程中一定要针对教学工作的实际情况以及特点来进行教学活动；注重教学实践，强化训练，让学生在行为和思想上认识到钢琴即兴伴奏的重要性，并充分重视起来，使自己学会主动学*，也使得教学更加高效。而对于老师来讲，一定要培养出符合工作能力要求的学生，才可以使学校教育逐渐的达到一个良性循环，促使校园文化氛围逐渐浓厚。在教学过程中，要加强对钢琴即兴伴奏的重视力度，不断的改进教学措施以提高高琴即兴伴奏的教学能力水*，为未来学前教育钢琴即兴伴奏的教育培养优秀的技能型人才。

　　三、结语

　　综上所述，加强钢琴即兴伴奏教学是学前教育教学的重点，它不仅能提高孩子的即兴伴奏能力，同时也可以提高教师的教学水*和教学质量，对孩子的身心发展也至关重要。因此，需要通过加强教师的团队建设并提高技能、注重钢琴即兴伴奏教材的编写、加强钢琴即兴伴奏教学的实践等途径，来不断提升学前教育钢琴即兴伴奏的教学水*。

　　1钢琴即兴伴奏的重要性

　　1.1钢琴即兴伴奏在声乐教学中的重要性

　　在声乐教学中，钢琴即兴伴奏有着一定的重要性，是钢琴伴奏艺术中一个重要的有机组成部分，其中“伴”是最为主要的，需要在演唱者确切、贴合的配合下，共同为歌曲塑造出一个较为完美的“音乐形象”。因此，在声乐教学中钢琴即兴伴奏有着非常重要的作用，主要表现在作品的前奏及演唱过程中，同时有利于升华声乐演唱的间隙及结束阶段的主题，有效渲染了气氛。钢琴即兴伴奏这一艺术表现形式存在相当大的难度和挑战，面对不同的音乐作品时，不仅要掌握每首乐曲的特征，还要准确、迅速地对作品的曲调风格和类别进行判断，判定作品的风格是欢快、抒情还是忧伤的，进而配合相应的弹奏。

　　1.2钢琴即兴伴奏在声乐演唱中的重要性

　　通过运用简单的音乐语言，将音乐中的诗画感表现得更加明显，使歌词与音乐的结合更富有感染力。钢琴即兴伴奏中较为强调对和声色彩的运用，进而对歌曲进行演唱及补充。色彩和弦是钢琴即兴伴奏中较为重要且常用的和弦，如降六、属七等和弦。色彩和弦的运用对艺术歌曲的演唱进行补充，丰富的和弦使音乐所处背景中的情感表达更充分，在歌曲的旋律中形成呼应，从而使情感得到发展和深化，声乐演唱则会更加出彩。

　　1.3钢琴即兴伴奏音型选择的重要性

　　即兴伴奏突出的是弹奏者的即兴能力和即兴性，其中较为重要的是节奏的控制及音型的选择。在弹奏即兴伴奏时，音型中的节奏占据着主要地位，是伴奏音乐中最基本的表现形式之一，选择合适的音型，确定对应的节奏、旋律及和声，可以让歌曲的节奏性更加突出并得到完美呈现。无论是何类型的声乐歌曲伴奏，其音型、节奏的选择及弹奏的速度、技巧都是相当重要的。根据相应的声乐作品，选择合适的音型，对音型、节奏的设计能使艺术形象的塑造和刻画更加贴切。

　　2钢琴即兴伴奏中音型在作品中的具体应用

　　2.1节奏律动较强的舞蹈性歌曲

　　舞蹈性的歌曲有较强的`节奏律动感，可与舞蹈动作进行配合，节拍及节奏特征上更加鲜明，多用于强弱较分明的2/4拍曲子及3/8拍、6/8拍等圆舞曲中，同时还有一些有较强节奏感的民族风格舞曲中。

　　2.2情绪饱满的进行式歌曲

　　进行式歌曲有着充沛饱满的情绪，给人一种气宇轩昂的感觉，进行曲通常使用柱式和弦伴奏音型。伴奏音型不得零星零落，以2/4拍作为最基础的节奏将更富简洁、集中、有力的特性。有旋律伴奏时，可加入旋律音高八度进行，也可加入一些四度、五度的音程或其他附加的和弦。

　　2.3情感细腻的抒情性歌曲

　　这类歌曲在曲调上表现的较委婉，有着更加细腻的情感，节奏上较自由且旋律起伏不大。抒情歌曲的曲式构成上较为整齐，曲调风格清新柔美。

　　3钢琴即兴伴奏的内涵

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钢琴伴奏在声乐艺术中的作用分析论文

钢琴伴奏在声乐艺术中的作用分析论文

　　无论是身处学校还是步入社会，大家都不可避免地要接触到论文吧，论文是讨论某种问题或研究某种问题的文章。你写论文时总是无从下笔？下面是小编收集整理的钢琴伴奏在声乐艺术中的作用分析论文，欢迎大家分享。

　　摘要：钢琴可以为任何乐器或者人声伴奏，其“乐器之王”的称号可谓当之无愧。声乐艺术经常会遇到多种不同风格与流派的作品，此时钢琴伴奏的补充性、渲染性以及衬托性就会得以充分显现。此种烘托互补作用可以使作品内涵得到淋漓极致的诠释与展现，引起观者与音乐者的共鸣。本文主要就钢琴伴奏在声乐艺术中的作用进行分析，以期能够使人们加强对钢琴伴奏的重视，全面提升伴奏水*。

　　关键词：钢琴伴奏;作用;声乐艺术

　　音乐专业中，声乐艺术与钢琴均具有较强的表现性与技巧性，他们通常采用自己的独特风格将不同音乐作品全面呈现，然而，在客观上声乐艺术与钢琴伴奏似乎总是有主次之分，因此，部分演唱者缺乏必要的合作意识，将钢琴伴奏作为一种附属品看待，致使演唱者单纯自己唱，钢琴伴奏者被动演奏，作品内涵及其艺术性难以体现。

　　一、钢琴伴奏在声乐艺术中的作用

　　(1)引导欣赏者以及演唱者进入音乐情绪。每一部艺术作品都具有独特的意境与特定背景，为使艺术形象得以充分体现，钢琴伴奏者需要于启奏阶段就开始对作品意境进行描绘，以调动演唱者的演出情趣。同时告诉欣赏者，演出马上开始，之后伴奏者与演唱者开始发挥，演出期间默契配合，形成一种良性循环，从而带给欣赏者美妙和谐、相得益彰的美好感情。

　　(2)提示作用。钢琴伴奏中，提示为最基本也是最重要的一种作用，不同场合提示分为多种，调式调性、表达情绪、音色速度、作品风格变化方面，提示作用必不可少。演唱者在演唱过程中需要首先确定调性，调性转变时，仅靠人声去“找音”相对困难，此时伴奏者就可以利用间奏来对调性进行预示，对演唱者音准的捕捉给予一定帮助。相应的，钢琴伴奏还可以于速度及情绪上给予演唱者以提示，音乐速度的快慢可以准确表达音乐情绪。钢琴伴奏者可以在作品风格与音色方面进行提示，两者配合演奏，能够给予聆听者震撼性的情感抨击。

　　(3)补充功能与衬托作用。优秀的艺术作品，需要伴奏者与演唱者默契配合，共同努力，只有这样才能很好的诠释作品情感。钢琴伴奏的形式具有多样化特点，此种优势可以为演唱增添效果。钢琴伴奏在整体音效充实方面与*衡方面发挥明显优势，能够促使主旋律更加丰盈与流动。重唱、轮唱、长音、同度进行等形式中，钢琴伴奏均可发挥补充与衬托作用，人声演唱与钢琴伴奏之间相互补充与衬托，可以使艺术作品更为淋漓极致的表现。

　　二、钢琴伴奏者与声乐演唱者之间的合作意识

　　声乐艺术的表达离不开伴奏，钢琴伴奏称之为“艺术指导”名符其实，两者属于表演整体中不可或缺的组成部分。同时也是关系紧密的伙伴。一般的音乐演出中，主要部分是声乐演唱，这也是最受人们关注的部分，但是不可忽略的是演唱者的情绪、表现能力、心态与对艺术作品诠释的准确性都与钢琴伴奏的好坏分不开。

　　(1)钢琴伴奏需与演唱者呼吸相配合。伴奏者在表演过程中应对演唱者呼吸准确了解，寻找其呼吸气口，实际上，钢琴伴奏的过程是伴奏者与演唱者共同演唱的过程，这样表现出来的音乐作品才会更加自然，不会带给欣赏者难以言喻的感觉。

　　(2)钢琴伴奏者需注意整体的音乐感觉。根据作品情绪变化，细致处理每个音符具有的独特感情，因此伴奏者需要将触键音量与方式适当处理。一般触键分为高举式以及贴膜式。高举式主要是指手指于键盘上自然放置，需要用力时通过手腕与手指本身的反弹力如同拍皮球一般自键盘上进行反弹，声音具有弹性，响亮清脆，此种方法弹奏出来的音乐感觉有颗粒感，而且声音集中。贴膜式是指手指轻贴键盘，不需抬高，此种方式演绎出来的音乐作品极富抒情性，速度相对缓慢。

　　(3)钢琴伴奏者需持续提高演奏水*。演奏者要求在拿到作品后在短时间内将其弹奏出来，其中的序曲、尾声以及幕间曲均需要将作者感情意图准确表达。此外，演奏者还需将每首曲目进行逐节分析，以更好的表现出作品想要表达的感情，因此全面提升演奏者自身水*非常重要。

　　(4)钢琴伴奏者需具有“高度警觉性”。演出过程中，各种难以预料的事情均有可能出现，因此永远保持警觉性也是一个优秀的伴奏者需要具备的基本素质之一。例如，演唱者在演唱音乐作品的过程中不可避免的会存在一些“难点”，此种音乐、技巧或者声音难点在*时练*中显而易见，因此演奏者需要将此牢记于心，多加练*。演唱过程中可能会出现跑音、反复记号记错或者节奏不稳等突发问题。此时就需要钢琴伴奏者及时应变，通过音符的变换表达进行纠正，切不可发生手足无措或者手忙脚乱，以免对作品整体性造成影响。因此，演出前，演唱者与伴奏者需要充分沟通交流，树立良好的合作意识，相互配合，协作互助。音乐无疑是美妙的，带给人们精神上的愉悦与心灵上的满足，而钢琴伴奏可以赋予音乐作品更加丰富多彩的表现力，从而使旋律更为优美饱满。演唱者与钢琴伴奏者只有默契配合共同努力，才会将一首艺术作品诠释的更加动人。

　　参考文献：

　　[1]张红霞.谈钢琴伴奏与声乐演唱的关系[J].苏州大学学报(工科版)，2010，41(02)：47-51.

　　[2]郭洁.钢琴伴奏在声乐演唱中的演奏功能[J].星海音乐学院学报，2010，12(04)：140-142.

　　[3]裴娜.论钢琴伴奏在声乐艺术中的作用[J].时代文学，2010，16(04)：26-27.

　　摘要：钢琴属于乐器之王，能够为任何乐器、人声伴奏，在声乐艺术中，不同风格、流派的作品采取钢琴伴奏具备较强的补充性、渲染性、衬托性，能够将作品的内涵展现的淋漓尽致，进而引发与听者之间的共鸣。本文主要探讨的是钢琴伴奏在声乐艺术中的应用，首先分析了钢琴伴奏在声乐艺术中的作用，同时阐述了钢琴伴奏与声乐演唱者之间的合作，最后总结了全文。

　　关键词：钢琴伴奏；声乐艺术；作用；合作

　　前言

　　钢琴伴奏属于一门独特的艺术学科，在声乐教学、表演中占据着十分重要的位置。在国内外的声乐舞台上，人们会经常听见钢琴伴奏表演，欣赏钢琴伴奏中的艺术气息。钢琴伴奏不仅能够和声乐艺术相结合，同时还能够与歌唱艺术者相互融合，演绎出完美的声乐作品。需要注意的是在声乐表演上，钢琴伴奏与声乐艺术之间存在着主次之分，表演者、钢琴伴奏者必须要具备强烈的合作意识，加强演唱与钢琴伴奏之间的融合，共同协作将声乐艺术体现出来。

　　一、钢琴伴奏在声乐艺术中的作用

　　钢琴是西方国家较为普遍的乐器，在声乐演唱过程中发挥着十分重要的作用，是声乐演唱中的主要乐器。自从钢琴传入我国，在声乐表演中为听众呈现了最佳的听觉体验，同时也带动了我国声乐艺术的发展。结合相关资料，钢琴伴奏在声乐艺术中的作用主要如下：

　　(一)帮助歌唱者发挥水*

　　钢琴伴奏主要是为了将歌唱者的精彩表演凸显出来，在声乐表演中，钢琴伴奏着不仅需要了解清楚声乐作品的情感、创作背景，还需要借助高超的演奏技术、弹奏技巧，合理掌握声乐背景、弹奏速度、声乐背景等，引导歌唱者更好的控制歌曲的发音、咬字、音准、呼吸等，将最高的演唱水*呈现出来，这也是钢琴伴奏的最终目的，是钢琴伴奏在声乐艺术中的存在价值。

　　(二)将歌曲内涵表现出来

　　一场精彩的声乐表演不仅需要声乐歌唱者的完美演出，还需要乐器的伴奏，对演唱者的演唱进行修饰、强化、补充，为观众呈现出最佳的听觉表演，凸显出声乐表演的艺术价值。在钢琴伴奏过程中，钢琴伴奏者只有与歌唱者密切配合，实现钢琴伴奏者与声乐演唱者之间的高度统一，才能够将声乐作品鲜明的意义、情感内涵表现出来，创造出精彩绝伦的声乐艺术表演，将音乐美展现出来，全面推动声乐艺术的发展，声乐歌曲内涵的表现形式主要如下：1.给予歌唱提示钢琴作为声乐表演中的伴奏需要紧跟歌唱者的演唱节奏，还需要在适当的时机给予歌唱者提示。这里的提示不仅歌唱者情感、速度的提示，还包括演唱者音色、风格、调性、色彩等方面的提示。主要是因为完整的声乐艺术表演，需要声乐歌唱者与伴奏乐器之间相互配合，在整个声乐演唱过程中钢琴伴奏属于重要的伴奏乐器。钢琴伴奏者不仅有自己独特的任务，还需要在适当的时机，最大程度的给歌唱者音乐提示，使得歌唱者在音乐走向上能够与钢琴伴奏者相辅相成。例如：在声乐演唱过程中速度、情绪方面的变化，需要钢琴伴奏者适当的提示，合适的演唱速度能够将声乐作品的情感更好的表现出来，适当的提示能够促使歌唱者得到强烈的趋向感，进而呈现良好的声乐表演。总而言之，钢琴伴奏对声乐歌唱者的演唱提示起着十分重要的作用。2.丰富演唱意境若是在声乐表演中是单纯的人声表演，整个声乐表演就比较乏味、单调，听众的参与性不强，进而无法与听众产生更好的共鸣。若是在声乐艺术表演中加入钢琴伴奏，就能够使演唱者的演唱表演更加饱满、丰富，强化了整个声乐表演的立体感、情绪感染力，给观众别样的视觉美、最佳的听觉体验。同时，在声乐表演中钢琴伴奏能够更好的补充烘托声乐演唱者的演唱旋律，使得整个声乐演唱更加富有节奏感、韵律感。优秀的声乐艺术作品，需要钢琴伴奏者与表演者之间的密切配合，相互协作、共同努力，进而将声乐作品的情感诠释出来，丰富声乐演唱者的演唱意境，使得表演者与观众之间能够建立良好的情感共鸣。3.强化演唱效果在声乐表演中，声乐歌唱者需要依据乐曲的变化不断调整气息、曲调，在调节过程中，钢琴作为伴奏乐器，也需要及时进行调整，更好的满足声乐变化需求，使得声乐歌唱者能够做好演唱前后的衔接工作，将声乐作品的情感衬托出来，不断引导与强化声乐演唱者的表演效果。钢琴伴奏在演奏速度变化、情绪延伸等方面能够引导歌唱者进行及时转变，更好的促进两者之间的协作，通过渐强、渐弱的演奏速度，帮助演唱者进行曲调转变。同时钢琴伴奏者在句与句之间的衔接段落，能够添加一些小节奏、其他乐器的声音，能够实现演唱效果的强化，丰富声乐表演的效果。由于钢琴的伴奏形式具备多样化的特性，能够增加演唱效果，使得声乐表演中主旋律更加的流动、丰盈。在长音、轮唱、同度、重唱等形式中，钢琴伴奏均能够发挥较高的衬托作用，实现人声演唱与钢琴伴奏之间的相互补充、相互衬托，进而将声乐作品的艺术性表现的淋漓尽致。每部作品具备自己独特的艺术价值与创作背景，为了将作品的情感表现出来，钢琴伴奏需要重视作品意境的描绘，进而调动声乐演唱者的演出情感，更好的强化演唱效果。

　　(三)将情感内涵表现出来

　　每一部声乐作品均具备自身特殊的情感、思想意境，成功的声乐作品表演，需要将创作者在作品中的情感意境、创作情感表现出来。在实际的声乐表演中，只有钢琴伴奏者与声乐演唱者之间相互相协作，相互配合，才能够将声乐作品的艺术价值表现出来。钢琴伴奏者需要全身心的投入到声乐表演中，以精湛的伴奏技术，丰富的情感去引导、带动歌唱者。通过控制钢琴伴奏中的音色、速度、力度，烘托出浓厚的声乐背景，创造欢乐的音乐氛围，将声乐作品的'音乐形象、情感意境表达出来，感染声乐演唱者的情绪，促使伴奏与演唱融为一体，将声乐作品的情感内涵表达出来，为观众表演一场振奋人心的视觉体验。钢琴伴奏者在表演初期，需要合理的调动演唱者的情绪，给听众传递信息，之后加强与演唱者之间的协作，确保高精度的配合，形成一种良性循环，为观众带来和谐、美妙的听觉感受，搭建有效的情感共鸣，使得观众能够在钢琴伴奏与声乐的带动下身临其境。

　　二、钢琴伴奏与声乐表演者之间的合作

　　钢琴伴奏与声乐演唱是声乐艺术中的重要组成部分，其中，最引人注目的是声乐表演。因此，声乐演唱是声乐艺术中的核心部分，钢琴伴奏是声乐艺术的艺术指导。两者之间必须要相辅相成，才能够得到更好的发展，钢琴伴奏与声乐演唱者之间的合作主要如下：

　　(一)呼吸上的密切配合一场精彩的听觉盛宴，属于歌唱者与钢琴伴奏之间的共同表演。主要是因为在钢琴伴奏过程中，不仅需要配合演唱者的节奏，还需要与歌唱者的呼吸保持一致，使得每个伴奏音符均能够与歌唱者的呼吸保持一致。进而才能够确保在整个声乐表演中，将作品的情感表现出来，给观者强烈的听觉美。

　　(二)情绪上的密切配合每个声乐作品均有属于自身独特的情感，也是创作者思想的体现。想要充分的将声乐作品的情感表现出来，钢琴伴奏必须要与歌唱者保持高度一致。在实际的表演过程中，钢琴伴奏必须要明确作品的情感变化，同时与演唱者之间相互协调，将作品情感精致、准确的展现出来。例如：在声乐作品表演过程中，会存在一些声乐情绪的变化，有些激烈、有些柔和，有叙述，也有抒情的表现手法，在表演中要求钢琴伴奏必须要能够快速转换钢琴的弹奏方式，精准配合作品的情绪变化，实现与演唱者之间的和谐统一。也只有钢琴伴奏与演唱者之间保持情绪上的一致，才能够将声乐作品的情感表现出来。

　　(三)伴奏上的高度一致若将声乐演唱者比作“红花”，那么钢琴伴奏就是“绿叶”，在声乐演奏中的价值与功能，不仅需要跟随歌唱者的节奏，还需要不断丰富、补充声乐演唱者的情感内涵。作为一名钢琴伴奏者，必须要具备高层次的伴奏水*，在实际的工作中，与演唱者合作时，能够快速的将伴奏作品弹奏出来，将作品的内涵精准的表达出来。通过与演唱者的密切配合，不断丰富演唱艺术，将演唱艺术的情感衬托出来。(四)意外情况下的配合由于声乐表演属于现场直接演出，即便是*日里受过很多的训练，也会出现一些意外。例如：在实际的声乐作品表演中，会存在一些难度较大的演唱节奏。演唱者即便进行反复练*，也不能保障能够将作品细致的演唱出来。在舞台上可能会出现走音、节奏不稳等情况。在这类情景下，需要钢琴伴奏进行调整。通过音符的变化、速度调整弥补演唱中的不足。不管是钢琴伴奏者，还是声乐演唱者，必须要保持高度警觉性，能够及时应付一些意外情况，通过两者之间的相互协作，呈现出更好的表演效果。在台下，钢琴伴奏者需要与舞者之间相互沟通、交流，掌握演唱者的具体情况，进而为听众带来听觉上的欢愉，使得声乐表演更加的和谐、流畅，将声乐艺术呈现在大众眼前。

　　三、结语

　　综上所述，在声乐艺术中钢琴伴奏是重要的组成部分，一旦失去了钢琴伴奏，声乐作品也不具备完整的艺术价值。钢琴伴奏不仅能够将声乐作品的情感、艺术烘托出来，还能够引导声乐歌唱者呈现出更加精彩的表演。在钢琴伴奏的衬托下，诞生了很多优秀的声乐作品。一名优秀的钢琴伴奏者，必须要具备高素质演奏水*，同时还需要与声乐歌唱者之间建立良好的合作关系，为听众呈现出一场完美的听觉盛宴，全面推动我国声乐艺术的发展。

　　参考文献：

　　[1]戴媛媛.声乐艺术指导价值内涵的二维阐释——基于钢琴伴奏艺术审美与文化理念层面上的辨证思考[J].乐府新声(沈阳音乐学院学报),2015,33(2):172-174.

　　[2]康乐.钢琴艺术指导重要性的误解与在声乐艺术中的体现[J].音乐时空,2015,16(16):123-124.

　　[3]王茹.钢琴伴奏于声乐演唱教学中的作用及其合作属性的体现[J].乐器,2016,20(6):146-148.

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钢琴演奏技巧有哪些

钢琴演奏技巧有哪些

　　钢琴演奏不只是听觉的艺术，表演的艺术也不可少，出色的钢琴表演使听众通过演奏来欣赏钢琴作品，更能欣赏演奏家的风格、魅力。今天，小编为您介绍的是钢琴的演奏技巧，感谢您的阅读!

　　1、手指的触键练*。

　　钢琴演奏，最直接的动作就是手指与琴键的接触，对初学者来说，高抬指可以对手指肌肉与各个关节灵活起到很大的锻练，但经常练*高抬指，会影响弹音阶时的连奏。用拇指弹奏时，因为拇指的力量比较大，容易弹的过重，所以一定不要抬得太高。用拇指独立弹奏单音时，用手臂带动手腕弹奏可以解决容易弹重的问题，弹奏音阶连奏时，大指要做横的运作，而不是纵的运作。五指力度不均匀的现象是由于大指本身的重量过大，小指的重量太小，用听觉辨别五指力度的*均，大指不要抬的过高，小指要有意加重。弹奏和弦时就需要爆发力，这时用到的力量是全身的力量，通过手臂传递到手腕、手指。

　　2、连奏。

　　钢琴演奏与其他乐器演奏最大的不同在于，钢琴演奏中不只是双手，甚至会用到双脚。在钢琴演奏中的连奏时，就需要演奏者在预先透彻地了解作品每个音之间的联系，上行或是*行的关系，双手的手指交替击键，分配好手指之间力量的运用，才能弹奏的连贯、协调。

　　3、弹奏动作的协调。

　　钢琴演奏需要演奏者科学、协调的动作，应该学会什么时候用手指，什么时候用手腕，什么时候用小臂，什么时候用腰部甚至全身的力量，而不要有弹奏外的多余的动作，用最适当的力量去弹奏，保持整体弹奏的均衡与协调。

　　4、力度。

　　钢琴弹奏的力度在手指触键的时候会有明确的表现，适到好处的力度运用，比如说爆发力用在合适的时候，会让观众感受到更强烈的震撼。

　　5、节奏的把握。

　　节奏作为乐曲结构的基本因素，是旋律的骨架，如果说人体就是旋律，而节奏就是影子，影子是能看到的，而节奏是看不到的'，节奏与旋律协调并进，如影随形，使的节奏跟旋律融合得很自然，这样的演奏听起来就会动人、引人入胜。

　　主要内容：

　　1、带保留音的练*

　　2、五指练*

　　3、带保留音的五指练*

　　4、同音反复

　　5、颤音 波音

　　第1节 带保留音的练*

　　能帮助训练手指的独立和肌肉的控制击键的精准性和深度，以及手的稳定。保留音练*不能用来训练手的伸展。手小的钢琴演奏者，至少在开始

　　学*时，必须避免音程位置宽广的保留音。

　　练*一：发音要精准，但不要生硬。抬起手指时不要紧张。拇指像其他手指一样，必需垂直地放下和抬起，而整个手部要保持不动，用f,mf,p的音响弹。

　　每小节至少重复四次变换其他手指去练*。

　　谱例：1·2·3·5（两只手以同样的手指弹奏）

　　练*三：练*的速度要慢，但手指抬高和放下时，动作很快。为了获得同样的音不量，手指应该抬高同一个高度

　　谱例：6·7

　　（1）带保留音的减七和旋

　　练*一：提醒手小的钢琴演奏者，练*音程位置宽广的保留音时，必须十分小心或者根本规避。

　　谱例：10、11、12、13?

　　练*四：将减七和旋转位练*

　　谱例：15（带重音的练*）

　　第 2节 五指练*

　　目的在于**手指，训练他们的稳定性和清晰地击键。控制每只手指的灵活性和独立性，特别是拇指的主动性，同时保持前臂和手腕的放松。左手不应当被动地跟着右手。相反，应当感到左手处于主导地位。在弹奏音阶时，你们会体会到养成这一*惯的好处。

　　（1）白键练*

　　在白键上训练手的横向移动是十分重要的，快速弹奏时音响减弱，手指抬起的高度也减小。

　　每天练*开始、高峰、和结束的几小节13572 14736

　　（2）五指半音练* 谱例：22、23

　　（3）五指转调练*

　　应用各种不同的力度层次，逐渐加快速度来弹奏它们，两手同度弹奏，只摘取24右 或 25左。

　　第 3节 带保留音的五指练*

　　在全白，全黑上练*

　　第5节 波音和颤音

　　波音

　　注意重音在装饰音后面的长音上，都可以移到黑间上练*

　　谱例59、60、61、62、63、64、65、66颤音

　　首先应该左右手分开练*，在弹奏三十二分音符时开始练*，保留音可以免除，在颤音中，均匀比速度更为重要 一次 指练*

　　谱例：48

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怎么理解并区分古典钢琴与爵士钢琴

怎么理解并区分古典钢琴与爵士钢琴

　　在**淡淡的学*、工作、生活中，大家对钢琴都不陌生吧，下面是小编精心整理的怎么理解并区分古典钢琴与爵士钢琴，仅供参考，希望能够帮助到大家。

　　1、理念

　　可以说这是两种音乐最核心的区别。

　　古典钢琴曲，它的产生方式是——作曲家在钢琴上或者凭空创作，将音乐记载在乐谱上，由自己或者演奏家进行演奏；而爵士钢琴曲，多是在有乐队伴奏的情况下在事先排练的基础之上进行即兴演奏，没有官方记谱。

　　古典音乐在巴洛克时期是有非常流行的即兴方式的，即数字低音（figured bass），不过也不同于爵士，只是类似。

　　2、节奏

　　古典音乐应该说没有一个固定的节奏型，它运用到的节奏型非常多。但是在律动上多数时候会保持各种小节内节奏强弱的规律；而爵士乐主要是以swing节奏型为基础的，在此基础之上经常有很多变化，主要是改变节奏重音和变换节拍。当然也有不以这个为基本节奏型的爵士曲目。

　　3、曲式

　　古典钢琴曲的曲式种类繁多，从一段曲式到大型奏鸣曲式无不包含；而爵士钢琴曲基本遵循曲式学中的“三部曲式”原则，即“主题-即兴-主题”。当然，爵士钢琴曲的曲式种类也并不单调。

　　4、织体

　　织体就是组织音乐的结构，反映到谱面上有个非常直观的图像，形态。

　　古典钢琴曲和爵士钢琴曲的织体在大多数时候都是以左手和弦伴奏右手旋律呈现出来的，虽然没有做过统计，但是我相信古典钢琴曲在织体上的丰富程度还是略高过爵士的。其实这里折射出两者在这一点上区别不算太大。

　　古典钢琴曲的织体流动是比较规律的，不会出现没过几个小节就换了几个织体的情况；而爵士钢琴曲中因为节奏上的变化打破了一个相对规整的律动，使得它可以较为自由地变换织体。

　　5、和声

　　古典和声与爵士和声是两种区别很大的体系，和声手法区别大，对同一和弦的解释也有不同。

　　古典和声体系，又可以叫做调性和声体系，产生的历史源远流长。一个调内的每个和弦有主有副，功能地位各不相同，这也使得它的调性相对稳定，相同调性的片段可能可以持续很久；而爵士和声呢，因为自身保持着一个复杂多变的调性，因此对调内的各种和弦排位没有古典音乐那样的规定。它主要靠各个调上的二级→五级→一级和弦进行来维持整个和声感觉，并在这个基础之上做了很大的改变。

　　6、调式

　　古典音乐肯定是以大小调体系为主的，偶尔借用中古调式；

　　爵士乐运用的调式材料丰富得多，有布鲁斯调式，也有中古调式、全音阶、“半全音交替”调式等等。

　　7、交集

　　有一种说法，叫“爵士乐是古典音乐的浓缩版”，从和声上来讲，两者都有一个非常大的跨越，只是所用的时间不同。

　　虽然讨论了如此多的区别，但是古典钢琴与爵士钢琴，或者说古典音乐与爵士音乐有没有交集呢？肯定是有的。尤其是当我们把刚才定义的“古典音乐”范围往后扩展到晚期浪漫主义、印象主义甚至扩展到20世纪严肃音乐，就能找到许多共同点。

　　当你真正深入了解后会发现很多特殊的例子，两种钢琴音乐都有太多值得玩味的东西在里面。

　　钢琴练*技巧

　　主要内容：

　　1、带保留音的练*

　　2、五指练*

　　3、带保留音的五指练*

　　4、同音反复

　　5、颤音 波音

　　第1节 带保留音的练*

　　能帮助训练手指的独立和肌肉的控制击键的精准性和深度，以及手的稳定。保留音练*不能用来训练手的伸展。手小的钢琴演奏者，至少在开始

　　学*时，必须避免音程位置宽广的保留音。

　　练*一：发音要精准，但不要生硬。抬起手指时不要紧张。拇指像其他手指一样，必需垂直地放下和抬起，而整个手部要保持不动，用f,mf,p的音响弹。

　　每小节至少重复四次变换其他手指去练*。

　　谱例：1·2·3·5（两只手以同样的手指弹奏）

　　练*三：练*的速度要慢，但手指抬高和放下时，动作很快。为了获得同样的音不量，手指应该抬高同一个高度

　　谱例：6·7

　　（1）带保留音的'减七和旋

　　练*一：提醒手小的钢琴演奏者，练*音程位置宽广的保留音时，必须十分小心或者根本规避。

　　谱例：10、11、12、13?

　　练*四：将减七和旋转位练*

　　谱例：15（带重音的练*）

　　第 2节 五指练*

　　目的在于**手指，训练他们的稳定性和清晰地击键。控制每只手指的灵活性和独立性，特别是拇指的主动性，同时保持前臂和手腕的放松。左手不应当被动地跟着右手。相反，应当感到左手处于主导地位。在弹奏音阶时，你们会体会到养成这一*惯的好处。

　　（1）白键练*

　　在白键上训练手的横向移动是十分重要的，快速弹奏时音响减弱，手指抬起的高度也减小。

　　每天练*开始、高峰、和结束的几小节13572 14736

　　（2）五指半音练* 谱例：22、23

　　（3）五指转调练*

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木兰诗伴奏视频

木兰诗伴奏视频

　　《木兰诗》全诗以“木兰是女郎”来构思木兰的传奇故事，富有浪漫色彩；详略安排极具匠心，虽然写的是战争题材，但着墨较多的'却是生活场景和儿女情态，富有生活气息。木兰诗伴奏有哪些？

　　【原文】

　　唧唧复唧唧，木兰当户织。不闻机杼声，唯闻女叹息。

　　问女何所思，问女何所忆。女亦无所思，女亦无所忆。昨夜见军帖，可汗大点兵，军书十二卷，卷卷有爷名。阿爷无大儿，木兰无长兄，愿为市鞍马，从此替爷征。

　　东市买骏马，西市买鞍鞯，南市买辔头，北市买长鞭。旦辞爷娘去，暮宿黄河边，不闻爷娘唤女声，但闻黄河流水鸣溅溅。旦辞黄河去，暮至黑山头，不闻爷娘唤女声，但闻燕山胡骑鸣啾啾。

　　万里赴戎机，关山度若飞。朔气传金柝，寒光照铁衣。将军百战死，壮士十年归。

　　归来见天子，天子坐明堂。策勋十二转，赏赐百千强。可汗问所欲，木兰不用尚书郎，愿驰千里足，送儿还故乡。

　　爷娘闻女来，出郭相扶将；阿姊闻妹来，当户理红妆；小弟闻姊来，磨刀霍霍向猪羊。开我东阁门，坐我西阁床，脱我战时袍，著我旧时裳。当窗理云鬓，对镜贴花黄。出门看火伴，火伴皆惊忙：同行十二年，不知木兰是女郎。

　　雄兔脚扑朔，雌兔眼迷离；双兔傍地走，安能辨我是雄雌？

　　【创作背景】

　　《木兰诗》产生的时代众说纷纭，但据其最早著录于陈释智匠所撰的《古今乐录》，可证其产生之时代不晚于陈。诗中称天子为“可汗”，征战地点皆在北方，则其产生之地域在北朝。诗中有“旦辞黄河去，暮至黑山头”，“但闻燕山胡骑声啾啾”语。黑山即杀虎山，在今内蒙古呼和浩特市东南，去黄河不远。燕山指燕然山，即今蒙古人民共和国杭爱山。据此，《木兰诗》中之战事，当发生于北魏与柔然之间。柔然是北方游牧族大国，立国一百五十八年（394—552）间，与北魏及东魏、北齐曾发生过多次战争。而最主要之战场，正是黑山、燕然山一带。429年，北魏太武帝北伐柔然，便是“车驾出东道，向黑山”，“北度燕然山，南北三千里。”（《北史·蠕蠕传》，蠕蠕即柔然。

　　此诗收入《乐府诗集》的《横吹曲辞·梁鼓角横吹曲》中，至唐代已广为传诵，唐人韦元甫有拟作《木兰歌》，可以为证。因此，学者们大都认为，民歌《木兰诗》产生于北朝后期。

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合唱的伴奏形式与作用

合唱的伴奏形式与作用

　　导语：伴奏是合唱整体不可分割的组成部分(无伴奏除外)，一个好的伴奏能使整体合唱效果锦上添花。以下是小编为大家精心整理的合唱教程，欢迎大家参考！

　　伴奏是合唱整体不可分割的组成部分(无伴奏除外)，一个好的伴奏能使整体合唱效果锦上添花。怎样才是好的伴奏，伴奏在合唱整体中的位置、角色如何掌握，是 指挥职责范围内的一项重要任务。指挥必须用其正确的意图去指导伴奏者进行伴奏，使之与合唱融为一体，让伴奏真正起到补充、渲染、烘托的作用，从而增强合唱 的声势，并达到绿叶红花相衬之目的。

　　当前常见的伴奏形式有乐队伴奏(西洋管弦乐队、民族管弦乐队、电声乐队)、钢琴或键盘乐器伴奏(手风琴、电子琴)两大类。不论选择哪种形式伴奏，只要运用合理、配合得当，效果都不错。

　　乐队伴奏(指中型乐队以上)适合大型合唱曲，尤其是管弦乐队。合唱在伴奏的烘托下，能呈现出很好的艺术效果。用民族乐队伴奏合唱，突出民族特色，只要和声、配器处理得当，是很有发展潜力的一种伴奏形式。

　　电声乐队为合唱伴奏，是*年来经常见到的伴奏形式之一，尤其在群众性的业余合唱中更为多见。电声乐队因其电声的音色及架子鼓声音量偏大之特点，若处理不 当，队员与指挥辛勤创造出的美妙的合唱声音，很容易就被电声乐队那震耳欲聋的音响所遮盖，但有一些好的乐队和乐手，有着较高的技能和素养，在指挥的控制和 指导下，整个乐队的音色、音量都能得到有效的控制，找准了自己伴奏的位置，这种情况下，电声乐队作为合唱的伴奏形式是可行的。

　　钢琴伴奏是合唱最常见的伴奏形式，它可以胜任任何风格、任何体裁合唱曲的伴奏任务，是大多数作曲家、指挥家经常采用的伴奏形式之一。当然，它也受到伴奏者 演奏水*的影响，尤其在一些中、小学或业余合唱队中，伴奏者如不能胜任正谱演奏，或因技术原因达不到指挥的要求时，指挥要更换伴奏或帮助、指导伴奏者使其 达到要求，如简化伴奏原谱等。如受技术、条件限制，无伴奏正谱或能力达不到演奏正谱时，往往采用即兴伴奏的形式，这种情况在一般业余合唱队中经常见到，此 时，指挥要认真地对待伴奏问题，首先要使伴奏与合唱的和声相一致，其次是伴奏的织体、风格要服从于合唱作品的需要，使之真正起到烘托、润饰的作用。

　　拓展：合唱发声基础

　　一、歌唱发声器官的组成

　　声音的形成是发声器官协调工作产生的生理现象，这个现象的产生是气息运动和声带振动所形成的物理现象，但歌唱的发声运动又和我们*时说话的发声有所不同，因而歌唱发声又是一个物理的声学、音响学现象。而进行歌唱艺术实践又是一个复杂丰富的心理活动过程，因此我们的歌唱运动可以说是生理、物理、心理“三位一体”的行为。歌唱的发声器官是由呼吸器官、发音器官、共鸣器官和咬字器官四个部分组成，它们是歌唱发声的全部物质基础，是歌唱发声运动中的主要功能系统。

　　1、呼吸器官

　　呼吸器官，即“源”动力，是由口、鼻、咽喉、气管、支气管、肺脏以及胸腔、膈肌(又称横膈膜)、腹肌等组成。气息从鼻、口吸入，经过咽、喉、气管、支气管，分布到左右肺叶的肺气泡之中(肺中由两个叶状的海绵组织的风箱构成，它包含了许许多多装气的小气泡);然后经过相反的方向，从肺的出口处分支的气管(支气管)将气息汇集到两面三刀个大气管，最后形成一个气管，再经过咽喉从口、鼻呼出。与呼吸系统相关的各肌肉群，他们的运动也关系到呼吸的能力，是歌唱“源”的动力和能量的保证。我们日常的呼吸比较*静，比较浅，用不着使用全部的肺活量，但歌唱时的呼吸运动就不同了，吸气动作很快，呼气动作很慢。如果遇上较长的乐句，气息就必须坚持住。而一首歌曲的高、低、强、弱、顿挫、抑扬变化，也全靠吸气、呼气肌肉群的坚强和灵活的运动才能完成。（少儿声乐考级曲目表）

　　2、发声器官

　　发声器官，即发出声音的器官。它包括喉头、声带。喉头是一个精巧的小室，位于颈前正中部，由软骨、韧带等肌肉组成。声带位于喉头的中间，是两片呈水*状左右并列的、对称的又富有弹性的白色韧带，性质非常坚实。声带的中间又称声门，声带是靠喉头内的软骨和肌肉得到调节的。吸气时两声带分离，声门开启，吸入气息;发声时，两声带靠拢闭合发生声音。声带在不发出声音的时候是放松并张开的，以便使气息顺利通过。声带发声，一部分是自身机能，一部分是依靠声带周边的肌肉群协助进行发声运动。我们在声乐训练的时候，应该充分注意到这些肌肉群的功能作用，合理地运用它们，养成良好的*惯，避免在不正确的发声*惯下唱坏了嗓子。还有喉咙的上部与舌根之间，有一个很重要的软骨，叫会厌。会厌的功能有两个方面，一是起到声门的保护作用，当我们吞咽食物和饮水的时候，它本能地自动盖住气管，让食物通过时避免进入气管，我们往往有时不小心喝水“呛”了气，就是会厌动作不协调所致。第二个作用是歌唱的时候，会厌竖起，形成通道让声音流畅地输出。

　　3、共鸣器官

　　人体的共鸣器官主要有胸腔、口腔和头腔三大共鸣腔体。胸腔包括喉头以下的气管、支气管和整个肺部。口腔包括喉、咽腔及口腔。头腔包括鼻腔、上颌窦、额窦、蝶窦等。在歌唱中，由于音商的不同，使用这些共鸣腔的比例是有所不同的。一般来说，唱低音时，胸腔共鸣发挥最大，唱中音时口腔共鸣应用较多，而唱高音时主要是靠头腔鸣发挥作用了。如果我们能正确、合理地运用好这些共鸣腔体，并相互协调配合好，那我闪就能获得圆润、悦耳、丰满、动听的歌声。

　　4、咬字吐字器官

　　咬字吐字器官(即语言器官)包括唇、舌、牙齿和上腭等。这些器官活动时的位置和不同的着力部位，形成了辅音和元音(即语言)。发声歌唱时，咬字、吐字器官各组成部分的动作比*时说话要更加敏捷而夸张。敏捷是为了使咬字准确清晰，夸张是为了使美化的元音或韵母通畅地引长发挥。所以语言器官是我们在吐字咬字时的物质基础，也是我们学*吐字咬字时出声、引长和归韵的重要器官。声音是歌唱的基础，要训练好声音进行歌唱，首先要了解所参与发声器官的构造和作用。歌唱运动的感觉远不如看得见、摸得着的如钢琴、小提琴训练那样的肌体运动来得容易，这就要求我们每个歌唱者要有敏锐的自我感觉，并在专业声乐教师的指导下反复训练，以形成条件反射去断定自己的声音是否正确，是否符合 声器官运动的基本规律。还有一点要指出的是，上述各部分器官及它们的运动形式是歌唱的生理学为基础，而这些器官的协调活动，则是在人体神经系统的调节与支配下完成的。任何身体的运动都受到心理的指挥或暗示，歌唱者的意志、情感、愿望及舞台感觉等等，很大一部分与心理的因素有关，有时候心理的制约因素甚至比发声技术更重要地左右着我们的训练，我们应该充分注意到心理的重要性，当我们在歌唱时，尤其在台上表演时，则需将注意力集中在歌曲的内容与情感上，以情带声，而不要把注意力分散在具体器官的位置及活动状态上。

　　二、 歌唱的姿势

　　有人说：“姿势是呼吸的源泉，呼吸是发声的源泉。”唱歌训练，首先要有正确的歌唱姿势，没有经过专业训练的人往往不够重视姿势，姿势的正确与否是直接关系到发声时各个器官配合的协调姿势，姿势的正确了，发声各部分就能正常地工作，而不正确的姿势，则往往带来不正确的声音。这好比我们的跑步运动员，赛跑时如果没有正确的跑步姿势，就会直接影响跑步的速度一样。

　　正确的歌唱姿势是：

　　1、身体自然直立，保持自然放松，这里的放松绝不是松垮、瘫痪，它应呈现一种积极向上的状态，也就是精神饱满的状态。

　　2、头部保持于眼睛向前*视稍高的位置，胸部自然挺起，两肩略下后一点，小腹收缩，两臂自然垂落，全身有一种积极运动的状态。

　　3、两脚一前一后稍分开，前脚着力、身体的重量要*稳，重量落在双脚上。

　　4、面部，眼神要自然生动，眉、眼、嘴是五官中的重要部位，眼睛是心灵的窗户，因此在演唱中眼睛切记应当张大一些，不要眯起眼，虚着唱歌。

　　5、嘴巴是歌唱的喇叭，应当张得开，放得松，切记紧咬牙关。

　　6、还有歌唱时下颌收回，正确的感觉应该是仿佛由小腹到两眉之间形成一条直线，脖子和后背、腰部连成一线，这样才使气息畅通无阻。

　　7、演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的动作，但动作要简练大方，切忌矫揉造作，画蛇添足。坐唱的姿势与站立时的要求一样，但要注意腰部挺直而不僵硬，也不要靠在椅背上，注意臀部不要坐满整个凳面，约坐1/3的面积，两脚稍分开，自然弯曲，不能跷腿坐，也不能两腿交叉叠起。

　　三、 歌唱的呼吸

　　学*正确的歌唱呼吸乃是歌唱艺术最重要和最必要的基础。由呼吸控制的歌声才是声乐，呼吸是歌唱的原动力。声乐界有“谁懂得呼吸，谁就会唱歌”之说，说明了呼吸在歌唱中的重要性，它确实是歌唱者首先应该学会的一项基本功。

　　歌唱时的呼吸与日常生活中说话的呼吸是不大一样的。在日常生活中，人们通过说话交流思想感情，因为一般距离较*时所需音量就较小，气息较浅，不用很大的力度，也不用传得很远，而且我们说话连续用嗓时间长了，嗓音就容易疲劳、嘶哑，这种说话的呼吸若用于唱歌就显得不能胜任了。唱歌是为了抒**感，是要唱给别人听的。歌唱时面对的往往是大庭广众，须将歌声传至每个角落，因而要求声音既要有一定的音量，又要有一定的力度变化，要有长时间歌唱的能力，并要求根据歌曲的需要，或长、或短、或强、或弱、或高、或低地有控制地输送气息，要做到这些，就不是简单的事了。所以歌唱时的呼吸作为一种艺术手段，有它自身特有的一套规律和方法，它是一项技术性问题，是后天训练出来的。

　　呼吸运动包含着吸气和吐气两个过程：

　　1、吸气

　　用口、鼻垂直向下吸气，将气吸到肺的底部，注意不可抬肩，吸入气息时使下肋骨附*扩张起来，腹部方面，横膈膜逐渐扩张，使腹部向前及左右两侧膨胀，小腹则要用力收缩，不扩张。背部要挺立，脊柱几乎是不动的，但它的两侧却是可以动的，而且也是必须向下和向左右扩张的，这时气推向两侧与背后并贮在那里，保持住然后再缓缓将气吐出。

　　2、吐气

　　唱歌用气时，仍要保持吸气状态。这点很重要，就好比给自行车打足了气，不能一下子放松了，这里还有一个保持呼吸的问题，要保持住气息，就必须在唱的过程中永远保持吸气的状态，控制住气息徐徐吐出，要节省用气，均匀地吐气，这就是所谓气息的对抗。在呼和吸的过程中，要注意呼吸僵硬的感觉，整个身体表情都应该是积极放松的，紧张的部位就是横膈膜、两肋，两肋就像是一只充足的气球一样，我们要让声音坐在上面，往下拉，不能让气球往上浮起来，也就是说要把气息拉住，不能让它提上来，这就牵涉到一个气息支点的问题。

　　3、唱歌时要有气息支持点

　　支持点也就是声音要有一个立足的地方，这个立足点也就是以横膈膜及下肋两侧做支持点，当我们咳嗽或笑的时候，可以直接感觉到它的支持作用。没有经过呼吸训练的人，常常唱歌时，脸红脖子粗的，青筋直暴，歌声僵直，高音上不去，低音下不来等等，都是与气息支持点没有保持住有关。反之，我们掌握了呼吸方法，有了支持点的感觉，那么，当我闪歌唱发声时，便会感到声音仿佛落在我们所控制的气息上，也就是说声音是由呼吸来支持了，这种声音不但悦耳响亮，而且能强弱自如地做出各种变化来。

　　4、不同的乐句用气是不同的

　　我们在进行胸腹式呼吸时，呼吸气势的强弱、吐气的方法要根据所唱歌曲(或乐句)的不同要求有所不同。下面我们就介绍几种不同的呼吸练*法。

　　1) 缓吸缓呼

　　这是我们在训练和歌唱时常常采用的方法。就是胸腔自然挺起，用口、鼻将气息慢慢吸到肺叶下部，横隔膜下降，两肋肌肉向外扩张(也就是腰围扩张)，小腹向内微收。这种吸气要求自然放松，*稳柔和地进行，就像我们去闻花的芳香时的感觉一样，闻花的感觉使我们吸气吸得深，就像做深呼吸运动一样，但吸气时不要用太大的力，只要轻轻地挺住胸廓和上腹部，然后慢慢呼气。呼气时，注意保持吸气状态，控制住两肋和横膈膜，也就是控制住了气息，使之*稳、均匀、持续、连贯地慢慢吐出。有一种感觉可以帮助我们体会呼气时下肋和横隔膜的保持状态：就是在缓吸后做慢慢地吹掉桌上的灰尘的动作，这里需要长长地吹气，也就是在做长音的呼气练*，我们常说：“长音像吹灰，短音像吹蜡”，是一种吐气的感觉。

　　2) 急吸急呼

　　急吸就是在很短的时间内，通过口、鼻迅速把气息促而深入地吸到肺叶下部，并将气息保持住，然后，按照缓呼的要求而呼出歌唱发声基础知识大全歌唱发声基础知识大全。我们在演唱实践中经常要用到的，因为在歌曲的句与句之间、字与字之间的吸气不通话你有很长的停顿时间，往往采用“偷气”的办法来吸入且要吸得不让人发现，这就是急吸缓呼的作用。为了培养呼吸的控制力，我们可以采取一些练*曲及歌曲中的某些乐句做带词的练*，效果较好。卡鲁索说过，歌者能否踏上成功之路，首先要看他对于呼吸器官的操纵和运用，是否建立了强固的基础。

　　四、歌唱的发声

　　歌唱时的发声和说话时的发声是不完全一样的，说话式的唱歌或放大了的说话，都是不对的，这会没有色彩，不是音乐化了的发声。所以说说话的发声是不能适应歌唱的的需要的，我们必须讲究发声方法，帮助学唱歌的人把普通的声带磨炼成能发出优美、动听、有持久力的合乎科学方法的、有艺术感染力的声音来。

　　1、喉头和声带

　　喉头和声带，是歌唱的发声器官，是歌唱的核心部位，是通向整体歌唱的要塞，是打开歌唱艺术宝库的金钥匙。因此，了解和搞清喉头与声带在歌唱时应处的位置和状态是非常必要的。一般来说，歌唱时喉头位置应该比*时说话时偏低一些(就像我们深吸气时的喉头感觉，因为吸气时的喉位，比静止时的喉位略低一点)有很多人把喉头处于吸气时的位置称为“水*位”。在歌唱时字与字、句与句的转换中，喉头要始终处于这一位置，而不应做离开水*位的向上、向下，或向左、向右的移动，当然喉头位置的稳定是在运动中的相对稳定，而不是僵死不动的稳定。就像浮在水面上的皮球永远稳定在水面上的道理一样，若把皮球比做喉头，皮球浮在水面的状态就好像喉头稳定在吸气位的状态一样。所以歌唱时的喉头位置应始终处于低而自如的稳定位置和喉头壁打开的状态。

　　2、打开喉咙

　　在歌唱训练中“打开喉咙”是十分重要的中心环节，它直接影响到声音的好坏。“打开喉咙”也就是将喉头稳定在正确的位置上，口盖积极向上收缩成拱形，舌根放松，*放在下牙齿后，牙关打开，下巴放松自然放下而稍后拉，这时候的喉咙是打开的。那么如何能帮助初学者“打开喉咙”呢?

　　1)“打哈欠”的状态

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合唱的伴奏知识

合唱的伴奏知识

　　合唱这种形式，主要以多声部的人声演唱为特征。合唱与齐唱一样是多人参加的集体演唱，但它同齐唱有很大的区别。下面就为大家介绍一下合唱的伴奏!

　　1、合唱的伴奏形式

　　合唱分为无伴奏合唱和有伴奏合唱两大类。有伴奏的合唱，其伴奏形式主要有两种：一是键盘乐器伴奏，主要包括钢琴伴奏和手风琴伴奏两种，其中钢琴伴奏形式的使用最为普遍，一般专业合唱比赛和专场合唱音乐会均用钢琴伴奏;

　　二是乐队伴奏，主要包括西洋管弦乐队、民族管弦乐队和交响管乐队伴奏三种，其中使用最多的形式是交响乐队伴奏，根据每个团队的具体条件，也有使用中西混合乐队或加有电声乐器的混合乐队为合唱伴奏的实例。

　　2、合唱伴奏乐器或乐队的摆放位置

　　使用钢琴伴奏时，一般*惯将钢琴摆放在合唱队的右前方，即指挥的左前方介于合唱队与指挥之间的适当位置上;使用乐队伴奏时，视乐队编制或规模大小，有放在合唱队的正前方，即指挥与合唱队之间的正中位置上，也有放在合唱队的左前方，即指挥的右前方介于合唱队与指挥之间的适当位置上。一般大型乐队(按前者)摆放在中间，小型乐队(按后者)摆放在边上。

　　3、伴奏乐队的座次排列

　　根据指挥对包括伴奏乐器在内的合唱表演整体控制的需要，一般*惯于将乐队中的高音乐器(如西洋管弦乐队中的小提琴、民族管弦乐队中的高胡、板胡、二胡、柳琴等)放在合唱队的右前方和指挥左前方之间的适当位置上，将乐队中的'低音乐器(如西洋管弦乐队、民族管弦乐队中的中提琴、大提琴、低音提琴等)放在合唱队的左前方和指挥右前方的适当位置上。

　　以合唱队的位置为基准，将管乐按音区高低从右到左依次摆放在合唱队的前面和高低音弦乐器之间的位置上(靠*高声部的为高音乐器，靠*低声部的为低音乐器)，打击乐器放在乐队中间最后一排的位置上(管乐的后方)，色彩性乐器放在乐队中间或靠*合唱队女高声部右前面的位置上等等。

　　4、合唱伴奏的基本要求

　　与合唱队合作的乐队或乐器，是合唱表演整体的重要部分，担负着铺垫、陪衬、烘托、支撑、补充合唱音响的任务。作为自身要求，它与单纯的器乐演奏一样，应处理好自身的音准、节奏、速度、力度、*衡、风格、音色和分寸等，与其不同的是，与合唱相伴的乐队或乐器，必须很好地处理好与合唱的关系，其中应注意的主要问题是如何做好音量控制。

　　在整个表演中，合唱是演出的主体，在所有音响关系中，需要适度地突出合唱，乐队的任务是伴奏，既是伴奏，就应突出一个“伴”字，作为指挥和每一个队员都必须明确认识这一点。乐队的铺垫应使合唱的音响得到更好、更有力的支撑而不是掩盖，乐队的演奏不能制造音墙，不能因自身音量过大将合唱队的声音淹没或遮蔽而喧宾夺主。

　　一般来说，需要突出乐队的地方主要在前奏、间奏和尾奏的段落或有合唱与乐队呼应性乐句的地方等。除此之外的所有音乐，都应视合唱音响的变化需要而决定如何控制演奏的音量。

　　内容拓展：

　　合唱（hé chàng；chorus）指集体演唱多声部声乐作品的艺术门类，常有指挥，可有伴奏或无伴奏。它要求单一声部音的高度统一，要求声部之间旋律的和谐，是普及性最强、参与面最广的音乐演出形式之一。人声作为合唱艺术的表现工具，有着其独特的优越性，能够最直接地表达音乐作品中的思想情感，激发听众的情感共鸣。声部的数量没有规定，一般有四个声部。多为男高音区，男中低音区，女高音区，女中低音区。

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关于伴奏的说说

　　1、浅唱、我们的歌谣伴奏、你写的谱曲

　　2、擦肩而过，那一瞬间。我的心触动了，接着，只听心脏的伴奏。不知你是否这样。

　　3、EXO集体去KTV，鹿晗告诉灿烈一句歌词，然后把伴奏关掉，就听见灿烈用不流利的中文唱了句：“大河向东流啊！

　　4、如果，我有时间，你有意愿，那么我们去海边吧-你为我舞蹈，我为你伴奏

　　5、一个人支撑下去的感情就像钢琴伴奏，少了演唱者，

　　6、其实人伤心的时候喜欢听的是歌曲的伴奏。

　　7、你学吉他我学架子鼓为你伴奏一生的幸福乐曲Youareinmyheart。

　　8、全体火星人祝专业伴奏十年中国好大爷左立生日快乐！小十三无坚不摧！

　　9、他永远是你的主旋律，而我只是是你的伴奏曲

　　10、有谁跟我一样，听网络歌曲只是喜欢听伴奏的

　　11、不想垂泪，不想伴奏，只是恨不得能喝干着一天的哀伤

　　12、这影像在最后，临行的一吻是场怀旧，何用伴奏，你用冷漠告别我右手。

　　13、如山泉流淌似冷月包心只以钢琴伴奏突出歌者孤寂鸣唱。

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伤感感语录伴奏

1.飞机场的骚乱一会儿就停止了，那里的人都是有着自我的方向的，匆匆地起飞，匆匆地下降，带走别人的故事，留下自我的回忆。

2.你好，未来的我，我告诉你一个秘密，一向以来都有一个女生在默默的爱着你，你可必须要珍惜她啊，否则我会把她抢过来，到时候你后悔也晚了，知道吗？

3.我的记忆是不是活在长街的那头，而我的年轮却死在了长街的这头。

4.别睡太晚梦会变短，别爱太满物极必反

5.每个人都有自己的难处，别人无法看透，也无法感同身受。 ​​​​

6.很多的日子里，喜欢上了伤感。

7.人的一生很长也很短，恍恍惚惚，已经是几十年的岁月，跌倒了，也要笑着站起来，没有人会嘲笑你，因为你的笑容早已征服了那千千万万从你身旁路过的匆匆行人。失恋又何妨，伤感又何妨，烫伤又何妨，只要你笑着，那点鸡毛蒜皮的小事在你眼中只是小小的意外精彩。

8.当初有些事，让我们刻骨铭心；当初有些人，令我们难以释怀；当初我们一路走来，告别了一段段往事，走入下一段段风景。走远了再回头看，很多事已经模糊，很多人已经淡忘，仅有很少的人和事与我们有关，牵连着我们的幸福与欢乐，这才是我们真正要珍惜的。

9.大概，每个学不会分手的人，都会遇到一个不能在一起的人，放手舍不得，坚持又太累，爱而不得时最煎熬。

10.向往的生活是未来有你，异地恋真的很累因为有和你一起走到最后的决心因为遇见你，所以才会忍受距离的煎熬。 ​​​​

11.一切从头开始 失去的就不要再去留恋 毕竟生活还在继续 你还在努力

12.轻声叹，许下几世繁华，美如卷，抵不过逝水流年。若能回到伊人伴，问君在醉几杯又有何妨?烽火狼烟，爱欲迷眼。画地为牢，锁心几时?

13.当风筝厌倦了天空，是否就会义无反顾地坠入大海?

14.总以为岁月漫长 有大把时间来挽回和原谅

15.忘记一个人，或许需要一辈子;而爱一个人，可能只是因为一个眼神。突然之间，有一种想蹲在地上，抱着膝盖，恸哭一场的冲动。

16.一个人不谈恋爱，是因为心里有一个不可能的人。

17.当时间消磨掉了你的热情，你便会发现，那些曾令你歇斯底里的去执著的人 ，现在已变得可有可无。 ​​​​

18.喜欢你这条路 我走的很不容易

19.是要错过多少余生才能与你见面。

20.隔墙有只耳朵，嘲笑你多难过。

21.其实，属于两个人的记忆，只要其中一个忘记了，那一切就都失去了意义，变成了垃圾。 ​ ​​​​

22.在故事的最开始，我们以为对方是自己人生里的最不能错失的那个唯一，但到最后才颓丧的发现，你不是非我不娶，我不是非你不嫁，只是个太伤人的误会而已。

23.由亮到暗，由凄美到悲伤。坐在夜下，我总是感觉这样的夜晚是寂静的凄美的，虽然由无数星星伴奏着月光的妩媚，但那种痛那种伤还是会飘满整个夜空，就像咖啡的醇香，又有多糖的苦涩。一个人的夜空，可以尽情的歌唱，不管你唱的歌是不是跑掉甚至混搭，一由亮到暗，由凄美到悲伤。

24.我深知不努力自己什么都不是却还放纵自己。

25.在我阴暗心里，你是一抹明媚的阳光，就这抹明媚的阳光诠释了我的思念，寂寞，那颗久违彭勃跳动的心脏。若假如时光倒流。我是否记得你的容颜和那让我魂牵梦绕的柔唇默默与你一起携手幸福时光。若假如时光倒流。我是否能将你拥入怀中嗅着你独有的芬芳，假如时光倒流那么，你便是我的奢望。

26.不是每一次努力都会有收获，可是，每一次收获都必须努力，这是一个不公*的不可逆转的命题。

27.小女子不才 未得公子青睐 扰公子良久 公子勿怪 自此所有的仰慕之意 止于唇齿 掩于岁月 匿于年华 此生就此别过 望公子善其身 遇良人予君欢喜城 暖色度余生 此经一别自是不再相见 祝公子 万水千程 皆是好运。 ​

28.一个绅士 扮演丑八怪 他是个初学者 但演的刚刚好

29.我一定要幸福，哪怕幸福是场表演，我也会尽力演好每一场戏。

30.我落日般的忧伤就像惆怅的飞鸟，惆怅的飞鸟飞成了我落日般的忧伤。

31.不一次次受伤 怎么会一点点坚强。

32.人该省事，不该怕事。人该脱俗，不可矫俗。不该顺时，不可趋时。

33.如果我不愿意，没有谁，能够伤害我……

34.别把自己搞的太累 毕竟你的心碎 别人无法体会

35.剩下我的沧桑，演绎了这季盛夏的忧伤，诠释了这泪水的流淌。我不知道自己能坚持一段又一段时间，一份又一份的心酸苦痛。我不懂自己是为了什么。自己在等待什么。也许是期盼穿梭时光回到属于我的那份柔情的芬芳。

36.我是应该和星星一起数着你的心事，还是应该和你一起数天上的星星。

37.一个人害怕孤独，两个人害怕辜负。

38.我放开了，但还没放下;我恢复了，但还没痊愈;我想开了，但还有怀念;我忘记了，但还有回忆。 ​​​​

39.天长地久有没有？当然有！为什么大多数人不相信有？因为他们没有找到人生旅途中最适合自我的那一个。也就是冥冥中注定的那一个。为什么找不到？茫茫人海，人生如露，要找到最适宜自我的那一个谈何容易？你或许能够在岁时找到上天注定的那一个，可是你能等到岁吗？在多岁时找不到，却不得不结婚，在三四十岁时找到却不得不放下。这就是人生的悲哀。

40.希望我们都是还能认真起来的人，也但愿我们有足够的好运，得以遇见另一个认真

41.最尴尬的就是，人家根本不把你当回事，你还多愁善感到不行。 ​​​​

42.多少人在说，我会等你，等你回心转意的那一天;我会等你，等你愿意和我在一齐的那一天;我会等你，等你离开那个人来到我身边的那一天;我会等你，等你然而人们可曾知道，世上的爱情，没有几份真的经得起等待!

43.繁华尽落，泪思红颜。晓寒深处，生离如梦如幻。心玄月。梦环绕。此夜独枕难眠。离时易，见时难，思绪系红颜。梦与君别首。迫于寂寞有染，无妨孤独等待。徒留奢望在心。破碎心扉在己。

44.每个人都要经历掏心掏肺付出，然后换来撕心裂肺的结果，从此以后就会发现没心没肺的好处。

45.你永远不会知道在我决定放手的那一刻需要多大的勇气

46.不要害怕你会陷入无爱境地，因为真正爱你的那个人会在某个地方等着你。

47.分手快乐，有谁在分手之后还会快乐起来。

48.每段，感情背后都会有个莫名心伤的女人。

49.错许你一世的承诺，最终才发现，最爱你的人不是我，我只是你生命中比较异常的过客，注定无法长久的缘分总是悲伤的结局。

50.想哭就哭吧，别撑着，你又不是雨伞。

51.每当有别人的伤感展此刻自我面前的时候，我总是乐于身临其境的去品尝。把它当作是生命的行李，陪伴我渡过漫长的孤寂。我喜欢挖掘似曾相识的感觉，之后我发现原来伤感也是一种病，一种传染病！

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