观猎古诗的伴奏音乐

唱歌时如何调节话筒音量与伴奏音乐

唱歌时如何调节话筒音量与伴奏音乐

　　很多人跟伴奏时都有个很不好的*惯：不是听伴奏而是看字幕。这样只能使乐感越来越差，何况看到字幕走你再张嘴本身就已经晚了。下面是小编精心整理的唱歌时如何调节话筒音量与伴奏音乐，希望能够帮助到大家。

　　一首好听的歌曲，应该是伴奏音乐占40%，演唱声音占60%，如果演唱者音色不错，可适当减小一些伴奏音乐的分量，以突出演唱者的歌声。

　　如果演唱者对这首歌由的旋律不很熟悉，容易唱走调，合不上拍，为了掩饰这些缺点，这时可适当加大一些伴奏音乐的分量。但在具体操作时，应注意不要把话筒音量过分调大，更不能演唱音量大大高于伴奏音乐。结果显得伴奏音太弱，大部分时间里只听到演唱者的声音，好似一个人在那里清唱，失去了卡拉OK的气氛;但也不能让伴奏音太强，伴音太强，又会“淹没”演唱者的歌声，听上去好象只是一支乐队在演奏乐曲，体会不出演唱者的情趣。 如何调节好伴奏音乐的音调

　　伴奏音乐是根据原唱者的声调而调演奏的，它不可适应每一个演唱者的噪音条件，比如有的原唱者的音域比较高，有的原唱者演唱的音区比较低，为了能让伴奏音乐照顾到每一个演唱者的噪音特性，音响师、调音师应对演唱者的声音特性有灵敏的听觉反应。演唱时，先把音调控制放在中间位置，既然不提升，也不下降。一曲开始，如果演唱者合得上调，那就不必去调节;反之，演唱者如感到低音区唱不下去，或者是高音区跟不上来，可根据实际情况将传送音调调节到演唱者适应的音区。

　　调音是一门艺术性很强的操作过程，它需要调音者有很好的乐感与悟性，需要*时有较高的音乐修养，对现场要有灵敏的听觉反应，这样调出来的声音才能被听众所接受 调音员操作要点

　　目前国内歌舞厅所使用的专业音响，多数为进口设备，应该说可靠性较高。主要问题是操作者专业素质不齐，真正配备合格调音师的单位很少。所以，经常出现因操作不当造成音响效果不佳，甚至导致设备损坏。本文针对中、小型歌舞厅音响设备操作要点进行解说，可做为制订操作规程的参考。另外，在中小型歌舞厅由于话筒声反馈造成的自激啸叫现象，是常见的令使用者头疼的问题，因为经常出现啸叫会令宾客扫兴，音响效果无从谈起，严重者会造成设备损坏。

　　拓展：

　　怎么听伴奏唱歌技巧

　　边打拍子边唱歌。

　　一开始可以用手或者用脚打拍子，边打拍子边念:1234/2234。记住歌词是从哪个节奏（数字）进入的。像一些节奏稍微难的'歌曲，很多半分音符可以靠打拍子把节奏记下来。

　　时间长了，常听常唱，乐感也会也来越好、做到心中有节奏。

　　掌握节奏节拍的主要类型

　　可以先从慢歌，以及自己熟悉的歌练起，找到旋律节奏的感觉。唱的时候要心里始终想着下一段的节奏性是什么，而不能等听到乐曲后才开始唱，那样就慢了，也不能不顾以后会出现什么节拍就唱，就容易抢拍了。

　　通勤路上练*乐感

　　上下班（学）的路上的时间也可以利用起来听听歌。

　　听歌的时候，注意听鼓声。一般歌曲的鼓声都是节奏的关键，从头到尾，鼓声的间隔保持高度一致。偶尔也会有一些停顿，不过不多。多听鼓声，你就会发现，人声基本都落在鼓点上。

　　还有一个容易被忽略的地方在于，大部分人跟不上节奏是由于呼吸方式不对，插上耳机努力听清原唱是怎么换气的吧，搞清楚这个基本上你就会唱了！

　　在KTV唱歌跟上伴奏的方法

　　在KTV里，一般伴奏的声音很小，话筒的声音很大，节奏感不强的人，很难听清鼓声。这就需要对歌曲的节奏十分熟悉，能做到即使旁边在放鞭炮也能准确踩到鼓点上。

　　练时先跟原唱一起唱，边唱边打拍子找感觉。熟练后再跟伴奏唱，注意唱时一定要匀速，如果发现慢了就唱快点在后面赶上，唱快了就慢些等到该唱的地方在唱，千万不能就一直快着或慢着下去。找到节奏的感觉了，唱歌自然就跟上伴奏了。

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干预朗诵伴奏背景纯音乐推荐

干预朗诵伴奏背景纯音乐推荐

　　导语：朗诵的时候加上背景纯音乐，能够渲染气氛，让你的朗诵声更加的悦耳，下面就由jy135小编给大家推荐几首好听的朗诵伴奏背景纯音乐，希望大家喜欢。

　　1、豪勇七蛟龙(The Magnificent Seven)

　　大型颁奖晚会最喜欢用的背景音乐，地球人都知道。伯恩斯坦作曲

　　2、故乡的原风景

　　《神雕侠侣》多次引用，哀伤感人。出自日本作曲家宗次郎1991年的专辑《木道》

　　3、CCTV《天气预报》主题曲

　　据说是迄今为止中央电视台唯一没有改变过的背景音乐，《天气预报》一直使用它。

　　《渔舟唱晚》(即天气预报背景音乐)，是当年在上海颇有名气的电子琴演奏家浦琪璋根据同名民族乐曲改编演奏的。她原来是上海乐团的独奏演员,是从“小荧星”艺术团毕业的,在艺术上颇有成就，曾与上海轻音乐乐团合作过许多脍炙人口的曲子,如:《幸福的傣乡》等等。音乐界的屠巴海经常与她合作。这首曲子完成后,浦琪璋便退出乐界。但此曲却因为被黄金档节目央视的《天气预报》采用为背景音乐而受到了广大*人民的喜爱。当年浦琪璋用“雅马哈”三排键盘的音乐会电子琴改编演奏这首曲子时，也没有想到此曲会成为黄金时段节目的黄金背景音乐，更想不到它会影响到那么多国人。

　　4、简单的礼物(Simple Gifts)

　　美国VOA广播电台的SPECIAL ENGLISH(慢速音乐)节目的背景音乐吗?太熟悉了，只不过电台版的速度要比这个快一些。

　　5、雪的梦幻(Snowdreams)

　　这首《雪的梦幻》(Snowdreams)出自班德瑞的春野这张专辑。相当经典的纯音乐，被电台和电视台使用的次数已经无法统计，常在一些情感类(尤其爱情，有一点淡淡的哀伤)的播讲中充当背景音乐。

　　6、童年(Childhood Memory)

　　这首《童年》(Childhood Memory)出自班德瑞的《日光海岸》这张专辑。确实曲如其名，让人回想起过去的时光，听了有种想哭的冲动…… ，长笛与黑管永远是管乐重梦幻组合，叠轻柔的钢琴上，顺记忆穿针引线，副歌中穿插一段凝人和声，是整首曲子接在主题后经营出来的高潮，刚巧呼应着全程串场风铃声，两者在编曲中分工架起，迷雾般的帷幕，带人回溯到孩提时代那段年幼无助但却也无忧无虑的时刻。可惜的是，像这样的甜蜜回忆，一旦**，能分离的人也所剩无多了。

　　7、宋家王朝(THE SOONG SISTER)

　　这首《宋家王朝》出自日本作曲大师喜多郎之手，个人感觉既恢弘又凄婉，港台的电视剧多爱用此背景音乐，比如李若彤版《神雕侠侣》。

　　8、你的笑颜(Your Smile)

　　这首曲子出自班德瑞的《仙境》这张专辑，似乎常被用电台作为午夜节目的背景音乐。相对于其它几首情感节目的.背景音乐，这首曲子并不显得特别悲伤和哀婉，但是一样会触到你的神经

　　9、春野(ONE DAY IN SPRING)

　　《春野》(ONE DAY IN SPRING)出自班德瑞的专辑《春野》，常被用作节目开头的曲子或是新闻、起床曲的开头背景音乐。是一首非常舒缓柔美的经典乐曲

　　10、安妮的仙境(Annies Wonderland)

　　《安妮的仙境》(Annies Wonderland)出自班德瑞的《仙境》这张专辑，柔美而有力度，适合朗诵配乐。

　　11、凤凰卫视《天气预报》主题曲

　　这首《和兰花在一起》(With an orchid)出自Yanni(雅尼)的专辑《If I Could Tell You》，被凤凰卫视用于天气预报的背景音乐。

　　飘逸的曲子

　　清清淡淡

　　如行云流水般的音律

　　洁净而从容

　　在遥远的梦幻里流连

　　寻找渴望已久的宁静

　　魂牵梦绕的风景

　　在尘间

　　寂静的夜里

　　停留在此刻

　　12、神秘园之歌(Song From A Secret Garden)

　　这首《神秘园之歌》出自神秘园的第一张专辑《SONGS FROM A SECRETGARDEN》。据说这首歌伤感能杀死人，让人象迷失在神秘的丛林里，黑暗的看不到天，找不到出口，沉溺在这样的黑暗中，象一个人孤独的坐在路边大树的阴影下，静静看路上人来人往，别人看不到你你也不想被看到，因为你害怕，因为你孤独，你知道这不是什么好事，但只有这样，受伤的心才能感到一丝安全，这样的孤独一直在诱惑你……

　　13、Windancer

　　这首曲子出自神秘园的专辑《White stone》(白石)，悠扬舒畅，有品味的书店和FLASH动画都比较偏爱这首曲子。

　　14、火之战车(CHARIOTS OF FIRE)

　　很雄壮有力的歌曲，大家应该很熟悉

　　15、泪花(TEARS)

　　纯美的钢琴曲，经常能听到它，可惜关于该曲的进一步资料我就不清楚了。

　　多年后，如果我们相逢，我将以何来面汝，以沉默以眼泪…… 忧伤的琴键中，我却觉得自己被安慰，泪珠在阳光下凝结成了完美的樱花形状，纵然枯萎仍有暖意。那一刹那真的怕极了自己内心里还有任何怨恨与阴骛，一点点，都会让自己无法与曲中的美丽邂逅。多年以后，沉默的我们正如那些无法启齿的往事，会凝成心里的一滴泪吗?抑或就这么被现实的烈阳蒸发掉了，点滴不剩。至少我为你哭泣过，安静的，无声的，伤心的，在岁月无法触摸的角落里，玫瑰花心渐渐老去。

　　16、再见pol、ice(goodbye)

　　似乎是一首意大利歌曲，然后被国产影视作品广为引用，最明显的就是《无间道》里《再见pol、ice》这首背景音乐使用的就是它。

　　17、柔板(Adagio)

　　《Adagio》(柔板)很柔美，就像它的名字一样，也是很能引发感触的好作品，听了居然不免要落泪，足见其感染力之强!有一些广告就用其作为背景音乐，另外电台的一些情感节目也有用其作为背景音乐。而且，该曲也是朗诵配乐不可多得的好曲子(该音乐出自专辑《Songs From A Secret Garden》)。

　　18、 英雄的黎明

　　很恢弘的一首曲子，在日本动画片《三国志》中出现过，也在95版《神雕侠侣》出现过。

　　19、王都炎上

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木兰诗伴奏视频

木兰诗伴奏视频

　　《木兰诗》全诗以“木兰是女郎”来构思木兰的传奇故事，富有浪漫色彩；详略安排极具匠心，虽然写的是战争题材，但着墨较多的'却是生活场景和儿女情态，富有生活气息。木兰诗伴奏有哪些？

　　【原文】

　　唧唧复唧唧，木兰当户织。不闻机杼声，唯闻女叹息。

　　问女何所思，问女何所忆。女亦无所思，女亦无所忆。昨夜见军帖，可汗大点兵，军书十二卷，卷卷有爷名。阿爷无大儿，木兰无长兄，愿为市鞍马，从此替爷征。

　　东市买骏马，西市买鞍鞯，南市买辔头，北市买长鞭。旦辞爷娘去，暮宿黄河边，不闻爷娘唤女声，但闻黄河流水鸣溅溅。旦辞黄河去，暮至黑山头，不闻爷娘唤女声，但闻燕山胡骑鸣啾啾。

　　万里赴戎机，关山度若飞。朔气传金柝，寒光照铁衣。将军百战死，壮士十年归。

　　归来见天子，天子坐明堂。策勋十二转，赏赐百千强。可汗问所欲，木兰不用尚书郎，愿驰千里足，送儿还故乡。

　　爷娘闻女来，出郭相扶将；阿姊闻妹来，当户理红妆；小弟闻姊来，磨刀霍霍向猪羊。开我东阁门，坐我西阁床，脱我战时袍，著我旧时裳。当窗理云鬓，对镜贴花黄。出门看火伴，火伴皆惊忙：同行十二年，不知木兰是女郎。

　　雄兔脚扑朔，雌兔眼迷离；双兔傍地走，安能辨我是雄雌？

　　【创作背景】

　　《木兰诗》产生的时代众说纷纭，但据其最早著录于陈释智匠所撰的《古今乐录》，可证其产生之时代不晚于陈。诗中称天子为“可汗”，征战地点皆在北方，则其产生之地域在北朝。诗中有“旦辞黄河去，暮至黑山头”，“但闻燕山胡骑声啾啾”语。黑山即杀虎山，在今内蒙古呼和浩特市东南，去黄河不远。燕山指燕然山，即今蒙古人民共和国杭爱山。据此，《木兰诗》中之战事，当发生于北魏与柔然之间。柔然是北方游牧族大国，立国一百五十八年（394—552）间，与北魏及东魏、北齐曾发生过多次战争。而最主要之战场，正是黑山、燕然山一带。429年，北魏太武帝北伐柔然，便是“车驾出东道，向黑山”，“北度燕然山，南北三千里。”（《北史·蠕蠕传》，蠕蠕即柔然。

　　此诗收入《乐府诗集》的《横吹曲辞·梁鼓角横吹曲》中，至唐代已广为传诵，唐人韦元甫有拟作《木兰歌》，可以为证。因此，学者们大都认为，民歌《木兰诗》产生于北朝后期。

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合唱的伴奏形式与作用

合唱的伴奏形式与作用

　　导语：伴奏是合唱整体不可分割的组成部分(无伴奏除外)，一个好的伴奏能使整体合唱效果锦上添花。以下是小编为大家精心整理的合唱教程，欢迎大家参考！

　　伴奏是合唱整体不可分割的组成部分(无伴奏除外)，一个好的伴奏能使整体合唱效果锦上添花。怎样才是好的伴奏，伴奏在合唱整体中的位置、角色如何掌握，是 指挥职责范围内的一项重要任务。指挥必须用其正确的意图去指导伴奏者进行伴奏，使之与合唱融为一体，让伴奏真正起到补充、渲染、烘托的作用，从而增强合唱 的声势，并达到绿叶红花相衬之目的。

　　当前常见的伴奏形式有乐队伴奏(西洋管弦乐队、民族管弦乐队、电声乐队)、钢琴或键盘乐器伴奏(手风琴、电子琴)两大类。不论选择哪种形式伴奏，只要运用合理、配合得当，效果都不错。

　　乐队伴奏(指中型乐队以上)适合大型合唱曲，尤其是管弦乐队。合唱在伴奏的烘托下，能呈现出很好的艺术效果。用民族乐队伴奏合唱，突出民族特色，只要和声、配器处理得当，是很有发展潜力的一种伴奏形式。

　　电声乐队为合唱伴奏，是*年来经常见到的伴奏形式之一，尤其在群众性的业余合唱中更为多见。电声乐队因其电声的音色及架子鼓声音量偏大之特点，若处理不 当，队员与指挥辛勤创造出的美妙的合唱声音，很容易就被电声乐队那震耳欲聋的音响所遮盖，但有一些好的乐队和乐手，有着较高的技能和素养，在指挥的控制和 指导下，整个乐队的音色、音量都能得到有效的控制，找准了自己伴奏的位置，这种情况下，电声乐队作为合唱的伴奏形式是可行的。

　　钢琴伴奏是合唱最常见的伴奏形式，它可以胜任任何风格、任何体裁合唱曲的伴奏任务，是大多数作曲家、指挥家经常采用的伴奏形式之一。当然，它也受到伴奏者 演奏水*的影响，尤其在一些中、小学或业余合唱队中，伴奏者如不能胜任正谱演奏，或因技术原因达不到指挥的要求时，指挥要更换伴奏或帮助、指导伴奏者使其 达到要求，如简化伴奏原谱等。如受技术、条件限制，无伴奏正谱或能力达不到演奏正谱时，往往采用即兴伴奏的形式，这种情况在一般业余合唱队中经常见到，此 时，指挥要认真地对待伴奏问题，首先要使伴奏与合唱的和声相一致，其次是伴奏的织体、风格要服从于合唱作品的需要，使之真正起到烘托、润饰的作用。

　　拓展：合唱发声基础

　　一、歌唱发声器官的组成

　　声音的形成是发声器官协调工作产生的生理现象，这个现象的产生是气息运动和声带振动所形成的物理现象，但歌唱的发声运动又和我们*时说话的发声有所不同，因而歌唱发声又是一个物理的声学、音响学现象。而进行歌唱艺术实践又是一个复杂丰富的心理活动过程，因此我们的歌唱运动可以说是生理、物理、心理“三位一体”的行为。歌唱的发声器官是由呼吸器官、发音器官、共鸣器官和咬字器官四个部分组成，它们是歌唱发声的全部物质基础，是歌唱发声运动中的主要功能系统。

　　1、呼吸器官

　　呼吸器官，即“源”动力，是由口、鼻、咽喉、气管、支气管、肺脏以及胸腔、膈肌(又称横膈膜)、腹肌等组成。气息从鼻、口吸入，经过咽、喉、气管、支气管，分布到左右肺叶的肺气泡之中(肺中由两个叶状的海绵组织的风箱构成，它包含了许许多多装气的小气泡);然后经过相反的方向，从肺的出口处分支的气管(支气管)将气息汇集到两面三刀个大气管，最后形成一个气管，再经过咽喉从口、鼻呼出。与呼吸系统相关的各肌肉群，他们的运动也关系到呼吸的能力，是歌唱“源”的动力和能量的保证。我们日常的呼吸比较*静，比较浅，用不着使用全部的肺活量，但歌唱时的呼吸运动就不同了，吸气动作很快，呼气动作很慢。如果遇上较长的乐句，气息就必须坚持住。而一首歌曲的高、低、强、弱、顿挫、抑扬变化，也全靠吸气、呼气肌肉群的坚强和灵活的运动才能完成。（少儿声乐考级曲目表）

　　2、发声器官

　　发声器官，即发出声音的器官。它包括喉头、声带。喉头是一个精巧的小室，位于颈前正中部，由软骨、韧带等肌肉组成。声带位于喉头的中间，是两片呈水*状左右并列的、对称的又富有弹性的白色韧带，性质非常坚实。声带的中间又称声门，声带是靠喉头内的软骨和肌肉得到调节的。吸气时两声带分离，声门开启，吸入气息;发声时，两声带靠拢闭合发生声音。声带在不发出声音的时候是放松并张开的，以便使气息顺利通过。声带发声，一部分是自身机能，一部分是依靠声带周边的肌肉群协助进行发声运动。我们在声乐训练的时候，应该充分注意到这些肌肉群的功能作用，合理地运用它们，养成良好的*惯，避免在不正确的发声*惯下唱坏了嗓子。还有喉咙的上部与舌根之间，有一个很重要的软骨，叫会厌。会厌的功能有两个方面，一是起到声门的保护作用，当我们吞咽食物和饮水的时候，它本能地自动盖住气管，让食物通过时避免进入气管，我们往往有时不小心喝水“呛”了气，就是会厌动作不协调所致。第二个作用是歌唱的时候，会厌竖起，形成通道让声音流畅地输出。

　　3、共鸣器官

　　人体的共鸣器官主要有胸腔、口腔和头腔三大共鸣腔体。胸腔包括喉头以下的气管、支气管和整个肺部。口腔包括喉、咽腔及口腔。头腔包括鼻腔、上颌窦、额窦、蝶窦等。在歌唱中，由于音商的不同，使用这些共鸣腔的比例是有所不同的。一般来说，唱低音时，胸腔共鸣发挥最大，唱中音时口腔共鸣应用较多，而唱高音时主要是靠头腔鸣发挥作用了。如果我们能正确、合理地运用好这些共鸣腔体，并相互协调配合好，那我闪就能获得圆润、悦耳、丰满、动听的歌声。

　　4、咬字吐字器官

　　咬字吐字器官(即语言器官)包括唇、舌、牙齿和上腭等。这些器官活动时的位置和不同的着力部位，形成了辅音和元音(即语言)。发声歌唱时，咬字、吐字器官各组成部分的动作比*时说话要更加敏捷而夸张。敏捷是为了使咬字准确清晰，夸张是为了使美化的元音或韵母通畅地引长发挥。所以语言器官是我们在吐字咬字时的物质基础，也是我们学*吐字咬字时出声、引长和归韵的重要器官。声音是歌唱的基础，要训练好声音进行歌唱，首先要了解所参与发声器官的构造和作用。歌唱运动的感觉远不如看得见、摸得着的如钢琴、小提琴训练那样的肌体运动来得容易，这就要求我们每个歌唱者要有敏锐的自我感觉，并在专业声乐教师的指导下反复训练，以形成条件反射去断定自己的声音是否正确，是否符合 声器官运动的基本规律。还有一点要指出的是，上述各部分器官及它们的运动形式是歌唱的生理学为基础，而这些器官的协调活动，则是在人体神经系统的调节与支配下完成的。任何身体的运动都受到心理的指挥或暗示，歌唱者的意志、情感、愿望及舞台感觉等等，很大一部分与心理的因素有关，有时候心理的制约因素甚至比发声技术更重要地左右着我们的训练，我们应该充分注意到心理的重要性，当我们在歌唱时，尤其在台上表演时，则需将注意力集中在歌曲的内容与情感上，以情带声，而不要把注意力分散在具体器官的位置及活动状态上。

　　二、 歌唱的姿势

　　有人说：“姿势是呼吸的源泉，呼吸是发声的源泉。”唱歌训练，首先要有正确的歌唱姿势，没有经过专业训练的人往往不够重视姿势，姿势的正确与否是直接关系到发声时各个器官配合的协调姿势，姿势的正确了，发声各部分就能正常地工作，而不正确的姿势，则往往带来不正确的声音。这好比我们的跑步运动员，赛跑时如果没有正确的跑步姿势，就会直接影响跑步的速度一样。

　　正确的歌唱姿势是：

　　1、身体自然直立，保持自然放松，这里的放松绝不是松垮、瘫痪，它应呈现一种积极向上的状态，也就是精神饱满的状态。

　　2、头部保持于眼睛向前*视稍高的位置，胸部自然挺起，两肩略下后一点，小腹收缩，两臂自然垂落，全身有一种积极运动的状态。

　　3、两脚一前一后稍分开，前脚着力、身体的重量要*稳，重量落在双脚上。

　　4、面部，眼神要自然生动，眉、眼、嘴是五官中的重要部位，眼睛是心灵的窗户，因此在演唱中眼睛切记应当张大一些，不要眯起眼，虚着唱歌。

　　5、嘴巴是歌唱的喇叭，应当张得开，放得松，切记紧咬牙关。

　　6、还有歌唱时下颌收回，正确的感觉应该是仿佛由小腹到两眉之间形成一条直线，脖子和后背、腰部连成一线，这样才使气息畅通无阻。

　　7、演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的动作，但动作要简练大方，切忌矫揉造作，画蛇添足。坐唱的姿势与站立时的要求一样，但要注意腰部挺直而不僵硬，也不要靠在椅背上，注意臀部不要坐满整个凳面，约坐1/3的面积，两脚稍分开，自然弯曲，不能跷腿坐，也不能两腿交叉叠起。

　　三、 歌唱的呼吸

　　学*正确的歌唱呼吸乃是歌唱艺术最重要和最必要的基础。由呼吸控制的歌声才是声乐，呼吸是歌唱的原动力。声乐界有“谁懂得呼吸，谁就会唱歌”之说，说明了呼吸在歌唱中的重要性，它确实是歌唱者首先应该学会的一项基本功。

　　歌唱时的呼吸与日常生活中说话的呼吸是不大一样的。在日常生活中，人们通过说话交流思想感情，因为一般距离较*时所需音量就较小，气息较浅，不用很大的力度，也不用传得很远，而且我们说话连续用嗓时间长了，嗓音就容易疲劳、嘶哑，这种说话的呼吸若用于唱歌就显得不能胜任了。唱歌是为了抒**感，是要唱给别人听的。歌唱时面对的往往是大庭广众，须将歌声传至每个角落，因而要求声音既要有一定的音量，又要有一定的力度变化，要有长时间歌唱的能力，并要求根据歌曲的需要，或长、或短、或强、或弱、或高、或低地有控制地输送气息，要做到这些，就不是简单的事了。所以歌唱时的呼吸作为一种艺术手段，有它自身特有的一套规律和方法，它是一项技术性问题，是后天训练出来的。

　　呼吸运动包含着吸气和吐气两个过程：

　　1、吸气

　　用口、鼻垂直向下吸气，将气吸到肺的底部，注意不可抬肩，吸入气息时使下肋骨附*扩张起来，腹部方面，横膈膜逐渐扩张，使腹部向前及左右两侧膨胀，小腹则要用力收缩，不扩张。背部要挺立，脊柱几乎是不动的，但它的两侧却是可以动的，而且也是必须向下和向左右扩张的，这时气推向两侧与背后并贮在那里，保持住然后再缓缓将气吐出。

　　2、吐气

　　唱歌用气时，仍要保持吸气状态。这点很重要，就好比给自行车打足了气，不能一下子放松了，这里还有一个保持呼吸的问题，要保持住气息，就必须在唱的过程中永远保持吸气的状态，控制住气息徐徐吐出，要节省用气，均匀地吐气，这就是所谓气息的对抗。在呼和吸的过程中，要注意呼吸僵硬的感觉，整个身体表情都应该是积极放松的，紧张的部位就是横膈膜、两肋，两肋就像是一只充足的气球一样，我们要让声音坐在上面，往下拉，不能让气球往上浮起来，也就是说要把气息拉住，不能让它提上来，这就牵涉到一个气息支点的问题。

　　3、唱歌时要有气息支持点

　　支持点也就是声音要有一个立足的地方，这个立足点也就是以横膈膜及下肋两侧做支持点，当我们咳嗽或笑的时候，可以直接感觉到它的支持作用。没有经过呼吸训练的人，常常唱歌时，脸红脖子粗的，青筋直暴，歌声僵直，高音上不去，低音下不来等等，都是与气息支持点没有保持住有关。反之，我们掌握了呼吸方法，有了支持点的感觉，那么，当我闪歌唱发声时，便会感到声音仿佛落在我们所控制的气息上，也就是说声音是由呼吸来支持了，这种声音不但悦耳响亮，而且能强弱自如地做出各种变化来。

　　4、不同的乐句用气是不同的

　　我们在进行胸腹式呼吸时，呼吸气势的强弱、吐气的方法要根据所唱歌曲(或乐句)的不同要求有所不同。下面我们就介绍几种不同的呼吸练*法。

　　1) 缓吸缓呼

　　这是我们在训练和歌唱时常常采用的方法。就是胸腔自然挺起，用口、鼻将气息慢慢吸到肺叶下部，横隔膜下降，两肋肌肉向外扩张(也就是腰围扩张)，小腹向内微收。这种吸气要求自然放松，*稳柔和地进行，就像我们去闻花的芳香时的感觉一样，闻花的感觉使我们吸气吸得深，就像做深呼吸运动一样，但吸气时不要用太大的力，只要轻轻地挺住胸廓和上腹部，然后慢慢呼气。呼气时，注意保持吸气状态，控制住两肋和横膈膜，也就是控制住了气息，使之*稳、均匀、持续、连贯地慢慢吐出。有一种感觉可以帮助我们体会呼气时下肋和横隔膜的保持状态：就是在缓吸后做慢慢地吹掉桌上的灰尘的动作，这里需要长长地吹气，也就是在做长音的呼气练*，我们常说：“长音像吹灰，短音像吹蜡”，是一种吐气的感觉。

　　2) 急吸急呼

　　急吸就是在很短的时间内，通过口、鼻迅速把气息促而深入地吸到肺叶下部，并将气息保持住，然后，按照缓呼的要求而呼出歌唱发声基础知识大全歌唱发声基础知识大全。我们在演唱实践中经常要用到的，因为在歌曲的句与句之间、字与字之间的吸气不通话你有很长的停顿时间，往往采用“偷气”的办法来吸入且要吸得不让人发现，这就是急吸缓呼的作用。为了培养呼吸的控制力，我们可以采取一些练*曲及歌曲中的某些乐句做带词的练*，效果较好。卡鲁索说过，歌者能否踏上成功之路，首先要看他对于呼吸器官的操纵和运用，是否建立了强固的基础。

　　四、歌唱的发声

　　歌唱时的发声和说话时的发声是不完全一样的，说话式的唱歌或放大了的说话，都是不对的，这会没有色彩，不是音乐化了的发声。所以说说话的发声是不能适应歌唱的的需要的，我们必须讲究发声方法，帮助学唱歌的人把普通的声带磨炼成能发出优美、动听、有持久力的合乎科学方法的、有艺术感染力的声音来。

　　1、喉头和声带

　　喉头和声带，是歌唱的发声器官，是歌唱的核心部位，是通向整体歌唱的要塞，是打开歌唱艺术宝库的金钥匙。因此，了解和搞清喉头与声带在歌唱时应处的位置和状态是非常必要的。一般来说，歌唱时喉头位置应该比*时说话时偏低一些(就像我们深吸气时的喉头感觉，因为吸气时的喉位，比静止时的喉位略低一点)有很多人把喉头处于吸气时的位置称为“水*位”。在歌唱时字与字、句与句的转换中，喉头要始终处于这一位置，而不应做离开水*位的向上、向下，或向左、向右的移动，当然喉头位置的稳定是在运动中的相对稳定，而不是僵死不动的稳定。就像浮在水面上的皮球永远稳定在水面上的道理一样，若把皮球比做喉头，皮球浮在水面的状态就好像喉头稳定在吸气位的状态一样。所以歌唱时的喉头位置应始终处于低而自如的稳定位置和喉头壁打开的状态。

　　2、打开喉咙

　　在歌唱训练中“打开喉咙”是十分重要的中心环节，它直接影响到声音的好坏。“打开喉咙”也就是将喉头稳定在正确的位置上，口盖积极向上收缩成拱形，舌根放松，*放在下牙齿后，牙关打开，下巴放松自然放下而稍后拉，这时候的喉咙是打开的。那么如何能帮助初学者“打开喉咙”呢?

　　1)“打哈欠”的状态

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合唱的伴奏知识

合唱的伴奏知识

　　合唱这种形式，主要以多声部的人声演唱为特征。合唱与齐唱一样是多人参加的集体演唱，但它同齐唱有很大的区别。下面就为大家介绍一下合唱的伴奏!

　　1、合唱的伴奏形式

　　合唱分为无伴奏合唱和有伴奏合唱两大类。有伴奏的合唱，其伴奏形式主要有两种：一是键盘乐器伴奏，主要包括钢琴伴奏和手风琴伴奏两种，其中钢琴伴奏形式的使用最为普遍，一般专业合唱比赛和专场合唱音乐会均用钢琴伴奏;

　　二是乐队伴奏，主要包括西洋管弦乐队、民族管弦乐队和交响管乐队伴奏三种，其中使用最多的形式是交响乐队伴奏，根据每个团队的具体条件，也有使用中西混合乐队或加有电声乐器的混合乐队为合唱伴奏的实例。

　　2、合唱伴奏乐器或乐队的摆放位置

　　使用钢琴伴奏时，一般*惯将钢琴摆放在合唱队的右前方，即指挥的左前方介于合唱队与指挥之间的适当位置上;使用乐队伴奏时，视乐队编制或规模大小，有放在合唱队的正前方，即指挥与合唱队之间的正中位置上，也有放在合唱队的左前方，即指挥的右前方介于合唱队与指挥之间的适当位置上。一般大型乐队(按前者)摆放在中间，小型乐队(按后者)摆放在边上。

　　3、伴奏乐队的座次排列

　　根据指挥对包括伴奏乐器在内的合唱表演整体控制的需要，一般*惯于将乐队中的高音乐器(如西洋管弦乐队中的小提琴、民族管弦乐队中的高胡、板胡、二胡、柳琴等)放在合唱队的右前方和指挥左前方之间的适当位置上，将乐队中的'低音乐器(如西洋管弦乐队、民族管弦乐队中的中提琴、大提琴、低音提琴等)放在合唱队的左前方和指挥右前方的适当位置上。

　　以合唱队的位置为基准，将管乐按音区高低从右到左依次摆放在合唱队的前面和高低音弦乐器之间的位置上(靠*高声部的为高音乐器，靠*低声部的为低音乐器)，打击乐器放在乐队中间最后一排的位置上(管乐的后方)，色彩性乐器放在乐队中间或靠*合唱队女高声部右前面的位置上等等。

　　4、合唱伴奏的基本要求

　　与合唱队合作的乐队或乐器，是合唱表演整体的重要部分，担负着铺垫、陪衬、烘托、支撑、补充合唱音响的任务。作为自身要求，它与单纯的器乐演奏一样，应处理好自身的音准、节奏、速度、力度、*衡、风格、音色和分寸等，与其不同的是，与合唱相伴的乐队或乐器，必须很好地处理好与合唱的关系，其中应注意的主要问题是如何做好音量控制。

　　在整个表演中，合唱是演出的主体，在所有音响关系中，需要适度地突出合唱，乐队的任务是伴奏，既是伴奏，就应突出一个“伴”字，作为指挥和每一个队员都必须明确认识这一点。乐队的铺垫应使合唱的音响得到更好、更有力的支撑而不是掩盖，乐队的演奏不能制造音墙，不能因自身音量过大将合唱队的声音淹没或遮蔽而喧宾夺主。

　　一般来说，需要突出乐队的地方主要在前奏、间奏和尾奏的段落或有合唱与乐队呼应性乐句的地方等。除此之外的所有音乐，都应视合唱音响的变化需要而决定如何控制演奏的音量。

　　内容拓展：

　　合唱（hé chàng；chorus）指集体演唱多声部声乐作品的艺术门类，常有指挥，可有伴奏或无伴奏。它要求单一声部音的高度统一，要求声部之间旋律的和谐，是普及性最强、参与面最广的音乐演出形式之一。人声作为合唱艺术的表现工具，有着其独特的优越性，能够最直接地表达音乐作品中的思想情感，激发听众的情感共鸣。声部的数量没有规定，一般有四个声部。多为男高音区，男中低音区，女高音区，女中低音区。

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伤感感语录伴奏

　　1.飞机场的骚乱一会儿就停止了，那里的人都是有着自我的方向的，匆匆地起飞，匆匆地下降，带走别人的故事，留下自我的回忆。

　　2.你好，未来的我，我告诉你一个秘密，一向以来都有一个女生在默默的爱着你，你可必须要珍惜她啊，否则我会把她抢过来，到时候你后悔也晚了，知道吗？

　　3.我的记忆是不是活在长街的那头，而我的年轮却死在了长街的这头。

　　4.别睡太晚梦会变短，别爱太满物极必反

　　5.每个人都有自己的难处，别人无法看透，也无法感同身受。​​​​

　　6.很多的日子里，喜欢上了伤感。

　　7.人的一生很长也很短，恍恍惚惚，已经是几十年的岁月，跌倒了，也要笑着站起来，没有人会嘲笑你，因为你的笑容早已征服了那千千万万从你身旁路过的匆匆行人。失恋又何妨，伤感又何妨，烫伤又何妨，只要你笑着，那点鸡毛蒜皮的小事在你眼中只是小小的意外精彩。

　　8.当初有些事，让我们刻骨铭心；当初有些人，令我们难以释怀；当初我们一路走来，告别了一段段往事，走入下一段段风景。走远了再回头看，很多事已经模糊，很多人已经淡忘，仅有很少的人和事与我们有关，牵连着我们的幸福与欢乐，这才是我们真正要珍惜的。

　　9.大概，每个学不会分手的人，都会遇到一个不能在一起的人，放手舍不得，坚持又太累，爱而不得时最煎熬。

　　10.向往的生活是未来有你，异地恋真的很累因为有和你一起走到最后的决心因为遇见你，所以才会忍受距离的煎熬。​​​​

　　11.一切从头开始失去的就不要再去留恋毕竟生活还在继续你还在努力

　　12.轻声叹，许下几世繁华，美如卷，抵不过逝水流年。若能回到伊人伴，问君在醉几杯又有何妨？烽火狼烟，爱欲迷眼。画地为牢，锁心几时？

　　13.当风筝厌倦了天空，是否就会义无反顾地坠入大海？

　　14.总以为岁月漫长有大把时间来挽回和原谅

　　15.忘记一个人，或许需要一辈子;而爱一个人，可能只是因为一个眼神。突然之间，有一种想蹲在地上，抱着膝盖，恸哭一场的冲动。

　　16.一个人不谈恋爱，是因为心里有一个不可能的人。

　　17.当时间消磨掉了你的热情，你便会发现，那些曾令你歇斯底里的去执著的人，现在已变得可有可无。​​​​

　　18.喜欢你这条路我走的很不容易

　　19.是要错过多少余生才能与你见面。

　　20.隔墙有只耳朵，嘲笑你多难过。

　　21.其实，属于两个人的记忆，只要其中一个忘记了，那一切就都失去了意义，变成了垃圾。​​​​​

　　22.在故事的最开始，我们以为对方是自己人生里的最不能错失的那个唯一，但到最后才颓丧的发现，你不是非我不娶，我不是非你不嫁，只是个太伤人的误会而已。

　　23.由亮到暗，由凄美到悲伤。坐在夜下，我总是感觉这样的夜晚是寂静的凄美的，虽然由无数星星伴奏着月光的妩媚，但那种痛那种伤还是会飘满整个夜空，就像咖啡的醇香，又有多糖的苦涩。一个人的夜空，可以尽情的歌唱，不管你唱的歌是不是跑掉甚至混搭，一由亮到暗，由凄美到悲伤。

　　24.我深知不努力自己什么都不是却还放纵自己。

　　25.在我阴暗心里，你是一抹明媚的阳光，就这抹明媚的阳光诠释了我的思念，寂寞，那颗久违彭勃跳动的心脏。若假如时光倒流。我是否记得你的容颜和那让我魂牵梦绕的柔唇默默与你一起携手幸福时光。若假如时光倒流。我是否能将你拥入怀中嗅着你独有的芬芳，假如时光倒流那么，你便是我的奢望。

　　26.不是每一次努力都会有收获，可是，每一次收获都必须努力，这是一个不公*的不可逆转的命题。

　　27.小女子不才未得公子青睐扰公子良久公子勿怪自此所有的仰慕之意止于唇齿掩于岁月匿于年华此生就此别过望公子善其身遇良人予君欢喜城暖色度余生此经一别自是不再相见祝公子万水千程皆是好运。​

　　28.一个绅士扮演丑八怪他是个初学者但演的刚刚好

　　29.我一定要幸福，哪怕幸福是场表演，我也会尽力演好每一场戏。

　　30.我落日般的忧伤就像惆怅的飞鸟，惆怅的飞鸟飞成了我落日般的忧伤。

　　31.不一次次受伤怎么会一点点坚强。

　　32.人该省事，不该怕事。人该脱俗，不可矫俗。不该顺时，不可趋时。

　　33.如果我不愿意，没有谁，能够伤害我……

　　34.别把自己搞的太累毕竟你的心碎别人无法体会

　　35.剩下我的沧桑，演绎了这季盛夏的忧伤，诠释了这泪水的流淌。我不知道自己能坚持一段又一段时间，一份又一份的心酸苦痛。我不懂自己是为了什么。自己在等待什么。也许是期盼穿梭时光回到属于我的那份柔情的芬芳。

　　36.我是应该和星星一起数着你的心事，还是应该和你一起数天上的星星。

　　37.一个人害怕孤独，两个人害怕辜负。

　　38.我放开了，但还没放下;我恢复了，但还没痊愈;我想开了，但还有怀念;我忘记了，但还有回忆。​​​​

　　39.天长地久有没有？当然有！为什么大多数人不相信有？因为他们没有找到人生旅途中最适合自我的那一个。也就是冥冥中注定的那一个。为什么找不到？茫茫人海，人生如露，要找到最适宜自我的那一个谈何容易？你或许能够在岁时找到上天注定的那一个，可是你能等到岁吗？在多岁时找不到，却不得不结婚，在三四十岁时找到却不得不放下。这就是人生的悲哀。

　　40.希望我们都是还能认真起来的人，也但愿我们有足够的好运，得以遇见另一个认真

　　41.最尴尬的就是，人家根本不把你当回事，你还多愁善感到不行。​​​​

　　42.多少人在说，我会等你，等你回心转意的那一天;我会等你，等你愿意和我在一齐的那一天;我会等你，等你离开那个人来到我身边的那一天;我会等你，等你然而人们可曾知道，世上的爱情，没有几份真的经得起等待！

　　43.繁华尽落，泪思红颜。晓寒深处，生离如梦如幻。心玄月。梦环绕。此夜独枕难眠。离时易，见时难，思绪系红颜。梦与君别首。迫于寂寞有染，无妨孤独等待。徒留奢望在心。破碎心扉在己。

　　44.每个人都要经历掏心掏肺付出，然后换来撕心裂肺的结果，从此以后就会发现没心没肺的好处。

　　45.你永远不会知道在我决定放手的那一刻需要多大的勇气

　　46.不要害怕你会陷入无爱境地，因为真正爱你的那个人会在某个地方等着你。

　　47.分手快乐，有谁在分手之后还会快乐起来。

　　48.每段，感情背后都会有个莫名心伤的女人。

　　49.错许你一世的承诺，最终才发现，最爱你的人不是我，我只是你生命中比较异常的过客，注定无法长久的缘分总是悲伤的结局。

　　50.想哭就哭吧，别撑着，你又不是雨伞。

　　51.每当有别人的伤感展此刻自我面前的时候，我总是乐于身临其境的去品尝。把它当作是生命的行李，陪伴我渡过漫长的孤寂。我喜欢挖掘似曾相识的感觉，之后我发现原来伤感也是一种病，一种传染病！

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节奏节拍在音乐表现中的作用

节奏节拍在音乐表现中的作用

　　节奏、节拍，在音乐中的表现作用是巨大的、不可忽视的。节奏、节拍千变万化，丰富多彩，无穷无尽，为音乐表现提供了广阔空间。以下是小编精心整理的节奏节拍在音乐表现中的作用，欢迎阅读，希望大家能够喜欢。

　　节奏节拍虽然复杂，但仔细分析研究，仍可寻觅到其自身从简单到复杂发展变化的内在联系。就节拍而言，虽有单拍子、复拍子、混合拍子、变换拍子、交错拍子、散拍子、一拍子等多种节拍，但所有这些拍子都是由简单的单拍子发展而成。如复拍子是由相同的单拍子结合而成；混合拍子是由不同的单拍子结合而成；变换拍子是各种拍子横向发展的结果；交错拍子是各种拍子纵向发展的结果；散拍子是冲破单位拍、小节、强拍、弱拍的约束向自由化方面发展的结果；一拍是省去弱拍的结果。

　　由于单位拍时值的不同，一种节拍又被分为许多种。如二二拍子、四二拍子、八二拍子，虽然都是二拍子，但在音乐表现中的作用、特别是速度方面都有许多明显的不同。

　　二拍子和三拍子，在节拍中是具有代表性的两种基本类型。二拍子，强拍，弱拍，方整对称。三拍子则流畅、灵活、自由，不可分。在音乐作品中，最能体现二拍子和三拍子特点的乐

　　曲，就是进行曲和圆舞曲。在音乐体裁中也很有代表性。

　　各种拍子，既有共性，又有特性，不可取代。但在一定的特殊情况下，一种拍子却可以转换成另一种拍子。如快速的六拍子，往往会给人一种二拍子的感觉。这时的每一拍，实质上就成了三连音。反之，将二拍子的每一拍都变成三连音，它就会产生一种六拍子的感觉。这样一来，就使二拍子的单拍子与六拍的复拍子构成了相互转换。这种情况无疑为音乐表现提供了极大的方便。

　　混合拍子、变换拍子、交错拍子，则是两种不同拍子按照各种不同次序、不同方式有机结合的产物，具有比重不同、变化无穷的双重表现特性。

　　从节奏上讲，基本音符分为均等的两部分；附点音符分为均等的三部分，以及二连音、三连音，都与二拍子、三拍子一脉相承。这也就是节奏、节拍不可分的统一性。

　　拓展

　　节奏、节拍、速度、力度在音乐中的表现意义

　　在音乐中节奏、节拍、速度、力度是密切相关的。所有的节奏都是都存在于节拍之中的，所有的节拍中也都离不开节奏的要素；而所有的节拍与节奏都会表现出一定的速度，同样，无论怎样的速度都是建立在一定的节拍、节奏之上的；节奏离不开力度、节拍也离不开力度，而不同的节拍与节奏总是表现出不同的力度对比。

　　因此，节奏、节拍、速度与力度共同构成了音乐的骨架，它们对于音乐的表现、塑造音乐形象、有着不容忽视的巨大作用。当然，它们四者还有着各自的侧重点，我们一定要准确地把握好它们的共同和不同之处，并在音乐的演奏、演唱中遵循它的规律，演绎出优美的音乐。

　　节奏的侧重点在音值的长短上，当然还有它的强弱。

　　不同的节奏组合起来就形成了有一定表现功能的“节奏型”。不同的节奏型有着自身特殊的表现作用，如果在音乐中把握住了节奏型的特点，就能够更好地理解音乐、表现音乐，如果能依照所呈现出的特点来演奏、演唱，就会使你的表演更加符合人们的审美要求、能够更好地塑造音乐形象。

　　如：连续的前八后十六或前十六后八的节奏，就形成一种欢快、跳跃的情绪，适宜表现一些急速、紧张、热烈、欢腾的场景。

　　附点四分音符的节奏结合二分音符，就适宜表现一些抒情、流畅的情绪，能够表现出甜美、优雅、如歌的、柔和的情景。

　　短促的十六分音符与休止符相结合，就能让人产生一种跳跃、愉快的情绪，特别适合表现那些活泼、轻巧、富有朝气的、诙谐的情景。

　　而较长的音值（指全音符以上的音符）所构成的节奏，则更容易让人产生一种*静、阴郁的情绪，在表现田园、哀伤、悲痛、神秘、虔诚等情感时更加得心应手。

　　当然，这些节奏的运用是和乐曲的速度分不开的，如果在适当的速度下，再配合旋律的走向和音程的跳动、以及音乐其它方面的手段，就能够很好地塑造出栩栩如生的音乐形象、表达准确的思想情感。

　　节奏节拍小技巧

　　划拍，一开始用手划，接下来用眼划，最后用心划，音符从哪拍的什么地方就从哪个地方唱起，凭感觉，常听常唱，熟练了就好了。

　　*时听歌听的不太多，自己唱时节拍和音调的高低都是自己掌握的按照自己的*惯来的，在没有伴奏的情况下没有受到拘束所以觉得还可以!但是在有伴奏的情况下你就必须按照原曲的`音调、音高和节奏来，不然就会觉得听起来别扭!而且由于*时按照自己的唱法唱惯了，在有伴奏的情况下，唱的声音可能先是*时自己的调，唱着唱着觉得感觉有点不对，就想回到原调上来这时就很容易走调的!而且开头的音调高低没有把握好，后面肯定唱不下去要换调，这样唱的肯定不好听!唱歌跟跳舞一样需要良好的乐感，我是学街舞的。

　　要多听音乐，找到那种感觉，听多了自然就熟练了。然后就是唱歌时一定要注意听伴奏，别随心所欲的唱，那样很容易慢或快。

　　唱歌节奏感不好，告诉你几个实用小技巧

　　在家旁若无人的练*技巧

　　边打拍子边唱歌。

　　一开始可以用手或者用脚打拍子，边打拍子边念:1234/2234。记住歌词是从哪个节奏（数字）进入的。像一些节奏稍微难的歌曲，很多半分音符可以靠打拍子把节奏记下来。

　　时间长了，常听常唱，乐感也会也来越好、做到心中有节奏。

　　掌握节奏节拍的主要类型

　　2拍子节奏型 一直都是X X

　　3拍子节奏型 一直都是X X

　　4拍子节奏型 一直都是X X X X

　　4拍子和2拍子差不多，就是速度慢些，一般都用在抒情歌曲上。

　　可以先从慢歌，以及自己熟悉的歌练起，找到旋律节奏的感觉。唱的时候要心里始终想着下一段的节奏性是什么，而不能等听到乐曲后才开始唱，那样就慢了，也不能不顾以后会出现什么节拍就唱，就容易抢拍了。

　　通勤路上练*乐感

　　上下班（学）的路上的时间也可以利用起来听听歌。

　　听歌的时候，注意听鼓声。一般歌曲的鼓声都是节奏的关键，从头到尾，鼓声的间隔保持高度一致。偶尔也会有一些停顿，不过不多。多听鼓声，你就会发现，人声基本都落在鼓点上。

　　还有一个容易被忽略的地方在于，大部分人跟不上节奏是由于呼吸方式不对，插上耳机努力听清原唱是怎么换气的吧，搞清楚这个基本上你就会唱了！

　　在KTV唱歌跟上伴奏的方法

　　在KTV里，一般伴奏的声音很小，话筒的声音很大，节奏感不强的人，很难听清鼓声。这就需要对歌曲的节奏十分熟悉，能做到即使旁边在放鞭炮也能准确踩到鼓点上。

　　练时先跟原唱一起唱，边唱边打拍子找感觉。

　　熟练后再跟伴奏唱，注意唱时一定要匀速，如果发现慢了就唱快点在后面赶上，唱快了就慢些等到该唱的地方在唱，千万不能就一直快着或慢着下去。

　　找到节奏的感觉了，唱歌自然就跟上伴奏了。

　　最后，终极大绝招来了——只唱自己熟悉的歌。如果你想唱些你不熟悉的歌，唱歌前两天拷到随身听里面反复的多听听，熟悉一下歌曲也会有帮助的，嘿嘿。

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唱歌怎么跟上伴奏技巧

唱歌怎么跟上伴奏技巧

　　如果一下子无法做到，那大家可以先从慢歌练起，找到旋律和节奏的感觉。有些歌曲是有节拍的，跟着节拍就好；有些节拍不明显，我们则需要花上更多的时间去听原唱，心里始终要有这首歌的节奏、节拍的感觉。如下是小编给大家整理的唱歌怎么跟上伴奏技巧，希望对大家有所作用。

　　掌握节奏节拍主要类型

　　2拍子节奏型 一直都是X X

　　3拍子节奏型 一直都是X X

　　4拍子节奏型 一直都是X X X X

　　4拍子和2拍子差不多，就是速度慢些，一般都用在抒情歌曲上。

　　唱歌跟伴奏的技巧

　　如果伴奏节奏性不明显的，就在心里数拍子，或用手脚打拍子.

　　如果伴奏节奏性明显的，一般流行歌曲都很明显，就听重音，就是鼓点。

　　快歌一般是“重轻” ，慢歌一般是“轻重”（重就是咚咚咚的鼓点声）

　　练时先跟原唱一起唱，边唱边打拍子找感觉。熟练后再跟伴奏唱，注意唱时一定要匀速，如果发现慢了就唱快点在后面赶上，唱快了就慢些等到该唱的地方在唱，千万不能就一直快着或慢着下去，那会很难听的。

　　很多人跟伴奏时都有个很不好的*惯：不是听伴奏而是看字幕。这样只能使乐感越来越差，何况看到字幕走你再张嘴本身就已经晚了。拿过一首歌首先要分清第一句是强拍进的还是弱拍进的，张嘴第一句对了就成功一半了。

　　唱的过程中如果你听不懂各种乐器混合的伴奏，有个小窍门就是注意听鼓，也就是所谓的跟着鼓点唱。很多人把强弱拍弄反了，低音的大鼓往往在强拍上，而高音的军鼓往往在次强拍或弱拍上，要注意区分。还有个窍门就是先别急着自己唱，先开着原唱进行“跟唱”，这样会事半功倍。

　　找到节奏的感觉了，唱歌自然就跟上伴奏了!

　　边打拍子边唱歌。

　　一开始可以用手或者用脚打拍子，边打拍子边念:1234/2234。记住歌词是从哪个节奏（数字）进入的。像一些节奏稍微难的歌曲，很多半分音符可以靠打拍子把节奏记下来。

　　时间长了，常听常唱，乐感也会也来越好、做到心中有节奏。

　　掌握节奏节拍的主要类型

　　可以先从慢歌，以及自己熟悉的歌练起，找到旋律节奏的感觉。唱的时候要心里始终想着下一段的节奏性是什么，而不能等听到乐曲后才开始唱，那样就慢了，也不能不顾以后会出现什么节拍就唱，就容易抢拍了。

　　通勤路上练*乐感

　　上下班（学）的路上的时间也可以利用起来听听歌。

　　听歌的时候，注意听鼓声。一般歌曲的鼓声都是节奏的关键，从头到尾，鼓声的间隔保持高度一致。偶尔也会有一些停顿，不过不多。多听鼓声，你就会发现，人声基本都落在鼓点上。

　　还有一个容易被忽略的地方在于，大部分人跟不上节奏是由于呼吸方式不对，插上耳机努力听清原唱是怎么换气的吧，搞清楚这个基本上你就会唱了！

　　扩展：合唱的伴奏知识

　　1、合唱的伴奏形式

　　合唱分为无伴奏合唱和有伴奏合唱两大类。有伴奏的合唱，其伴奏形式主要有两种：一是键盘乐器伴奏，主要包括钢琴伴奏和手风琴伴奏两种，其中钢琴伴奏形式的使用最为普遍，一般专业合唱比赛和专场合唱音乐会均用钢琴伴奏;

　　二是乐队伴奏，主要包括西洋管弦乐队、民族管弦乐队和交响管乐队伴奏三种，其中使用最多的形式是交响乐队伴奏，根据每个团队的.具体条件，也有使用中西混合乐队或加有电声乐器的混合乐队为合唱伴奏的实例。

　　2、合唱伴奏乐器或乐队的摆放位置

　　使用钢琴伴奏时，一般*惯将钢琴摆放在合唱队的右前方，即指挥的左前方介于合唱队与指挥之间的适当位置上;使用乐队伴奏时，视乐队编制或规模大小，有放在合唱队的正前方，即指挥与合唱队之间的正中位置上，也有放在合唱队的左前方，即指挥的右前方介于合唱队与指挥之间的适当位置上。一般大型乐队(按前者)摆放在中间，小型乐队(按后者)摆放在边上。

　　3、伴奏乐队的座次排列

　　根据指挥对包括伴奏乐器在内的合唱表演整体控制的需要，一般*惯于将乐队中的高音乐器(如西洋管弦乐队中的小提琴、民族管弦乐队中的高胡、板胡、二胡、柳琴等)放在合唱队的右前方和指挥左前方之间的适当位置上，将乐队中的低音乐器(如西洋管弦乐队、民族管弦乐队中的中提琴、大提琴、低音提琴等)放在合唱队的左前方和指挥右前方的适当位置上。

　　以合唱队的位置为基准，将管乐按音区高低从右到左依次摆放在合唱队的前面和高低音弦乐器之间的位置上(靠*高声部的为高音乐器，靠*低声部的为低音乐器)，打击乐器放在乐队中间最后一排的位置上(管乐的后方)，色彩性乐器放在乐队中间或靠*合唱队女高声部右前面的位置上等等。

　　4、合唱伴奏的基本要求

　　与合唱队合作的乐队或乐器，是合唱表演整体的重要部分，担负着铺垫、陪衬、烘托、支撑、补充合唱音响的任务。作为自身要求，它与单纯的器乐演奏一样，应处理好自身的音准、节奏、速度、力度、*衡、风格、音色和分寸等，与其不同的是，与合唱相伴的乐队或乐器，必须很好地处理好与合唱的关系，其中应注意的主要问题是如何做好音量控制。

　　在整个表演中，合唱是演出的主体，在所有音响关系中，需要适度地突出合唱，乐队的任务是伴奏，既是伴奏，就应突出一个“伴”字，作为指挥和每一个队员都必须明确认识这一点。乐队的铺垫应使合唱的音响得到更好、更有力的支撑而不是掩盖，乐队的演奏不能制造音墙，不能因自身音量过大将合唱队的声音淹没或遮蔽而喧宾夺主。

　　一般来说，需要突出乐队的地方主要在前奏、间奏和尾奏的段落或有合唱与乐队呼应性乐句的地方等。除此之外的所有音乐，都应视合唱音响的变化需要而决定如何控制演奏的音量。

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怎样训练音乐的节奏律动

怎样训练音乐的节奏律动

　　节奏包括节拍和速度这两个概念，前者是指音乐规律性的强弱交替的运动，即拍点的组合，后者是指律动的速度。节奏的律动就是节奏的生命。以下是小编整理的怎样训练音乐的节奏律动，供大家参考。

　　怎样训练音乐的节奏律动

　　音乐节奏律动音乐中的节奏概念是很宽泛的，从最宏微观的角度看，它可以说是音乐的“进行”，这个概念包括了音乐中各种各样的运动形态，既有轻重缓急，也有松散与紧凑。具体来说，节奏包括节拍和速度这两个概念，前者是指音乐规律性的强弱交替的运动，即拍点的组合，后者是指律动的速度。

　　节奏在自身的感觉

　　在知道拍号和每分钟有多少拍后，我们就要去感觉节拍。有的学生不去感觉节拍的分组，节奏的特性，等等，而是机械也数着拍子，我们要把这种被动变为主动，进入内心的节奏感觉。要做到有内心的节奏感觉，首先要去感觉节奏。

　　许多节奏方面的缺点之所以产生，实际上是由于自己本身没有很好地理解作曲家的精神和他的风格，作品的艺术形象。这就使永远变化无穷的多种多样的表演手法同作品、作品的意义、内容相一致首先是同它的形式结构，作曲法本身，声音素材取得完全的协调，只有这样，表演才可能是好的，艺术的。

　　1.在技术性段落中，要划分清楚一些有规律的组织的节奏。

　　2.要对节奏有感觉，也就是说对每小节内强拍弱拍的区分有感觉。

　　举几个常用的节拍：四二拍是强、弱，四三拍是强弱、弱，四四拍是强、弱、次强、弱、八六拍依次是强、弱、弱、次强、弱、弱。

　　举例一首作品来说，这首乐曲，表现的是船水中摇荡的背景。船歌一般是用八六拍子写成的。以三个八分音符为一组，每小节分为两组，根据六拍的节奏特点，把船在水中左右摇摆着前进的感觉表现得恰到好处。我们在演奏时，把第一拍作为一个重音，二三拍轻轻地带过去，第四拍作为次重音也要放下去一个小重量，然后五六拍再轻轻的演奏。只要把这些力量安排好了，演奏的的时候的心里节奏就会慢慢形成。有些演奏者过远地偏离原谱和作者的构思，其根本在于不够理解作品的基本内容，歪曲作品的结构。因此，我们必须养成认真去分析节奏，并去感觉、体现它的*惯，这是保证演奏中基本的节奏感所必需的。

　　节奏与律动感

　　节奏的律动感，是要通过自己的内心去体会，去感受，其要点是结合乐曲的情绪语言、意境，选择好合适的节奏。这种律动感可说是一种韵律。真正以内心感觉到节奏，感觉到活生生的脉搏，节奏的律动就是节奏的生命。律动经常在较快速的段落和有规律的伴奏音型部分能更明确地得到体现。比如，在八六拍子中，每小节分成两组，每组六个八分音符。在淡雅、宁馨的旋律之下，伴奏音型*稳而美好地缓缓向前流动着，每六个音为一个律动。这六个音中，第一个音稍重一些，作为律动的点和依靠，后五个音均匀柔和地连续下去。这时音乐的表达会让人更加的舒服，安逸，表现力大大提高。在这种感觉中，逐步去体会出合适的律动速度和意境。节奏的律动感是一种活生生的，发自内心的感觉，就像脉搏对人的生命那样的富有活力。我们必须多听、多想、多体会，才能有正确的自我律动。

　　节奏与速度

　　如果演奏者没有把大型作品，作为一个整体来加以足够的思考并去感觉，就必然会出现速度上和节奏的错误。有得演奏者在刚开始表演作品是难以确定作品正确的基本速度。开始时采用的速度如果是不肯定的或是错误的，往往会对整个作品产生影响，有时即使作品的速度得到改进，但是表演的完整性却已遭到破坏。练琴时可以试用各种与原来速度略为有所不同的速度，借以确定以最慢到最快速度的状态，这是一种很好的方法开始表演之前，最好在思想上把开始时的速度和作品以后发展中的某个地方作一比较。

　　比如，一个作品速度是每分钟一百二十拍。乐曲开始，整个第一行速度极稳定。第二行第一小拍标上了加快，要求从这一小节第一拍起加快，一共两小节，这个加快，这两小节从原速开始，一拍比一拍更快，这是一个逐渐加快的.过程。 比如表现刑警开始行动，罪犯的四下逃窜的情景，演奏者常常过急，一下子加速至最快，这就成了突快，而不是渐快了。这样却违背了作曲者本身的意愿。在加快之后第二行的第三小节标着回原速，从这一拍起，马上要回到一分钟一百二十拍的基本速度上去，这个速度不能忘记。由此可见，乐曲速度的变化是需要演奏者长时间的学*，培养节奏的律动感。所以，在变化节奏中，变化的部分能否做到渐慢或渐快，回到原速时节奏是否清楚、稳定，是我们对节奏感的很好考验。

　　总之，节奏是音乐的基础，也是音乐的生命，节奏又是千变万化。其实每个曲子都会有一个基本的节奏，在演奏过程中，演奏者掌握了这点，对于演奏好整个乐曲就不会有太大的难度。

　　音乐律动活动与幼儿节奏感的培养

　　当我们看到尚在襁褓中的婴儿就能够随着欢快的音乐摆动手臂、有力蹬腿时，我们无不惊异于音乐对生命的强烈作用和儿童与生俱有的音乐潜质。音乐之所 以能对婴幼儿产生这样的影响，是因为它的最基本元素流动性、运动性、节律性能吸引感官不由自主地去跟随它。这种“上下翻飞”的美妙声响和有节律的运动又会 进一步刺激婴幼儿的运动神经，而我们知道，运动正是生命成长的内在动力。

　　一、音乐律动活动的教育价值

　　音乐和运动不但与生命成长关系密切，而且与个体的心智发展关系密切。感官一运动发展的关键期发生在儿童从出生到四五岁之间。它是这个时期儿童主要的学* 方式。跟随音乐的身体律动可使幼儿对音乐的情绪情感有更直接的感受和更自主的表达。幼儿通过身体动作感知音乐的基本要素，如速度的快慢、力度的强弱、音调 的高低、段落的划分乃至它们之间的种种关系等。跟随音乐的身体律动还能培养幼儿听觉的专注力以及提高幼儿的想象力、动作反应能力、自我控制能力和创造力， 等等。动作还像一座连接感性和理性的桥梁，能帮助幼儿理解音调的高低，感知音乐的开始和结束，这些都可为幼儿抽象思维能力的发展提供条件。

　　二、音乐律动活动与节奏能力发展

　　节奏是音乐的重要元素，是音乐美感的重要来源。它充满活力，也充满情感和意义。所有的节奏都需要通过身体的动作和肌肉的反应来感知，节奏感完全依赖于运动。儿童阶段是感受和体验节奏的最佳年龄期。

　　达尔克罗兹体态律动的理论认为，人无不具有天生的节奏本能，但是需要诱发和培养。只有以听音乐和做身体动作为手段，才能唤醒儿童天生的音乐本能。我们可 以通过音乐与运动相结合的学*形式，把儿童对音乐的理解转化为具体的动作、节奏和声音。把音乐表现中的力度、速度、音色变化等与儿童运动时的能量、空间、 时间感受融合在一起，从而培养他们体验音乐情绪的能力。达尔克罗兹认为，身体是体验节奏的第一载体，节奏是音乐教育中的一种特殊力量，人体运动是音乐节奏 的外在表现。

　　在奥尔夫“原本性音乐”的教育理念里，音乐教育应该融语言、动作、音乐为一体，而能够把它们融合在一起的核心就是节奏。

　　柯达伊提出，节奏的形式及其表现力极为丰富和精细，它可使各种分散的音乐要素通过组织和规律化成为一种内在的力量，所以节奏感培养不但是感受、理解、表现音乐的基础，而且能发展幼儿的感知能力、反应能力、记忆能力和自我控制能力。

　　三、发展节奏感的律动活动的主要形式

　　幼儿园音乐活动中的律动主要包括声势、游戏、即兴表演、集体舞等形式。奥尔夫音乐教育体系创造了一整套通过动作开展音乐教育的方法，其中的“声势”是指 用身体作为乐器，通过身体动作发出声响的一种方法。基本的声势包括跺脚、拍腿、拍手、捻指四种形式。声势对培养幼儿的节奏感、听辨力、记忆力、创造力都有 积极的作用。可供幼儿园选用的发展节奏感的律动活动形式多样，如手指游戏、原地做动作、在移动过程中做动作等。

　　手指游戏较简单，并且深受幼儿喜爱，有助于发展幼儿的小肌肉动作能力。例如，配合碰碰眼睛、耳朵、手脚动作的歌曲，不但可以帮助幼儿发展精细动作能力，还可以帮助幼儿认识身体并建立起身体意识。

　　原地做动作是指让幼儿在一个稳定的环境中探索站、坐、蹲等身体动作。幼儿动作发展的规律是从原地做动作到在移动过程中做动作。幼儿对动作的控制则是从控制头部和上半身动作开始，再向控制下部肢体动作发展的。

　　在移动过程中做动作是指伴随音乐做弹跳、摇摆、跑动、舞蹈等动作。移动位置的运动丰富了动作样式，也促使幼儿有了更多动作想象和自我表达的机会。例如， 可缓慢拖着脚步走，可挺起身子、脚步有力地走，可轻松地蹦跳，等等。通过轻快与沉重的对比，幼儿能够准确地体验到音乐情感的表达。又如，配合不同风格的 (轻柔的、欢快的、节奏鲜明的)音乐即兴跳舞。可以帮助幼儿通过自由的肢体动作感知音乐节奏，体验快乐。

　　设计律动活动要遵循幼儿的年龄、心理和运动能力的发展规律，切合幼儿的实际能力。组织活动时要从他们能够做的动作开始。例如，组织小年龄幼儿开展律动活动时。可以让他们先在原地做动作，待他们有所体验后再在移动过程中做动作。

　　纱巾、彩带、皮球、节奏棒、呼啦圈等道具具有重要的辅助作用，可以增强幼儿对音乐活动的兴趣和对节奏感、音乐的理解。例如。可用三角铁帮助幼儿理解三拍 子；用大球、小球的不同排列帮助幼儿理解节拍的强弱规律，区分不同的节拍；用节奏棒、纱巾等配合即兴创编节奏和舞蹈动作。以帮助幼儿感知音乐的旬、段划 分；用进出呼拉圈的方式帮助幼儿探索空间位置，等等。使用道具辅助律动活动比只做徒手动作更有意思，有利于幼儿把身体的各个部分都活动开来，也有利于幼儿 表达对音乐的感受，调动幼儿参与音乐活动的积极性。

　　四、律动活动的实践举例

　　1 《小毛巾》——体验稳定拍感

　　《小毛巾》是一首台湾童谣，歌词诙谐，曲调朗朗上口，速度适中，适合小班幼儿歌唱。每段歌曲前两句是重复的，“小小毛巾爱玩水，洗了眼睛鼻子嘴”，幼儿 可以做洗眼睛、鼻子、嘴的动作，之后则根据所唱出的身体部位做动作，如第一段的歌词是“还跟耳朵亲亲嘴”，第二段的歌词是“还跟耳朵、还跟脖子亲亲嘴”。 第三段的歌词是“还跟耳朵、还跟脖子、还跟眉毛亲亲嘴”。歌唱时既要保留基本动作，又要逐渐增加新的动作，以发展幼儿的注意力和记忆力，使活动更有趣味 性。

　　理解稳定拍感是感知节奏的重要基础。练*时可引导幼儿伴随歌谣或歌唱做踏脚、拍手、走路、敲击打击乐器等动作，以感受稳定节拍，理解连续、均匀的节拍运动特点。

　　2 马跑、兔蹦、蛙跳等——体验不同的节奏时值

　　在教学实践中，教师要善于运用儿童在日常生活、游戏、歌唱活动中自然形成的节奏感来发展他们的节奏能力。例如，可以引导幼儿从“敲门”“握手”“钉钉子”“补鞋”等动作中发现节奏，可以通过模拟自己喜爱的动物的跑、跳动作来丰富对节奏的感知。

　　①学*奔腾跑跳动作。这既是学*跑跳步，也是学*附点节奏。如果教学对象是年龄比较大的孩子，可以让他们直接从模仿马跑的动作开始。如果教学对象是年龄 较小的孩子，则可以从各种有关马的问题或故事引入。为了帮助幼儿更加准确地模仿马的奔跑节奏，教师可以先让幼儿围坐在地板上用手在地板上拍击，然后跟着教师的鼓声在移动过程中做动作。

　　②学*双脚蹦跳动作。可让幼儿通过模仿兔子、袋鼠的蹦跳动作，练*双脚蹦跳。蹦跳的节奏可以是四分音符时值，一拍一跳，也可以是八分音符时值，一拍内两跳。

　　③学*单脚跳动作。可给幼儿看美洲印地安人跳舞的图片或视频，启发他们发现舞蹈中单脚跳的形式。听着教师的击鼓声，孩子们做出单脚跳动作。同时口中可发出“噢、噢、噢”的欢叫声。单脚跳动作的特点是第一拍重音(这一拍也可以是双脚跳)，两只脚按小节交替做动作(一小节一换脚)。教师可带领幼儿在四拍子、三拍子、二拍子的不同节拍形式中练*。

　　④学*弱起拍的跳跃动作。教师可先启发幼儿讨论“青蛙是如何跳跃的”。然后发现青蛙之所以跳得高、跳得远，是因为它有一个准备动作。它的节奏是，然后启发幼儿跟着教师的鼓声练*，体验这种“弱起”准备的节奏感觉。

　　在教学实践中，教师可以把上述各种节奏和运动形式串联起来，配合鼓和其他打击乐器引导幼儿练*。

　　需要强调的是，为了开展音乐律动活动，教师需了解和掌握幼儿生理和运动能力发展的基本规律。一般说来，两岁以上的儿童可以做走、跑、双脚蹦跳等动作。三 岁以下的儿童不容易做奔腾跑跳动作，但是可以让他们尝试跟着鼓声做提肩膀的动作，它同样能够帮助他们感觉到节奏的弹性、跳跃和向前推进的特点。四岁以下的 儿童往往不容易做单脚跳动作，他们常常保持不住身体的*衡，容易感到疲劳。四岁以上儿童一般能做出青蛙跳动作。

　　3 圣诞老人的驯鹿——学*渐快和渐慢

　　①教师和幼儿围坐在地板上。教师出示驯鹿的照片，问幼儿：“你们知道驯鹿最特殊的工作是什么吗?”孩子们回答说：“是给圣诞老人拉雪橇。”教师又同： “它的脖子上挂的是什么?做什么用的?”教师和孩子们通过讨论得出：驯鹿喜欢听铃铛的声音，铃铛的声音和走路的声音配合起来很好听。由此吸引孩子们的注 意，进入教学环节。

　　②教师说：“让我们用手来当驯鹿的脚，也跑起来飞上天吧!”孩子们跟着教师用手拍击地板，经历“慢走——小跑——逐渐加 快——快跑——飞起来”(“飞起来”的时候不再拍击，而用手臂在空中做盘旋飞行的动作)的过程。教师说：“驯鹿要降落到××小朋友的家门口了，它可不是一 下子掉下来的噢，让我们帮助驯鹿慢慢地降落下来。”大家一起拍击地板，经历“快跑——小跑——走——停”的过程，体验速度的渐快和渐慢。

　　③教师说：“请你们大家做驯鹿，我来做铃铛，现在我们要去送礼物了!注意驯鹿走路的声音要和铃铛的声音一致啊!”教师可摇动串铃或其他金属类乐器引导幼儿感知渐快和渐慢的动作特点，当“驯鹿”飞起来时铃声停止。之后可让孩子们轮流敲击铃铛指挥动作。

　　④做过几次固定位置的活动后，选一个幼儿当驯鹿，让他听着铃声合拍地在圈外跑动，表示去送礼物。其他幼儿继续在地板上拍出节拍。幼儿可轮流当驯鹿。

　　⑤教师再启发：“驯鹿跑动时除了可以听到铃声，还可能听到其他声音吗?”教师敲击双响筒，模拟鹿蹄声。最后，铃声、鹿蹄声和幼儿跑动的声音、所做的动作融合在一起，完成从固定位置到移动位置的活动，体验速度的渐快和渐慢。

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音乐课中的节奏训练

音乐课中的节奏训练

　　在日常学*、工作生活中，许多人都写过论文吧，论文是指进行各个学术领域的研究和描述学术研究成果的文章。你写论文时总是无从下笔？下面是小编帮大家整理的音乐课中的节奏训练，希望对大家有所帮助！

　　在培养学生的音乐素质中，音乐感觉的培养很关键的一步就是对学生节奏感的训练。德国当代著名的作曲家、儿童音乐教育家卡尔·奥尔夫认为：音乐构成的第一要素是节奏，不是旋律。节奏可以脱离旋律而存在，旋律则不可能脱离节奏而存在。所以，节奏是音乐的生命，是音乐生命力的源泉。他特别强调从节奏入手进行音乐教育。我们现在从奥尔夫教学体系中归纳出以下几种节奏练*方法：

　　一、语言节奏练*。我们可以通过民谣、诗歌，让儿童从语言出发来掌握节奏。比如最简单的《静夜思》，可以加上自创的节奏朗诵，这样学生感觉非常熟悉的东西一下子变得不一样了，很新奇，也必然会很感兴趣。可以结合一定的'动作和舞蹈去加强节奏，使学生在边朗诵、边跳、边拍掌、边跺脚等过程中，去培养节奏的敏感性。

　　二、声势练*。这是一种不受条件、环境、时间制约的极其简单易行又行之有效的培养学生节奏感的方法。通过有规律的拍手、拍腿、跺脚等形式可掌握各种多变的节奏型，并为学生自己创造节奏型为歌曲伴奏积累素材。

　　三、多声部及合声的节奏练*。在拍手、拍腿、跺脚的声势训练基础上，进行多声部及合声的节奏练*，对于学生掌握起来并不困难。将学生分成三组，每组以一种声势和节奏型进行练*，然后将三组合起来为歌曲伴奏，便成了三个声部的节奏音乐了。

　　第一组跺脚： ×　×　︱ ×　 × ︱

　　第二组拍腿：0　×　×︱0　× × ︱

　　第三组拍手：××× ×︱××× ×︱

　　四、轮说节奏练*。在以节奏型为基础的说歌的过程当中，如果我们将学生分成两组或三组进行轮说，不仅能加强学生的节奏记忆能力，同时可为今后学*轮唱奠定深刻的感性认识。

　　五、变奏节奏练*。同一首歌曲可用不同的节奏分别说，也可用不同的节奏同时说。各种不同的节奏会表现出不同的风格特点。 例如：苏教版7年级上册中的歌曲《我们一起来》，节奏欢快，可试用不同的节奏型为之伴奏，更加体现歌曲的欢快情绪，学生也在这样的氛围中被感染了。

　　1、拍手　　　　× ×︱× ×︱

　　2、拍手加敲桌　× ×︱× ×︱

　　3、跺脚　　　　× ×︱× 0︱× ×︱× 0︱

　　以上我们介绍了五种节奏练*的方法，不是沉闷地、一味地坐着伴奏、机械地奏乐，而是能充分激发学生学*和参与的积极性。

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